Arte Del Renacimiento 5d5i4u

Nombre: Jesús Daniel Soler Cepeda #11 Grado: 8° grado sección A

Nombre del estilo: ARTE RENACENTISTA Ubicación tiempo y espacio: Tiempo: Desde el siglo XV al XVIII Ubicación geográfica: Todo el continente Europeo

Reseña: Este fue un periodo cultural muy importante para la humanidad y también si se quiere decir fue un periodo de transición, de pensamientos cambiando del modelo del Medioevo a un modelo más humanista, se dieron grandes descubrimientos a nivel geográfico, se gesto también la llamada Reforma y Contrarreforma, se dieron grandes confluencias culturales, y surgieron grandes exponentes del pensamiento, y la literatura.

Características Generales • Se observa un enfoque humanista • Inspiraciones en lo Greco-Romano • Exaltación de la figura humana. • Es un arte antropocentrista. • Los temas religiosos se interpretan con mayor espontaneidad

Arquitectura: • Deja de lado las formas de la arquitectura gótica y se enfoca en la romana y bizantina. • Se observan variantes en la concepción del espacio de las fachadas y los ornamentos. • Los muros se entrecruzan y son coronados por grandes cúpulas. • Las plantas utilizadas eran las de cruz latina. • Los elementos arquitectónicos dominantes eran el arco de medio punto y las cúpulas. • Las ventanas y los portales eran cubiertos por frontones triangulares o semicirculares. • Las columnas usadas tenían capiteles clásicos y fustes lisos y agigantados. • Los muros exteriores eran cubiertos con mármol y con piedras decoradas en disposición almohadilladas. • La arquitectura se desarrollo en distintas etapas a saber: • Plateresco La arquitectura plateresca corresponde a la primera mitad del siglo XVI en el contexto de una arte oficial dominado por la poderosa monarquía de los Reyes Católicos, primero y de Carlos V, después. En él se combinan estructuras arquitectónicas del gótico final flamígero o isabelino con elementos decorativos venidos de Italia, que además incorpora elementos mudéjares. • Las características decorativas del plateresco es la profusión de filigrana de piedra (de ahí su nombre, pues imita el trabajo de los orfebres) a base de medallones en las fachadas, los frontones y enjutas, los entablamentos y basamentos, los grutescos, los festones, las columnas balaustradas, todo ello decorando las fachadas de los edificios que, sin embargo, tienen la típica estructura gótica de pilares fasciculados soportando bóvedas de crucería compleja. • Estilo herreriano • El estilo hereriano es consecuencia de la situación social, religiosa y política de España durante la segunda mitad del siglo XVI. Y es que, a partir del reinado de Felipe II, la corriente de austeridad católica impregna la sociedad española de la Contrarreforma alcanza también al arte y a la arquitectura.

Escultura • Esta tiene sus antecendentes en las tallas romanicas italianas. • Se evidencia su relación con la greco romana. • Enfoque siempre humanista y mayormente de temas religiosos. • Se desarrolla en varias etapas: • Primera Etapa de la Escultura del Renacimiento en España (Primer tercio del siglo XVI) • En esta primera fase hay escultores italianos y algunos españoles. • A principios del siglo XVI, son destacables los escultores Domenico Fancelli autor de la tumba de los Reyes Católicos en la catedral de Granada y el sepulcro del Infante Don Juan en Santo Tomás, de Ávila. • También son destacables los escultores Pietro Torrigiano y Vigarny, autor este último del Retablo de la Catedral de Granada, en madera policromada. • Hay que citar a Vasco de la Zarza, creador del sepulcro del obispo Alonso de Madrigal, "el Tostado" de la catedral de Ávila. • Más apegadas al mundo gótico anterior son las obras de Bartolomé Ordóñez (Sepulcro de Juana La Loca y Felipe el Hermoso en la Catedral de Granada) y Diego de Siloé, especialista en altares y sepulcros. • Segunda Etapa de la Escultura del Renacimiento en España (Segundo tercio del siglo XVI) • en el segundo tercio del siglo XVI, los resabios góticos en la escultura del Renacimiento en España desaparecen para alcanzar el clasicismo pleno, incluso alcanzando una fase ya manierista del estilo. El principal centro artístico es Valladolid.. • Las figuras más destacadas son Alonso de Berruguete y Juan de Juni. • El primero fue hijo del pintor Pedro Berruguete y se formó en Italia por lo que en su obra se aprecia influencia de Donatello y Miguel Ángel, pero creando un estilo propio con acusado alargamiento de las figuras, expresión de angustia y posiciones inestables. • Algunas de sus mejores obras de Alonso Berruguete son el retablo de la Mejorada de Olmedo, los retablos de las iglesias de Santiago y San Benito en Valladolid, la sillería de coro de la Catedral de Toledo y el sepulcro del Cardenal Tavera en Toledo. • Por su parte, Juan de Juni, se ve influido por Jacopo della Quercia y Miguel Ángel. Fue el autor de obras como el Santo Entierro (retablo de la catedral de Segovia) y la figura orante de San Segundo en Ávila. • Tercera Etapa (Último tercio del siglo XVI) • Por último, en el último tercio del siglo, aparecen las últimas figuras de la escultura del Renacimiento en España, como son Gaspar Becerra (Retablo de la catedral de Astorga.) y León Leoni y Pompeyo Leoni, grandes retratistas y autores de diversas estatuas de bronce de El Escorial.

Pintura • • • • • • • • • • •

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Los temas religiosos se interpretan con mayor espontaneidad. Los detalles se hacen mas precisos . Los personajes adquieren expresiones mas relistas. Se estudian técnicas de sombra y luz. Se perfecciona la representación del volumen. Se perfecciono la perspectiva lineal. Se invento el oleo. Se inicia la pintura en caballete. Pintura renacentista y el Manierismo de El Greco Aunque el clasicismo de la pintura renacentista italiana pugnó por entrar en nuestro país, el fervor religioso del catolicismo español no lo permite de manera intensa. En este contexto, el desnudo apenas existe y si lo hace es cargado e exaltación mística. Algunos importantes pintores del Renacimiento español son la Familia Osona, Fernando Yáñez, la Familia Masip, sobre todo Juan de Juanes, Alejo Fernández, Alonso y Pedro Berruguete, Fernández de Navarrete, Sánchez Coello, Juan Pantoja de la Cruz, Luis de Morales "El Divino" y por supuesto, el líder indiscutible del Manierismo español, Domenico Teothocopulos "El Greco" El Greco nació en Creta en 1541 y murió en Toledo, donde desarrolló gran parte de su obra. Su pintura fue innovadora para su época y por ello no fue muy aceptado en su tiempo. Su reconocimiento como genio de la pintura de Renacimiento y Manierismo en España procede del siglo XIX cuando se le "redescubre". Su primera formación en Creta supone una fuerte influencia del arte bizantino, en especial el mosaico, de donde tomara su alto sentido de la religiosidad y la simetría de sus composiciones, que durará toda su vida. Cuando era aún joven, El Greco viajó a Venecia y Roma donde se encuentra en su máximo esplendor la Escuela del cinquecento (Miguel Ángel, Tiziano y Tintoretto). El Greco aprenderá de Tiziano el uso de colores cálidos y la importancia de la luz. Sin embargo fue en Toledo donde el Greco alcanzó su máximo esplendor. Aquí encuentra su personalidad verdadera y da rienda suelta a su arte, realizando sus obras más interesantes. El Greco pintará en España preferentemente temas religiosos, algunos mitológicos y retratos. Una de sus grandes obras de su vida en Toledo fue El Expolio, del altar de la Sacristía de la Catedral de Toledo. En esta obra, el Greco muestra su genialidad donde ya no importa ni la proporción ni el realismo del dibujo, y donde sorprende el juego de colores que usa para perfilar las formas. Fue probado por Felipe II para participar en la decoración de El Escorial pero su pintura no fue del total agrado del rey, precisamente por salirse de la corriente general establecida. Efectivamente, El Greco no fue un pintor convencional del Renacimiento. En su genial pintura, sus personajes se alargan y se mueven en amplios escorzos, en la búsqueda de reflejar un exaltado misticismo. Algunos de sus cuadros más famosos, además del Expolio son La Santa Faz, El entierro del conde de Orgaz, Caballero de la mano en el pecho, San Andrés y San Francisco.

Biografía Leonardo Da Vinci Es uno de los grandes genios del Renacimiento, destacando como artista, inventor y descubridor. Nació en 1452 en Vinci, siendo hijo ilegítimo de un notario florentino. Se crió en Florencia y aprendió en el taller de Verrocchio; con seguridad, Leonardo está en el taller de Verrocchio en 1476, como confirma una denuncia en la que se le acusaba de homosexualidad. Con 20 años ya es maestro independiente, interesándose mucho por descubrir nuevas técnicas para trabajar al óleo. Sin embargo, continuó ligado al taller de Verrocchio hasta prácticamente su marcha de Florencia. Su reputación crecía y los encargos aumentaban. En 1482 se traslada a Milán, ofreciendo sus servicios a Ludovico Sforza, Duque de Milán; había marchado a Milán como embajador de Florencia, dentro del plan de los Medici de difusión del arte florentino como motivo de prestigio e instrumento de propaganda cultural. En Milán estuvo durante 17 años, trabajando en variados proyectos de todo tipo, tanto artísticos como científicos, en los que el deseo de experimentar era su principal objetivo. Esto no le impedía realizar encargos ocasionales para Florencia, que frecuentemente dejaba inacabados. Tras la invasión de Milán por las tropas sas, regresa a Florencia para trabajar como ingeniero militar. Por estos años realizó múltiples disecciones, mejorando y perfeccionando su conocimiento de la anatomía. En Florencia recibió el encargo de decorar una sala de la Cámara del Consejo, que nunca acabó. En 1506 regresó a Milán y al año siguiente entró al servicio de Luis XIII de Francia, para quien trabajó como pintor e ingeniero. Entre 1513 y 1516 está en Roma, pero consciente de que no puede competir con Miguel Ángel acepta la invitación de Francisco I de Francia y se traslada allí, falleciendo en el castillo de Cloux, cerca de Amboise, en 1519. Su producción estuvo marcada por el interés hacia el claroscuro y el sfumato, la técnica con la que difumina los contornos, consiguiendo una excelente sensación atmosférica como se aprecia en su obra más famosa, la Gioconda. Su faceta como dibujante también es destacable, conservándose una gran cantidad de apuntes. Al final de su vida sufrió una parálisis en el brazo derecho que le impedía pintar, pero no continuar dibujando y enseñando. Poco se recuerda de los alumnos de Leonardo, cuya maestría se impuso con diferencia a la de aquéllos que trabajaron con él. Entre sus colaboradores destacan los nombres de sco Melzi, Boltraffio, Lorenzo de Credi, Ambrogio y Evangelista de Predis, etc. Leonardo representó una ruptura con los modelos universales establecidos durante el Quattrocento. Se opuso al concepto de "belleza" ideal, defendiendo la imitación de la naturaleza con fidelidad, sin tratar de mejorarla. Y así contempla la fealdad y lo grotesco, como en sus dibujos de personajes deformes y cómicos, considerados las primeras caricaturas de la historia del arte. Su dominio del color y la atmósfera le hace también el primero en ser capaz de pintar el aire. La perspectiva aérea o atmosférica, como hoy se conoce, es una característica inconfundible de su obra, en especial de los paisajes. Leonardo fue el primero en considerar que la distancia se llenaba con aire y que éste hacía que los objetos lejanos perdiesen nitidez y se viesen azulados. Vivió en una época en la que el humanismo y el estudio de los clásicos estaban de plena vigencia; sin embargo, parece que tuvo dificultades intentando aprender latín y griego, los idiomas cultos y la llave de a la cultura filosófica neoplatónica que dominaba Italia y parte de Europa. Leonardo escribió la mayor parte de sus escritos en toscano, un dialecto florentino. Pero escribía al revés, como visto por un espejo. La obra pictórica de Leonardo es muy escasa y discutida. El signo del artista fue el abandono sistemático de los proyectos que se le encargaban, por muchas medidas que tomaran los clientes mediante contratos, cláusulas, etc. Él mismo no se definía como pintor, sino como ingeniero y arquitecto, incluso como escultor. Sin embargo su prestigio en vida alcanzó dimensiones prácticamente desconocidas. En Roma fue alojado en el palacio del Belvedere, la residencia de verano del Papa. El rey de Francia le

invitó al final de su vida y trató de acaparar sus escasas obras. Isabella d'Este, una de las mujeres más importantes de su época, le persiguió durante años para conseguir que terminara su retrato, del que sólo ha quedado un dibujo en muy mal estado. Tras su muerte, Leonardo se ha convertido en el paradigma de "hombre del Renacimiento", dedicado a múltiples investigaciones científicas y artísticas. Sus obras han determinado la evolución del arte en los siglos posteriores, independientemente de que se trate de obras realmente del maestro o simples imitaciones o colaboraciones. Su vida personal es en gran parte un misterio; apenas han llegado indicaciones acerca de sus costumbres, gustos o defectos. Se sabe que era estrictamente vegetariano, por sus cartas y escritos sobre anatomía, en los que llama a los omnívoros "devoradores de cadáveres". También parece bastante probado que Leonardo era homosexual, sufrió persecución por este hecho y estuvo a punto de enfrentarse a la Inquisición. Sus protectores consiguieron siempre que eludiera el juicio público, que en otros casos terminaba con la quema en la hoguera de los supuestamente culpables. En cualquier caso, Leonardo permaneció soltero y sin hijos. Tampoco sus discípulos parecen haber recogido la herencia del maestro, al menos en el terreno pictórico. La obra de los que trabajaron con él es prácticamente desconocida y de escasa calidad. El proyecto, inacabado, que Leonardo realizó para un "Tratado de la Pintura", fue recogido por sco de Melzi. El joven no lo ordenó ni lo supo conservar para su publicación. Al cabo de los años se consiguió una edición provisional, desordenada, sin coherencia, pero que progresivamente se trató de completar para dar una orientación general de las ideas de Leonardo acerca de la pintura, la arquitectura, el cuerpo humano, la botánica... todos los temas, en fin, que ocuparon su mente a lo largo de su vida. El artista que tal vez se mostró más influido por la obra de Leonardo fue Durero; al igual que el maestro italiano, Durero trató de demostrar el carácter científico de la pintura. También supo apreciar el interés de Leonardo por las proporciones del cuerpo humano, del caballo y de la arquitectura. Como Leonardo, Durero proyectó un Tratado sobre pintura y sobre proporciones que, igualmente, no llegó a publicar. Ambos artistas, cada uno en su país, dieron un vuelco a la pintura tal como se empezaba a delimitar tras la eclosión del Renacimiento y la dotaron de un aire de modernidad que se mantuvo vigente hasta el arte contemporáneo. ANEXOS: ARQUITECTURA: BASILICA DE SAN PIETRO Donato Bramante. 1502. Roma

BASILICA DE SAN PEDRO. Miguel Angel

PALACIO RUCELLAI LEO BATTISTA ALBERTI

ESCULTURA

SAN JORGE DONATO DONATELLO FLORENCIA

SACRIFICIO DE ISAAC LORENZO GHIBERTI

EL DAVID MIGUEL ANGEL

PINTURA

CRISTO MUERTO ANDREA MANTEGNA SIGLO XV MILAN

EL JUICIO FINAL MIGUEL ANGEL VATICANO, ROMA

MADONNA DEL GRAN DUQUE RAFAEL SANZIO FLORENCIA

BIBLIOGRAFIA:

Para la correcta realización de esta ficha técnica fue necesario la consulta tanto en medio bibliográficos de información así como también en medio provenientes de la internet a saber:

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www.google.com

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www.wikipedia.com

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www.arteguias.com

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www.artehistoria.com

Medios bibliográficos: • MATOS GABINO, SANCHEZ VICENTA EDUCACION ARTISTICA EDITORIAL SANTILLANA MARACAIBO VENEZUELA 2002 160PP • CASTILLO YEPES AUREO HISTORIA UNIVERSAL EDITORIAL LARENSE CARACAS 2007 305PP