[21]bafici _ Catálogo 2j251b

El cine nos emociona, nos hace reír, nos muestra otras realidades y, muchas veces, nos deja enseñanzas que nos quedan para toda la vida. Todos tenemos una película favorita que nos marcó y que podríamos ver una y mil veces.

Cinema moves us, it makes us laugh, it shows us other realities, and many times, it teaches us lessons we cherish for the rest of our lives. We all have that one favorite movie that marked us and that we could rewatch a thousand times.

Cada película es el resultado del trabajo de muchas personas que, en equipo, se esfuerzan para que disfrutemos de todo su talento. Detrás de cada documental, ficción, drama o comedia, hay actores, actrices, guionistas, directores, maquilladores y productores que trabajan con pasión para que el cine crezca cada día.

Each film is the result of the work of many people who, as a team, make an effort for us to enjoy all of their talent. Behind every documentary, fiction, drama or comedy, there are actors, actresses, screenwriters, make-up artists and producers who work ionately for cinema to grow every day.

En esta nueva edición del BAFICI, vamos a ver el mundo a través de los ojos de directores nacionales e internacionales, algunos ya consagrados y otros que recién empiezan, independientes.

In this new edition of BAFICI, we will see the world through the eyes of local and international directors, some of them already established and others who are just starting, independent.

Y los vecinos vamos a copar los cines y las calles de la ciudad para disfrutar de nuevas historias acompañadas de grandes actuaciones.

And us neighbors will crowd the theaters and the streets of the city in order to enjoy new stories with great acting.

En el BAFICI, nos sentamos en una plaza o en una sala y nos dejamos transformar por las historias que pasan en cada edición. Y lo que lo hace único es que nos da la oportunidad de conocer el talento de muchísimos artistas nuevos.

At BAFICI, we sit at a square or a theater and let ourselves be transformed by the stories told in each edition. And what makes it unique is that it gives us the chance of getting to know the talent of lots of new artists.

El BAFICI es para todos. No hace falta saber de cine, conocer a los directores o las películas. Solo hay que animarse y dejarse sorprender.

BAFICI is for everyone. It’s not necessary to know about cinema, knowing directors or films. You just have to accept the challenge and let yourself be surprised.

En Buenos Aires, la cultura está en cada rincón de la ciudad. Y vamos a seguir trabajando para que los vecinos y vecinas disfrutemos juntos de toda la oferta cultural.

In Buenos Aires, culture is present at every corner. And we will continue to work for the neighbors to enjoy together all of our cultural offers.

Horacio Rodríguez Larreta Jefe de Gobierno. Ciudad Autónoma de Buenos Aires Chief of Government. Autonomous City of Buenos Aires

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[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

El BAFICI es uno de los festivales de cine más importantes de América Latina, y se transforma cada año en la plataforma de exhibición e impulso de la escena independiente argentina e internacional. El cine es una disciplina que apasiona a quienes viven y visitan nuestra ciudad, y este festival es la mejor excusa para que ese amor se agigante. Ir al Bafici es la instancia del año para compartir más que nunca nuestra pasión por el cine. Es la oportunidad para descubrir películas internacionales que no se exhiben en salas comerciales, o ver aquellos estrenos del cine argentino que eligen este festival para darse a conocer. O también redescubrir los hitos de la historia del cine, que se van a proyectar en lugares inesperados, como en plazas y parques. Es, sobre todo, una experiencia colectiva de vinculación a través del arte y la cultura. Es un momento para celebrar el cine con más personas en las salas, acercando la programación a los distintos barrios de la ciudad, integrando; porque el BAFICI viene trazando hace ya 21 años el camino de los nuevos cineastas que emergen en la escena independiente y que encuentran en estas salas el espacio para expresarse frente a su público. Durante este mes, la ciudad será un escenario cultural repleto de propuestas para que los porteños sean los protagonistas. Tenemos la Feria Internacional del Libro y la Semana del Arte en Palermo; la Cumbre Internacional de Ciudades Culturales en la Usina; el Bafici, con su nueva sede central, y la Maratón Bafici, en el barrio de Belgrano. Estamos orgullosos de nuestro cine y de nuestro festival, y por eso buscamos renovarlo año a año para que siga siendo una gran fiesta cultural. Los esperamos para salir a disfrutar de la cultura y descubrir más propuestas que nos sorprendan, y para seguir haciendo entre todos de Buenos Aires el centro cultural de Latinoamérica.

BAFICI is one of the most important film festivals in Latin America, and every year it turns into a platform for exhibiting and promoting the local and independent scenes. Film is a discipline that captivates those who live and visit our festival, and this festival is the best excuse for that love to grow. Attending Bafici is the best instance of the year to share our ion for film. It is the chance to discover international films that aren’t shown in commercial screens, or see those new Argentine films that choose this festival to make themselves known. Or also to rediscover the cinematic milestones that will be shown in unexpected places such as squares and parks. It is, above all, a collective bonding experience through art and culture. It is a time to celebrate film with more people in the theaters, bringing the festival’s program to different neighborhoods of the City, integrating, because, for the past 21 years, BAFICI has been tracing the path of the new filmmakers that emerge from the independent scene and find in these theaters the space to express themselves in front of their audience. This month, the City will be a cultural stage filled with options for citizens to become the protagonists. We have International Book Fair and the Art Week in Palermo, the International Summit for Cultural Cities at the Usina, and Bafici, with its new headquarters and the Bafici Marathon in the Belgrano neighborhood. We are proud of our cinema and our festival, and that is why we seek to renew it year after year in order for it to continue being a big cultural celebration. We look forward to going out to enjoy culture and discover new options that surprise us, and to continue turning Buenos Aires into Latin America’s cultural center.

Enrique Avogadro Ministro de Cultura. Ciudad Autónoma de Buenos Aires Minister of Culture. Autonomous City of Buenos Aires

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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¿Qué es el BAFICI? Un festival de cientos de películas en el que cada una de ellas constituye una oportunidad singular, a veces incluso única, según el título, para ver cine con otra gente, contagiarse diversas emociones o hablar y, de alguna manera, completar y poner a prueba lo experimentado a la salida de cada proyección. Un festival en el que cada película puede revelarles zonas del cine y de la vida que, hasta ese momento, no sabían que les gustaban. El BAFICI puede ampliar sus miradas, es decir, puede renovarlos. ¿Qué es el BAFICI? Un festival hecho por un equipo, con mucha gente experimentada y otros que se han sumado este año. Un festival hecho con pasión, con entrega, con divergencias, con la confianza en que la presencia —o ausencia, que también es parte del trabajo— de una película significa algo fundamental en un menú que — esperamos— tenga la identidad del BAFICI y a la vez —por eso mismo— exhiba una heterogeneidad lo más amplia posible. La idea de que en el BAFICI hay una sola clase de cine es una idea con anteojeras, una idea que descarta la realidad y la evidencia, una idea que casi no es una idea. ¿Qué es el BAFICI? Es el festival que más películas argentinas estrena. Y el que tiene más premieres de toda Latinoamérica. ¿Qué es el BAFICI? Un festival que cumple 21 ediciones, en muchas de las cuales —incluida esta— Paula Niklison fue una parte fundamental.

paradójicamente, se renueva buscando la experiencia del cine de otros tiempos, con salas que se parecen más a las que hicieron del cine un arte variado y no solamente masivo, sino también, y sobre todo, popular sin dejar de ser sofisticado. Un cine en el que era normal encontrar en la cartelera películas de diversos géneros, de muchos países distintos, con protagonistas que no solamente fueran “estrellas globales”. Para mucha gente, un cine en el que la calle quede a pocos metros es toda una rareza, y quizás también lo sea el ver películas en fílmico. Tal vez también sea una rareza poder ver varias películas seguidas en una pantalla gigante, que sean muy distintas entre sí y que el a ellas no represente una suma altísima de dinero. Un BAFICI renovado es, a la vez, el de siempre, pero potenciado, afilado: más diversidad, más , más cine en el cine. Y, si se me permite, un BAFICI con una gran confianza en la potencia de cada relato que se proyecta: queremos que, al finalizar las películas de este BAFICI, sea imposible dejar la sala con indiferencia o displicencia. La programación del BAFICI 2019 está pensada y ajustada como para que el amante del cine renueve sus votos, y también para que el que se siente defraudado por el cine vuelva a creer en él. Y para que —si todavía quedan— los prejuicios ante el BAFICI se disuelvan en el aire. ¿Qué es el BAFICI 2019? Un festival hecho por un equipo con el orgullo —siempre renovado— de preparar una edición más, que nunca es simplemente una edición más.

¿Qué es un BAFICI renovado? ¿Un festival que cambia de sede principal? Eso ya lo hizo antes. ¿Un festival que sale a la calle? Pero ya salió antes, aunque es cierto que esta vez un poco, o mucho, más. Un festival que no quiere hablarle solamente al público más especializado en el cine (y a la vez quiere cumplir con ese público, e incluso sorprenderlo y desafiarlo). Un festival que,

Javier Porta Fouz Director Artístico [21] BAFICI

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[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

What is BAFICI? A festival of hundreds of films in which each of them constitute a one-of-a-kind opportunity, sometimes even unique according to the title, to see films with other people, catch different emotions and/or talk about and somehow complete and put to the test what’s been experienced when you leave each screening. A festival in which every film can reveal areas of film and life that, until that time, you didn’t know you liked. BAFICI can widen your views, that is, it can renew them. What is BAFICI? A festival put together by a team, with lots of experienced people as well as others who ed this year. A festival made with ion, with dedication, with divergence, with the confidence that the presence —or absence, that is also part of the job— of a film means something fundamental in a menu that —we hope— has the identity of BAFICI and, at the same time —and because of that— shows a heterogeneity as wide as possible. The idea that at BAFICI there’s only one type of film is a blinkered idea, an idea that discards reality and evidence, an idea that is almost not an idea. What is BAFICI? It is the festival that premieres the most Argentine films. And the one with more premieres in all of Latin America. What is BAFICI? A festival that turns 21, in many of which —including this one— Paula Niklison played a fundamental role. What is a renewed BAFICI? A festival that changes its main venue? That’s been done before. A festival that goes out to the street? Because it has already done so, even though it’s true that this time it does so a bit, or much, more. A festival that does not only want to speak to an audience more specialized in film (and,

at the same time, wants to honor that audience, even surprise and defy them). A festival that, paradoxically, renews itself going for the film experience from other times, with screens that resemble those that made film a varied art, and not only a massive one, but also, and above all, popular without ceasing to be sophisticated. A cinema in which it was normal to find films of diverse genres, of many different countries, with protagonists that weren’t just “global stars.” To many, a theater in which the street is just a few meters away is a rarity, as is perhaps the fact that some of them are in 16 or 35mm. Maybe it’s also rare to be able to see many films in a row on a giant screen, films that are very different from each other, and that the access to them does not imply spending a large amount of money. A renewed BAFICI that, at the same time, is the same as always, but improved and sharper: more diversity, more access, more cinema at the cinema. And, if I’m allowed, a BAFICI with great confidence in the power of each story that’s screened: we want it to be impossible to leave a BAFICI screening with indifference or apathy. BAFICI 2019’s program is thought and adjusted so that the film lover renews its vows, and also for those who feel let down by film to believe in it again. And for the prejudice against BAFICI —if any of it remains— to vanish in the air. What is BAFICI 2019? A festival made by a team with the pride —always renewed— of preparing one more edition, that is never just one more edition.

Javier Porta Fouz Artistic Director [21] BAFICI

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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Gobierno de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires Jefe de Gobierno

DIRECCIÓN FESTIVALES DE BUENOS AIRES Silvia Tissembaum

Horacio Rodríguez Larreta

DIRECCIÓN ARTÍSTICA Javier Porta Fouz

Vicejefe de Gobierno Diego Santilli

Ministro de Cultura Enrique Avogadro

Subsecretaria de Gestión Cultural Vivi Cantoni

GERENCIA OPERATIVA DE PRODUCCIÓN FESTIVALES DE BUENOS AIRES Paula Niklison PRODUCCIÓN GENERAL Julia Marcovich Rogelio Navarro Asesoría Luciana Saffores PRODUCCIÓN EJECUTIVA Jeca Romo Allende PROGRAMACIÓN Magdalena Arau Álvaro Arroba Juan Manuel Domínguez Agustín Masaedo David Obarrio PRODUCCIÓN ARTÍSTICA Paloma Dema Equipo Eugenia Tramezzani Ariana Bouzón CINE ARGENTINO Nicolás Carnavale Carolina Tévez Asistencia Marina Cerruti Equipo Isabella Medina Gieco Luis Marteli Juliana Teles David Acosta Teves Gabriela Pastor Verónica Mayorga María Belén Varela PROYECTOS ESPECIALES Producción General Alejandro Antico Germán Bermant

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MARATÓN BAFICI Producción Artística Roni Isola Producción Ejecutiva Claudio Pizarro Equipo Clara Besfamille Ailín Bosco Ignacio Caltana Gisela Cantero Lourdes De Martino Belén Islas Paola Luttini Luis Madril Luca Ongarato Diego Quiroz Sabrina Rado Damián Sendrowicz Pablo Valado Producción Técnica Ignacio Caltana Gustavo Zakim Marco Pastorino Montaje Calle Paula Benevenia Pablo Valado Diego Quiroz PRODUCCIÓN Gonzalo Saenz Melina Cruz Agustina Bouzo Jimena Berberian Milena Barrón Hernán Basadoni Giuliana Betta GERENCIA OPERATIVA DE LOGÍSTICA Romina Marson Equipo Claudia Felicetti Marianela Lucewicz Andrés Martínez Gisela Gimenez Victoria Oleaga Milagros Staiman Victoria Obetko Daniel Alberto Couturier Ariel Cáceres

PRODUCCIÓN TÉCNICA FESTIVALES Juan Cruz Olascoaga Equipo Horacio Ojeda Juan Ignacio Caltana Coordinación de Sonido en Salas Federico Biamonte Fernando Centurión OFICINA DE INVITADOS Coordinación Laila Sapollnik Uriel Kuzniecki Equipo Noelia Lencina Marina Moreira Interpretación en Presentaciones Coordinación Lydia Stevens RELACIONES INSTITUCIONALES Paz Canessa COMUNICACIÓN Coordinación General Soledad Betelú Macarena Colombo Coordinación Operativa Julia Tiscornia Ivana Thome Contenidos Tamara Grosso Guillermo Pintos Nadia Paparazzo Producción Gráfica Lucía Vallecillos María Piazze Diseño Gráfico Laura Mac Grath Marlene Soding Iara Moreno Macarena Trinidad Audiovisual Cecilia Garizoain Alfonsina Cerviño Riccardi María Romina Triunfo Josefina Cabrera Borges

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

staff Web Ayelén Garaventta Emiliano Soldera Data Entry Joaquín Lubo Milán Constanza Zarnitzer Diseño Editorial Vero Roca Equipo Gastón Olmos Kevin Lakner PRENSA Coordinación Mariela Sosa Equipo Imanol Subiela Julieta Bilik Carolina Maldonado Jorge Puente Erica Denmon EDICIÓN DE CATÁLOGO Joaquín Chazarreta Sebastián Rosal Marcelo Vázquez Corrección Marilina Derisio Sol Marnotes Traducción Juan Pablo Martínez Martín Libster GUÍA DE PROGRAMACIÓN Edición y Corrección Micaela Berguer Redacción Griselda Soriano Traducción Cecilia Zabaleta PROGRAMACIÓN EN SALAS Javier Porta Fouz Asistente Agostina Fontanille PRODUCCIÓN COMERCIAL Roxana García Franco Oronó Federico Juri Macarena Guzman Cayetano Vicentini

ACREDITACIONES Coordinación Agustina Nin Malena Laiño / Asesoría Asistencia Micaela Vazzana

TRÁNSITO INTERNACIONAL DE COPIAS Agustina Gurevich Sofía Etcheverry

SALAS Coordinación Carola Pandre Tilsa Llerena

SUBTITULADO Tainá Azeredo

ÁREA DE PROYECCIÓN Coordinación General Lucas Iaccarino Szvalb Coordinación de Sonido Arián Frank Producción Técnica y Formatos Fílmicos Julián Santiago Tagle Equipo Carolina Ronaldi María Iavarone Raúl Fernández Antonio Savasta Alsina Mercedes Arias Damiana Negrín Chequeo de Copias Victoria Deluca Constanza Curia Natalia Bianchi Conrado Negrin Barcellos Proyectoristas Ezequiel Azambuya Julieta Alsina Agustín Demichelli Valeria Biglieri Sebastian Acevedo Martín Benjamin Dante Perini Laura Castro Anabella Etchegaray Georgina Giribaldi Dolores Montes Daniela Silva Julia López Mollari Francisco Machado Tecnicos de Sala Johanna Jezernicky Catalina Ferreri Malena Gerez Manuela Jaureguialzo Agustina Márquez Merlín Magdalena Márquez Matilde Vissani Belén Poviña

ACTIVIDADES ESPECIALES Coordinación Gonzalo Bao Asistencia María Capelle

ARTE EN BARRIOS Coordinación María Hopff Equipo Marina Viara Ariel Mele Sara Córdoba Francisco Videla Rivero Ana Schimelman Lucas Zelarayan José Cal Florencia Fernandez Lola Montiel Maite Gandulfo Mariana Maresca

BUENOS AIRES LAB (BAL) Dirección Artística Agustina Costa Varsi Producción Artística Facundo Lema Asistencia Camila Grisolia Comité de Selección Work in Progress (WIP) Marion Klotz Gustavo Beck Agustina Costa Varsi Comité de Selección Laboratorio de Producción (LAP) Barbara Francisco Federico Eibuszyc Agustina Costa Varsi Edición de Catálogo Micaela Berguer Traducción de Catálogo Cecilia Zabaleta ÁREA PROFESIONAL Coordinación Michelle Jacques-Toriglia Asistencia Yadira Díez Irene Ovadia Guía del Área Profesional Edición y Corrección Micaela Berguer Griselda Soriano Traducción Juan Pablo Martínez

GERENCIA OPERATIVA GESTIÓN DE OPERACIONES Patricia Latorre Equipo Maximiliano Betti Nancy Boccicardi Ricardo Cebeiro Sofia Craigdallie Cecilia Costa Matias Coto Deborah Rapoport Ezequiel Saccon Joan Manuel Malagoli RECEPCIÓN Claudia Klappenbach SISTEMAS Eduardo Desanze

INFORMES Coordinación María Fernanda Moreira Equipo Sofía Fernández

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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EL [21] BAFICI ES POSIBLE GRACIAS AL APOYO DE LAS SEGUIENTES INSTITUCIONES

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[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

agradecimientos / thanks to

Adam Cook Alain Maudet Alba Balderrama Amaia Serrulla Anna Carolina Garofalo Beatriz Ventura Carlos Federico Rey Carlos Sosa Caroline Coll Casandra Scaroni Cecilia Segal Cesar Talavera Complejo Teatral de Buenos Aires Daniel Alaniz Daniele Morganti Diego Batlle Diego Brodersen Diego Lerer Diego Maté Diego Santarelli Diego Trerotola Donatella Cannova Dora Pentimalli Elena D’Aquila Emiliano Andrés Cappiello Eric Kohn Evgeny Gusyatinskyi Ezequiel Fernández Federico Fischbarg Federico Karstulovich Fernando Juan Lima Fernando Pujato Fiorella Valente Florencia Gauchat Gabriela Balbontín Gerónimo Guillén

Gustavo Noriega Hernán Panessi Hernán Schell Hugo Sacks Inge Stache Isabela Medeiro Mota (ANCINE) Jaime Pena Jonás Zabala Jonathan Yelin José Manuel Costa (Cinemateca Portuguesa) Jose Robledo Juan Ángel Julien Temple Leona Iaccarino Nicolas Leonardo D’Espósito Lewis Bennett Liliana Vitar Lua Rita Luciana Calcagno Luciano Monteagudo Luis Hitoshi Díaz Macarena Gómez Scolari Maia Debowicz Marcel Müller Marcela Gamberini Marcelo Panozzo María Ruggieri Mariana Mutri Marina Locatelli Martina Pagnotta Matusael G. F. Ramos Mélanie Charbonneau Michelle Jacques-Toriglia Mónica Delgado Mora Sánchez Viamonte

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

Museo de Arte Español Enrique Larreta Museo Histórico Sarmiento Natalia Puente Nathalie Lacoste-Yebra Nathalie Mierop Oriane Tramuset Pablo Conde Pablo Strozza Peter Becker Pilar Ruiz Carnicero Quintín Raúl Manrupe Rémi Guittet Roberto Turigliatto Rocío Hernández Rocío Irala Roger Ebert Rosa Vita Pelegrin Rosana Berlingeri Santiago Berisso Santiago Calori Sebastián De Caro Sebastian Quintana Sergio Monsalve Sergio Wolf Sofía Schlossmann Kleine Sophia Bohdanowicz Susan Senk Uwe Mohr Valeria Zamparolo Verónica Bergna Yah Feng Yann Lorvo Yossi Zilberman

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El [21] BAFICI está dedicado a Paula Niklison, quien será siempre una parte fundamental de este Festival.

Nos conocimos con Paula cuando yo ya trabajaba en el BAFICI y ella todavía no vivía en Buenos Aires. Después la encontré en las oficinas del festival: empezaba a trabajar en el área de cine argentino. Paula aprendió todo a una velocidad inconcebible, principalmente porque le puso un amor y una inteligencia al BAFICI que nunca le vamos a terminar de agradecer. Nos dijimos las mejores y las no tan mejores noticias, y de cada llamada o encuentro con ella todos hemos terminado con la mirada más clara sobre muchas cosas. Ahora la extrañamos con otra mirada, una que se empeña en estar empañada. Javier Porta Fouz Director artístico BAFICI 2016-2019

No quiero que llore nadie y sobre todo no quisiera (volver a) llorar yo. Y aunque temo que eso no vaya a ser posible, al menos procuraré evitarlo en estas pocas palabras, que no tienen manera de definir cabalmente a Pauli, ni siquiera diciendo que fue la mejor de todos nosotros, de todos los que nos cruzamos en la vida gracias al BAFICI. Pero la mejor en serio, que se sepa: la que todo lo mejoró y la que a todos nos mejoró. La que nos dejó sin saber qué decir, pero convencidos de que ni siquiera las hipérboles le pueden hacer justicia. Marcelo Panozzo Director artístico BAFICI 2013-2015

Paula fue mi guía, mentora y amiga. Me reconforta saber que tanto en mí como en otros seguirá resonando su voz, guiándonos en cómo cuidar un equipo, cómo ser portavoz de la palabra justa y cómo compartir toda la experiencia sin egoísmo. Su marca en el BAFICI quedará. Ailén Bressan Equipo BAFICI

Sentados en nuestras butacas vemos el fulgurar del proyector alumbrando la pantalla. La luz comienza a mitigar. Llegamos al final de la función y el aplauso de pie es para vos. Gracias por producirnos tantos lindos recuerdos. Hasta siempre, Paulita querida. Nicolás Carnavale y Paloma Dema Producción artística BAFICI

Conocí a Paula cuando era la encargada de la videoteca del festival. Con el tiempo llegó a ser la productora y todo ese trayecto fue por su talento, pero principalmente porque, como nadie, amaba su trabajo. Recuerdo llegar a la oficina muy temprano y siempre encontrarla frente a una computadora o hablando por teléfono. Crecimos juntos en el festival, hasta que en un momento yo me fui. Después de eso, siempre nos juntábamos a chusmear. Se preocupaba por mi trabajo y me aconsejaba que no me pelee tanto. La última vez que nos vimos charlamos un rato y, como siempre, quedamos en vernos con más tiempo. Cuando me enteré de sus problemas de salud yo estaba de viaje. A Paula le encantaba viajar y eso era algo que también nos unía. Le envié un mensaje por celular, pero ya no tuve respuesta. En el fondo de mi corazón, querida Paula, espero que lo hayas leído. Fue la más trabajadora y también los ojos más lindos que hayan pasado por nuestro querido BAFICI. Marcelo Alderete Programador Festival de Cine de Mar del Plata, exequipo BAFICI

Teníamos 20 años y muchos éramos anónimos. Hasta que se acercó Paula. Ya sabía nuestros nombres, lo que hacíamos, y lo que queríamos ser. Nos trataba como los cineastas que aún no éramos. Porque en BAFICI nunca hubo protocolos ni castas. Por eso muchos sabemos que es nuestra casa. Por Paula. Y porque ella siempre se acordaba de nosotros, nosotros siempre nos acordaremos de ella. Iván Granovsky Director y productor

“¡Comprate una baguette y entrá a verla, la vas a pasar genial!”. Abasto, domingo, último día de BAFICI 2008. Película sorpresa: Historias extraordinarias, de Mariano Llinás. Mi primer recuerdo con vos. La primera de tus tantas recomendaciones. Durante estos diez años las dos recordamos ese instante como el inicio de nuestra amistad. BAFICI, el festival cian como tus ojos. Fuiste la síntesis de todos los mundos: acompañaste al operaprimista para que sea parte, al consagrado para que brille, al periodista para que se sienta único, al director artístico para que sea protagonista, al equipo para que lo sienta suyo, al invitado para que esté 100% a gusto, a la gestión para que lo haga plural y público. Llegamos a la mayoría de edad por tu amor, tu desinterés, tu astucia y tu sabiduría. Nadie le dio tanto y se llevó tan poco. El BAFICI será eternamente tuyo. Vivi Cantoni Subsecretaria de Gestión Cultural

[21] BAFICI is dedicated to Paula Niklison, who will always be an essential part of this Festival.

We met with Paula while I was already working at BAFICI and she wasn’t living in Buenos Aires yet. Later, I ran into her at the festival’s offices –she was starting her work in the Argentine Film area. Paula learned everything at an inconceivable speed, mainly because she invested so much love and intelligence in BAFICI that we’ll never stop being thankful. We told each other the best and noso-best news, and after every call and every meeting with her we ended up seeing many things more clearly. Now what we’ll be seeing will forever be clouded. Javier Porta Fouz Artistic Director BAFICI 2016-2019

I don’t want anyone to cry and, above all, I wouldn’t want myself to cry (again). And even though I fear that that won’t be possible, at least I will make sure to avoid it in these few words, that have no way of defining Pauli properly, not even if we say she was the best of all of us, of all of us who ran into each other thanks to BAFICI. But really the best, let it be known –the one who improved it all and the one who improved us all. The one who left us without knowing what to say, but convinced that not even hyperbole can do her justice. Marcelo Panozzo Artistic Director BAFICI 2013-2015

Paula was my guide, my mentor and my friend. It conforts me to know that her voice will continue resounding in me and in others, guiding us on how to care for a team, how to be the bearer of the mot juste and how to selflessly share the whole experience. Her mark at BAFICI will remain. Ailén Bressan BAFICI Team Member

Sitting on our seats we see the glow of the projector lighting up the screen. The light starts to mitigate. We reach the end of the show and the standing ovation is for you. Thanks for producing such beautiful memories. So long, dear Paulita. Nicolás Carnavale and Paloma Dema BAFICI Artistic Coordination

I met Paula when she was in charge of the festival’s videotheque. In time she became its producer and all of that path was due to her talent, but mainly because she loved her work as no one else. I arriving at the office very early and always finding her in front of a computer or talking on the phone. We grew up together at the festival until, at one point, I left. After that, we would always hang out and gossip. She worried about her work, and would advice me not to fight so much. The last time we saw each other we talked for a while and, as always, we agreed to see each other whenever we had more time. When I found out about her health issues I was out of town. Paula loved to travel, and that was something that also brought us together. I sent a message to her cell phone, but I no longer got a reply. In the bottom of my heart, dear Paula, I hope you read it. She was the most hard-working, and had the most beautiful eyes that ever ed through our dear BAFICI. Marcelo Alderete Programmer of the Mar del Plata Film Festival, former BAFICI Team Member

We were 20, and many of us were anonymous. Until Paula approached us. She already knew our names, what we did, and what we wanted to be. She treated us as though we were the filmmakers we weren’t yet. Because at BAFICI there were never any protocols or lineages. That is why many of us know this is our home. Because of Paula. And because she would always us, we will always her. Iván Granovsky Director and Producer

“Buy yourself a baguette and watch it, you’ll have a great time!” Abasto, Sunday, last day of BAFICI 2008. Surprise screening: Mariano Llinás’ Extraordinary Stories. My first memory of you. The first of your many recommendations. Over the course of those ten years, the two of us ed that instant as the beginning of our friendship. BAFICI, the cyan festival, like your eyes. You were the synthesis of every world: you accompanied the first-time filmmaker to become part, the established one for them to shine, the journalist for them to feel unique, the artistic director for them to be the protagonist, the team for the festival to feel like their own, the invitee for them to feel satisfied 100%, and the management to make it plural and public. We became of age due to your love, your selflessness, your guile and your wisdom. Nobody else gave so much and took so little. BAFICI will be yours forever. Vivi Cantoni Vice Secretary of Cultural Management

índice / index

15 n FUNCIÓN DE APERTURA / OPENING NIGHT n FUNCIÓN DE CLAUSURA / CLOSING NIGHT 17 n JURADOS / JURIES 19



29 n COMPETENCIA OFICIAL INTERNACIONAL INTERNATIONAL OFFICIAL COMPETITION



47 n COMPETENCIA OFICIAL ARGENTINA ARGENTINE OFFICIAL COMPETITION



63 n COMPETENCIA OFICIAL VANGUARDIA y GÉNERO AVANT-GARDE & GENRE OFFICIAL COMPETITION



89 n COMPETENCIA OFICIAL LATINOAMERICANA LATIN AMERICAN OFFICIAL COMPETITION



99 n COMPETENCIA OFICIAL DERECHOS HUMANOS HUMAN RIGHTS OFFICIAL COMPETITION

111 n COMPETENCIA ARGENTINA DE CORTOMETRAJES ARGENTINE SHORT FILMS COMPETITION 121 n NOCHES ESPECIALES / SPECIAL NIGHTS 127 n BAFICITO / LITTLE BAFICI 139 n TRAYECTORIAS / CAREERS 167 n ÓPERAS PRIMAS / FIRST FILMS 175 n MUESTRA DE CORTOMETRAJES ARGENTINOS ARGENTINE SHORT FILMS EXHIBITION 193 n ARTISTAS EN ACCIÓN / ARTISTS IN ACTION 201 n COMEDIA / COMEDY 209 n HACERSE GRANDE / COMING OF AGE 215 n LUGARES / PLACES 222 n MÚSICA / MUSIC

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[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

índice / index

234 n NOCTURNA / LATE NIGHT 243 n PASIONES / IONS 251 n PELÍCULAS SOBRE PELÍCULAS / FILMS ABOUT FILMS 262 n PERSONAS Y PERSONAJES / PEOPLE AND CHARACTERS 267 n SELECCIÓN DE CORTOMETRAJES INTERNACIONALES INTERNATIONAL SHORT FILMS SELECTION 274 n EL CINE DE ACID / THE CINEMA OF ACID 277 n FOCOS / FOCUSES 278 n RUTH y ROCHA 289 n FRIEDL VOM GRÖLLER 301 n BRITANNIA LADO B - JULIEN TEMPLE 310 n MURIEL BOX 316 n CHRISTINA LINDBERG 320 n RESCATES / RESCUES 329 n BAL 356 n TALENTS 358 n íNDICE POR PELíCULA / INDEX BY FILM 360 n íNDICE POR DIRECTOR / INDEX BY DIRECTOR 361 n íNDICE POR PAíS / INDEX BY COUNTRY 363 n PREMIERES

ABREVIATURAS / ABBREVIATIONS D: Dirección / Director G: Guion / Script F: Fotografía / Cinematography E: Edición / Editing

DA: Dirección de arte / Production Design S: Sonido / Sound M: Música / Music

P: Producción / Producer

I: Intérpretes / Cast

PE: Producción ejecutiva / Executive Production

D: Paquete de Cine Digital / Digital Cinema Package

: Compañía productora / Production Company

DM: Archivo Digital / Digital Media

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

En la nueva película de Sebastián De Caro, Claudia es una organizadora de eventos obsesiva y perfeccionista. Cuando deba planificar una importante boda, todo entrará en una vorágine de diversas complicaciones, que incluyen una novia arrepentida, familiares de comportamiento extraño, desmayos y magia. Sebastián De Caro es un cinéfilo. Por lo tanto un obsesivo, alguien para quien un detalle puede significar un mundo (de películas). No es de extrañar que Claudia, la protagonista de esta película cinéfila, sea así de obsesiva, al punto de ajustar detalles organizativos en el funeral de su propio padre. De Caro cita a Tarantino, a Hitchcock, a Hawks (y Dolores Fonzi suma con convicción a su personaje profesional y determinado), a Favio —en una secuencia musical inolvidablemente estrambótica— y también a Welles. Pero cuidado: al Welles de F de falso; el mundo de Claudia —personaje— es un mundo de artificios tales como los eventos, y el mundo de Claudia —película que se le anima a la magia— es el de los artificios de un cine enamorado del cine, uno fuera del realismo y fuera de lo común. Javier Porta Fouz

In Sebastián De Caro’s new film, Claudia is an obsessive, perfectionist event planner. When she has to organize an important wedding, everything will enter a maelstrom of diverse complications, including a bride with second thoughts, relatives with strange behaviors, fainting and magic. Sebastián De Caro is a film buff. Therefore, he’s obsessive, someone to whom a small detail can mean the (film) world. It’s no wonder that Claudia, the protagonist of this cinephile film, is this obsessive, to the point of working on some organizational details during her own father’s funeral. De Caro references Tarantino, Hitchcock, Hawks (and Dolores Fonzi adds conviction to her professional, determined character), Favio —in an unforgettably outlandish musical sequence—, and also Welles. But F for Fake’s Welles. The world of Claudia —character— is one of such artifice as events, and the world of Claudia —film that even dares to resort to magic— is that of the artifices of a cinema in love with cinema, one outside realism and out of the ordinary. JPF

Sebastián De Caro. (1975, Buenos Aires). Director, guionista, actor, escritor y conductor radial. Dirigió entre otros films Vacaciones en la Tierra (2001), De noche van a tu cuarto (2002), Recortadas (2009) y 20.000 besos (2013). (1975, Buenos Aires). Director, screenwriter, actor, writer and radio host. He directed, among other films, Vacaciones en la Tierra (2001), De noche van a tu cuarto (2002), Recortadas (2009) and 20.000 besos (2013).

Argentina, 2019 / 86’ / D / COLOR Español - Spanish D, G: Sebastián De Caro / F: Mariano Suarez / E: Flor Efron DA: Laura Caligiuri / S: Guillermo Picco, Pablo Gamberg M: Darío Georges / P: Sebastián Perillo, Juan Pablo Colombo, Rosana Ojeda, Blas Rimmaudo / PE: Sebastián Perillo, Rosana Ojeda, Juan Pablo Colombo, Fernando Abadi / : Rispo Films, Avastonia I: Dolores Fonzi, Laura Paredes, Julieta Cayetina, Julián Kartun, Paula Baldini o / Rispo Films. Sebastian Perillo T +54 11 5312 3374 E [email protected] W rispofilms.com

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función de apertura / opening night

claudia

Premiere americana / american PREMIERE

Moretti cierra esta edición del Bafici con el foco puesto en el golpe de Estado de Pinochet, en 1973, cuando la Embajada italiana en Santiago de Chile asumió un rol notable, digno de recordarse. Son los propios protagonistas los que cuentan aquellas historias, al mismo tiempo de drama y salvación. Con Santiago, Italia, Nanni Moretti vuelve al largometraje documental, a casi 30 años de La cosa (en el medio hubo, sí, cortos documentales y algún diario de rodaje). La cosa era sobre el PCI, el Partido Comunista Italiano, en momentos clave. Santiago, Italia comienza con el recuerdo del gobierno de Salvador Allende y su fin debido al golpe de Estado comandado por Augusto Pinochet. Y se suceden los relatos de diversos testigos de ese tiempo, y de los tiempos inmediatamente posteriores. Historias de refugios, de exilios, de tensiones, de cambios, de canalladas, de crímenes y de heroísmos. En un relato cuyo montaje es una verdadera lección de tersura expositiva, Moretti entrevista con empatía y aparece con hidalguía. Y narra y escucha, y narra y piensa, y narra y emociona con las armas más limpias del cine. JPF

Moretti closes this edition of Bafici focusing on Pinochet’s coup d’etat, in 1973, when the Italian embassy in Santiago de Chile adopted a remarkable role that is worthy of ing. It is their very protagonists who tell those stories of drama and salvation.

Nanni Moretti. (1953, Brunico, Italia). Director clave de las últimas décadas, es también productor y actor. Realizó, entre otros, Caro diario (1993), Aprile (1998) y La habitación del hijo (2001). En 2017 el Bafici realizó una retrospectiva integral de su obra. (1953, Brunico, Italy). A key director of the last decades, he is also a producer and actor. He made, among others, Caro diario (1993), Aprile (1998) and The Son’s Room (2001). In 2017, Bafici did a complete retrospective of his work.

Italia / Francia / Chile - Italy / / Chile, 2018 80’ / D / COLOR Italiano / Español - Italian / Spanish

With Santiago, Italia, Nanni Moretti returns to documentary filmmaking, almost 30 years after The Thing (in the middle, there were, yes, documentary shorts and some or other shooting diary). The Thing was about the PCI, the Italian Communist Party, in some key moments. Santiago, Italia begins with the memory of Salvador Allende’s government and its end due to a coup d’etat commanded by Augusto Pinochet. And we see testimonies from diverse witnesses of that time, and of the times that came immediately after. Stories of refuge, of exile, of tensions, of change, of low blows, of crimes, and of heroism. In a narrative whose editing is a true lesson in expositive tautness, Moretti interviews with empathy and appears with honorableness. And he tells and listens, and tells and thinks, and tells and moves with the cleanest film weapons. JPF

D, G, DA: Nanni Moretti / F: Mauro Morales Bergmann E: Clelio Benevento / S: Boris Herrera Allende, Alessandro Zanon P: Nanni Moretti, Jean Labadie, Gabriela Sandoval, Carlos Nuñez : Sacher Film, Le Pacte, Storyboard Media o / Le Pacte. Maxime Perret Cortassa T +33 1 44 65 59 45 E [email protected] W le-pacte.com

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función de clausura / closing night

Santiago, Italia

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jurados juries

JURADO competencia oficial internacional international official competition JURY

Estrella Araiza Actualmente es la directora general del Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG), y del mismo festival en Los Ángeles (FICG in LA). Haciendo foco en el cine mexicano y latinoamericano, ha sido también agente de ventas, académica y distribuidora en su país, México. Ha implementado programas como Industria Incluyente, para que personas con alguna discapacidad puedan disfrutar de las películas en pantalla grande; y El Principio del FILM para acercar a escritores, guionistas y casas editoriales a la industria del cine.

She is currently the General Director of the Guadalajara International Film Festival (FICG) and of the same festival in Los Angeles (FICG in LA). Focusing on Mexican and Latin American cinema, she has also been a sales agent, academic and distributor in her country, Mexico. She has implemented programs such as Industria Incluyente, that allows people with physical impediments to enjoy movies on the big screen; and El Principio del FILM, to bring writers, screenwriters and publishing houses closer to the film industry.

Brigitta Burger-Utzer Brigitta Burger-Utzer nació en Viena, Austria, en 1960. Estudió Teatro, Fotografía y Gestión Cultural. Cofundó Sixpackfilm en 1990 y, desde 1992, es su directora general. Desde 1994 está a cargo de la serie “IN PERSON: International film/videoartists bring their work up for discussion”. Fue editora en 2003, junto a Stefan Grissemann, del libro Frank films: A Film and Video Work of Robert Frank. En 2004 fundó el sello de DVD INDEX. En 2017 la cancillería federal de su país le entregó el Austrian Award en la categoría Cine.

Brigitta Burger-Utzer was born in Vienna, Austria, in 1960. She studied Drama, Photography and Cultural Management. She co-founded Sixpackfilm in 1990 and has been its general director since 1992. She’s been in charge of the series “IN PERSON: International film/videoartists bring their work up for discussion” since 1994. In 2003 she co-edited the book Frank Films: A Film and Video Work of Robert Frank with Stefan Grissemann. In 2004, she founded the DVD label INDEX. In 2017, the Federal Chancellery of her country handed her the Austrian Award for Film Art.

Christina Lindberg Nació en Gotemburgo, Suecia, en 1950. En los 70, durante un lapso de solo cinco años, realizó 25 largometrajes en Suecia, Japón y Alemania, incluyendo siete protagónicos. Su papel en Thriller: A Cruel Picture (que podrá verse en este Bafici) fue inspiración para la saga de Kill Bill, de Quentin Tarantino. Después de su carrera en el cine, se convirtió en periodista, y dueña y editora de Flygrevyn (Flight Revue), una revista de aviación. Black Circle, exhibida también en este festival, marca su regreso a la actuación.

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She was born in Gothenburg, Sweden, in 1950. During the ‘70s, for a period of only five years, she worked in 25 short films in Sweden, Japan and , including seven starring roles. Her role in Thriller: A Cruel Picture (which can be seen at Bafici) was the inspiration for Quentin Tarantino’s Kill Bill saga. After her career in film, she became a journalist and owner and editor of Flygrevyn (Flight Revue), an aviation magazine. Black Circle, also shown at this festival, marks her return to acting.

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JURADO competencia oficial internacional international official competition JURY

Isabel Ruth Nacida en Tomar, Portugal, en 1940, Isabel Ruth se destacó en primer término en el ballet profesional, con estudios en su país y en Londres que la convirtieron en primera bailarina. Debutó como actriz en 1963 en Os verdes anos, primer largometraje de Paulo Rocha, y, desde entonces, ha construido una carrera de más de cinco décadas, con participaciones en cerca de setenta films de directores destacados de su país (el propio Rocha y Manoel de Oliveira, entre ellos) y de Europa.

Born in Tomar, Portugal, in 1940, Isabel Ruth first triumphed in professional ballet, with studies in her country and in London that turned her into a prima ballerina. She made her debut as an actress in 1963 in the green Years, Paulo Rocha’s first feature, and since then has built a career that spans more than five decades, with performances in around seventy films by prominent directors from her country (Rocha himself and Manoel de Oliveira, among others) as well as the rest of Europe.

Sergio Wolf Nació en Buenos Aires, en 1963. Director artístico del Bafici entre 2008 y 2012. Docente en la Universidad del Cine. Publicó los libros Cine Argentino. La otra historia, Cine/Literatura. Ritos de pasaje y La escena documental. Dirigió los largometrajes Yo no sé qué me han hecho tus ojos (con Lorena Muñoz, Bafici ‘03), El color que cayó del cielo (Selección Oficial Bafici ‘14),Viviré con tu recuerdo (Competencia Internacional Bafici ‘16) y Esto no es un golpe (Competencia Argentina Bafici ‘18).

Born in Buenos Aires in 1963. He was artistic director at Bafici between 2008 and 2012, and teaches at the Universidad del Cine. He published the books Cine Argentino. La otra historia, Cine/Literatura. Ritos de pasaje and La escena documental. He directed the features I Don’t Know What Your Eyes Have Done to Me (with Lorena Muñoz, Bafici ‘03), El color que cayó del cielo (Official Selection Bafici ‘14), Viviré con tu recuerdo (International Competition Bafici ‘16) and This Is Not a Coup (Argentine Competition Bafici ‘18).

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JURADO competencia oficial argentina argentine official competition JURY

Deragh Campbell Directora y actriz radicada en Toronto, Canadá, ha actuado en I Used to Be Darker (2013), Stinking Heaven (2016), Never Eat Alone (2016), Self-Criticism of a Bourgeois Dog (2017) y Fail to Appear (2018), varios de ellos proyectados en este festival. Fue seleccionada para el programa Rising Star en el Festival Internacional de Cine de Toronto de 2015 y para la Academia Artística en el Festival de Cine de Nueva York de 2018. MS Slavic 7, proyectada en esta edición del festival, es su debut como directora.

Director and actress based in Toronto, Canada, she acted in I Used to Be Darker (2013), Stinking Heaven (2016), Never Eat Alone (2016), Self-Criticism of a Bourgeois Dog (2017) and Fail to Appear (2018), many of which have been shown at this festival. She was selected for the Rising Star program at the 2015 edition of the Toronto International Film Festival as well as the Artist Academy at 2018’s edition of the New York Film Festival. MS Slavic 7, screened at this edition of the festival, is her directorial debut.

Diego Lerer Nacido en Buenos Aires, en 1968. Licenciado en Ciencias de la Comunicación (UBA). Fue crítico de cine y editor del diario Clarín de 1992 a 2012. Colabora como periodista en distintos medios nacionales e internacionales, incluido su sitio Micropsia. Es delegado para América Latina de la Quincena de Realizadores de Cannes y programador del Festival de Cine de Pingyao. Escribió los libros Leonardo Favio: Soñar el cine y La(s) historia(s) del cine argentino.

Born in Buenos Aires in 1968. He has a Bachelor’s degree in Communication Science (UBA). He was film critic and editor of the Clarín newspaper between 1992 and 2012. He collaborates as a journalist for different local and international media, including his site Micropsia. He is a delegate for Latin America of Cannes’ Directors’ Fortnight and programmer for the Pingyao Film Festival. He wrote the books Leonardo Favio: Soñar el cine and La(s) historia(s) del cine argentino.

Fanny Ostojic Fanny Ostojic es una joven egresada de la escuela de negocios HEC París, donde se graduó en Medios e Industrias Creativas. Impulsada por su pasión por la industria del cine, hizo una pasantía en el departamento internacional de Gaumont antes de unirse a Wild Bunch, en enero de 2019. Actualmente está a cargo de las ventas internacionales de Wild Bunch para Latinoamérica, Canadá, Escandinavia y Asia.

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Fanny Ostojic is a young graduate from business school HEC Paris where she majored in Media & Creative Industries. Drawn by a ion for the movie industry, she interned at Gaumont’s international department, before ing Wild Bunch, in January 2019. She is now handling Wild Bunch International Sales for Latin America, Canada, Scandinavia and Asia.

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JURADO competencia oficial argentina argentine official competition JURY

Mimi Plauché Es directora artística del Festival Internacional de Cine de Chicago. Ha estado trabajando en dicho festival durante los últimos 13 años, y supervisa la dirección artística del festival anual además de su programación durante el año. Antes de unirse al Festival de Chicago, se encontraba realizando un doctorado en Literatura y Cine Japoneses en la Universidad de Michigan. Vivió en Japón por más de ocho años, y durante ese período fue programadora en el Festival Internacional de Cine Documental de Yamagata.

She is Artistic Director of the Chicago International Film Festival. She has been at the Festival for 13 years and oversees the artistic direction of the annual Festival as well as the organization’s year-round film programming. Before ing Chicago, she was working on a doctorate in Japanese literature and film at the University of Michigan. She lived in Japan for more than eight years, and during that period she was programmer at the Yamagata International Documentary Film Festival.

Elad Samorzik Se desempeña como director artístico del Festival de Cine de Jerusalén desde 2013. Anteriormente fue director de contenidos en Dori Media Spike, compañía que gestiona seis canales de películas de Israel. Fue programador del Festival de Cine de Haifa, del que formó parte desde 2006. Durante los años 2010-2012, trabajó como periodista en el principal periódico de Israel, Haaretz. Es graduado en Cine por la Universidad de Tel Aviv, donde también ha dado cursos de Teoría Cinematográfica.

He has been the artistic director of the Jerusalem Film Festival since 2013. Previously, he was Content Director at Dori Media Spike, a company that manages six film channels in Israel. He was programmer at the Haifa Film Festival, of which he has been part since 2006. Between 2010 and 2012, he worked as a journalist in Israel’s most important newspaper, Haaretz. He is a graduate in Film by the University of Tel Aviv, where he has also taught courses in Film Theory.

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JURADO competencia oficial vanguardia y género avant-garde & genre official competition JURY

Jacqui Davies Radicada en Londres, Jacqui Davies encargó y produjo más de 40 cortometrajes para Channel4 de artistas como Marina Abramovic, Martha Rosler, Johan Grimonprez, Lewis Klahr, Mark Leckey y Apichatpong Weerasethakul. Fue productora de las óperas primas de Ben Rivers y Richard Billingham. Por esta última, Ray & Liz (2018), que será exhibida en este festival, fue nominada a los premios BAFTA como Mejor Debut en Producción. Obtuvo también los premios BIFA Revelación y el BFI Vision.

Based in London, Jacqui Davies assigned and produced 40 shorts for Channel4 for such artists as Marina Abramovic, Martha Rosler, Johan Grimonprez, Lewis Klahr, Mark Leckey and Apichatpong Weerasethakul. She produced Ben Rivers and Richard Billingham’s first features. For the latter, Ray & Liz (2018), which will be shown at the festival, was nominated for the BAFTA awards for Outstanding Debut as a British Producer. She also won the BIFA Breakthrough Producer Award y el BFI Vision.

Chema García Ibarra Nacido en Elche, España, en 1980, ha escrito y dirigido múltiples películas de ciencia ficción con actores no profesionales, como El ataque de los robots de Nebulosa-5 (2009), La disco resplandece (2016, Bafici ‘17) y Leyenda dorada (2019, codirigida con Ion de Sosa y presente en esta edición del festival). Varias de ellas fueron seleccionadas y premiadas en festivales como Cannes, Sundance, Berlinale, San Sebastián o Bafici. Desde 2015 imparte la asignatura Anti-filmmaking en la Diplomatura de Cine Documental de la ECAM.

Born in Elche, Spain, in 1980, he has written and directed many science-fiction films with non-professional actors, such as Attack of the Robots from Nebula-5 (2009), La disco resplandece (2016, Bafici ‘17) and Leyenda dorada (2019, co-directed with Ion de Sosa and present at this edition of the festival). Many of them were selected and won awards at such festivals as Cannes, Sundance, Berlinale, San Sebastian or Bafici. Since 2015, he has been teaching Anti-filmmaking for the Diploma Program in Documentary Filmmaking of the ECAM.

Vivi Tellas Es directora, curadora teatral y creadora de biodrama, un género de teatro documental sobre biografías escénicas. En 2009 fue profesora visitante en el Programa de Escritura Creativa de la Universidad de Nueva York (NYU). Fue nombrada fellow por la Universidade de Princeton en 2014. En 2015 fue reconocida como personalidad destacada de la cultura de la ciudad de Buenos Aires. En 2018 estrenó su última obra, Los amigos: un biodrama afro, y se publicó el libro Biodrama: Proyecto Archivos, que reúne sus primeras seis obras documentales.

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She is a director, theater curator and creator of the Biodrama, a theatrical documentary genre that deals with scenic biographies. In 2009, she was visiting teacher at the Creative Writing program of the NYU. She received a fellowship from Princeton University in 2014. In 2015, she was recognized as Prominent Cultural Personality of the City of Buenos Aires. In 2018, she premiered her latest play, Los amigos: un biodrama afro, and published the book Biodrama: Proyecto Archivos, which collects her first six documentary plays.

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JURADO competencia oficial latinoamericana latin-american official competition JURY

Christian Font Con más de dos décadas de trayectoria, Christian Font, nacido en 1978, en Montevideo, Uruguay, ha ejercido la crítica de cine en medios gráficos, portales, radio y televisión. También es conductor televisivo y actor. Enseñó Historia del Cine en la Universidad Católica del Uruguay y actualmente imparte Periodismo Televisivo y Radial en la Universidad ORT Uruguay. Es autor de un libro sobre las viejas salas de barrio, El proyeccionista del Cine Unión, y de ¡Pa! Los padres también cuentan, sobre humor y paternidad.

With a career spanning more than two decades, Christian Font, born in Montevideo, Uruguay, in 1978, has practiced film criticism for graphic media, websites, radio and television. He is also a TV presenter and actor. He taught Film History at Uruguay’s Catholic University and currently teaches TV and Radio Journalism at the ORT Uruguay University. He wrote a book on old neighborhood theater screens, El proyeccionista del Cine Unión and ¡Pa! Los padres también cuentan, about humor and parenthood.

Pilar Gamboa Actriz, directora y dramaturga. Trabajó en diversas obras de teatro bajo la dirección, entre otros, de Rafael Spregelburd, Romina Paula, Daniel Veronese y Javier Daulte. En cine, participó de varios films en los últimos años, entre ellos Las Vegas, de Juan Villegas, película de apertura del Bafici ‘18 y La flor, de Mariano Llinás, ganadora en la misma edición como Mejor Película en la Competencia Internacional y por la que ganó como Mejor Actriz junto a su compañia teatral Piel de Lava.

Actress, director and playwright. She worked in a number of theater plays under the direction of Rafael Spregelburd, Romina Paula, Daniel Veronese and Javier Daulte, among others. She acted in many films from recent years, including Juan Villegas’ Las Vegas, which opened Bafici ‘18 and Mariano Llinás’ La Flor, winner of the Best Picture award of the International Competition and for which she won the Best Actress award alongside her Catálogo FIBA groupThearer Company Piel de Lava at that same edition.

Esther Rots Esther Rots escribe, dirige y edita todos sus trabajos. Sus películas se estrenaron en Cannes, la Berlinale y Toronto, y ganaron varios premios, entre ellos el de Fipresci, el premio Ingmar Bergman y cinco Becerros de Oro. Retrospekt es su segunda película y fue descripta por Variety como “un retrato inteligente, ferozmente empático, pero muy poco sentimental”. Junto a su hermano Hugo Rots, fundó la productora de cine Rots Filmwerk en 2006.

Esther Rots writes, directs and edits all of her work. Her films premiered in Cannes, the Berlinale and Toronto, and won many awards, amongst them the Fipresci, the Ingmar Bergman Award and 5 Golden Calves. Retrospekt is her second feature and was described by Variety as an “intelligent, ferociously empathetic but deeply unsentimental portrait”, together with her brother Hugo Rots, she established the film production company Rots Filmwerk in 2006.

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JURADO competencia derechos humanos human rights competition JURY

Esther Díaz Nació en Ituzaingó, Buenos Aires, en 1939. Es doctora en Filosofía por la UBA, especialista en Epistemología, Foucault, Deleuze y temas como el poder, el sexo y la exclusión social. Fue profesora titular de Pensamiento Científico en la UBA, investigadora del Sistema Nacional de Incentivos, directora de la maestría en Metodología de la Investigación Científica y de la revista Perspectivas Metodológicas en la UNLa. Escribió más de cien artículos científicos, treinta ensayos filosóficos y varios libros.

She was born in Ituzaingó, Buenos Aires, in 1939. She has a PhD in Philosophy from the UBA and specializes in epistemology, Foucault, Deleuze and subjects like power, sex and social exclusion. She was a tenured professor of Scientific Thinking at the UBA, researcher of the National Incentive System, director of the Master’s on Methodology of Scientific Research and of the Methodological Perspectives magazine at the UNLa. She wrote more than one hundred scientific articles, thirty philosophical essays and many books.

Enric González Periodista nacido en Barcelona, España, en 1959, ha sido corresponsal para El País y El Mundo en Londres, París, Nueva York, Roma, Jerusalén y actualmente en Buenos Aires. Publicó varios libros, entre ellos Banca Catalana, más que un banco, más que una crisis; Jordi Pujol, historia de una obsesión; Historias de Londres; Historias de Nueva York; Historias de Roma; Historias del Calcio; Una cuestión de fe y Memorias líquidas.

Journalist born in Barcelona, Spain, in 1959, he has been a correspondent in for El País and El Mundo in London, Paris, New York, Rome, Jerusalem and, currently, Buenos Aires. He published many books, including Banca Catalana, más que un banco, más que una crisis; Jordi Pujol, historia de una obsesión; Historias de Londres; Historias de Nueva York; Historias de Roma; Historias del Calcio; Una cuestión de fe and Memorias líquidas.

Francis Wolff Nació en 1950, en Ivry-sur-Seine, Francia. Es filósofo y catedrático, emérito de la Ecole Normale Supérieure de París, y director de estudios en La Sorbona. Adquirió notoriedad gracias a su libro ¿Por qué la música? Conocido por sus trabajos sobre el pensamiento griego, construye desde hace más de veinte años una obra filosófica personal acerca del propio ser humano, el amor, los toros y un estado mundial multiétnico que incluya la igualdad entre todos los ciudadanos de la comunidad.

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He was born in Ivry-sur-Seine, , in 1950. He is a philosopher and professor emeritus at Paris’ Ecole Normale Supérieure and Studies’ Director at La Sorbonne. He achieved notoriety thanks to his book Pourquoi la musique? Known for his works on Greek philosophy, he has been building up for more than twenty years a philosophy oeuvre about human being itself, love, bulls and a world multiethnic state that includes equality for every citizen of the human community.

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JURADO cortometrajes argentinos argentine short films JURY

Lucía Garibaldi Nació en 1986, en Uruguay. Su película Los tiburones, que recibió en 2018 el premio de la Industria de Cine en Construcción del Festival de San Sebastián, fue estrenada en el Festival de Sundance 2019 (donde obtuvo el premio a la Mejor Dirección) y tendrá su premiere latinoamericana en este festival. Actualmente se encuentra desarrollando dos nuevas películas: Mírame, Roberto, mírame y La última reina.

She was born in Uruguay in 1986. Her film Los tiburones, which received the Industry Award at San Sebastián Film Festival’s Films in Progress in 2018, premiered at the 2019 Sundance Film Festival (where it won the Best Director award) and will have its Latin American premiere at this festival. She is currently developing two new films: Mírame, Roberto, Mírame and La última reina.

Gabriel Mascaro Director, guionista y artista nacido en 1983, en el nordeste del Brasil, donde vive y trabaja. Está graduado en Comunicación Social por la Universidad Federal de Pernambuco. Dirigió documentales, entre ellos, Um lugar ao sol, estreno mundial en el Bafici ‘09, y tres largometrajes de ficción: Ventos de Agosto (2014), Boi Neon (2015, ganador del Premio Especial del Jurado en la sección Orizzonti del Festival de Venecia; exhibido en el Bafici ‘16) y Divino amor (2019), incluido en esta edición del festival.

Director, screenwriter and artist born in 1983, in Northeastern Brazil, where he lives and works. He is a graduate in Social Communication by the Federal University of Pernambuco. He directed documentaries (including Um lugar ao sol, which had its world premiere at Bafici ‘09) and three fiction features: Ventos de Agosto (2014), Boi Neon (2015, winner of the Special Jury Prize at the Orizzonti section of the Venice Film Festival; shown at Bafici ‘16) and Divine Love (2019), included in this edition of the festival.

Pablo Mazzolo Nació en 1976 en Buenos Aires, donde vive y trabaja como realizador, montajista y docente. Estudió Diseño de Imagen y Sonido en la UBA. Sus films exploran los bordes entre el sujeto y lo real, y se han exhibido en distintos museos, galerías y festivales, como los de Nueva York, Rotterdam, Ann Arbor y Bafici. Entre ellos se cuentan Oaxaca Tohoku (2012), Conjeturas (2013) y Fish Point (2016), todos premiados, al igual que su proyecto Máquina de Luz (2015). Realizó documentales para la RAI y el canal Encuentro.

He was born in 1976 in Buenos Aires, where he lives and works as a filmmaker, editor and teacher. He studied Image and Sound Design at the UBA. His films explore the boundaries between the subject and the real, and have been shown at different museums, galleries and festivals, such as New York, Rotterdam Ann Arbor and Bafici. His work includes Oaxaca Tohoku (2012), Conjeturas (2013) and Fish Point (2016), all of them award-winning like his project Máquina de luz (2015). He has made documentaries for RAI and Encuentro channel.

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JURADOs no oficiales non-official JURies

FIPRESCI

SAE/EDA

(Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica / International Federation of Films Critics) Danielle Linssen / Elli Mastorou / Diego Trerotola

(Sociedad Argentina de Editores Audiovisuales + Asociación Argentina de Editores Audiovisuales / Argentine Society of Audiovisual Editors + Argentine Association of Audiovisual Editors) Guillermina García Silva / Alejo Santos / Lucía Torres

SIGNIS (Asociación Católica Mundial para la Comunicación / World Catholic Association for Communication) Eduardo Freire / Blanca María Monzón / Marjorie Denisse Reffray Vílchez

ASA (Asociación Argentina de Sonidistas Audiovisuales / Argentine Association of Audiovisual Sound Designers) Santiago Fumagalli / Mercedes Gaviria / Sofía Straface

ACCA

AADA

(Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina / Argentine Film Reviewers Association) Emiliano Basile / Horacio Chiaramonte / Juan Pablo Russo

(Asociación Argentina de Directores de Arte de la Industria y Medios Audiovisuales / Argentine Association of Art Directors from the Industry and Audiovisual Media) Julia Freid / Coca Oderigo / Juan Mario Roust

FEISAL (Federación de Escuelas de Imagen y Sonido de Latinoamérica / Image and Sound Schools Federation of Latin America) Anabella Speziale / Mora Subiela / Marcelo Trotta

70 x 100 (Colectivo Argentino de Afichistas de Cine / Argentine Collective of Film Poster Designers) Diego Berakha / Masumi Briozzo / Leandro Ibarra

ADF (Asociación Argentina de Autores de Fotografía Cinematográfica / Argentine Association of Cinematographers) Agustín Barrutía / Rogelio Chomnalez / Klis Niklison

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Competencia Oficial Internacional International Official Competition

Weitermachen Sanssouci / Música y apocalipsis PREMIERE INTERNACIONAL / INTERNATIONAL PREMIERE

Sobre el Instituto de Investigación en Cibernética y Simulaciones pende la amenaza de cierre. Ese es el punto de partida de esta sátira, por momentos musical, en torno al sistema universitario alemán, sus estudiantes, autoridades, y sobre cómo su intento de sobrevivir puede llevarlos a extremos grotescos. El alemán Max Linz crea una sátira seca, una que sabe vestir la ironía con perfectas ganas de jugar, de destruir y de ponerse apocalíptica (que no integrada). Su ecosistema, al que trastoca desde la imagen para que se vea marcianamente retro —más una sensación en su superficie y diseño que un juego de guiños pop—, es el Instituto de Investigación en Cibernética y Simulaciones. Linz crea una universidad ubercapitalista como si cultivara un organismo absurdo, que mezcla a Edward Lear, Christian Morgenstern y Jacques Tati, donde la protesta estudiantil contra la toxicidad del Estado y los encastres inexplicables que solo tienen sentido puertas adentro son atomizados con curiosidad y un sentido quirúrgico, no editorialista, de la parodia. Juan Manuel Domínguez

They’re threatening to close down the Institute for Cybernetics and Simulation Research. That is the starting point of this satire, musical at times, about the German university system, its students, authorities and how their attempt to survive could lead them to the grotesque. German director Max Linz creates a dry satire, one which knows how to dress irony with a perfect willingness to play, destroy and become apocalyptic (though not integrated). His ecosystem, which he alters from the very images in order for everything to look Martianly retro —more of a sensation in its surface and design than a string of pop culture references—, is the Institute for Cybernetics and Simulation Research. Linz creates an uber-capitalist university as though he were growing an absurd organism that mixes Edward Lear, Christian Morgenstern and Jacques Tati, where student protests against the toxicity of the State and the inexplicable attachments that only make sense behind closed doors are atomized with curiousness and a surgical, non-editorialistic sense of parody. JMD

Max Linz. (1984). Estudió Cine y se dedica a la escritura freelance sobre cine y estética. Dirigió los largometrajes Das Oberhausener Gefühl – Eine Depressentation in zehn Folgen (2012) y Asta Upset (2014). (1984). He studied Film and is a freelance writer specializing in film and aesthetics. He directed the features Das Oberhausener Gefühl - Eine Depressentation in zehn Folhen (2012) and Asta Upset (2014).

Alemania - , 2019 80’ / D / COLOR Alemán / Inglés - German / English D: Max Linz / G: Max Linz, Nicolas von avant / F: Carlos Andrés López E: Bernd Euscher, René Frölke / DA: Sylvester Koziolek S: Andreas Mücke-Niesytka / M: Gajek / P, PE: Maximilian Haslberger : Amerikafilm / I: Sarah Ralfs, Sophie Rois, Philipp Hauß, Bernd Moss, Maryam Zaree o / Amerikafilm. Maxi Haslberger T +49 172 9660385 E [email protected] W amerikafilm.de

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COMPETENCIA OFICIAL INTERNACIONAL

Music and Apocalypse

PREMIERE argentina / argentine PREMIERE

Lejos de todo, en una dens jungla, un grupo disfuncional de jóvenes guerrilleros tiene la misión de proteger a una rehén. Poco a poco la lucha de poder entre ellos dará lugar a la más pura anarquía en este inusual film, amalgama de El señor de las moscas y Aguirre, la ira de Dios. Coproducción entre nueve países, esta historia que transcurre en algún lugar de Latinoamérica, de director nacido en Brasil, pero colombo-ecuatoriano y cuya primera película fue sobre Evo Morales, tiene elementos de Apocalypse Now y sobre todo de El señor de las moscas. Su tema es conflictivo y combina a una actriz estadounidense con unos extraordinarios intérpretes adolescentes. Y tiene de coguionista a Alexis Dos Santos, premiado en el Bafici por Glue. Se podría seguir describiendo su extraño armado, pero lo que impacta es el resultado: una fascinante amalgama en la que no resalta costura alguna, sino la cohesión proveniente de la fuerza del movimiento, del impulso de una visión unificadora y de un deseo cinematográfico genuino, encendido, ambicioso y a la vez generoso. JPF

Alejandro Landes. (1980, San Pablo, Brasil). Creció en Ecuador y residió en Argentina. Es graduado en Política Económica por la Universidad de Brown. Debutó con Cocalero (2006, Bafici ‘07) y posteriormente dirigió Porfirio (2011), estrenada en el Festival de Cannes. (1980, São Paulo, Brazil). He grew up in Ecuador and lived in Argentina. He graduated in Economic Policy at Brown University. He made his debut with Cocalero (2006, Bafici ‘07) and later directed Porfirio (2011), which premiered at Cannes Film Festival. o / Campo Cine. Nicolás Avruj T +54 11 4554 9036 E [email protected] W elcampocine.com.ar 32

Far away from everything, in a dense jungle, a dysfunctional group of guerrilla fighters has the mission of protecting a female hostage. Little by little, the power struggle between them will slide into sheer anarchy in this unusual film, sort of a crossover between Lord of the Flies and Aguirre, The Wrath of God. A co-production between nine countries, this story that takes place somewhere in Latin America, from a Brazil-born Colombo-Ecuadorian director whose first film was about Evo Morales has elements of Apocalypse Now and especially of Lord of the Flies. Its theme is controversial and it brings together an American actress and some extraordinary teenage performers. And it was co-written by Alexis Dos Santos, who has won an award at Bafici for Glue. We could go on describing its strange assemblage, but what matters is its striking result: a fascinating, seamless amalgam whose cohesion highlights the strength of the movement, the impulse of a unifying vision and a genuine cinematographic desire, at once sparkling, ambitious and generous. JPF

Argentina / Colombia / Holanda / Alemania / Uruguay / Dinamarca / Suecia / Suiza / Estados Unidos - Argentina / Colombia / Netherlands / / Uruguay / Denmark / Sweden / Switzerland / United States, 2019 102’ / D / COLOR / Español - Spanish D: A. Landes / G: A. Landes, A. Dos Santos / F: J. Wolf E: Y. Mavropsaridis, T. Guard & S. Otheguy / DA: D. Schneider S: L. Esquenazi / M: M. Levi / P: A. Landes, F. Epstein, S. Zapata, C. Landes, N. Avruj, A. Chiarino, C. Friedel, D. Lerman, A. Muir, L. Petit, K. Pors, D-J Warrink / PE: N. Avruj, F. Epstein, A. Calderón, C. De Viel Castel, G. Maria Restrepo, J. Rebalski, G. Pazmin, D. Merriman, J. Iragorri / : Campo Cine, Lemming Film, Pandora Film Produktion, Mutante Cine, Snowglobe Film, Film i Väst, Bord Cadre Films, EFD, Counter Narrative Films / I: J. Nicholson, M. Arias, S. Buenaventura, J. Giraldo, K. Quintero

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COMPETENCIA OFICIAL INTERNACIONAL

INTERNATIONAL OFFICIAL COMPETITION

Monos

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Pese a intentarlo, Noemí no logra interrumpir su embarazo. La llegada de su primo separado, un comediante de dudoso talento, popular en las redes sociales, solo parece complicarlo todo. Con el apoyo escaso de su despistada compañera de cuarto y de sus amigos, Noemí buscará la forma de salir adelante. Una comedia porteña que confía en sus personajes, que los deja respirar, vivir, equivocarse. Alrededor de Noemí Gold y su decisión de interrumpir su embarazo hay una amiga, un primo que viene de lejos y diversos habitantes de un ambiente que ya hemos visto en películas de jóvenes que viven en grandes ciudades, pero pocas veces con esta gracia, este desparpajo, esta capacidad para el momento sorprendentemente disonante pero siempre cohesionado. La seguridad de esta película para avanzar y pausar la narración le permite encontrar una notable variedad en su humor, significativas resoluciones en modo de elipsis y lo más valioso de sus personajes. Esos en los que, claro, confía porque fueron construidos a partir de enseñanzas clásicas, hoy algo no solo osado sino también renovador. JPF

Noemí doesn’t manage to interrupt her pregnancy even though she tries to. The arrival of her separated cousin, a comedian of dubious talent who’s popular on social networks, only seems to complicate things further. With the scarce of her distracted roommate and her friends, Noemí will look for the way to move on. A Buenos Aires comedy that trusts in its characters, that lets them live, breath and make mistakes. Around Noemí Gold and her decision to interrupt her pregnancy there is a friend, a cousin that comes from afar and several characters we have already seen in films about youngsters who live in big cities, although not very often with this grace, self-confidence and ability for surprisingly dissonant (but always cohesive) moments. The confidence of this movie to go forward and pause the narration allows it to find a notable variety in its humor, significant resolutions in the way of ellipsis and the most valuable qualities of its characters. Those in which, of course, it trusts, because they were built according to classical teachings; something that today is not only daring but also refreshing. JPF

Dan RubEnstein. (1990, Minesota, Estados Unidos). Se graduó por la McGill University en Literatura Hispánica y Alemán. Dirigió y produjo adaptaciones de las películas Chicas pesadas y Ni idea para videojuegos interactivos en celulares. (1990, Minnesota, United States). He graduated in Spanish Literature and German from the McGill University. He has directed and produced adaptations of the movies Mean Girls and Clueless for interactive video games for cell phones.

Argentina / Estados Unidos / México - Argentina / United States / Mexico, 2019 / 80’ / D / COLOR Español / Inglés - Spanish / English

o / Seven Veils Entertainment. Dan Rubenstein T +1 917 975 9551 E [email protected] W noemigold.com

D, G: Dan Rubenstein / F: Tebbe Schöningh / E: Miguel Goya DA: Romina Santorsola / S: Arturo Salazar / M: Juan Pablo Ibarra, Juan Wauters, Fraser Gielen, Mac Demarco / P: Dan Rubenstein, Catalina Berarducci / PE: Paula Astorga Riestra, María Eugenia Lombardi, Pilar Mato / : Home Films, Seven Veils Entertainment I: Catalina Berarducci, Martina Juncadella, Amelia Repetto, José Fogwill, Dan Rubenstein

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COMPETENCIA OFICIAL INTERNACIONAL

Noemí Gold

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MS Slavic 7 PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Una joven descubre, en el archivo de Harvard, que su bisabuela mantuvo una correspondencia con un poeta polaco en los años previos a la Segunda Guerra Mundial. En su nueva película, Bohdanowicz y Campbell retornan al universo de la vejez para, a partir de ella, entretejer un drama personal con el devenir histórico. La dupla conformada por Bohdanowicz y Campbell parece empeñada en hacer solo películas bellas e intrigantes, siempre animadas por un refinamiento y una austeridad irreductibles. Esta vez con Deragh como codirectora, cómplice dilecta que pasa con total naturalidad de un lado a otro de la cámara, MS Slavic 7 es un eslabón imprescindible en el cine de ambas mujeres: el interés por el pasado, el arte como contraseña y diagrama secreto de cualquier trayectoria vital, y la convicción de que es en los detalles donde se recupera el misterio de los que nos precedieron confluyen en un relato que funciona como mapa del tesoro, impulso detectivesco y aventura devocional en la que se establece la obstinada conexión entre el presente y aquello que parecía olvidado o perdido para siempre. David Obarrio

A young woman finds out in a Harvard archive that her great-grandmother exchanged letters with a Polish poet in the years leading up to the Second World War. In their new film, Bohdanowicz and Campbell return to the world of the elderly to intertwine a personal drama with the course of History. The duo formed by Bohdanowicz and Campbell seems decided to make only beautiful and intriguing movies, always animated by irreductible refinement and austerity. This time with Deragh as a co-director (a dear partner that moves naturally on an off-camera,) MS Slavic 7 is an essential link in both women’s cinema; the interest for the past, the idea of art as and secret diagram of any vital trajectory, and the conviction that in the details lie the mystery of those who preceded us converge in a narration that works as a treasure map, detectivesque impulse and devotional adventure that establishes the obstinate link between the present and that which seems forgotten or lost forever. DO

Sofia Bohdanowicz & Deragh Campbell. Bohdanowicz (Canadá) dirigió varios cortos y los largos Never Eat Alone (2016) y Maison du bonheur (2017), estreno mundial en el Bafici, que ese año le dedicó un foco. Campbell es actriz y escritora. Entre otras películas, actuó en Stinking Heaven, Never Eat Alone y The Intestine, todas exhibidas en este festival. Bohdanowicz (Canada) has directed several short films and the features Never Eat Alone (2016) and Maison du bonheur (2017), a world premiere at Bafici, which that year did a focus on her. Campbell is an actress and writer. She has performed, among others, in Stinking Heaven, Never Eat Alone and The Intestine, all of them screened at this festival.

Canadá - Canada, 2019 64’ / D / COLOR Inglés - English

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D, G, E: Sofia Bohdanowicz, Deragh Campbell / F: Sofia Bohdanowicz DA: Deragh Campbell / S: Sofia Bohdanowicz, Matt Chan, Elma Bello P: Sofia Bohdanowicz, Deragh Campbell, Calvin Thomas : Lisa Pictures / I: Deragh Campbell, Elizabeth Rucker, Mariusz Sibiga, Aaron Danby o / Lisa Pictures. Calvin Thomas T +1 (416) 565 7711 E [email protected] W lisapictures.com

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Ponele pimienta

PREMIERE INTERNACIONAL / INTERNATIONAL PREMIERE

Rene, una estudiante de Cine, lucha para completar su proyecto de tesis: una película independiente llamada Spice It Up. Yendo del film dentro del film a los esfuerzos de la directora en pos de su sueño, esta comedia satírica avanza con astucia entre la soledad y la crítica a las instituciones. Las nuevas olas del vasto y felizmente tumultuoso cine canadiense empezaron a hacer ruido hace dos Baficis, con la retrospectiva dedicada a Sofia Bohdanowicz (ahora también en esta Competencia) y tres óperas primas en Vanguardia y Género. La más intrigante del lote, The Intestine, era tan inusual, tan enigmática, que ni tras varios Q&As supimos bien qué tenían en la cabeza el director y los productores. En Spice It Up, un ejercicio soberbio de cine-dentro-del-cine con las medidas justas de absurdo, desesperanza y sátira filosa a las instituciones, los Lewis y Thomas despejan la incógnita: el suyo no es un cine de la indecisión o el desconcierto, sino uno que, como caricaturiza la fenomenal Rene de Jennifer Hardy, está graciosamente obstinado en inventarse su propio camino. Agustín Masaedo

Rene, a film student, struggles to complete her thesis, an independent movie called Spice It Up. Going from the film within the film to the efforts of the director to fulfil her dream, this satiric comedy moves slily between Rene’s loneliness and the criticism of institutions. The new waves of the vast and happily riotous Canadian cinema started to make noise two Baficis ago with the retrospective dedicated to Sofia Bohdanowicz (now also in this Competition) and three first films in the Avant-Garde and Genre section. The most intriguing of the batch, The Intestine, was so enigmatic and unusual that we didn’t manage to understand what the director and producers had in mind even after several Q&As. In Spice It Up, a superb exercise of film-within-a-film with the right doses of absurd, despair and sharp satire of the institutions, the Lewises and Thomas solve the enigma; theirs is not a cinema of indecision or bewilderment but one that, as the amazing Rene of Jennifer Hardy caricatures, is graciously obstinate in making its own way. AM

Lev Lewis, Yonah Lewis & Calvin Thomas. El canadiense Lev Lewis debutó en la dirección con The Intestine (2016, Bafici ‘17). Compuso y editó la música de diversas películas. Sus compatriotas Yonah Lewis y Calvin Thomas produjeron y dirigieron varios largos, entre ellos Amy George (2011), The Oxbow Cure (2013) y Baldy (en posproducción). Canadian Lev Lewis made his directorial debut with The Intestine (2016, Bafici ‘17). He has composed and edited the music of several films. His fellow countrymen Yonah Lewis and Calvin Thomas have produced and directed several features, among them Amy George (2011), The Oxbow Cure (2013) and Baldy (in post-production).

Canada - Canadá, 2018 82’ / D / COLOR Inglés / Francés - English / French D, G: Lev Lewis, Yonah Lewis, Calvin Thomas / M: Lev Lewis P: Yonah Lewis, Calvin Thomas / : Lisa Pictures / I: Jennifer Hardy o / Lisa Pictures. Calvin Thomas T +416 655 4523 E [email protected] W lisapictures.com

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COMPETENCIA OFICIAL INTERNACIONAL

Spice It Up

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Ojos Negros PREMIERE internacional / international PREMIERE

Paula, una chica de 14 años con dificultades para relacionarse, debe pasar el verano con su tía Elba y su abuela agonizante en Ojos Negros, el pueblo de su familia materna a la que apenas conoce. Un hogar asfixiante y una intensa amistad con una chica de su edad pronto la empujarán hacia la adultez. Ojos Negros es el viaje infantil de una niña al pueblecito aragonés de su madre, y un encuentro con sus ancestros vivos: sin cámaras temblorosas, ni apuntes al vuelo, ni montaje prohibido. Hemos visto películas de chiquillos absortos en zonas rurales, pero ninguna con este aliento clásico. La primera secuencia ya desvela una idea única del cine: sobre una discusión entre sus padres, la distancia adecuada en la observación delicada de un rostro, el de quien quiere dejar de ser niña, y las lágrimas aún dulces de la que lo es. Y es que Ojos Negros parece desubicada de este siglo, como las películas de Charles Burnett y Paul Newman en los 70 y 80 a las que recuerda. Desde su forma, no es porosa a las últimas tendencias del cine catalán, poco acostumbrado, por otra parte, a filmar el resto de España. Álvaro Arroba

Paula, a fourteen-year-old girl who has trouble relating to people, must spend the summer with her aunt Elba and her dying grandma in Ojos Negros, the town of her maternal family whom she barely knows. An asphyxiating home and an intense friendship with a girl her age will soon push her towards adulthood. Ojos Negros is the childhood trip of a girl to her mother’s town in Aragón and the encounter with her living ancestors; without shaking cameras, sketchy shots or editing prohibited. We have seen movies of absorbed children in rural settings, but none of them had the classical penchant of this one. The first sequence reveals a unique idea of cinema: against the backdrop of an argument between her parents, from the right distance, we delicately observe a face: that of someone who wants to stop being a girl and the sweet tears of the girl she still is. Ojos Negros seems to be out of place in this century, like the movies by Charles Burnett and Paul Newman in the 1970s and 80s of which it reminds. Its form is impervious to the latest tendencies of Catalan cinema, which is not very used, by the way, to shooting the rest of Spain. AA

Marta Lallana & Ivet Castelo. Lallana (1994, Zaragoza, España) estudia Comunicación Audiovisual en la Universitat Pompeu Fabra. En 2016 fue finalista del concurso europeo Master of Photography. Castelo (1995, Vic, España) reside en Viena. Se graduó en Comunicación Audiovisual en la Pompeu Fabra. Ojos Negros es la ópera prima de ambas. Lallana (1994, Zaragoza, Spain) studies Audiovisual Communication at the Universitat Pompeu Fabra. In 2016 she was a finalist of the European competition Master of Photography. Castelo (1995, Vic, Spain) lives in Vienna. She graduated in Audiovisual Communication from the Pompeu Fabra. Ojos Negros is their first film

España - Spain, 2019 65’ / D / COLOR / Español - Spanish

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D: Marta Lallana, Ivet Castelo / Autores Colaboradores: Iván Alarcón, Sandra García / G: Iván Alarcón, Ivet Castelo, Sandra García, Marta Lallana F: Jorge Basterretxea / E: Nila Núñez, Víctor X. Monzó DA: Cristina Massagué / S: Roger Navarro, Eloy Rodríguez M: Raúl Refree / P: Salvador Sunyer / PE: Andrés Mellinas : Nanouk Films / I: Julia Lallana, Alba Alcaine, Anna Sabaté, Inés Paricio o / Nanouk Films. Salvador Sunyer T +34 699927003 E [email protected] W nanouk.tv - ojosnegrosfilm.com

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Peter Grudzien es la fuerza musical solitaria detrás de The Unicorn, el primer álbum de country abiertamente gay. Con la misma crudeza de una vida llena de altibajos, The Unicorn, la película, sigue su derrotero artístico y personal, que incluye problemas mentales y una familia particular y caótica. Un documental cuyos registros provienen mayormente del período 2005-2007 y que ahora, terminado, revisa con afecto y agudeza ese pasado y también los años 70 del siglo XX. El centro es Peter Grudzien, músico, autor de un disco pionero en 1974. Pero The Unicorn va más allá de la música y del disco, aunque los incluye. Este verdadero retrato nos acerca a Grudzien, a su familia, a su modo de vida, a su forma de estar cada vez más afuera del mundo y cada vez más en su casa llena de objetos. La comparación con Grey Gardens es posible y merecida, y no solamente por el peso del pasado en la casa y el desorden, etc.; la película de los Maysles de 1975 y The Unicorn comparten la capacidad de hacer perdurar los brillos y los destellos de personas de clase única. JPF

Peter Grudzien is the lone musical force behind The Unicorn, the first openly gay country music album ever recorded. With the same rawness of a life full of ups and downs, The Unicorn, the movie, follows his personal and artistic trajectory, which includes mental problems and a peculiar and chaotic family. A documentary whose footage comes mainly from the period 2005-2007 and that now, once finished, revises with affection and sharpness that past and also the 1970s. Its center is Peter Grudzien, a musician who released a pioneering record in 1974. But The Unicorn goes beyond the album and its music, although it includes them. This true portrait brings us closer to Grudzien, his family, his way of life. and also his way of being progressively out of the world an inside his cluttered house. The comparison with Grey Gardens is possible and well-deserved, and not only due to the weight of the past in the house, the untidiness, etc.; the 1975 Maysleses’ movie and The Unicorn share the ability to preserve the shine and glimmer of a kind of people who belong to a unique class. JPF

Isabelle Dupuis & Tim Geraghty. Dupuis (1971, Francia) estudió Historia del Cine en Praga. Es miembro fundadora de Ocularis, uno de los primeros microcines de Nueva York. Geraghty (1981, Estados Unidos) es director y videasta. Dirigió varios cortos proyectados en el Festival de Rotterdam y en el Anthology Film Archives, entre otros. Enseña en la Escuela de Diseño de Rhode Island. Dupuis (1971, ) studied Film History in Prague. She is a founding member of Ocularis, one of the first microcinemas in New York. Geraghty (1981, United States) is a director and video artist. He has co-directed several short films screened at the Rotterdam Festival and the Anthology Film Archives, among others. He currently teaches at the Design School of Rhode Island.

Estados Unidos - United States, 2018 92’ / D / COLOR Inglés - English D: Isabelle Dupuis, Tim Geraghty / F: Isabelle Dupuis, Scott Wallace / E: Tim Geraghty / S: Bill Colvin / M: Peter Grudzien P, PE: Isabelle Dupuis / : Aonbheannach Productions I: Peter Grudzien, Terry Lewis, Jopseh Grudzien o / Aonbheannach Productions LLC. Isabelle Dupuis T +00 1 646 691 0695 E [email protected] W theunicornfilm.com

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COMPETENCIA OFICIAL INTERNACIONAL

The Unicorn

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Vox Lux SELECCIÓN OFICIAL FUERA DE COMPETENCIA / OUT OF COMPETITION PREMIERE ARGENTINA / ARGENTINE PREMIERE

En 1999, Celeste sobrevivió a una tragedia en su escuela. Dos décadas más tarde, se ha vuelto una indomable bestia pop. Cínica y arriesgada, pero siempre segura de sí misma, Vox Lux es más que una de las mejores actuaciones de Natalie Portman: es también un potente retrato de la violencia en Estados Unidos. La segunda película de Brady Corbet arranca con una escena traumática que hace prever que el resto se podría desarrollar un poco a la austríaca. Falsa alarma: el director no quiere dejar al espectador como a un cobayo maltratado, sino más bien como a un sujeto activo ante las posibilidades de la ficción en un repertorio de acontecimientos imposibles de adivinar. Corbet podría haber redactado un tratado con sus ideas sobre la sociedad del espectáculo, pero prefirió acometer su “gran novela americana” e imbricarla en la película más innovadora y contemporánea de Hollywood desde Billy Lynn’s Long Halftime Walk, de Ang Lee. Una obra llena de tonos y de ideas, con Natalie Portman interpretando a Celeste, una moderna Lola Montes, que le sirve a Corbet para identificar la gloria eterna con la enfermedad moral. AA

In 1999, Celeste survived a tragedy in her school. Two decades later, she has become an indomitable pop beast. Cynical and daring, but always sure of herself, Vox Lux is more than one of Natalie Portman’s best performances: it is also a powerful portrait of the violence in the United States. Brady Corbet’s second film starts with a traumatic scene that makes us think things might proceed in an Austrian style. False alarm: the director didn’t write this into his script to leave the spectator as a battered guinea pig, but rather as an active subject before the possibilities of the fiction that will unfurl before their eyes in a repertoire of impossible-to-be-guessed events. Corbet could have written a treatise with his ideas on the society of spectacle, but he preferred to attempt his “Great American Novel” and interweave it into the most contemporary and innovative Hollywood film since Billy Lynn’s Long Halftime Walk, by Ang Lee. A film full of tones and ideas, starring Natalie Portman as Celeste, a modern Lola Montes that Corbet uses to identify eternal glory with moral illness. AA

Brady Corbet. (1988, Scottsdale, Estados Unidos). Es actor y director. Su primera película, The Childhood of a Leader (2015), ganó los premios a mejor ópera prima y mejor director en el Festival de Venecia. Vox Lux es su segundo largometraje. (1988, Scottsdale, United States). Actor and director. His first movie, The Childhood of a Leader (2015), won the prizes for best debut film and best director at the Venice International Film Festival. Vox Lux is his second feature.

Estados Unidos - United States, 2018 114’ / D / COLOR Inglés - English D, G: Brady Corbet / F: Lol Crawley / E: Matthew Hannam DA: Julia Heymans / S: Damian Canelos / M: Scott Walker P: Ron Curtis, Mark Gillespie / PE: Sia, Natalie Portman, Jude Law : Bold Films, Killer Films, Andrew Lauren Productions I: Natalie Portman, Jude Law, Stacy Martin, Raffey Cassidy, Jennifer Ehle o / BF Paris. Verónica Janza T +54 11 5032 3817 E [email protected] W www.bfparis.com.ar

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A Faithful Man / Un hombre fiel PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Como un Antoine Doinel del siglo XXI, Abel atraviesa un enredo amoroso entre su novia infiel, quien ha vuelto con un hijo tras la muerte de su amante, y la bella hermana del difunto. Un triángulo romántico dirigido y protagonizado por Louis Garrel y coescrito junto al mítico Jean-Claude Carrière. La segunda película de Louis Garrel da una idea aún más impresionante del versátil potenciador de sabores que es Jean-Claude Carrière. El guionista del período francés de Buñuel sabe cómo ponerse en la piel del galán, actor y cineasta Garrel, para ayudarle en la transmutación de la herencia paterna: aquí ambos invocan a Chabrol para que aporte tonalidades hitchcockianas que definan un sentido del humor bastante inédito. Es uno de los pocos casos en los que un “cineasta hijo de cineasta” pone a los personajes de su padre a pensar y a hacer cosas completamente diferentes. Garrel, Laetitia Casta y Lily-Rose Depp son los tres vectores de este thriller impredecible tocado por la gracia de la liviandad. Una de las pocas sorpresas del reciente cine francés, y la intuición de un cineasta formidable. AA

Like a 21st century Antoine Doinel, Abel goes through some love issues between his unfaithful girlfriend, who has returned with a son after the death of her lover, and the beautiful sister of the deceased. A romantic triangle directed by and starring Louis Garrel, and co-written with the mythical Jean-Claude Carrière. The second film by Louis Garrel gives a much more impressive idea of the versatile stimulator of flavor Jean-Claude Carrière can still be. The screenwriter from Buñuel’s French period knows how to put himself in the shoes of heartthrob, actor and filmmaker Garrel, in order to help him in the transmutation of the legacy of his father. Here, they both summon Claude Chabrol in order for him to contribute with hitchcockian shades that define a sense of humor that is quite unprecedented. It’s one of the very few cases in which a “filmmaker son of a filmmaker” uses his father’s characters and makes them think and do completely different things. Garrel himself, Laetitia Casta and Lily-Rose Depp are the three vectors of this unpredictable thriller touched by the grace of lightness. One of the few surprises in recent French cinema, and the foretaste of a great filmmaker. AA

Louis Garrel. (1983, París, Francia). Actor egresado del Conservatorio de París. Debutó en la dirección con el mediometraje Mes copains (2008, Bafici ‘09). Realizó luego dos cortometrajes y el largo Les Deux Amis (2015). (1983, Paris, ). An actor graduated from the Conservatoire de Paris. He made his directorial debut with the mid-length Mes copains (2008, Bafici ‘09). He then made two shorts and the feature Two Friends (2015).

Francia - , 2018 75’ / D / COLOR Francés - French D: Louis Garrel / G: Louis Garrel, Jean-Claude Carrière F: Irina Lubtchansky / E: Joëlle Hache / S: Alexis Meynet M: Philippe Sarde / P: Pascal Caucheteux, Grégoire Sorlat PE: Martine Cassinelli, Mélissa Malinbaum / : Why Not Productions I: Louis Garrel, Laetitia Casta, Lily-Rose Depp o / Wild Bunch. Esther Devos T +33 1 43 13 21 27 E [email protected] W wildbunch.biz

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COMPETENCIA OFICIAL INTERNACIONAL

L’homme fidèle

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God of the Piano PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Anat, una reconocida pianista, siente que la sordera de su hijo amenaza sus planes de convertirlo, también, en un gran músico. Al mismo tiempo thriller y parábola moral, God of the Piano plantea la pregunta sobre cuál es el precio que una persona está dispuesta a pagar para modelar un genio. ¿Qué pasaría si…? La pregunta que ha originado tantos relatos es llevada por God of the Piano a altos niveles de concreción y oscuridad y, en pocos minutos, estamos inmersos en un relato intenso, que no le teme a lo monstruoso que puede —suele— anidar detrás de la búsqueda de la perfección, de la divinidad deseada desde el título, y del frecuentemente vano intento de moldear al otro según las propias expectativas. Esta es una historia de temblores, una verdadera película de terror, una que lo provoca sin necesidad de apagar ninguna luz. Una ópera prima con el filo suficiente como para que sus personajes se lastimen de maneras obstinadas y tal vez obtusas, totalmente lógicas con ese punto de partida que desestructura y, a la vez, estructura, con contundencia y magnetismo, este relato. JPF

Anat, a renowned pianist, feels that her son’s hearing impairment threatens her plans of turning him into another great musician. At once a thriller and a parable, God of the Piano raises the question of what price a person is willing to pay in order to mold a genius. What if…? The question that has given origin to so many stories is taken by God of the Piano to high levels of concretion and darkness, and in just a few minutes we’re immersed in this intense tale that doesn’t fear the monstrousness that can —and tends to— dwell behind the search for perfection, the divinity desired from the title itself and the frequently vain attempt to shape the other according to one’s expectations. This is a story of tremors, a true horror film, one that provokes it without the need to turn off any lights. A first feature with enough edge for its characters to hurt themselves in obstinate, perhaps obtuse, and totally logical ways with that starting point that, at the same time, structures and brings down this tale with severity and magnetism. JPF

Itay Tal. (Tel Aviv, Israel). Estudió Cine y Televisión en la Universidad de Tel Aviv. Entre sus cortos, cabe mencionar When You Played (2012). Es cofundador de la compañía productora MovieMakers. God of the Piano es su primer largometraje. (Tel Aviv, Israel). He studied Film and Television at the University of Tel Aviv. His shorts include When You Played (2012). He is co-founder of the production company MovieMakers. God of the Piano is his first feature.

Israel, 2019 79’ / D / COLOR Hebreo - Hebrew D, G, E: Itay Tal / F: Meidan Arama / DA: Shir Kleiman S: Vitaly Grunshpan, Nir Aviam / M: Roie Shpigler, Hillel Teplitzky P: Itay Tal, Shani Egozin / PE: Hila Ben-Shushan / : Movie Makers I: Naama Preis, Ze’ev Shimshoni, Andy Levi, Ron Bitterman, Leora Rivlin o / Film Republic. Viktorija Cook T +37064795414 E [email protected] W filmrepublic.biz/films

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Wì â Ritoru Zonbîzu / Somos los Little Zombies PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Cuatro adolescentes que acaban de perder a sus padres se encuentran en un crematorio. Sin mucho que hacer e incapaces de llorar o expresar emoción alguna (como si fueran zombis), deciden formar una banda. Adrenalínico e irreverente, el debut de Nagahisa es un excéntrico tsunami de cine. Si la obsesión por los dioramas de Wes Anderson se cruza con la hiperactividad de la vida melancólica que define Lemony Snicket en sus eventos desafortunados, ¿qué aparece? Un milagro correcaminos, un cohete pop de película (de esas que se llevan de bandera el resto de la vida). Cuatro huérfanos japoneses se conocen en el crematorio donde despiden a sus padres para formar después una banda de rock. La ópera prima de Makoto Nagahisa funciona como una película demonio-tasmaniesca que captura la vida multimedia de sus niños para pegarla como figuritas en un film/álbum donde aparecen la cultura 8-bit, el caos de diseño, la alteración caleidoscópica hipertensa y demás instalaciones zombis. Como Wonder Boy, los “zombis” avanzan a un mundo que siempre pide que inserten otra moneda. JMD

Four teenagers who have just lost their parents meet at a crematorium. Without much to do and incapable of crying of expressing any emotion (as though they were zombies), they decide to form a band. Irreverent and full of adrenaline, Nagahisa’s debut is an eccentric tsunami of cinema. If Wes Anderson’s obsession with dioramas were to be crossed with the hyperactivity of the melancholy life defined by Lemony Snicket in his series of unfortunate events, what do we get? A roadrunner-like miracle, a pop rocket of a film (those you hold on to for the rest of your life). Four Japanese orphans meet at the crematorium where they are saying farewell to their parents and form a rock band. Makoto Nagahisa’s first feature works as a Tasmanian Devil of a film that captures the multimedia lives of its children in order use them as stickers in a film/album that features 8-bit culture, design chaos, hypertensive kaleidoscopic alteration and other zombie installations. Like Wonder Boy, the “zombies” move towards a world that always ask them to insert another coin. JMD

Makoto Nagahisa. (1984, Tokio, Japón). Realizó videos musicales mientras trabajaba como asesor comercial. En 2017 dirigió And So We Put Goldfish in the Pool, primer corto japonés en ganar en el Festival de Sundance. We Are Little Zombies es su primer largo. (1984, Tokyo, Japan). He has made music videos while working as commercial advisor. In 2017, he directed And So We Put Goldfish in the Pool, the first Japanese short to win at the Sundance Film Festival. We Are Little Zombies is his first feature.

Japón - Japan, 2019 120’ / D / COLOR Japonés - Japanese D, G: Makoto Nagahisa / F: Hiroaki Takeda / E: Maho Inamoto DA: Yukiko Kuribayashi / S: Junnosuke Okita / M: Katsuya Yamada P: Taihei Yamanishi, Shinichi Takahashi, Haruki Yokoyama, Haruhiko Hasegawa / : Robot Communications Inc. I: Keita Ninomiya, Satoshi Mizuno, Mondo Okumura, Sena Nakajima o / Nikkatsu Corporation. Mami Furukawa T +81 3 5689 1014 E [email protected] W intl.nikkatsu.com

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COMPETENCIA OFICIAL INTERNACIONAL

We Are Little Zombies

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Ray & Liz PREMIERE ARGENTINA / ARGENTINE PREMIERE

Tres episodios basados en las memorias del director y fotógrafo Richard Billingham, con foco en sus padres, Ray y Liz, y en la experiencia de crecer en los márgenes geográficos y sociales de Birmingham. Un impactante fresco de seres que rompen tabúes sociales, atravesado por un humor inquietante. ¿Qué pasa cuando nuestro infierno, eso que la familia puede ser cuando brutal y concentrada como ninguna otra calamidad en el mundo, es comprimido, expuesto y revelado? ¿Al salir al mundo, pierden esos demonios que nos dieron la teta el tamaño que les atribuimos? “No”, dice Richard Billingham. Y lo dijo en sus videos, en sus fotografías y ahora en su ópera prima, un film monstruo que comparte ADN y formas, saturadas, con las obras que lo precedieron. Britania, la vida urbana de clase baja, la luz catódica como faro que confirma la condena, el mundo estrujado en sus límites (económicos, emocionales, humanos): la prisión autobiográfica de Billingham muta en una caja negra de su vida lumpen en los 80 y 90 para afirmarse como un retrato crudo sobre cómo queman ambos lados de la puerta principal familiar. JMD

Three episodes based on the memories of director and photographer Richard Billingham that focus on his parents Ray and Liz as well as the experience of growing up in the geographical and social margins of Birmingham. A striking fresco of being that overcome social taboos, pierced through by some disquieting humor. What happens when our hell, what family can be when it’s as brutal and concentrated as no other calamity in the world, is compressed, exposed and literally developed? Do these demons that breastfed us lose the dimension we have given us when we set out to the world? “No,” says Richard Billingham. And he has said so in his videos, photographs and now in his first feature, a film-monster that shares DNA and forms, saturated, with the works that preceded it. Britannia, lower-class urban life, cathodic lights as anchor that confirms condemnation, the world squeezed in its borders (economic, emotional, human): Billingham’s autobiographical prison mutates into a black box of his underclassed life in the British ‘80s and ‘90s -a raw portrait of how both sides of our family’s main entrance burn. JMD

Richard Billingham. (1970, Birmingham, Reino Unido). Artista visual, fotógrafo y director, Billingham estudió en la Universidad de Sunderland. Sus trabajos fueron expuestos en los principales museos de Londres y Nueva York. Ray & Liz es su primer largometraje. (1970, Birmingham, UK). A visual artist, photographer and director, Billingham studied at the University of Sunderland. His works have been exhibited at the most important museums in London and New York. Ray & Liz is his first feature.

Reino Unido - United Kingdom, 2018 108’ / D / COLOR Inglés - English

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D, G: Richard Billingham / F: Daniel Landin / E: Tracy Granger S: Joakim Sundström / P: Jacqui Davies / : Primitive Film I: Ella Smith, Justin Salinger, Patrick Romer, Deirdre Kelly, Tony Way, Sam Gittins, Joshua Millard-Lloyd o / Luxbox. Valentin Carré T +33 171 379 934 E [email protected] W luxboxfilms.com

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PREMIERE latinoamericana / latam PREMIERE

Una nave que transporta colonos a Marte se desvía de su rumbo y los pasajeros, obsesionados con el consumo al punto de haber destruido su planeta de origen, comienzan a preguntarse por su lugar en el universo. Una cáustica adaptación sci-fi del poema de Harry Martinson, el nobel de Literatura sueco. Aniara desdeña con precisión implacable los postulados más rutinarios del cine de “películas del espacio” para dedicarse a la construcción de un horror intransferible, el desasosiego profundo de lo desconocido con su cadena asociativa de temores atávicos, trampas psíquicas y extravío sensorial. Los protagonistas no tienen salida: están atrapados, pero sobre todo no pueden escapar de sus miedos. La película manipula una iconografía vista hasta el hartazgo y se asoma al vacío en el que habitan sus personajes, la contracara de la espectacularidad espacial, hecha de temor, tedio y paranoia. La angustia y el tiempo corroen el alma, desmantelan el cuerpo y contaminan el futuro. Aniara es la más elocuente película punk del espacio porque lo único que tiene para exhibir es el presente. DO

A spaceship that transports settlers to Mars changes course and the engers, obsessed with consumption to the point of having destroyed the planet they come from, start to wonder about their place in the universe. A caustic sci-fi adaptation of the poem by Harry Martinson, Swedish Nobel Prize winner. Aniara disdains with implacable precision the most routinary postulates of “space operas” to devote itself to the construction of an intransferable horror, the profound unease of the unknown and its associative chain of atavistic fears, psychic traps and sensorial confusion. The protagonists have no way out: they are trapped, but above all they can’t escape from their fears. The film manipulates an iconography seen ad nauseum and peers into the void where its characters live: the other side of spatial spectacularity, made of dread, tedium and paranoia. Fear and time eat the soul, dismantle the body and pollute the future. Aniara is the most eloquent punk space film, because the only thing it has to show is the present. DO

Pella Kågerman & Hugo Lilja. Kågerman (1982, Estocolmo, Suecia) es escritora y artista visual. Dirigió los cortos The Swedish er (2011, junto a Lilja), Stormakstiden (2014) y The Swedish Empire (2014). Lilja (1979, Umeå, Suecia) dirigió varios cortos, entre ellos Judgement Day (2007) y The Unliving (2010). Aniara es el primer largo de ambos. Kågerman (1982, Stockholm, Sweden) is a writer and visual artist. She has directed the short films The Swedish er (2011, along with Lilja), Stormakstiden (2014) and The Swedish Empire (2014). Lilja (1979, Umeå, Sweden) has directed several short films, among them Judgement Day (2007) and The Unliving (2010). Aniara is their first feature.

Suecia - Sweden, 2018 100’ / D / COLOR Sueco - Swedish D, G: Pella Kågerman, Hugo Lilja / F: Sophie Winqvist Loggins E: Björn Kessler, Pella Kågerman, Michal Leszczylowski S: Calle Wachtmeister / M: Alexander Berg / P: Annika Rogell : Meta Film Stockholm AB / I: Emelie Jonsson, Arvin Kananian, Bianca Cruzeiro, Anneli Martini o / Meta Film Stockholm AB. Annika Rogell T +46 708 55 64 77 E [email protected]

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Aniara

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Koko-di Koko-da PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Una pareja traumatizada por un hecho doloroso se adentra en el bosque con la intención de acampar y salvar su relación. En su lugar, se ven atrapados en la sangrienta y surreal pesadilla de Johannes Nyholm; una siniestra fábula nihilista, suerte de The Last House on the Left en modo Hechizo del tiempo. “Mi gallo se murió / Nunca cantará koko-di, koko-da / Kokokoko-koko koko-di, koko-da”: prepárense para tener pesadillas con la siniestra melodía infantil que se repite una y otra y otra vez en la segunda película de Nyholm. La advertencia es retórica, porque no hay manera de anticipar o combatir el malestar apabullante, casi físico, que provoca Koko-di Koko-da, así como no hay escape –ni redención ni aprendizaje– para sus protagonistas en el Hechizo del tiempo sádico que los atrapa. Y, aunque a los de estómago débil los tranquilice hablar de un cine de la crueldad, lo que Nyholm pone en juego es su exacto opuesto: una crueldad puramente cinematográfica, desplegada con talento diabólico desde la puesta en escena, el montaje y, sí, la nueva banda sonora de nuestras pesadillas. AM

A couple traumatized by a tragic event penetrates into the woods with the intention of camping and saving their relationship. Instead, they see themselves trapped in Johannes Nyholm’s bloody and surreal nightmare, a sinister nihilistic fable, some sort of The Last House on the Left in Groundhog Day mode. “My rooster is dead / It will never sing koko-di, koko-da / Kokokoko-koko koko-di, koko-da”: get ready to have nightmares with the sinister nursery rhyme that’s repeated again and again in Nyholm’s second film. The warning is rhetorical, because there is no way of anticipating or battling the overwhelming, almost physical unease provoked by Koko-di Koko-da, nor is there any escape –or redemption, or lesson to be learned– for its characters in the sadistic Groundhog Day that engulfs them. And even though those with a weak stomach could find comfort in talking about a cinema of cruelty, what Nyholm puts at stake is its exact opposite: a purely cinematic cruelty, carried out with diabolical talent from the mise-en-scène, the editing, and yes, the new soundtrack of our nightmares. AM

Johannes Nyholm. (1974, Umeå, Suecia). Productor, guionista y animador, estudió Arte, Cine y Animación. Dirigió varios cortometrajes y el largo The Giant (2016), todos ellos exhibidos en el Bafici 2017. (1974, Umeå, Sweden). Producer, screenwriter and animator, he studied Art and Film. He directed many shorts as well as the feature The Giant (2016), all of them screened at Bafici 2017.

Suecia / Dinamarca - Sweden / Denmark, 2019 85’ / D / COLOR Sueco / Danés - Swedish / Danish D, G, E: Johannes Nyholm / F: Tobias Höiem-Flyckt, Johan Lundborg DA: Pia Aleborg / S: Gustaf Berger / M: Olof Cornéer, Simon Ohlsson P: Johannes Nyholm, Maria Møller Christoffersen / PE: Peter Hyldahl : Johannes Nyholm Produktion, Beofilm / I: Ylva Gallon, Leif Edlund Johansson, Peter Belli, Katarina Jacobson, Morad Khatchadorian o / Stray Dogs. Lison Hervé T +33 771 883 964 E [email protected] W stray-dogs.biz

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PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

Un misterioso hombre y una mujer dolida se conocen, aparentemente por casualidad, en una fría noche en Tesino, Suiza. Quizás es la soledad compartida la que los une, quizás una oscura proximidad con la muerte. Aun así, esta improbable relación fundada en el secreto y la simulación comienza a dar sus frutos. Cronofobia parece describir una especie de horror subyacente en las relaciones humanas casi sin necesidad de aludir a ello, como si el director hubiera dispuesto las máximas cotas de elegancia y precisión a la hora de filmar una historia de amor fatal, para luego deslizarse con malevolencia sobre la noche en algunos rincones anónimos de ciertas ciudades de la Suiza italiana. La película destila una singular predilección por tiendas, hoteles y bares, mientras un poema de Charles Bukowski establece el tono de tristeza profunda capaz de abalanzarse sin piedad sobre los personajes y rodearlos con un halo incandescente de desesperanza y sinsentido. sco Rizzi ha elaborado un thriller desfasado en el que la propia identidad se vuelve enigma y motivo de un desaliento insobornable. DO

A mysterious man and a hurt woman meet, apparently by chance, on a cold night in Tesino, Switzerland. Maybe it is shared loneliness that brings them together; maybe a dark proximity to death. Still, this unlikely relationship based on secret and simulation starts to work out.

sco Rizzi. (1978, Mendrisio, Suiza). Es licenciado en Literatura Italiana e Historia del Arte por la Universidad de Friburgo y diplomado en Dirección Cinematográfica por Cinecittà Studios. Dirigió el largo La culla del Dio morente (2009). (1978, Mendrisio, Suiza). He graduated in Italian Literature and Art History at the University of Freiburg and got a degree in filmmaking at Cinecittà Studios. He directed the feature La culla del Dio morente (2009).

Suiza - Switzerland, 2018 93’ / D / COLOR Italiano - Italian

Cronofobia seems to describe a sort of horror that underlies human relations almost without referring to it, as if the director had employed the highest elegance and precision to film a fatal love story, only to slide wickedly into a portrait of the night in some anonymous corners of Italian Switzerland. The movie shows a singular preference for stores, hotels and bars, while a poem by Charles Bukowski sets the tone of deep sadness that jumps on the characters and surround them with an incandescent halo of despair and meaninglessness. sco Rizzi has made an out-of-t thriller in which the own identity becomes an enigma and the reason for an incorruptible dismay. DO

D: sco Rizzi / G: sco Rizzi, Daniela Gambaro F: Simon Guy Faessler / E: Giuseppe Trepiccione / DA: Georg Bringolf S: Patrick Becker / M: Zeno Gabaglio / P: Villi Hermann PE: Michela Pini / : Imagofilm Lugano / I: Vinicio Marchioni, Sabine Timoteo, Leonardo Nigro o / Imagofilm Lugano. Villi Hermann T +41 91 9226831 E [email protected] W imagofilm.ch

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COMPETENCIA OFICIAL INTERNACIONAL

Cronofobia

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Los Tiburones The Sharks

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Mientras nada en el mar, Rosina, una adolescente de 14 años, cree ver la aleta de un tiburón y el rumor altera la paz del balneario. Pero ella, indiferente al pánico, conoce a Joselo y siente una extraña atracción física, un deseo que buscará satisfacer como inspirada por el misterioso depredador. Rosina está sola entre un montón de gente. El chico que le gusta es una decepción, su hermana y sus amigas no se le parecen en nada, su familia parece no entender demasiado dónde están sus intereses, y los acontecimientos que rodean la vida del pueblo a todos les generan terror mientras a ella la entusiasman. Paseos nocturnos en bicicleta y trabajos de temporada, sus rutinas están corridas de lo que parece ordenar la vida de las otras chicas de su edad. Pero, atención, Los tiburones no se apoya en posibles melancolías adolescentes (aunque no las niega) ni en fórmulas ya probadas del coming of age (aunque las conoce), sino en la celebración de la singularidad y la energía, en el humor que generan las disonancias y en las pequeñas victorias de los diferentes. Magdalena Arau

Rosina, a 14-year-old teenager, believes she has seen the fin of a shark as she swam in the sea, and the rumor upsets the calm of the beach. But she, indifferent to panic, meets Joselo and feels a strange physical attraction, a desire she will try to fulfil as if inspired by the mysterious predator. Rosina is alone in the crowd. The boy she likes proves a disappointment, her sister and her friends are not a bit like her, her family doesn’t seem to understand where her interests lay, and the events that surround life in the town, who frighten everyone, seem to amuse her. Bike rides by night and jobs during the season; her routine is different from that which seems to organize other girls’ lives. But beware; The Sharks is not based on possible teenage melancholies (though it doesn’t deny them) or on the proven formulas of the coming of age genre (though it knows them), but on the celebration of singularity and energy, on the humor caused by dissonance and on the small victories of the different. MA

Lucía Garibaldi. (1986, Uruguay). Es licenciada por la Escuela de Cine del Uruguay. Ha escrito y dirigido los cortometrajes de ficción Colchones (2010) y Mojarra (2012). Actualmente desarrolla los largos Última reina y Mírame, Roberto. (1986, Uruguay). She graduated from the Escuela de Cine del Uruguay. She has written and directed the fiction short films Colchones (2010) and Mojarra (2012). She is currently working on the fiction features Última Reina and Mirame, Roberto.

Uruguay / Argentina / España - Uruguay / Argentina / Spain, 2019 / 80’ / D / COLOR / Español - Spanish D, G: Lucía Garibaldi / F: Germán Nocella / E: Sebastián Schjaer DA: Nicole Davrieux, María Victoria Figueredo / S: Mercedes Tennina M: Fabrizio Rossi, Miguel Recalde / P: Isabel García, Pancho Magnou Arnábal / PE: Pancho Magnou Arnábal : Montelona Cine, Trapecio Cine, Nephilim Producciones I: Romina Bentancur, Federico Morosini, Fabián Arenillas, Valeria Lois, Antonella Aquistapache o / Montelona Cine. Pancho Magnou Arnábal T +598 99742898 E [email protected] W montelonacine.com

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[21] BAFICI

Competencia Oficial argentina argentine Official Competition

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Juan, 35 años, conoce a Luciana en el peor momento de su vida. Pese a ello, logran construir una relación atípica, pasional… y llena de mentiras. Pronto se verán envueltos en una gran confusión y obligados a enfrentar la realidad en esta ingeniosa e imprevisible comedia de enredos salteña. Dieciocho años después de su primera película, Rodrigo Moscoso presenta la segunda. Se unen los puntos; hay, finalmente, una continuidad. De Modelo 73 (Bafici ‘01) a Badur Hogar sin cambiar de lugar, de sentido de pertenencia: el cine de Moscoso transcurre en Salta, y se presenta con una amabilidad que sabe combinarse con fluidez y también con una mirada sobre el cine, los personajes y sus peripecias. En Modelo 73 y todavía más en Badur Hogar, hay tradiciones, hay objetos del pasado. Y con eso hay que vivir en el mundo y en un relato del presente que no huye de los diversos dolores y que, a la vez, apuesta por más tradiciones, como las de los géneros cinematográficos. Moscoso hizo una comedia romántica que sabe usar como verdad narrativa cada ocultamiento y cada mentira. JPF

Juan, 35, meets Luciana at the worst moment of his life. Despite that, they manage to build an atypical relationship, full of ion… and lies. Soon they will be involved in a great confusion and forced to face reality in this unpredictable comedy of errors made in Salta.

Rodrigo Moscoso. (1973, Bahía Blanca, Argentina). Estudió Dirección de Cine en la Universidad del Cine. En 1995 filmó en Salta su primer cortometraje, Leo 16. Modelo 73 (Bafici ‘01), también rodado en la provincia, fue su primer largometraje. (1973, Bahía Blanca, Argentina). He studied Film Direction at the Universidad del Cine. In 1995 he shot in Salta his first short film, Leo 16. Modelo 73 (Bafici ‘01), also made in the province, was his first feature.

Argentina, 2019 101’ / D / COLOR Español - Spanish

Eighteen years after his first film, Rodrigo Moscoso presents the second. The dots connect; there is, finally, a continuity. From Modelo 73 (Bafici'01) to Badur Hogar without changing place or sense of belonging: Moscoso’s cinema takes place in Salta and has a kindness that combines with fluency and also with a certain idea of cinema, the characters and their adventures. In Modelo 73, and even more in Badur Hogar, there are traditions and objects from the past. And that is all there is to live in the world and in a narration of the present that doesn’t avoid the pain and even bets on more traditions; for example, that of film genres. Moscoso has made a romantic comedy that knows how to use every lie and every concealment as a narrative truth. JPF

D, P: Rodrigo Moscoso / G: Rodrigo Moscoso, Patricio Cárrega F: Gaspar Quique Silva / E: Federico Casoni / DA: Mariela Rípodas S: Juan Camilo Giraldo / M: Axel Krigyer / PE: Mariel Vítori : Shooting Salta / I: Bárbara Lombardo, Javier Flores, Cástulo Guerra, Nicolás Obregón, Daniel Elías o / Shooting Salta. Mariel Vítori T +54 9 387 612 3444 E [email protected] W shootingsalta.com

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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COMPETENCIA OFICIAL argentina

Badur Hogar

argentine OFFICIAL COMPETITION

Breve historia del planeta verde Brief Story from the Green Planet PREMIERE americana / american PREMIERE

Tania, una chica trans, emprende junto a dos amigos una aventura con el fin de cumplir el deseo póstumo de su abuela: regresar un alien pequeño y violeta al lugar donde apareció. La nueva película de Santiago Loza desafía los cánones de un género apenas explorado en el cine nacional. Los descastados son quienes merecen la aventura. Santiago Loza crea la perfecta película marciana argentina, una que le baila en la cara a preconceptos, límites autoimpuestos y ausencia de ferocidad. Cuenta, claro, una odisea, una doméstica, de estaciones de servicio en la provincia. Es la aventura de Tania, Daniela y Pedro (Romina Escobar lista para invadir el planeta con su sinceridad, Paula Grinszpan y Luis Sodá). Es un duelo también, y es animarse al fantástico travestido de sci-fi sentido: hay un marciano luminoso, avasallador y disparatado. Así, los seres que brillan avanzan a pasos de neón y de hermandad, de lucha social por la identidad con corazón E.T., logrando a cada huella abrir un nuevo surco para el cine nacional y los géneros. Es un hogar sideral, antes que una película más. JMD

Tania, a trans woman, and her two friends set out on an adventure to fulfil her grandma’s posthumous wish: to return a small and purple alien to the place where it first appeared. The new film by Santiago Loza challenges the canons of a genre hardly explored in Argentine cinema. The outcasts are those who deserve an adventure. Santiago Loza creates the perfect Argentine Martian film, one that dances in the face of preconceptions, self-imposed limits and the absence of ferocity. It tells, of course, an odyssey; a domestic one, set in provincial gas stations. It is Tania, Daniela and Pedro’s adventure (Romina Escobar ready to invade the planet with her candor, Paula Grinszpan and Luis Sodá). It is also the story of a mourning and a foray into the fantastic cross-dressed as heartfelt sci-fi: there is a luminous martian, overwhelming and insane. Thus, these shimmering beings’ steps are full of neon and comradeship, of social struggle for identity fueled by an E.T. heart. And as they walk, they manage to blaze new trails for Argentine cinema and for genres. This is not just one more film: it is a stellar home. JMD

Santiago Loza. (1971, Córdoba, Argentina). Estudió en la ENERC y en la Escuela Municipal de Arte Dramático. Dirigió, entre otros films, Extraño (ganador de la Competencia Argentina en el Bafici ‘03), La Paz (ganador de la Competencia Argentina en el Bafici ‘13) y Malambo, el hombre bueno (Bafici ‘18). (1971, Córdoba, Argentina). He studied at the ENERC and the Municipal School of Dramatic Arts. He directed, among others, the films Strange (winner of the Argentine Competition at Bafici ‘03), La Paz (winner of the Argentine Competition at Bafici ‘13) and Malambo, el hombre bueno (Bafici ‘18).

Argentina / Alemania / Brasil / España - Argentina / / Brazil / Spain, 2019 / 75’ / D / COLOR / Español - Spanish

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D, G: Santiago Loza / F: Eduardo Crespo / E: Lorena Moriconi, Iair Michel Attias / DA: Fernanda Chali / S: Tiago Bello, Nahuel Palenque M: Diego Vainer / P, PE: Constanza Sanz Palacios : Constanza Sanz Palacios Films, Autentika Films, Anavilhana, Zentropa Spain / I: Romina Escobar, Luis Sodá, Paula Grinszpan o / Constanza Sanz Palacios Films. Constanza Sanz Palacios T +54 9 11 6136-0195 E [email protected] W constanzasanzpalacios.com

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

Family

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Todos los años, para las fiestas, un hombre solitario visita a su noctámbula familia, que solo sale de casa ocasionalmente. Luego de su celebrado debut con La noche, Edgardo Castro regresa con un film que halla en el encierro, el silencio y la aparente intrascendencia, momentos genuinos de cine. Sabemos por Dalí, Warhol y Fassbinder que un egotrip no tiene por qué guardar forzosa relación con la autoindulgencia. Tras su rol en La flor, Edgardo Castro más que actor es una presencia en camino a convertirse ícono de la parroquia del cine independiente argentino. Familia arranca en una peluquería, donde lo dejan recortado como a un figurín de postal, listo para la era de la reproductibilidad porteña. Luego la normalidad de su hogar, en el que su presencia pop se integra y desintegra como un elefante futurista en el living de su infancia. La segunda de Castro es una película moderna en la que el ícono se frota con la realidad, como cuando Rossellini metió a la Bergman en la isla de Stromboli. No hay miserabilismo al filmar a sus padres, sino una textura de Candy Crush y televisión que conforma un trance triunfal. AA

Every year, during the holidays, a man visits his nocturnal family, that only occasionally come out of their house. After his acclaimed debut with The Night, Edgardo Castro returns with a film that finds in seclusion, silence and an apparent insignificance true moments of cinema. Dalí, Warhol and Fassbinder have taught us that an ego trip is not necessarily self-indulgent. After his appearance in La Flor, Edgardo Castro is not just an actor -he is a name on his way to becoming an icon in the church of Argentine independent cinema. Family starts in the hair salon where they subject him to a criminal haircut and leave him ready for the age of Buenos Aires reproduction. Then, there’s the normality of his house, where his pop presence integrates and disintegrates like a futuristic elephant in the living room of his childhood. Castro’s second film is a modern artifact in which the icon holds hands with reality, like that time when Rossellini sent Ingrid Bergman to Stromboli island. There is no miserabilism in the act of filming his parents; there’s a triumphal trance made up of a texture that is a crossover of Candy Crush and TV. AA

Edgardo Castro. (1970, Buenos Aires). Es actor, guionista y director de cine y teatro. También es escritor, docente y miembro fundador del Grupo KRAPP de danza contemporánea. Su ópera prima, La noche, ganó el premio especial del jurado del Bafici ‘16. (1970, Buenos Aires) Actor, screenwriter and film and theater director. He is also a writer, teacher and founding member of the KRAPP Group of contemporary dance. His first film, The Night, won the special jury award at Bafici ‘16.

Argentina, 2019 97’ / D / COLOR Español - Spanish D, G, P: Edgardo Castro / F: Inés Duacastella, Agustín Mendilaharzu E: Miguel de Zuviría / DA: Alicia Mabel Pepa, Edgardo Castro S: Gabriel Barredo, Tomás Guiñazú / PE: Edgardo Castro, Tomás Guiñazú, Gabriel Mendoza / : El Pampero Cine / I: Alicia Mabel Pepa, Edgardo Castro, Magda Castro, Félix Agustín Castro o / El Pampero Cine, Edgardo Castro T +54 9 11 3147 0139 E [email protected] W elpamperocine.com.ar

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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COMPETENCIA OFICIAL argentina

Familia

argentine OFFICIAL COMPETITION

Fin de siglo End of the Century

PREMIERE latinoamericana / latam PREMIERE

Dos hombres se conocen en Barcelona y después de pasar un día juntos se dan cuenta de que ya se habían conocido veinte años atrás. Fin de siglo utiliza a favor el tiempo y su avance obstinado, mientras exhibe con elegancia las posibilidades infinitas de un romance y de los encuentros que este genera. Una película romántica y también una película acerca del tiempo, y una película que observa las posibilidades y las decisiones de sus personajes. Pero Fin de siglo, también y fundamentalmente, es una película sobre las capacidades del relato para desconcertar y hacernos dudar, para incluso llegar a alejarnos de la historia para luego traernos —atraernos— otra vez hacia ella. Sin embargo, ese desplazamiento que se anuncia parcialmente desde el título —y que no debería detallarse en textos sobre la película— no se construye desde la distancia o la frialdad con respecto a los protagonistas, sino desde la empatía con Ocho y Javi, esos amantes que oscilan entre lo evidente y lo increíble, acechados por el melodrama y protegidos por una ópera prima que se anima a formas narrativas desafiantes. JPF

Two men meet in Barcelona and, after spending a day together, they realize they had actually met twenty years earlier. End of the Century uses time and its obstinate age while it shows with elegance the infinite possibilities of a romance and of the encounters it causes. A romantic movie and also a film about time, and one that observes the possibilities and decisions of its characters. But End of the Century is also (and essentially) a movie about the opportunities narration has to confound and make us doubt, even to distance us from the story only to bring (attract) us back to it later. However, that displacement that is partially announced in the title —and that shouldn’t be explained in texts about the movie— is not built from distance or coldness towards the protagonists, but from the empathy with Ocho and Javi, those lovers who oscillate between the evident and the unbelievable, stalked by melodrama and protected by a film that dares to use challenging narrative forms. JPF

Lucio Castro. (1975, Buenos Aires). Egresado del Centro de Experimentación Cinematográfica, su corto Asuntos de confianza (2018) fue seleccionado para participar en el Festival de Cannes. Fin de siglo es su ópera prima. (1975, Buenos Aires). He graduated from the Center of Film Experimentation. His short film Trust Issues (2018) was selected to take part in the Cannes Film Festival. End of the Century is his first feature.

Argentina, 2019 84’ / D / COLOR Español - Spanish

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D, G, E, PE: Lucio Castro / F: Bernat Mestres / S, M: Robert Lombardo P: Joanne Lee / : Alsina 427 producciones, JWP / I: Juan Barberini, Ramón Pujol, Mía Maestro o / Alsina 427. Lucio Castro T +1 917 842 5909 E [email protected]

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Men of Hard Skin

PREMIERE americana / american PREMIERE

Ariel es un chico que vive en el campo, en la provincia de Buenos Aires. Cuando su relación secreta con el cura Omar termina, Ariel inicia un nuevo proceso de autodescubrimiento. El abuso, la homosexualidad y el universo masculino retratados con el estilo inconfundible de Campusano. José Celestino Campusano esbozó un guion cuando arrancó la década, lo retocó pasado un lustro y lo filmó tras otros cinco años. Como solía hacer Rainer Werner Fassbinder, que también vivía entre libretos. La escritura de Hombres de piel dura (justo su título más “Rainer”) se remonta a los tiempos de Vil romance, cuando el cineasta de Quilmes establecía los primeros os telepáticos inconscientes con las ánimas de Homero, Sófocles y Shakespeare para inventar una forma cinematográfica acomodada al conurbano bonaerense. Película compleja y con una irable literatura interna sobre la pederastia de algunos curas de Marcos Paz, donde el pueblo es la parte por el todo del mundo, donde cada alma alberga una razón y donde todos son buenos y malos al mismo tiempo, como nos alumbraron Goya y Buñuel. AA

Ariel is a boy who lives in the countryside in the Buenos Aires province. When his secret relationship with Omar, a priest, comes to an end, Ariel starts a new process of rediscovery. Abuse, homosexuality and the universe of men are portrayed in the inimitable style of Campusano. José Celestino Campusano wrote the draft of a screenplay at the beginning of this decade, went over it five years later and took another five to shoot it, as did Rainer Werner Fassbinder, who also lived among scripts. The writing of Men of Hard Skin (his most Rainer-esque title) dates back to the times of Twisted Romance, when the Quilmes-born filmmaker made his first (and unconscious) telepathic s with the ghosts of Homer, Sophocles and Shakespeare in order to invent a cinematic form adapted to the suburbs of Buenos Aires. A complex film with an irable internal literature on the pederasty of the priests of Marcos Paz, where the town is a synecdoche of the world, where each soul has a reason and everybody, as Goya and Buñuel taught us, is good and evil at once. AA

José Celestino Campusano (1964, Quilmes, Argentina). Es guionista, productor y director. Estudió Dirección en el Instituto de Cine de Avellaneda. Dirigió los largos Placer y martirio (Bafici ‘15), Cícero impune (Bafici ‘17) y El silencio a gritos (Bafici ‘18), entre otros. (1964, Quilmes, Argentina). Screenwriter, producer and director. He studied film direction at the Instituto de Cine de Avellaneda. He has directed the features Placer y martirio (Bafici ‘15), Cícero impune (Bafici ‘17) and El silencio a gritos (Bafici ‘18), among others.

Argentina, 2019 86’ / D / COLOR Español - Spanish D, G: José Celestino Campusano / F: Eric Elizondo E: Horacio Florentín / DA: Micol Metzner / S: Assiz Alcaraz Baxter M: Claudio Miño / P: José Celestino Campusano / PE: Leonardo Padín, Mónica Amarilla / : Cinebruto / I: Javier Wall, Germán Tarantino, Claudio Medina, Juan Salmeri, Camila Diez o / Compañía de Cine. Paulina Portela T +54 9 11 3400 2718 E [email protected] W companiadecine.com - cinebruto.com.ar

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Hombres de piel dura

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Ínsula Insula

PREMIERE americana / american PREMIERE

Durante el rodaje de un documental sobre la comunidad aborigen El Traslado, ubicada al este de la provincia de Salta, una pareja de realizadores empieza a cuestionarse el sentido de su trabajo. Pronto sus profundas diferencias conceptuales pondrán en crisis hasta su propia relación amorosa. Una comedia rara, encendida y con inspiradas derivas acerca del cine, que quizás un tanto apresuradamente sea etiquetada como un falso documental acerca de la filmación de un documental. Ese documental de base, ¿también sería falso? En realidad poco importa, porque Ínsula es —repetimos— una comedia acerca del cine, sobre las poses acerca del “proceso creativo” y sobre una notable cantidad de charlatanerías. También es, de refilón o no tanto, una comedia romántica —en sus segmentos de crisis— y una puesta en crisis de la idea de “conocer al otro mediante el cine”. Como buena película que entiende el juego que se propone, lo multiplica: de la pretensión de conocer —y decir que se desea— la vida de la comunidad aborigen al desconcierto frente al ser supuestamente más cercano. JPF

During the shooting of a documentary on the aboriginal community of El Traslado, located in the east of Salta province, a couple of filmmakers start to wonder about the meaning of their work. Soon their deep conceptual differences will lead to a crisis that will also affect their own love. A strange, lively comedy which includes inspired reflections on the art of cinema and that might be too quickly labeled as a mockumentary about the shooting of a documentary. But that first documentary, would it also be fake? Actually it does not really matter, because Insula is —let’s say it once again— a comedy about cinema, the poses surrounding the “creative process” and a remarkable amount of bullshit. It is also, somewhat obliquely or maybe not, a romantic comedy —in its segments of crisis— and a questioning of the idea of “knowing the other through cinema.” As a film which understands its own game well, it multiplies it: from the wish to know the aboriginal community (and say so) to the bafflement before the supposedly closest person. JPF

María Onis. (1977, Buenos Aires). Se graduó en Guion por la Universidad del Cine. Dirigió los cortos Qué Rico (2005) y Maíz que nada (2010), entre otros. Fue directora de arte en Zama (2017), de Lucrecia Martel, y compuso la música de múltiples películas. (1977, Buenos Aires). She graduated as a screenwriter at the Universidad del Cine. She has directed the short films Qué Rico (2005) y Maíz que nada (2010), among others. She was art director in Zama (2017), by Lucrecia Martel, and she composed the score of multiple films.

Argentina, 2019 85’ / D / COLOR Español - Spanish

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D, DA, M: María Onis / G: Laura Amdan, María Onis F: Alejandro Millán Pastori / E: Ariel Ledesma Becerra S: Guido Deniro / P: Laura Amdan, María Onis, Paula Zyngierman PE: Laura Amdan / I: Francisco Benvenutti, María Soldi o / Laura Amdan T +54 11 6438 9090 E [email protected] FB insula.pelicula

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Perrone regresa al Bafici con una nueva exploración de su territorio estético por antonomasia, Ituzaingó. Esta vez la noche en la ciudad del oeste exuda cine y teatro. Actores, actrices, directores y productores desfilan como narcisos del under en un mundo de celos, hipocresía, idiotez y mucho más. La obra y los acentos. Ituzaingó y las dos maneras de acentuar ese lugar. Y los muchos acentos y las muchas películas del hombre de Ituzaingó, que siempre tiene una nueva. En este caso, en este Bafici, una de las que se aventuran con energía renovada, frescura, humor y sardónica irreverencia. Con esa capacidad probada tantas veces de seguir pintando la aldea —la del territorio del oeste y la del mapa del cine, o de tales y cuales cines— con la convicción de quien no puede ni quiere hacer otra cosa que continuar haciendo películas. ITUZAINGO V3RIT4 es, entre muchas otras cosas, Pasolini esquina Gustavo Prone y, sobre todo, Fellini como posible y hasta probable estación del tren Sarmiento. Un Perrone pletórico, italiano como nunca y expansivo como en tantas otras ocasiones y ocurrencias. JPF

Perrone returns to Bafici with this new exploration of his aesthetic territory par excellence: Ituzaingó. This time, the night in the city west of Greater Buenos Aires exudes film and theater. Actors, actresses, directors and producers parade like Narcissuses of the underground in a world of jealousy, hypocrisy, idiocy and much more. Work and accents. Ituzaingó and the two ways of accentuating that place. And the many accents and many films from the man from Ituzaingó, who always has a new one. In this case, at this Bafici, one of those that venture with renewed energy, freshness, humor and sardonic irreverence. With that capability, proved so many times before, of continuing to paint the village —that of the territory of the West and that of the map of cinema, or such and such cinemas— with the conviction of someone who can’t and won’t do anything other that to keep making films. ITUZAINGO V3RIT4 is, among many other things, the corner of Pasolini and Gustavo Prone and, above all, Fellini as possible and even probable station of the Sarmiento train. A plethoric Perrone, as Italian as ever, and expansive as in so many other occasions and occurrences. JPF

Raúl Perrone. (1952, Ituzaingó, Argentina). Es caricaturista, guionista, productor y cineasta. Dirigió numerosos largometrajes, muchos exhibidos en este festival, como Los actos cotidianos (Bafici ‘10), P3ND3JO5 (Bafici ‘13) y Expiación (Bafici ‘18), entre otros. (1952, Ituzaingó, Argentina). He is a cartoonist, screenwriter, producer and filmmaker. He directed several features, many of them shown at this festival, including Los actos cotidianos (Bafici ‘10), P3ND3JO5 (Bafici ‘13) and Expiación (Bafici ‘18).

Argentina, 2019 93’ / D / B&N Español - Spanish D, E, DA: Raúl Perrone / G: Raúl Perrone, Fernando Sdrigotti F: Raúl Perrone, Lara Seijas, Alejandro González / S: Emma Echevarría M: Negro Dub, Che Cumbe, Andrés Villaveiran / P: Raúl Perrone, Pablo Ratto, Oscar Purita / PE: Pablo Ratto / : Les envies que je te Desire, Trivial Media, Películas Anti-Autor / I: Gustavo Prone, Sofía Gelpi, Nerina D’Ambrosio, Inés Urdinez, Sandra Paz, Cristian Jensen o / Trivial Media. Pablo Ratto T +54911 5117 1969 E [email protected] FB raulperroneperro

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ITUZAINGO V3RIT4

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La creciente The Surge

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Matia, un joven marginal, llega escapando a unas islas del río Paraná. En un ambiente ajeno, incómodo, intenta rearmar su vida, pero las tensiones que se generan con su llegada lo devuelven hacia su pasado delictivo y a tener que enfrentar una vez más la idea de huir para sobrevivir. La película de Santander y González tiene un tono impasible, una rigurosidad que prescinde del menor atisbo de demagogia o golpe bajo, filmada como si por momentos se estuviera retratando un mundo posapocalíptico, un territorio insondable acaso demasiado parecido a la Argentina. Introspección, violencia latente, breves escaramuzas de afecto; chispazos en los que la indefensión de los personajes encuentra un provisorio equilibrio de suspensión y reparo. Los directores descubren el punto justo en el que la sordidez del paisaje se funde con la obstinación de quienes lo atraviesan por no ser arrastrados por la corriente. La deriva del protagonista es la aventura mediante la que el espectador ingresa en esa zona fantasma donde el cine se convierte en el dispositivo liberador por excelencia. DO

Matia, a marginal young man, escapes to an island in the River Paraná. In an uncomfortable atmosphere that is not his own, he tries to start a new life, but the tensions his arrival causes take him back to his criminal past and to the idea of having to flee in order to survive. Santander and González’s film is told in an imible tone, with a rigor that ignores demagogy or cheap shots. It is filmed as if, at times, it portrayed a post-apocalyptic world, an impenetrable territory that might be too similar to Argentina. Introspection, latent violence, small skirmishes of affection: sparks in which the characters’ helplessness finds a provisional balance of suspension and relief. The directors find out the right point where the squalor of the landscape fuses with the obstinacy of those who cross it in their attempt not to be dragged away by the current. The drift of the protagonist is the adventure through which the viewer enters that ghostly zone where cinema becomes the liberating device par excellence. DO

Franco González & Demián Santander. González (1979, San Pedro, Argentina) y Santander (1983, Junín, Argentina) estudiaron en el CIEVYC. Desde el 2009 desarrollan proyectos cinematográficos en conjunto como directores y guionistas. Entre sus películas se encuentran Rodríguez (2010), Río (2011) y Uahat (2013). González (1979, San Pedro, Argentina) and Santander (1983, Junín, Argentina) studied at CIEVYC. Since 2009, they have developed projects together as directors and screenwriters. Their films include Rodríguez (2010), Río (2011) and Uahat (2013).

Argentina, 2019 70’ / D / COLOR / Español - Spanish

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D, G: Franco González, Demián Santander / F: Eric Elizondo E: Emiliano Rodríguez / DA: Melisa Califano / S: Arian Frank, Paula Ramírez / P: Santiago Podestá, Gerardo Curotto, Andy Nachón, Demián Santander, Franco González / PE: Santiago Podestá, Gerardo Curotto : Hain Cine / I: Cristian Salguero, Mercedes Burgos, Héctor Bordoni, Facundo Aquinos o / Hain Cine. Santiago Podestá T +5491154707765 E [email protected] W haincine.com

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The Excuse of the American Dream PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

En el año 2002, Silvana deja su país y a su hija, Florencia, para instalarse en Miami. Allí vive como si fuera la estrella de un reality show, pero ¿realmente esa es ella? 16 años más tarde, Florencia viaja a visitarla y, con el documental como excusa, trata de conectar con su madre por primera vez. Lazos familiares: pocas expresiones representan tantos nudos, tanta soga, tanta condena y tanta, con suerte, calidez. Tablón y De Mugica deciden mostrar una reciente convivencia de esta última con su madre en Miami, a donde su mamá emigró en 2002 y de donde jamás volvió. La distancia como hecho concreto que no niega el ancla del amor, pero que sí pone a la luz el fluir del día a día, de la incomodidad, de la forma en la que quien nos define ya no sabe cómo portarse a nuestro lado. Aparece, entonces, ¿y hay sitio mejor que Miami para que aparezca?, la superficialidad, el cariño plástico, el amor honesto, el pasado como entelequia que se puede postear en Facebook. Madre e hija hacen gimnasia, se miden, se cocinan, chatean y todo duele, calma y es bálsamo, o se siente como tal, al mismo tiempo. JMD

In the year 2002, Silvana leaves her country and her daughter, Florencia, in order to settle in Miami. There, she lives as though she were the star of a reality show, but is that really her? 16 years later, Florencia travels to pay her a visit and, with the documentary as an excuse, she tries to connect with her mother for the first time. Family ties: few expressions represent so many knots, so much rope, such a sentence and, if we’re lucky, lots of warmth. Tablón and De Mugica decide to show the latter’s recent days living with her mother in Miami, where her mom has been living since 2002 and from where she never returned. The distance as concrete fact that doesn’t negate the anchor of love, but exposes the day-by-day, the awkwardness, the way in which the person who defines us does no longer know how to behave around us. What appears, and what better place for it to appear than Miami, is the shallowness, the plastic affection, the honest love, the past as a fantasy that can be posted on Facebook. Mother and daughter do gym, measure each other, cook, chat and everything hurts, calms and becomes comfort, or feels like it, all at once. JMD

Florencia de Mugica & Laura Mara Tablón. De Mugica (1985, Buenos Aires) es productora y directora. Estudió Licenciatura en Actuación en la UNA. Tablón (1979, Buenos Aires) es productora, directora y abogada. Estudió Dirección de Cine en el CIEVYC. La excusa del sueño americano es el debut de ambas como directoras. De Mugica (1985, Buenos Aires) is a producer-director. She studied Acting at UNA. Tablón (1979, Buenos Aires) is a producer, director and lawyer. She studied Filmmaking at CIEVYC. La excusa del sueño americano is their directorial debut.

Argentina / Alemania - Argentina / , 2019 85’ / D / COLOR Español / Inglés - Spanish / English D: Florencia de Mugica, Laura Mara Tablón / G: Florencia de Mugica, Laura Mara Tablón, Mariapaula Rithner / F: Gustavo Schiaffino E: Lorena Moriconi / S: Lucas Larriera / P: Laura Mara Tablón, Kristina Konrad / PE: Laura Mara Tablón / : Rita Cine, Bomba Cine, Weltfilm / I: Silvana Vecchi, Florencia de Mugica o / Rita Cine. Laura Mara Tablón T +54 9 11 59365753 E [email protected] W ritacine.com.ar

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La excusa del sueño americano

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Las Facultades The Faculties

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Ya sea de Filosofía, Derecho, Física o Piano, todo estudiante tiene sus recursos y artimañas para superar la instancia más estresante del año: los exámenes finales. En este retrato completo del ritual de la exposición oral, los contenidos de las distintas materias encontrarán relaciones inesperadas. Los profesionales del mañana están siendo retratados, debidamente clasificados y seleccionados para dar cuenta de eso que llamamos “educación universitaria”. Los vemos esperando resultados, enfrentándose al momento decisivo de un examen, repasando e intentando hilvanar razonamientos que den sentido a eso que leen, una y otra vez, con voluntad fijatoria. O también: aquellos en quienes depositamos hoy nuestra vida institucional o privada fueron alguna vez esos estudiantes de mirada perdida o perpleja, que hoy se enfrentan a otros yo del futuro, los académicos. Entre la erudición y el absurdo, el ritual y el sinsentido, Las facultades, gracias a una observación aguda y precisa, nos permite asistir fascinados al intrincado mundo de la construcción institucional del conocimiento. MA

Whether they study philosophy, law, physics or piano, all students have their tricks and resources to survive the most stressing moment of the year: that of final exams. In this complete portrait of the ritual of oral exposition, the contents of the different subjects will find unexpected relations. Tomorrow’s professionals are portrayed, duly classified and selected, to show exactly what we talk about when we talk about higher education. We see them waiting for grades, facing the decisive moment of an exam, revising and trying to put together reasonings to make sense of what they are reading, once and again, in order to fix it. And also: the professors, those in whose hands we put today our institutional and private life who were once those students with an absent or perplexed gaze that today face their future selves. Between erudition and absurd, ritual and nonsense, and thanks to an acute and precise observation, The Faculties fascinates us and lets us peer into the intricate world of the institutional construction of knowledge. MA

Eloísa Solaas. Es egresada de la carrera de Diseño de Imagen y Sonido. Cursó una maestría en Historia del Arte, en la UNSAM. Dirigió un segmento del film colaborativo Bacanal (1999). Las facultades es su primer largometraje en solitario. She graduated in Image and Sound Design and did a master’s in Art History at UNSAM. She directed a segment of the collective film Bacanal (1999). The Faculties is her first solo feature.

Argentina, 2019 82’ / D / COLOR Español - Spanish D, P, PE: Eloísa Solaas / F: Esteban Clausse / E: Eloísa Solaas, Pablo Mazzolo / S: Nahuel Palenque / M: Leandro Arrarás / : Darwin Cine, Maravilla Cine / I: Jonathan Argüello, María Alché, Demián Velazco Rochwerger, Ailén Federico, Juan Brizuela o / Maravilla Cine - Darwin cine. Eloísa Solaas T +54 9 11 5513 7929 E [email protected]

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Living All Together

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Cazar es un rito de pasaje, y los jóvenes del Pueblo Nación Ranquel mueren por atrapar al puma que acecha a su comunidad y matarlo. Todos menos Uriel, quien decide tomar otro camino. Este film se presenta en estreno mundial compartido con Visions du Réel, Festival Internacional de Cine de Nyon. Película de niños filmada a la altura de los niños: con discreción, con conexión, con un sentimiento de verdad que los retrata como seres singulares y los inviste de una rara dignidad compartida, la convicción secreta de que un halo poético envuelve a los protagonistas y los convierte en seres inevitables para el cine. El director deja de lado a los adultos; su película es un retrato de infancia desamparada cuya urgencia se compensa con procedimientos retóricos desplegados con una eficacia incuestionable, siempre con el espectador a modo de testigo privilegiado, para quien lo que atraviesa la pantalla —chicos siempre solos, inermes pero no lastimeros, habitantes inciertos de un planeta poco hospitalario— puede ser también un espejo en el que se refleja su propia estupefacción. DO

Hunting is a rite of age, and the young of the People Ranquel Nation are eager to catch and kill the puma that lurks their community; every single one but Uriel, who decides to take another path. This film is presented in CoWorld Premiere with Visions du Réel, Nyon International Film Festival. This is a movie about children shot from a child’s perspective. With discretion, sympathy and a sense of truth that depicts them as singular beings and grants them a strange shared dignity, and with the secret conviction that a poetic halo surrounds the protagonists and turns them into pure cinematic creatures. The director leaves the adults aside; his film is the portrait of a helpless childhood whose urgency is compensated by rhetorical procedures displayed with undisputed efficiency, always with the spectator in the role of a witness for whom what they see on the screen (children always alone, defenseless but not pitiable, unsure inhabitants of a less-than-hospitable planet) might also work as a mirror of their own astonishment. DO

Ezequiel Yanco. (1976, Buenos Aires). Estudió Historia en la UBA. Dirigió el largo Los días (Bafici ‘12) y los cortometrajes La piel (Bafici ‘14) y Transa (2014). Actualmente escribe Nova, su tercera película, desarrollada en el máster de Escritura Creativa de la NYU. (1976, Buenos Aires). He studied History at UBA. He has directed the feature Los días (Bafici ‘12) and the short films La piel (Bafici ‘14) and Transa (2014). He is currently writing Nova, his third feature, developed in the Master of Creative Writing of the NYU.

Argentina / Francia - Argentina / , 2019 70’ / D / COLOR Español / Ranquel - Spanish / Ranquel D, G: Ezequiel Yanco / F: Joaquín Neira / E: Ana Godoy S: Mercedes Jaramillo Gaviria / P: Ezequiel Yanco, Pablo Chernov PE: Pablo Chernov / : Isoi Cine / I: Uriel Alcaraz, Isaías Barroso, Rodrigo Alcaraz, Ángel Baigorria, Brian Llambia o / Isoi Cine. Ezequiel Yanco T +54 9 11 2868 9141 E [email protected]

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La vida en común

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La visita The Visit

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Quinientas mujeres y un puñado de hombres llegan cada fin de semana al pequeño pueblo de Sierra Chica para visitar a los presos del complejo penitenciario. Historias atravesadas por el amor, el dolor y el deseo, en las que reluce el vínculo inquebrantable entre visitantes y reclusos. La visita hace gala de una discreción y de una voluntad narrativa implacables; su asunto no es motivo de golpes bajos ni de extorsión sentimental. La mano del director realiza una consumada artesanía mediante la cual las penurias de las mujeres, el quehacer diario de las visitas y la resignada burocracia que es parte esencial de su funcionamiento adquieren la gracia de un universo que resulta familiar e intransferible al mismo tiempo. Los rostros repetidos, el almacenero extraordinario, la rutina de las charlas y los gestos, todo alude a un dolor irreductible que la película no escamotea ni subestima, pero al que tampoco coloca en primer plano. La visita postula una política de la supervivencia mientras toma nota de la perseverancia de los vínculos afectivos y su dramática fragilidad. DO

Five hundred women and a handful of men arrive every weekend in the small town of Sierra Chica in order to visit the inmates of the Penitentiary Complex. Stories pierced through by love, sorrow and desire, in which the unbreakable bond between visitors and convicts stands out. The Visit displays some implacable discretion and narrative will; it is not about cheap shots or sentimental extorsion. The director’s hand performs a seasoned craftwork through which the women’s misery, the everyday lives of the visitors and the resigned bureaucracy that’s an essential part of its functioning acquire the grace of a universe that’s at once familiar and intransferrable. The repeated faces, the extraordinary grocer, the routine of talks and gestures, everything alludes to an irreducible hurt that the film does not underestimate or hold back on, but also does not place at the center. The Visit postulates a politics of survival while taking notes on the perseverance of affective bonds and their dramatic fragility. DO

Jorge Leandro Colás. (1976, Viedma, Argentina). Estudió Diseño de Imagen y Sonido en la UBA. Realizó los largometrajes Parador Retiro (2008), Gricel (2012), Los pibes (2015, Bafici ‘16), Barrefondo (2017) y la serie Más que amor es un sufrir (2012). (1976, Viedma, Argentina). He studied Image and Sound Design at the UBA. He made the features Parador Retiro (2008), Gricel (2012), Los pibes (2015, Bafici ‘16), Barrefondo (2017) and the series Más que amor es un sufrir (2012).

Argentina, 2019 71’ / D / COLOR Español - Spanish

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D, G: Jorge Leandro Colás / F: Martín Larrea / E: Karina Expósito P, PE: Carolina M. Fernández / : Salamanca Cine I: Bibiana Simbrón, Emilio Melotto o / Salamanca Cine. Carolina M. Fernández T +54 11 2067 7542 E [email protected] W salamancacine.com.ar

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Margin of Error

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Cuando una amiga de su hija le confiesa que está enamorada de una mujer mayor, Iris sospecha que se trata de ella y se ilusiona inevitablemente. Pronto la duda tomará el control de su vida, deteriorará su relación actual y la llevará a cuestionarse todo dentro de ese margen de error. Un coming of age, una comedia romántica y una comedia de rematrimonio. La fluidez, la amabilidad y el encanto del cuarto largometraje de Liliana Paolinelli le permiten incluir todo lo antedicho sin abrumar. Y el timing de los diálogos y de las acciones (ver la exactitud del chiste del mail) asegura la película contra todo riesgo de costumbrismo o de fórmulas. Muchas veces, ese riesgo es más bien un prejuicio injusto, frecuente a la hora de acercarse a películas amables sobre universos amables. Margen de error plantea un universo femenino en el que los hombres apenas aparecen. Esa elección, ese recorte clave, es una de las varias originalidades sutiles —Margen de error no grita jamás— de esta película de una luminosidad no tan frecuente en el cine argentino. JPF

When a friend of her daughter confesses to her that she is in love with an older woman, Iris suspects it is her and can’t help being thrilled. Soon the doubt will take control of her life, harming her current relationship and leading her to question everything with some margin of error.

Liliana Paolinelli. (1968, Córdoba, Argentina). Egresada del Departamento de Cine y TV de la UNC. Dirigió diversos cortometrajes y los largos Por sus propios ojos (2007), Lengua materna (2010) y Amar es bendito (2013). (1968, Córdoba, Argentina). She graduated from the Cinema & TV Department of the UNC. She has directed several short films and the features Proper Eyes (2007), Lengua materna (2010) and Blessed Love (2013).

Argentina, 2019 82’ / D / COLOR Español - Spanish

A coming of age tale, a romantic comedy and a comedy of remarriage. The fluency, amiability and charm of Liliana Paolinelli’s fourth feature let her include all the aforementioned elements without overwhelming the spectator. And the timing of dialogue and actions (see the exactitude of the joke of the email) insures the movie against all risk of using formulas or becoming a comedy of manners. Many times that risk is an unfair prejudice, frequent when we approach polite movies about polite universes. Margin of Error shows a female universe in which men barely appear. That election, that key approach, is one of various subtle originalities —Margin of Error never shouts— of this movie infrequently luminous in the landscape of Argentinean cinema. JPF

D, G, P, PE: Liliana Paolinelli / F: Soledad Rodríguez E: Lorena Moriconi / DA: Mariela Rípodas, Lorena Rubinstein S: Leandro de Loredo, José Caldararo / M: Juan Bouscayrol : Mandrágora Producciones SRL / I: Susana Pampín, Camila Plaate, Eva Bianco, María Pessacq o / Mandrágora Producciones SRL. Liliana Paolinelli T +54 11 6595 4321 E [email protected] W mandragoraproducciones.blogspot.com

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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Margen de error

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Método Livingston

Livingston: The Man and the Method PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Arquitecto exitoso ignorado por el statu quo, polemista infatigable, bon vivant de la vieja escuela y santo hereje en la Cuba castrista. Muchas vidas caben en la de Rodolfo Livingston, como lo demuestra este retrato de quien parece haber estado allí, desde siempre, listo para la cámara. Livingston es un personaje extraordinario, de esos que invitan a hacer películas sobre ellos. Carisma implacable, sentido del humor agudo, elegancia. Es además autor de una obra reconocida, docente y gran orador, dueño de historias que uno quisiera sentarse a escuchar. Una película que lo homenajeara bien podría apoyarse en eso, esmerándose en encontrar la distancia justa y construir la confianza, asumiendo su método como procedimiento y dedicándose a preguntar con la voluntad y el objetivo puesto en escuchar. Método Livingston es todo eso, pero además es capaz de incorporar los accidentes que impone el ritmo vital de una filmación para llegar así a un final conmovedor y tan discreto como memorable, en el que la película se ofrece también como revelación para su personaje. MA

Successful architect ignored by the status quo, untiring polemicist, old-school bon vivant and saintly heretic in Castrist Cuba. Many lives fit into Rodolfo Livingston’s as is proven by this portrait of the man who seems to have been always there, ready for the camera. Livingston is an extraordinary character, one of those who call for a movie about him. An implacable charisma, a sharp sense of humor, elegance. He is also the author of an acclaimed body of work, a teacher and a great orator, who owns stories one would like to sit down to listen to. A film tribute could well use that, putting lots of effort into finding the right distance and building trust, assuming its method as procedure and devoting itself to ask with the will and the aim to listen. Livingston: The Man and the Method is all of that, but it’s also capable of incorporating the accidents imposed by the pace of life during a shoot, to thus reach a moving ending which is as discreet as it is memorable, in which the film also offers itself as revelation to its own character. MA

Sofía Mora. (1977, Buenos Aires). Estudió Diseño de Imagen y Sonido en la UBA y produjo diversos documentales. Dirigió los cortometrajes El visitante (2002) y Del otro lado (2004), y el largo de ficción La hora de la siesta (2009). (1977, Buenos Aires). She studied Image and Sound Design at the UBA and produced many documentaries. She directed the shorts El visitante (2002) and Del otro lado (2004), and the fiction feature La hora de la siesta (2009).

Argentina, 2019 72’ / D / COLOR Español - Spanish D, DA, PE: Sofía Mora / G: Sofía Mora, Candelaria Frías F: Matías Iaccarino / E: Iair Attías / S: Guido Deniro M: Gonzalo Córdoba / P: Néstor Frenkel / : vamosviendo cine I: Rodolfo Livingston, Nidia Marinaro, Eduardo Cárdenas, Alfredo Moffatt o / vamosviendo cine. Néstor Frenkel T +54 11 4178 3406 E [email protected] FB vamosviendocine

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[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

[21] BAFICI

Competencia Oficial vanguardia y género avant-garde & genre Official Competition

Green Ash

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

En los cerros de Córdoba se esconde una cicatriz histórica. En 1575, cientos de mujeres, niños y ancianos hênia -kâmîare saltaron al vacío para evitar la esclavitud. Una mirada libre y poética en el propio lugar donde ocurrió el mayor suicidio colectivo, en el territorio hoy conocido como Argentina. Si el cine era el país de Jonas Mekas (como instinto reactivo frente a la necesidad de algo real), el cine en Ceniza verde es la historia (como instinto reactivo a la necesidad de algo fantasmal). No “una” historia, no el mero gesto del paso del tiempo, no la simple relectura de un espacio con peso histórico. Mazzolo filma los rayos de sol sobre las sierras de Córdoba, cientos de ellos, en el sitio donde se dio el mayor suicidio colectivo de aborígenes argentinos. Aquel salto al vacío y ese escenario confluyen, se rechazan, se agigantan; sol y muerte, sacrificio y nada, verde y cenizas. La fatalidad como sensación de cine que todo lo trastoca, como cristalización efímera de una rebeldía, y también como posibilidad hipnótica de un misterio del que todos vamos a formar parte. JMD

In the mountains of Córdoba hides a historical scar. In 1575, hundreds of Hênia-Kâmîare women, children and elders jumped off in order to avoid slavery. A free, poetic view at the very place where the largest mass suicide in the history of the territory known today as Argentina took place. If film was Jonas Mekas’ country (as a reactive instinct in the face of the need for something real), in Green Ash cinema is history (as a reactive instinct against the need of something ghostly). Not “some history;” not the mere gesture of the ing of time, and not the simple rereading of a space of historical importance. Mazzolo films the sunbeams on Córdoba’s mountains, thousands of them, in the place where the largest mass suicide of Argentine aboriginals took place. That jump and that scenery converge, reject each other, become gigantic; sun and death, sacrifice and nothingness, green and ashes. Fatality as a film sensation that disrupts everything, like the ephemeral crystallization of an act of rebelliousness, and also as the hypnotic possibility of a mystery all of us will take part in. JMD

Pablo Mazzolo. (1976, Buenos Aires). Graduado en Diseño de Imagen y Sonido por la UBA. Trabaja como guionista, montajista y realizador. Dirigió cortos como Diego la silla (Bafici ‘01), Hoy (2006) y Oaxaca Tohoku (Bafici ‘12). (1976, Buenos Aires). Graduated in Image and Sound Design from the UBA. He works as screenwriter, editor and filmmaker. He directed such shorts as Diego la silla (Bafici ‘01), Hoy (2006) and Oaxaca Tohoku (Bafici ‘12).

Argentina, 2019 10’ / D / COLOR Español - Spanish D, G, F, E, DA, P, PE: Pablo Mazzolo o / Light Cone. Pablo Mazzolo T +54 9 11 51367 961 E [email protected] W lightcone.org

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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Competencia Oficial vanguardia y género

Ceniza Verde

avant-garde & genre Official Competition

Ojo de mar

Among the Mountain Ranges PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Entre las montañas del norte neuquino, una cultura sincrética lucha para no desaparecer. Las cuatro estaciones marcan el ritmo de sus habitantes, con sus rituales y rutinas atravesados por diversos cambios. Una experiencia hipnótica de resistencia y belleza, de soledad y nostalgia, de vida y muerte. La belleza fotográfica es el emblema de la investigación en Ojo de mar. En las películas de los festivales o bien se rehúye con miedo a la belleza fotográfica, o bien se cae en el paisajismo dilatado con aspiraciones al trance sensorial. Por tanto, ¿cómo rodar imágenes bellas sin perder el pudor y evitar el “postaleo” en parajes tan espectaculares como los de las cordilleras del norte neuquino? Y también, ¿cómo evitar lo entomológico y lo antropológico si filmamos una cultura que mezcla supersticiones paganas con la herencia de los misioneros? Los cineastas esquivan esta problemática como Pelechian o Kiarostami: encaran un relato espiritual en el que inventan un punto de vista, el de un dios que observa complacido su creación. Hay terneros, ríos, cantos, nubes, en definitiva: música de las esferas. AA

Among the mountains of Northern Neuquén, a syncretic culture struggles to not disappear. The four seasons mark the inhabitants’ pace, with their rituals and routines pierced through by diverse changes. A hypnotic experience of resistance and beauty, of solitude and nostalgia, of life and death. Photographic beauty is the emblem of the research in Among the Mountain Ranges. In festival movies people tend to shy away from photographic beauty or, rather, resort to dilated landscaping with sensory trance aspirations. So, how does one shoot beautiful images without losing modesty and avoiding “postcarding” in locations as spectacular as those of the mountain ranges in Northern Neuquén? And also, how do we avoid the entomological and the anthropological if we’re filming a culture that mixes pagan superstition with the missionaries’ inheritance? The filmmakers avoid this quandary like Pelechian or Kiarostami do: approaching a spiritual narrative in which they invent a point of view, that of a god that observes his creation, pleased. There are calves, rivers, singing, clouds… In short: music of the spheres. AA

Pavel Tavares & Benjamín Garay. Tavares (1990, Juazeiro, Brasil). Estudió Diseño de Imagen y Sonido en la UBA, donde es docente. Dirigió los cortos Jasy Porã (2014), Alexander (2015) y La Villa Yao (2018). Garay (1991, Argentina) trabajó en diversos cortometrajes, incluido Jasy Porã. En 2018 participó del Interaction Film Camp en Serbia. Tavares (1990, Juazeiro, Brazil). He studied Image and Sound Design at the UBA, where he teaches. He directed the shorts Jasy Porã (2014), Alexander (2015) and La Villa Yao (2018). Garay (1991, Argentina) worked in many shorts, including Jasy Porã. In 2018, he was part of the Interaction Film Camp in Serbia.

Argentina, 2019 93’ / D / COLOR

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D: Pavel Tavares, Benjamín Garay / G, E: Pavel Tavares F: Benjamín Garay / S: Ignacio González / M: Jerónimo Kohn P, PE: Lincoln Brown / I: Rudencio Labra, Aladino Merino, Amada de Merino, José Fuentes, Guillermo Vallejos o / Lincoln Brown T +54 9 11 6658 2443 E [email protected] FB ojodemardocumental

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

The White Devil

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Un grupo de amigos treintañeros sale de viaje en auto a través del país. En unas cabañas, uno de ellos tiene un extraño encuentro con un misterioso hombre, y la joven hija del aparece asesinada. El grupo quedará atrapado en un pueblo hostil, bajo la influencia maligna de una antigua leyenda local. El diablo blanco entiende lo que hace. Entiende el miedo como una sustancia, capaz de corroer esa fachada bastante plástica, endeble, que es el día a día. Y no solo eso, entiende los pasos primitivos del género, del terror como relato orgánico que recorre la oscuridad (la de la sala de cine y la de la noche de las sierras tucumanas), y decide observar esas huellas, borrarlas cuando conviene, hacerlas sagradas cuando corresponde, pero también pisar sobre ellas y crear surcos nuevos. La historia de dos parejas de amigos que van descubriendo un pequeño infierno, uno invencible, deja en claro las ambiciones de la ópera prima de Ignacio Rogers y sus bienvenidas ganas de crear nuevas formas de la oscuridad. JMD

A group of friends in their thirties sets out on a car trip across the country. In a cottage complex, one of them has a strange encounter with a mysterious man, and later they find the body of the daughter of the owner. The group will end up trapped in a hostile town, under the malign influence of an old local legend. The White Devil knows what it’s doing. It understands fear as a substance able to corrode the feeble and plastic facade of everyday life. And not only that: it understands the primitive steps of the genre and horror as an organic narration that goes through the dark (both of the movie theater and of the night in the hills of Tucumán), and decides to explore those footprints; to erase them when it is convenient and to follow them as if they were a sacred text when it needs to step on them in order to blaze new trails. The story of two couples of friends that find out a small but invincible hell makes clear the ambitions of Ignacio Rogers’ first film and its very welcome intentions of creating new forms in the dark. JMD

Ignacio Rogers. (1987, Buenos Aires). Es actor y director. Estudió en el Centro de Investigación Cinematográfica. Realizó los cortometrajes Entrevista (2009), Sábado Uno (Bafici ‘10, ganador del premio al Mejor Cortometraje) y Un Rayo (2015). (1987, Buenos Aires). Actor and director. He studied at the Centro de Investigación Cinematográfica. He has directed the short films Entrevista (2009), Sábado Uno (Bafici ‘10, winner of the award for best short film) and Un Rayo (2015).

Argentina / Brasil - Argentina / Brazil, 2019 83’ / D / COLOR / Español - Spanish D, G: Ignacio Rogers / F: Fernando Lockett / E: César Custodio DA: Rocío Moure / S: Miriam Biderman, Ricardo Reis M: Pablo Mondragón, Patrick de Jongh / P, PE: Nathalia Videla Peña, Juan Pablo Gugliotta, André Ristum, Paula Cosenza / : Magma Cine, Sombumbo, Madre Media / I: Ezequiel Díaz, Violeta Urtizberea, Julián Tello, Nicola Siri, Martina Juncadella o / Magma Cine. Juan Pablo Gugliotta T 54 11 4862 9326 E [email protected] W magmacine.com.ar

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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Competencia Oficial vanguardia y género

El diablo blanco

avant-garde & genre Official Competition

Lands Of The Sea PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Junto a carpinteros y pescadores de Valparaíso, Chile, Leonel Vasquez construyó una instalación de sonido en un bote de madera, siguiendo una tradición casi extinta del lugar. A través de los parlantes, se oyen las voces de artesanos pescadores que narran sus conflictos con la industria pesquera. Tierra del Fuego, San Pablo, Berlín, su México natal y la República Checa (en At Your Heels, presente hace dos años en esta misma competencia) son algunos de los puntos que conecta la cartografía superochista de Azucena Losana. El puerto chileno de Valparaíso ocupa las últimas dos entradas en su diario de viaje fragmentario, azaroso, antiturístico. Pero, si los gatos y perros amodorrados de Siesta (2018) habitan la zona más inmediatamente placentera y accesible del cine de Losana, Lands of the Sea se adentra en territorios casi metafísicos, en una búsqueda por hacer visible —y audible— algo que se desvanece sin remedio: fantasmas, parientes cercanos a los de Raúl Ruiz, de un oficio y un mundo antiguos que se obstinan en materializar su memoria en celuloide. AM

Following a nearly-extinct tradition of the region, along with carpenters and fishermen from Valparaíso, Chile, Leonel Vásquez built a sound installation on a wooden boat. The voices of old-school fishermen who tell their conflicts with the fishing industry are heard over the loudspeakers. Tierra del Fuego, Sao Paulo, Berlin, her native Mexico and the Czech Republic (in At Your Heels, present two years ago in this very competition) are some of the dots connected by Azucena Losana’s Super 8 cartography. The Chilean town of Valparaíso takes up the last two entries of his fragmentary, random, anti-touristic travel log. But if the drowsy cats and dogs in Siesta (2018) inhabit the most immediately pleasant and accessible zone in Losana’s cinema, Lands of the Sea goes deep in almost metaphysical territories, in a search to make visible —and audible— something that vanishes helplessly: ghosts, relatives close to Raúl Ruiz’s, an old trade and world obstinate in materializing memory in celluloid. AM

Azucena Losana. (1977, México, México). Licenciada en Artes Multimediales por la UNA. Dirigió varios cortometrajes, entre ellos, Colibrí, Jinetes (2013), PAB (2014) y At Your Heels (Bafici ‘17). (1977, Mexico, Mexico) She graduated in Multimedia Arts from the UNA. She has directed several short films, among them Colibrí, Jinetes (2013), PAB (2014) and At Your Heels (Bafici ‘17).

Argentina / Chile, 2019 6’ / DM / B&N Español - Spanish

68

D, G, F, E, DA, P, PE: Azucena Losana / S: Leonel Vasquez, Fernando Godoy / M: Esmeralda Rodríguez o / Azulosa. Azucena Losana T +54 11 3332 5509 E [email protected] W azulosa.com

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

SELECCIÓN OFICIAL FUERA DE COMPETENCIA / OUT OF COMPETITION PREMIERE americana / american PREMIERE

El mismo día en que muere su abuela, Federico decide separarse de su novia, Magda. Teme lastimarla, pero cuando llega el momento, todo indica que ella está lejos de sentirse herida. Rejtman vuelve con una comedia en la que, una vez más, se trazan las coordenadas de su universo distintivo. Rejtman produce una miniatura perfecta en la que recrea su mundo hecho de equívocos, sentimientos cruzados, pases de objetos, rituales de pertenencia y un desconcierto que se vive con algo que, a falta de otra palabra, podríamos llamar pudor. En Shakti los personajes parecen inmersos, casi diríamos gozosamente, en una suerte de tiempo presente absoluto mediante el que acceden, acaso contra toda esperanza, a cierta clase innominada de gracia o plenitud inesperadas. Como siempre, la carta de triunfo definitiva del director es el tono. Incluso cuando observa a sus criaturas dando brazadas contra la corriente, la idea de drama —no digamos ya de tragedia— parece serle siempre ajena. Shakti es una comedia insospechada, que incluye, como su reverso taciturno, una estupefacción radical. DO

The same day his grandmother dies, Federico decides to break up with his girlfriend, Magda. He’s afraid of hurting her, but when the time comes, all indications are that she’s far from hurt. Rejtman returns with a comedy in which, once more, the coordinates of his distinctive universe are traced. Rejtman produces a perfect miniature in which he recreates his world made of misunderstandings, different feelings, objects ed from ones to others, rituals of belonging and a bewilderment that is lived with something that, for lack of a better word, we could call modesty. In Shakti, the characters seem immersed, we could almost say gleefully, in some sort of absolute present through which they access, perhaps against all hope, a certain nameless class of unexpected grace and plenitude. As always, the director’s definitive winning card is the tone. Even when he observes his creatures swimming against the current, the idea of drama —let alone tragedy— always seems foreign to him. Shakti is an unsuspected comedy that includes, as its taciturn flipside, some radical stupefaction. DO

Martín Rejtman. (1961, Buenos Aires). Escritor, guionista y director de cine, estudió en la Universidad de Nueva York. Dirigió largometrajes como Rapado (1991), Silvia Prieto (Bafici ‘99) y Los guantes mágicos (2003, Bafici ‘04). En 2004, el Bafici le dedicó un foco. (1961, Buenos Aires). Writer, screenwriter and film director, he studied at NYU. He directed such films as Rapado (1991), Silvia Prieto (Bafici ‘99) and Los guantes mágicos (2003, Bafici ‘04). In 2004, Bafici did a focus on his work.

Argentina / Chile, 2019 20’ / D / COLOR Español - Spanish D, G: Martín Rejtman / F: Federico Lastra / E: Andrés Medina DA: María Victoria Marotta / S: Agustín Bode Bisio M: Diego Vainer / P, PE: Jerónimo Quevedo, María Victoria Marotta : Un puma, Forastero / I: Ignacio Solmonese, Laura Visconti, Patricio Penna, Susana Pampín, Pablo Moseinco o / Un puma. Lara Franzetti T +54 9 11 5303 8833 E [email protected] W unpuma.com

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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Competencia Oficial vanguardia y género

Shakti

avant-garde & genre Official Competition

The Children of the Dead

Die Kinder der Toten / Los hijos de los muertos premiere americana / american premiere

La viuda de un coleccionista de películas nazis maneja un cine donde el pasado se puede llorar sin inhibiciones. Una secretaria se enfrenta a su doble maligno, y un leñador es perseguido por sus hijos, que se suicidaron hace años. Un film de zombis mudo y musical, en el que lo vulgar y el ridículo logran brillar. Cantinas alemanas, inmigrantes y racismo, zombis y otros aparecidos, con el fantasma del nazismo burlándose con mueca trágica. The Children of the Dead es una comedia díscola, adaptación libre de la célebre novela de Elfriede Jelinek, anómala y poco comparable con otras; ese tipo de películas a las que encontrarle un árbol genealógico obligaría a incorporar al teatro (del que inventa formas antes que repetirlas), volver a la literatura, cruzar a las películas amateur e intentar volver a eso que llamamos cine para tener nuevamente que huir. El film encuentra su propio código en un viaje hacia fuera del realismo con las formas del cine mudo, pero puestas en un mundo con unos modales muy distintos a los de principios del siglo XX. MA y JPF

The widow of a collector of Nazi films runs a cinema where the past can be wept over without inhibitions. A secretary faces her evil doppelgänger and a lumberjack is chased by his kids, who committed suicide years ago. A silent and musical zombie film in which the vulgar and the ridiculous manage to shine. German canteens, immigrants and racism, zombies and other apparitions, with the specter of Nazism poking fun of it all with a tragic face. The Children of the Dead is an unruly comedy, a free adaptation of Elfriede Jelinek’s famous novel, anomalous and hard to compare to others; a movie whose family tree should be sought in theater (of which it invents forms instead of repeating them), literature and amateur films. Mix and shake; then we can try to go back to that which we call cinema, only to run away from it once more. The film finds its own code in a trip out of realism crossed with the forms of silent cinema, although set in a world whose manners are very different from those of the early 20 thcentury. MA & JPF

Kelly Copper & Pavol Liska. Copper (1971, Gainesville, Estados Unidos) y Liska (1973, Skalica, Checoslovaquia) son egresados en Bellas Artes, la primera por el Brooklyn College y él por la Universidad de Columbia. Ambos fundaron, en 1996, el Nature Theater de Oklahoma en Nueva York. The Children of the Dead es su primer film. Copper (1971, Gainesville, United States) and Liska (1973, Skalica, Czechoslovakia) both graduated in Fine Arts, the former from Brooklyn College and the latter from Columbia University. In 1996, they founded the Nature Theater of Oklahoma in New York. The Children of the Dead is their first film.

Austria, 2019 90’ / D / COLOR Alemán – German

70

D, G, F, E: Kelly Copper, Pavol Liska / S: Matz Müller, David Almeida-Ribeiro / M: Wolfgang Mitterer / P: Ulrich Seidl : Ulrich Seidl Filmproduktion / I: Andrea Maier, Greta Kostka, Klaus Unterrieder o / Ulrich Seidl Film Produktion T +43 1 310 28 24 E [email protected] W ulrichseidl.com

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE INTERNACIONAL / INTERNATIONAL PREMIERE

Un balde hecho de madera, vacío y seco, gradualmente se llena de agua. Con ese simple punto de partida Fruhauf, apelando al uso preciso de variados recursos, convierte la experiencia en una montaña rusa sensorial de alta velocidad y en una indagación sobre nuestra percepción del movimiento. Aunque no lo parezca por su entramado formal montado a machete cubista, Water and Clearing es una película con el orden aristotélico en actos incólume. Lo que aquí se ve es el trayecto de un cubo de madera vacío a través de un ingenio de tirolesa y polea, para llenarse de agua y regresar camino atrás, pero lleno. Sin embargo, Siegfried Fruhauf complica un poco las cosas y multiplica los puntos de vista con un ritmo percutiente de aire, llamémosle “tecnoestroboscópico”, en el que creemos atisbar la vida anterior de la madera alternada con el punto de vista de un pájaro. El único vestigio humano es una mano mundana que recoge el cubo, ajena a las cosas que ven las cosas. AA

Siegfried A Fruhauf. (1976, Grieskirchen, Austria). Estudió Diseño Visual en la Universidad de Linz. Dirigió los cortos Exposed (2001) y Mirror Mechanics (2005) —ambos en el Bafici ‘13—, Vintage Print (2015, Bafici ‘16) y Fuddy Duddy (2016, Bafici ‘17). (1976, Grieskirchen, Austria). He studied Visual Design at the University of Linz. He has directed the short films Exposed (2001) and Mirror Mechanics (2005) —both screened at Bafici ‘13—, Vintage Print (2015, Bafici ‘16) and Fuddy Duddy (2016, Bafici ‘17).

A wooden tub, dry and empty, is gradually filled with water. With this simple starting point, making use of various resources, Fruhauf turns the experience into a high-speed sensorial rollercoaster and an interrogation about our perception of movement. Even though its formal structure, carved with a Cubist machete, tries to hide it,Water and Clearing is a movie of a flawlessAristotelian dramatic structure. What we see here is the trajectory of a wooden tub through a device made up of a pulley and a lever, until it fills up and goes backwards. But Siegfried Fruhauf complicates things a bit and multiplies the viewpoints with a percussive air sound (let’s call it “techno-stroboscopic”) in which we can catch a glimpse of the past life of the wood that alternates with the standpoint of a bird. The only sign of human presence is the earthly hand that picks up the tub, which ignores the things that things can see. AA

Austria, 2018 5’ / D / COLOR D: Siegfried A. Fruhauf o / Sixpackfilm. Dietmar Schwärzler T +43 152 609 9015 E [email protected] W sixpackfilm.com

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

71

Competencia Oficial vanguardia y género

Water and Clearing

avant-garde & genre Official Competition

Where Do We Go PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

Una performance del baterista Jörg Mikula sirve para explorar la relación recíproca entre cine y música, esas dos artes que se alimentan del tiempo. Where Do We Go es un juego de líneas, colores y superficies que conduce a través de un ritmo acelerado, cada vez más profundo, a la abstracción. Es el videoclip perfecto. Casi una puesta al día del Star Guitar, que en 2002 dirigió Michel Gondry para The Chemical Brothers. “Where Do We Go” es, primero, una canción del percusionista Jörg Kimula y, después, este nuevo trabajo percutiente de Fruhauff, rodado, o más bien fotografiado, desde un tren con una cámara Lomo Supersampler. Es una “cámara fotográfica que graba cuatro momentos consecutivos como cuatro imágenes adyacentes en un cuadro de película en 35 mm”. Por tanto, hay un meticuloso trabajo de animación dictado por tambores que ponen a bailar a todo el conjunto visual. Fruhauf pone su cine estructuralista al servicio de una vislumbrante fantasía futurista de paisajes en descomposición industrial que habría deslumbrado a Marinetti. AA

A performance by drummer Jörg Mikula is used to explore the reciendeavors at various cinematirocal relationships between film and music, those two arts that feed from time. Where Do We Go is a game of lines, colors and surfaces that drives us, through an accelerated pace, deeper and deeper towards abstraction. It is the perfect music video. Almost an update of the Star Guitar that Michel Gondry directed for the Chemical Brothers in 2002. “Where Do We Go” is, firstly, a song by percussionist Jörg Kimula, and secondly, this new percussive work by Fruhauf, shot, or, rather, photographed, from a train with a Lomo Supersampler camera. It is “a photographic camera that shoots four consecutive moments as four adjacent images in 35mm film frame.” Therefore, there is some meticulous animation work dictated by drums that makes the entire visual outfit dance. Fruhauf puts his structuralist cinema at the service of a foresighting futuristic fantasy of landscapes in industrial decomposition that would have dazzled Marinetti. AA

Siegfried A Fruhauf. (1976, Grieskirchen, Austria). Estudió Diseño Visual en la Universidad de Linz. Dirigió los cortos Exposed (2001) y Mirror Mechanics (2005) —ambos en el Bafici ‘13—, Vintage Print (2015, Bafici ‘16) y Fuddy Duddy (2016, Bafici ‘17). (1976, Grieskirchen, Austria). He studied Visual Design at the University of Linz. He has directed the short films Exposed (2001) and Mirror Mechanics (2005) —both screened at Bafici ‘13—, Vintage Print (2015, Bafici ‘16) and Fuddy Duddy (2016, Bafici ‘17).

Austria, 2018 4’ / D / COLOR

72

D: Siegfried A. Fruhauf / M: Jörg Mikula o / Sixpackfilm. Dietmar Schwärzler T +43 152 609 9015 E [email protected] W sixpackfilm.com

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Tras ser diagnosticado con cáncer, Danny toma una videocámara y comienza a filmar una película con él mismo como personaje central. Hilarante o desgarradora según el caso, siempre humana, Danny se interroga sobre la enfermedad, sobre la locura y sobre esa idea ajada pero tenaz de la vida y su sentido. Danny se filma en 1993. Con una camcorder. ¿La razón? Fue diagnosticado con leucemia. Entonces, la cámara se convierte en un canto de cisne, a veces quizás de ganso, y otras en puros pasos de pato criollo. Danny enfrenta lo que todos tememos y quiere procesarlo, que tenga sentido, frente a un formato que también morirá, pero con una intimidad que será, sin que él lo imagine, regla de la modernidad hiperconectada y sus redes sociales. Danny te rompe el corazón, te aburre, te fascina, te da ganas de abrazarlo y ganas de entender dónde fue. Entiende al cine descartable como caja negra donde leer best sellers que ofrecen soluciones (cuando no hay ninguna), donde contar su ansiedad, donde descubrir sus límites y sus errores en cámara. Desde sus dudas a su testamento, no van a olvidar a Danny. JMD

After being diagnosed with a cancer, Danny takes a video camera and starts shooting a movie in which he is the main character. At times hilarious and heartbreaking, but always humane, Danny is an interrogation about illness, death and about that aged but ever-present idea of life and its meaning. Danny was shot in 1993. With a camcorder. The reason? He was diagnosed with leukemia. So the camera becomes a swansong, although at times it turns into clumsier and really awkward birds. Danny faces what we all fear and tries to make sense of it using a format that will also die but with a level of intimacy that, even though he doesn’t know it, will become the rule of hyperconnected modernity and its social networks. Danny breaks your heart, bores you, fascinates you and makes you feel like hugging him and understanding where he went. He understands disposable cinema as a black box where to read bestsellers that offer solutions (when there is none), a place to tell his anxiety, discover his limits and his mistakes on camera. From his doubts to his testament, you won’t forget Danny. JMD

Lewis Bennett & Aaron Zeghers. Bennett (Vancouver, Canadá) realizó varios cortos y el largo The Sandwich Nazi (2015). En 2016 el Bafici le dedicó un foco. Zeghers (Winnipeg, Canadá) es cineasta y fotógrafo, especializado en formatos analógicos, tecnologías obsoletas y procedimientos experimentales. Dirige el Gimli Film Festival. Bennet (Vancouver, Canada) has directed several short films and the feature The Sandwich Nazi (2015). In 2016, Bafici did a focus on him. Zeghers (Winnipeg, Canada) is a filmmaker and photographer who specializes in analogic formats, obsolete technologies and experimental procedures. He directs the Gimli Film Festival.

Canadá - Canada, 2019 51’ / D / COLOR Inglés - English D, E, P: Lewis Bennett, Aaron Zeghers F: Danny Ryder / I: Danny Ryder o / Lewis Bennett T +1 77 8 848 1845 E [email protected]

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

73

Competencia Oficial vanguardia y género

Danny

avant-garde & genre Official Competition

Mangoshake Batido de mango

PREMIERE INTERNACIONAL / INTERNATIONAL PREMIERE

En un verano en los suburbios, un grupo de amigos se reúne en su puesto de batidos de mango para detonar el aburrimiento con toda su energía y angustia adolescentes. Las emociones ruedan sobre el asfalto agrietado de las calles y colisionan en esta suerte de coming of age anárquico y trash. La primera noticia que tuvimos de Mangoshake, en forma de recomendación eufórica del crítico y programador Adam Cook, invocaba a Tati, Jerry Lewis y Roy Andersson. Tenía razón, como siempre, aunque falten en su santoral nombres que solo conoceremos tras hacer o con culturas (cinematográficas) de otras galaxias. Dedicada a “todos los que miran un coming of age y después se sienten mucho peor”, Mangoshake es el milagroso antídoto alienígena contra la pérdida de fe en el poder subversivo del cine, en su capacidad de sorpresa o conmoción. Celebración anárquica y réquiem desopilante tanto de la juventud suburbana como del cine que la retrata, la ópera prima de Terry Chiu reafirma su condición mutante en el Bafici presentándose en una versión inédita, más punk, lúdica y musical. AM

It is summer in the suburbs and a group of friends gather in a mango shakes stall to dynamite boredom with their teenage energy and sorrow. Emotions roll on the cracked asphalt of the streets and collide in a sort of trash and anarchic coming of age.

Terry Chiu. (1993, Montreal, Canadá). Estudió Producción de Cine y Bellas Artes en la Escuela de Cine Mel Hoppenheim. Dirigió los cortometrajes James & Demo V.S. Autumn (2012) y A Collection of Failed Love Stories (2013). Mangoshake es su ópera prima. (1993, Montreal, Canada) He studied Film Production and Fine Arts at the Mel Hoppenheim Film School. He has directed the short films James & Demo V.S. Autumn (2012) and A Collection of Failed Love Stories (2013). Mangoshake is his first feature.

Canadá - Canada, 2018 105’ / D / COLOR Inglés / Cantonés / Francés - English / Cantonese / French

74

We first learned about Mangoshake through the euphoric recommendation of the critic and programmer Adam Cook, who invoked the names of Tati, Jerry Lewis and Roy Andersson. He was right as always, although his book of saints didn’t include some names we will Only know after making with (film) cultures from other galaxies. Dedicated to “all those who watch coming of age films and feel much worse later,” Mangoshake is the miraculous alien antidote against the loss of faith in the subversive power of cinema and its ability to amaze or stun. Anarchic celebration and hilarious requiem for the youth of the suburbs and the films that portray it, Terry Chiu’s first film reaffirms its mutant condition at Bafici through the screening of an unreleased version, more punk, playful and musical. AM

D, G, E, DA, P: Terry Chiu / F: Sammy Halimi / S: Sammy Halimi, Evan Jerred / M: Jessie-Jamz Ozaeta / PE: Peter Kuplowsky I: Matias Rittatore, Ian Sheldon o / Crescendo Angst Cinema. Terry Chiu T +1 514 969 1215 E [email protected] FB welcometomangoshake

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Instrucciones para hacer una película PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Rodada durante una residencia artística en Canadá, el último trabajo de Nazli Dinçel es una búsqueda que integra performance, voces en off, películas analógicas, lenguaje, ética de la etnografía y narrativa, desplegada en una comedia que adopta como forma ciertas instrucciones para cultivar la tierra. En ediciones anteriores de este festival pudimos conocer la obra de Nazli Dinçel en piezas con una impronta fuerte en la intervención matérica de la película y en la que los recursos se concentraban en torno al cuerpo y a la experiencia sensorial. En este nuevo cortometraje, y tal como nos advierte su título, el humor pasa a dominar la escena y los elementos se multiplican con fuerza centrífuga. Rodado en un ambiente rural, y con una profusión de imágenes vegetales manipuladas e intervenidas, la estructura toma prestados los recursos del tutorial para predicarnos cómo cultivar nuestra huerta, es decir: cómo hacer una película. Ética, praxis y estética puestas entre parvas de tierra, emulsión expuesta sobre la que se inscriben insistentemente sus ideas. MA

Shot during an artistic residency in Canada, the latest film by Nazli Dinçel is a search that combines performance, voiceovers, analogic films, language, ethics of ethnography and narration in a comedy that adopts the form of a manual to cultivate the land. In previous editions of this festival we got to know the work of Nazli Dinçel through movies that bore the imprint of a strong material intervention of the film and in which resources were concentrated around the body and its sensorial experiences. In this new short film, as announced in the title, humor takes center stage and the elements multiply with centrifugal force. Shot in a rural setting, with a profusion of vegetal images that were manipulated and modified, the structure borrows elements of the tutorial to teach us how to cultivate our orchard, which in this case means “how to make a film.” Ethics, praxis and aesthetics put among heaps of earth, exposed emulsion on which ideas are insistently inscribed. MA

Nazli Dinçel. (1989, Ankara, Turquía). Obtuvo una licenciatura y un máster en la Universidad de Wisconsin, Milwaukee. El Bafici proyectó sus cortos Solitary Acts I, II y III, en 2016, y Between Relating and Use, en 2018. (1989, Ankara, Turkey). He got a degree and a master’s from the University of Wisconsin, Milwaukee. Bafici screened his short films Solitary Acts I, II and III in 2016 and Between Relating and Use in 2018.

Canadá / Estados Unidos - Canada / United States, 2019 13’ / D / B&N Inglés - English D: Nazli Dinçel o / Nazli Dinçel T +1 415 265 5802 E [email protected]

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Competencia Oficial vanguardia y género

Instructions on How to Make a Film

avant-garde & genre Official Competition

Analóxica

Analog / Analógica PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Tres personas frente al mar y una cámara de super 8 en mano filmando los pasos, las sonrisas, los abrazos. En la playa desierta, mientras ella graba, los otros dos se acercan al agua, nadan y juegan, besan y se rozan entre bromas. Todo parece improvisado, y todo parece surgir debido a la cámara. Anxos Fazáns, quien supo tomar por asalto la novela de Manuel Jabois A estación violenta para dar lugar a la sorprendente película homónima, vuelve ahora con este corto impredecible. La directora gallega no es amiga de los trucos ni de las cosas fáciles. En esta oportunidad utiliza una luz bellísima, la playa, el color del mar, la aparente indolencia del verano para producir escenas de un erotismo insospechado, capaces de integrarse al paisaje con extraordinaria cohesión y pertinencia. Fazáns crea momentos de una tensión insoluble en la que los cuerpos de los protagonistas, imprevisiblemente arrogantes y edénicos, se exhiben mediante un dispositivo que involucra los ojos del espectador y el ojo de una cámara que opera dentro de la escena, como un doble fondo de feliz voyerismo. DO

Three people in front of the sea and a Super 8 camera in hand filming the steps, the smiling, the hugs. On a deserted beach, as she shoots, the other too go near the water, swim and play, kiss and brush against each other among jokes. Everything seems improvised, and everything seems to happen due to the camera’s presence. Anxos Fazáns, who once took Manuel Jabois’ novel A estación violenta by storm in order to give way to the remarkable film of the same name, returns now with this unpredictable short. The Galician director isn’t a friend of tricks or making things easy. This time, she uses some beautiful light, the beach, the color of the sea, the apparent indolence of summer, in order to produce scenes of an unsuspected eroticism, capable of assimilating the new landscape with extraordinary cohesion and appropriateness. Fazáns creates moments of an insoluble tension in which the bodies of the protagonists, unpredictably arrogant and eden-like, are shown through a mechanism that involves the viewer’s eyes and the eye of a camera that operates within the scene, like a double background of happy voyeurism. DO

Anxos EfE. (1992, Pontevedra, España). Es graduada en Comunicación Audiovisual y tiene un máster de Dirección de Cine en ESCAC. Dirigió el cortometraje Area (2017) y el largometraje A estación violenta (2017, Bafici ‘18). (1992, Pontevedra, Spain). She graduated in Audiovisual Communication and has a Master’s in Filmmaking from the ESCAC. She directed the short Area (2017) and the feature A estación violenta (2017, Bafici ‘18).

España - Spain, 2019 14’ / D / COLOR Gallego - Galician

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D,G: Anxos EFE / G: Anxos Efe / F: Marcos del Villar / E: Iria Silvosa DA: Sara Iglesias / S: Víctor Rivas / M: Charles Rapante P: Javier Ferreiro / PE: Pablo Dobner, Erika Lust / : Erika Lust Films I: Iana Bet, Andrea Dunia, Marc Morato o / Erika Lust Films. Anxos Fazáns T +34 69 813 5561 E [email protected] W erikalust.com

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Notes For a Heist Film

PREMIERE ARGENTINA / ARGENTINE PREMIERE

Obsesionado con hacer una película de atracos, un director de cine se pone en o con quien supo ser uno de los ladrones más buscados de toda España. A modo de diario, Apuntes… funciona como crónica irónica de cómo asaltar un banco, pero también como el surreal retrato de una improbable amistad. “Hasta donde me alcanza la memoria, siempre quise hacer una película de atracos”, dice Siminiani al comienzo de su segundo largometraje. Pero aunque la pantalla devuelva las imágenes estilizadas de Rififi, la inspiración y los materiales que va a encontrar el director tienen poco que ver con los clásicos en blanco y negro del subgénero policial. Y tal vez sea precisamente eso lo que hace fascinantes a estos Apuntes...: Flako, el “Robin Hood de Vallecas”, es un personaje bigger than life, de esos que volverían sospechosa hasta a la ficción más elaborada. Y es quien guía a Siminiani, como en la reveladora escena de las alcantarillas, a través de este laberinto de espejos que duplica las miradas sobre la cárcel y la libertad, los padres y los hijos, la vida y las películas. AM

Obsessed with the idea of making a heist film, a director gets in touch with a man who was in his day one of the most wanted robbers in Spain. Told in the form of a diary, Notes… is an ironic chronicle about how to rob a bank, but also the surreal portrait of an unlikely friendship.

León Siminiani. (1971, San Sebastián, España). Estudió Filología Hispánica y Dirección de Cine en la Universidad de Columbia. Realizó, entre otros, los cortos Dos más (2001), Ludoterapia (2007) y El premio (2010). Su ópera prima, Mapa (2012), se proyectó en el Bafici ‘13. (1971, San Sebastián, Spain). He studied Hispanic Philology and Film Direction at Columbia University. He has directed, among others, the short films Dos más (2001), Ludoterapia (2007) and El premio (2010). His first feature, Map (2012), was screened at Bafici ‘13.

España - Spain, 2018 90’ / D / COLOR Español - Spanish

“As far as I can , I’ve always wanted to shoot a heist film,” says Siminiani at the beginning of his second feature. But although the screen shows the stylized images of Rififi, the inspiration and the material of the director have very little to do with classic black-and-white crime films. And that’s precisely what makes these Notes… so fascinating: Flako, “the Robin Hood of Vallecas,” is a larger-than-life character, one of those able to make the most elaborate fiction look suspicious. And it is he who guides Siminiani, like in the revealing scene in the sewers, through this labyrinth of mirrors that duplicates the points of view about jail and freedom, parents and children, life and movies. AM

D, G: León Siminiani / F: Giuseppe Truppi, Javier Barbero E: Cristóbal Fernández / S: Óscar Vincentelli / P: María Zamora, Stefan Schmitz, Luisa Matienzo / : Avalon Productora Cinematográfica, Apuntes Las Películas AIE, Pandora Cinema, Tusitala Producciones / I: Flako, Ainhoa Ramírez, León Siminiani, David Ambit o / Agencia FREAK. Millán Vázquez Ortiz T +34 927 248 248 E [email protected] W agenciafreak.com

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Competencia Oficial vanguardia y género

Apuntes para una película de atracos

avant-garde & genre Official Competition

Cantares de una revolución Songs of a Revolution

PREMIERE internacional / international PREMIERE

Utilizando como brújula las canciones populares que recuerdan la revuelta asturiana de 1934, el músico Nacho Vegas visita algunos de los lugares más icónicos de la última revolución proletaria de Europa occidental. Un homenaje musical profundamente reivindicativo a cargo de Ramón Lluís Bande. Conocimos a Nacho Vegas y Ramón Lluís Bande gracias a una película radical y deslumbrante. Quienes la vimos en el Bafici 2003 sabemos que El fulgor no es un documental musical cualquiera, sino un inmenso estallido de luz, llamémoslo así, que transforma prodigiosamente en cine fenómenos del orden de lo inmaterial. 15 años después, los asturianos se reúnen con nuevos planes y estrategias, si no idénticas, análogas a las de aquella vez. Ahora se trata de rescatar, a partir de las huellas inscritas en fotos, lugares o versos oscurecidos por el paso del tiempo y la historia oficial, nada menos que la memoria de un mundo. Otra gesta noble y quimérica, otro triunfo fulgurante de Bande y Vegas: no hay nadie como ellos, decididamente, para traducir en películas el misterio de lo invisible. AM

Using as a com the popular songs that the Asturian revolt of 1934, the musician Nacho Vegas visits some of the most iconic places of the last proletarian revolution in Western Europe. A musical and profoundly vindicatory homage by Ramón Lluis Blande.

Ramón Lluís Bande. (1972, Gijón, España). Es escritor y cineasta. Entre sus películas se destacan Equí y n’otru tiempu (2014, Bafici ‘15), El nome de los árboles (2015, Bafici ‘16), Vida vaquera (2016, Bafici ‘17) y Escoréu, 24 D’Avientu de 1937 (2017, Bafici ‘18). (1972, Gijón, España). Writer and filmmaker. Equí y n’otru tiempu (2014, Bafici ‘15), El nome de los árboles (2015, Bafici ‘16), Vida vaquera (2016, Bafici ‘17) and Escoréu, 24 D’Avientu de 1937 (2017, Bafici ‘18) stand out among his films.

España - Spain, 2018 80’ / D / COLOR - B&N Español / Asturiano - Spanish / Asturian

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We met Nacho Vegas and Ramón Lluis Bande thanks to a radical and stunning film. Those of us who saw it at Bafici 2003 know that El fulgor is not just another musical documentary but a huge explosion of light (let’s call it that) that prodigiously turns immaterial phenomena into cinema. 15 years later, the Asturians meet once more with new plans and strategies, if not identical, at least analogous to those of the past. Now the goal is to rescue, taking as a starting point the traces left in pictures, places or verses obscured by the age of time and the official history, nothing less than the memory of a world. Another noble and chimeric deed, another shimmering triumph of Bande and Vegas; there is decidedly no one like them to translate into films the mystery of the invisible. AM

D, G: Ramón Lluís Bande / F: Juan A. García / E: Daniel Álvarez S: Óscar De Ávila / M: Nacho Vegas / P, PE: Vera Robert : De La Piedra Producciones / I: Nacho Vegas, Benjamín Gutiérrez, Rafael Fernández Tomás o / De La Piedra Producciones. Vera Robert T +34 615 02 29 76 E [email protected] FB deunarevolucion

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PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

Eclipsado muchas veces por la figura de su productor Andy Warhol, Paul Morrissey ha sido siempre, sin embargo, un director de gran influencia para muchos colegas. En este personal ensayo, tres personajes entablan con él un imaginario epistolario fílmico, en el que recrean las vivencias de los personajes de sus películas. Letters to Paul Morrissey se inscribe con gran soltura y desparpajo en la historia de las películas devocionales, y opera como homenaje explícito al cine independiente americano. Concebida con una gracia que está muy por encima de los obras destinadas a retratar personajes con cierto grado de notoriedad —esas que alcanzan su cénit en un destilado no siempre noble de precaución, ecuanimidad sospechosa y solemnidad—, celebra a través de la figura del ubicuo realizador, hijo dilecto de The Factory, un modo de sensibilidad artística en el que en cada paso se juega una idea del mundo: el quehacer del arte como apéndice de la vida; la vida como una forma esencial del arte; el cultivo de la desesperanza y de la insatisfacción como formas sublimes de transitar por la vida. DO

Often eclipsed by the figure of his producer Andy Warhol, Paul Morrissey has always been, however, a very influential director to other collages In this personal essay, three characters strike up with him an imaginary letter exchange, recreating the experiences of the characters of his films. Letters to Paul Morrissey easily and confidently inscribes itself within the history of devotional movies and works as an explicit homage to American independent film. Made with a grace that is well above the works devoted to portraying characters with a certain degree of notoriety —those that reach their zenith through a not always noble distillation of precaution, suspicious equanimity and solemnity—, Letters… celebrates, through the figure of the ubiquitous filmmaker, a dear son of The Factory, a mode of artistic sensitivity whose each step puts at stake an idea of the world; the exercise of art as an appendix of life; life as an essential art form; the fostering of despair and dissatisfaction as sublime ways to walk through life. DO

Armand Rovira. (1979, Barcelona, España). Graduado en Dirección por la CECC, de Barcelona, especializado en Edición, es docente en la escuela Lens, de Madrid. Dirigió varios cortos, como La purificación excremental (2002) y ¿Qué será de Baby Grace? (2009). (1979, Barcelona, Spain). He graduated in Film Direction from the CECC of Barcelona, where he specialized in montage, and teaches at the Lens School in Madrid. He has directed several short films, such as La purificación excremental (2002) and ¿Qué será de Baby Grace? (2009).

España - Spain, 2018 78’ / D / B&N / Inglés / Alemán / Japonés / Español English / German / Japanese / Spanish D, E: Armand Rovira / G: Saida Benzal, Armand Rovira / F: Edu Biurrun DA: Aina Soler / S: Jesús Llata / M: The Youth / P: Mintxo Díaz, Jorge Vidal / PE: Mintxo Díaz, Jorge Vidal / : Dynamite Films, From Outer Space / I: Joe Dallessandro, Xavi Saez, Almar G. Sato, Andrea Carballo, María Fajula o / Dynamite Films. Mintxo Díaz T +34 610 809 238 E [email protected] W dynamite-films.com

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Competencia Oficial vanguardia y género

Letters to Paul Morrissey

avant-garde & genre Official Competition

Leyenda dorada The Golden Legend

SELECCIÓN OFICIAL FUERA DE COMPETENCIA / OUT OF COMPETITION PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

Una piscina municipal, un parque, un día de sol. Mientras los bañistas nadan, juegan a los naipes o cantan, pequeños milagros se suceden con la gracia leve del verano. En las alturas, la Virgen de la Consolación del Castillo mantiene su ojo vigilante. El afiche de Leyenda dorada, uno de los más hermosos de esta edición, dispone ante nosotros un plato combinado y el retrato de Antonio Anglés, naipes con el número de la bestia, flores acá y allá, objetos montados a nuestros ojos con luz prístina como si se tratara de una naturaleza muerta del verano español. Con una tarde en una pileta pública como telón de fondo, Ion de Sosa y Chema García Ibarra disponen también así a sus personajes, en pequeñas escenas que componen este fresco, imágenes de un mundo que, siendo aún demasiado cercano, se reviste de un carácter fascinante. Retrato a la escala de un balneario, en el que las viñetas musicales derivan en hechicería, se consultan conjuros en ropa de baño y se despachan platos populares al rayo del sol. MA

A municipal swimming pool, a park, a sunny day. While people swim, play cards or sing, small miracles occur with the light grace of summer. In the heights, the Virgin of the Consolation of the Castle keeps an eye on everything and everyone. The poster of The Golden Legend, one of the most beautiful of this edition, shows us a mixed dish, the portrait of Antonio Anglés, cards with the number of the beast, flowers here and there, objects set out before our eyes as if they made up a still life of the Spanish summer. With an afternoon at a public swimming pool as a backdrop, Ion de Sosa and Chema García Ibarra lay out their characters the same way, in little scenes that compose this fresco, images of a world that, even though too close to ours, takes on a fascinating character. A portrait on a beach resort’s scale, in which musical vignettes turn into sorcery, spells are cast in swimsuits and popular dishes are served in the sun. MA

Chema García Ibarra & Ion de Sosa. García Ibarra (1980, Elche, España) es licenciado en Publicidad y Relaciones Públicas. Dirigió entre otros La disco resplandece (2016, Bafici ‘17). De Sosa (1981, San Sebastián, España) se recibió en Fotografía en la ECAM. Dirigió True Love (2010, Bafici ‘11) y Sueñan los androides (2014, Bafici ‘15). García Ibarra (1980, Elche, Spain) graduated in Advertising and Public Relations. He has directed, among others, La disco resplandece (2016, Bafici ‘17). De Sosa (1981, San Sebastián, Spain) graduated in Photography from ECAM. He has directed True Love (2010, Bafici ‘11) and Androids Dream (2014, Bafici ‘15).

España - Spain, 2019 11’ / D / COLOR Español - Spanish

80

D, E: Chema García Ibarra, Ion de Sosa /G: Chema García Ibarra F: Ion de Sosa / DA: Leonor Díaz / S: Agnès Pe / P: Leire Apellaniz, Ion de Sosa / PE: Leire Apellaniz / : Apellaniz y de Sosa I: Al Sarcoli, Cristina Canchal Solís, María Ángeles Rosco, Carlos Lebrón Lázaro, Laura Molano Canchal o / Apellaniz y de Sosa. Leire Apellaniz T +34 672 310 181 E [email protected]

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Homenaje a Black Bus Stop, un punto de encuentro informal e icónico para los estudiantes negros de la Universidad de Virginia en los 80 y en los 90. Hoy, bajo la luz de la luna y al ritmo de sus propios cantos y bailes, los alumnos rinden tributo a una zona reverenciada y a la memoria que allí habita. Un cortometraje que funciona como recuerdo, como homenaje desde el presente hacia el pasado, y sin necesidad de filmar monumentos que por su propia naturaleza se quedan silenciosos, quietos, a veces marmóreos. Un lugar de reunión puede ser, claro, también un lugar de resistencia. Un lugar para pasar, recordar y vivir. Una parada de colectivos es un lugar para estar quieto antes de emprender un viaje, pero Kevin Jerome Everson (ganador de la competencia de Derechos Humanos del Bafici 2017 con Tonsler Park) y Claudrena Harold no muestran gente esperando, sino gente que se apropia del lugar para moverse ahí mismo con cantos, bailes y asombros coreográficos. Black Bus Stop es un cortometraje político y, al mismo tiempo, un cortometraje musical y, en ambos, es límpido, elegante, preciso y contundente. JPF

An homage to Black Bus Stop, an informal, iconic meeting point for the black students from the University of Virginia in the ‘80s and ‘90s. Now, under the light of the moon and to the rhythm of their own singing and dancing, the students pay tribute to a revered area and the memory that inhabits it. A short film that works as a memory, as a tribute from the present to the past, and without the need of filming monuments that, due to their own nature, stay quiet, still, sometimes marmoreal. A meeting point can also be, of course a place of resistance. A place to through, and live. A bus stop is a place for staying still before going on a trip, but Kevin Jerome Everson (winner of the Human Rights competition at Bafici 2017 with Tonsler Park) and Claudrena Harold do not show people waiting, but people who appropriate the place in order to move with singing, dancing and choreographic amazements. Black Bus Stop is a political short film and, at the same time, a musical short film, and in both cases it’s limpid, elegant, precise and powerful. JPF

Kevin Jerome Everson & Claudrena N. Harold. Everson (1965, Mansfield, Estados Unidos) dirigió varios largometrajes, muchos de ellos exhibidos en el Bafici, como Tonsler Park (2017). Harold es profesora de Estudios Afroamericanos en la Universidad de Virginia. Codirigieron los cortos Sugarcoated Arsenic (2014) y How Can I Ever Be Late (2018). Everson (1965, Mansfield, USA) directed many features, many of which were shown at Bafici, like Tonsler Park (2017). Harold is an African American Studies professor at the University of Virginia. They co-directed the shorts Sugarcoated Arsenic (2014) and How Can I Ever Be Late (2018).

Estados Unidos - United States, 2019 10’ / D / COLOR Inglés - English D: Kevin Jerome Everson, Claudrena N. Harold F, E: Kevin Jerome Everson / P: Madeleine Molyneaux, Kevin J. Everson, Claudrena N. Harold / : Delta Trilobite Arts-DAC, Picture Palace Pictures I: Jordan Maia, Tiara Sparrow, Paige Taul, Kevin Adams, Melvin Walker o / Picture Palace Pictures T +1 212 252 3187 E [email protected] W picturepalacepictures.com - blackfireuva.com

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Competencia Oficial vanguardia y género

Black Bus Stop

avant-garde & genre Official Competition

Ma nudité ne sert à rien

My Nudity Means Nothing / Mi desnudez no significa nada PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

Un emotivo autorretrato libre de inhibiciones y lleno de preguntas a cargo de la realizadora y actriz Marina de Van. La desnudez, la propia imagen y las relaciones humanas en la era de las apps; todo confluye en este registro casero de una artista dispuesta a contemplar su cuerpo y alma sin miedo alguno. Con Dans ma peau (2002) Marina de Van entregó una de esas películas que, como otras de principios de siglo, hacían del cuerpo el eje ineludible —del deseo, del terror, de la tensión— del relato. 17 años después, el cuerpo de De Van aparece desnudo desde el principio, bajo un título que resta importancia a esa desnudez. Ma nudité ne sert à rien incluye Flashdance, una gata amistosa y planteos complejos sobre los géneros (en ambos sentidos). Este es un diario personal y un autorretrato sentimental nada plañidero y sin displicencias, con una puesta en escena que piensa cómo tratar cinematográficamente el espacio de la propia casa y que, sobre el final, de forma inesperada, quizás nos esté diciendo que también es una versión actual y anómala de una comedia romántica. JPF

An emotional self-portrait, free of inhibitions and full of questions, by the actress and director Marina de Van. Nudity, the own image and human relations in the age of apps; it all comes together in this homemade recording of an artist willing to stare at her body and soul without fears. With Dans ma peau (2002), Marina de Van shot one of those movies which, like many others at the beginning of the century, made of the body the inexorable axis —of the desire, terror and tension— of the plot. 17 years later, De Van’s body appears naked from the beginning, under a title that plays down the importance of that nudity. My Nudity Mens Nothing includes Flashdance, a friendly cat and complex reasonings about gender and genres. This is a personal diary and a sentimental self-portrait without tears or indifference, with a setting that reflects on how to use cinematographically the space of the own house and that, near the end, unexpectedly, might reveal that it is an updated and anomalous version of a romantic comedy. JPF

Marina de Van. (1971, Boulogne-Billancourt, Francia). Es actriz y guionista, formada en La Fémis. Realizó varios cortometrajes, entre ellos Psy Show (1999, Bafici ‘00). Entre sus largometrajes, cabe mencionar Dans ma peau (2002). (1971, Boulogne-Billancourt, ). Actress and screenwriter graduated from La Fémis. She has directed several short films, among them Psy Show (1999, Bafici ‘00), and features such as Dans ma peau (2002).

Francia - , 2018 81’ / D / COLOR Francés - French D, G: Marina de Van / F: Vincent Mathias, Romain Lebonniec E: Mike Fromentin / S: Jérôme Aghion, Stéphane Thiebaut M: Florencia Di Concilio, Hit’n Run / P: Jean-Luc Ormières : Just Sayin’ Films / I: Marina de Van, Juliana de Van, Rachel Arditi, Serge Chojnowski o / Stray Dogs. Lison Hervé T +33 771 8839 64 E [email protected] W stray-dogs.biz

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[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

Jean, un curioso adolescente, hereda de su abuela el archivo de un misterioso asesinato de 1895. Así comienza una investigación que no distingue sueño de vigilia. La linealidad del tiempo se quiebra para que las historias del pasado —algunas salvajes, otras sencillas— broten intempestivamente. La cineasta Isabelle Prim fue la fiel protagónica de Jean-Claude Brisseau en su reciente apoteosis, Que le diable nous emporte. Allí compartía cuchicheos esotéricos con Fabienne Babe, reclutada ahora para su tercer largo, Mens, donde incorpora a un demiurgo que incita a un adolescente a esclarecer un antiguo crimen de sus antepasados. El fragor de una estival mudanza familiar hacia el pueblito de Mens desata su fantasía detectivesca. De Rohmer a Rozier y de Biette a Pollet, los grandes cineastas ses de posguerra encarnan la idea hitchcockiana de que las intrigas más suculentas suceden fortuitas durante unas vacaciones de verano. La habilidad de Prim es la fluidez y la finura con que desgrana tantas ideas por secuencia, como aquella que hace viajar en el tiempo al héroe con solo ponerle un sombrero. AA

Jean, a curious teenager, inherits from his grandmother the files of a mysterious murder that took place in 1895. Thus begins an investigation that doesn’t tell sleep from wakefulness. Time’s linearity breaks in order for the stories from the past —some of them wild, others simple— to sprout in an untimely manner. Filmmaker Isabelle Prim was Jean-Claude Brisseau’s faithful lead in his recent apotheosis, Tempting Devils. There, she shared esoteric murmuring with Fabienne Babe, recruited here for her third feature, Mens, where she adds a demiurge who encourages a teenger to solve an old crime among his ancestors. The rush of a summer family move to the small town of Mens unleashes his detectivesque fantasy. From Rohmer to Rozier and from Biette to Pollet, the great French post-war filmmakers represent the Hitchcockian idea that the juiciest intrigues happen by chance during the summer recess. Prim’s ability is the fluidity and refinement with which she displays so many ideas per sequence, like that in which she makes our hero travel through time just by putting on a hat. AA

Isabelle Prim. (1984, París, Francia). Cineasta graduada por la Escuela de Bellas Artes de Grenoble. Dirigió varios cortos y largometrajes, entre ellos, Déjeuner chez Gertrude Stein (2013), el cual formó parte de la Competencia Vanguardia & Género del Bafici ‘13. (1984, Paris, ). A filmmaker graduated from Grenoble’s Fine Arts School. She has directed many shorts and features, including Déjeuner chez Gertrude Stein (2013), which was part of the Avant-Garde and Genre Competition at Bafici ‘13.

Francia - , 2019 97’ / D / COLOR - B&N Francés - French D, G, DA: Isabelle Prim / F: Jean Guillaud / E: Fred Piet S: Colin Favre-Bulle, Géry Petit, Simon Apostolou P: Emmanuel Chaumet / PE: Caroline Demopoulos / : Ecce Films I: Miljan Châtelain, Fabienne Babe, Arié Elmaleh, Richard Peyraud, Fleur Guillaud o / Ecce Films. Louise Rinaldi T +33 1 4258 3 714 E [email protected] W eccefilms.fr

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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Competencia Oficial vanguardia y género

Mens

avant-garde & genre Official Competition

Retrospekt PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Diversos episodios de violencia doméstica, ajenos y propios, acontecen en la vida de Mette mientras espera la llegada de su segundo hijo. A partir de un virtuoso despliegue narrativo, Retrospekt convierte una ruleta de recuerdos fracturados en un cúmulo de patetismo e intriga. Una película sobre la violencia, pero también sobre las formas posibles que tiene el cine para retratar la violencia. Estamos frente a una historia deshilvanada, que salta a fuerza de golpes de memoria, en la que una mujer se enfrenta, cerca o lejos, al abuso. O, mejor dicho: estamos frente a un musical sobre la violencia doméstica. Y acá no hay liviandad ni hay histrionismo, no hay máscaras ni disfraces ni distancia y artificio, aunque sí hay coreografías ajustadas entre los cuerpos que huyen y persiguen y la cámara, y hay narrador también en forma de voz cantada. Y profusión de música y un rosa profundo que enceguece, libertad de formas y pura afirmación en lugar de la perezosa confianza que supondría pensar que hay temas que sostienen en soledad películas por ser asuntos de agenda. MA

Different episodes of domestic violence (her own and other people’s) take place in Mette’s life as she awaits her second son. With a virtuosic narrative display, Retrospekt turns a roulette of fractured memories into a heap of poign ancy and intrigue. A movie about violence, but also about the possible ways in which cinema can portray violence. This is a disted story, guided by the whims of memory, in which a woman faces abuse up close or from afar. Or better put: this is a musical about domestic violence. And there is no lightness or histrionism here, there are no masks, disguises, distance or artifice, although there are tight choreographies between the bodies that chase and escape and the camera, and there is also a narrator who sings. And a lot of music and a blinding deep pink, freedom of forms and a sheer affirmation instead of that lazy confidence that supposes that some topics, due to their mere being in the agenda, are enough to sustain a film. MA

Esther Rots. (1972, Groenlo, Países Bajos). Estudió en la Escuela de Artes de Arnhem. Sus dos primeros cortometrajes fueron seleccionados en Cannes y su primer largo, Can Go Through Skin (2009), ganó varios premios internacionales. Retrospekt es su último film. (1972, Groenlo, Netherlands). She studied at the Arnhem Art School. Her first two short films were selected by the Cannes Film Festival and her first feature, Can Go Through Skin (2009), has won several international awards. Retrospekt is her latest film.

Países Bajos / Bélgica - Netherlands / Belgium, 2018 100’ / D / COLOR Holandés / Flamenco - Dutch / Flemish

84

D, G, E: Esther Rots / F: Lennert Hillege / DA: Kurt Rigolle S, M: Dan Geesin / P: Gijs van de Westelaken, Hugo Rots, Chantal van der Horst, Esther Rots, Ellen De Waele / PE: Frank Klein : Rots Filmwerk, Colun Films, Serendipity Film / I: Circé Lethem, Lien Wildemeersch, Martijn van der Veen, Teun Luijkxs o / Rots Filmwerk. Esther Rots T +31 619 228 151 E [email protected] W rotsfilmwerk.nl

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

En un pueblo de Aragón, se conmemora la batalla de la bahía de Matanzas. Nadie quiere representar al almirante español Benavides, quien abandonó sus barcos y tesoros sin luchar. Una absurda coreografía histórica de una batalla sin muertos, con el estilo excéntrico del multifacético Dick el Demasiado. Con Dick, el demasiado nunca se sabe. Lo que a veces se puede saber, en todo caso, es que se descolgará con algo imprevisible. Dick es un inventor avezado, con un don para lo extraño, lo cómico o lo simplemente extravagante; aquello destinado a no encajar, a encenderse brevemente para volver luego a la oscuridad. Viva Matanzas es una película histórica anómala, un objeto insolentemente inorgánico, amorfo; una versión colorida de la historia donde el pop se entiende menos como contraseña o guiño complaciente que como territorio inactual, desvergonzado, sin jerarquías ni legislación paralizante. Si las películas con batallas históricas deben tener muertos, Dick refiere a una que no los tiene, quizá para mirar la historia a través de sus incógnitas, de sus parpadeos misteriosos. DO

A town in Aragon commemorates the Battle in the Bay of Matanzas. No one wants to play Spanish iral Benavides, who abandoned his ships and treasures without a fight. An absurd historical choreography of a battle with no casualties, with the eccentric style of the multifaceted Dick el Demasiado. You never know with Dick el Demasiado. What one could sometimes know, in any case, is that he will come up with something unpredictable. Dick is an experienced inventor, with a gift for the strange, the comical or the simply extravagant; that which is destined to not fit in, to light up briefly and then go back into darkness. Viva Matanzas is an anomalous historical film, an insolently inorganic, amorphous object; a colorful version of history where pop is understood less as or indulgent wink than an out-of-date, impertinent territory with no hierarchy or paralyzing legislation. If the films featuring historical battles must have casualties, Dick refers to one that doesn’t, perhaps to look at history through its mysteries, its enigmatic blinking. DO

Dick Verdult. (1954, Eindhoven, Países Bajos). Pasó su juventud en Guatemala y Argentina. Estudió Cine y Artes Visuales en la Universidad de Paris 8. Su obra abarca música, cine, videoarte e instalaciones en su faceta más experimental. (1954, Eindhoven, Netherlands). He spent his youth in Guatemala and Argentina. He studied Film and Visual Arts at the Paris 8 University. His work includes music, film, video art and, in his most experimental side, installations.

Países Bajos / España - Netherlands / Spain, 2019 50’ / D / COLOR - B&N Español / Holandés - Spanish / Dutch D, G, P: Dick Verdult / F: Luuk Bouwman / E: Dick Verdult, Maria van Heeswijk / DA: Maria van Heeswijk / S: Kees de Groot M: Dick el Demasiado / PE: Nelly Voorhuis / : Centro Periférico Internacional / I: Alfonso Desentre, Alfonso Pablo, Katrien van Beurden, Ekaterina Levental o / Centro Periférico Internacional. Dick Verdult T +34 695 531 072 E [email protected] W periferico.org

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

85

Competencia Oficial vanguardia y género

Viva Matanzas

avant-garde & genre Official Competition

Fordlandia Malaise PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

El ayer y el hoy de Fordlandia, la compañía gigantesca fundada por Henry Ford en 1928, en la selva amazónica. En ese espacio fantasmal, conviven el siglo XX y el XXI, la utopía y la distopía, lo visible y lo oculto, al mismo tiempo que los habitantes actuales claman por escribir su propia historia. Fordlandia supo ser la gran utopía empresarial de Henry Ford. Allí soñó con su propio feudo, donde albergaría la mayor plantación de caucho existente y sería capaz de abastecer completamente a su empresa. Una apuesta por la autonomía en un lugar que le provocaba pánico y en los albores de la invención del caucho sintético. Rotundo fracaso, Fordlandia rápidamente se transformó en lo que es hoy: un pueblo fantasma. En esa geografía y entre espectros, nace esta película, revisando archivos y sobrevolando el actual paisaje, trayendo las imágenes del pasado mediante un montaje virtuoso que las devuelve a la vida. Flora y fauna, población y arquitectura son acá un todo indiscernible, al igual que el pasado y el presente, los sueños truncos y los futuros posibles. MA

The past and present of Fordlandia, the gigantic company founded by Henry Ford in the Amazon rainforest in 1928. In that ghostly place, the 20 th and 21th centuries, utopia and dystopia, the visible and the hidden coexist while its inhabitants claim to write their own history.

Susana de Sousa Dias. (1962, Lisboa, Portugal). Se recibió en Bellas Artes y Video en la Universidad de Lisboa, donde actualmente es docente. Dirigió Natureza Morta, Visages d’une dictature (2005), 48 (2009) y Luz Obscura (2017). (1962, Lisbon, Portugal). She graduated in Fine Arts and Video from the University of Lisbon, where she is currently a teacher. She has directed Still Life (2005), 48 (2009) and Luz Obscura (2017).

Portugal, 2019 40’ / D / COLOR - B&N Portugués - Portuguese

86

Fordlandia was Henry Ford’s great entrepreneurial utopia. There, he dreamed of his own fief, which would be home to the biggest rubber plantation in the world and would be able to fully supply his company. A bet on autonomy in a place that caused him panic, undertaken on the brink of the invention of synthetic rubber. A total failure, Fordlandia soon became what it is today: a ghost town. This movie is born in that geography and among those specters; revising archives, flying over the current landscape and bringing past images back to life through a virtuous montage. Flora and fauna, population and architecture are here an inseparable totality, the same as past and present, broken dreams and possible futures. MA

D, G, F, E, DA, S: Susana de Sousa Dias / M: António de Sousa Dias P: Ansgar Schaefer / PE: Rui Ribeiro / : Kintop / I: Vinicius, João Vitor, Isaac Oliveira o / Kintop. Rui Ribeiro T +351 9 3485 1820 E [email protected] W www.kintop.pt - kintopfilms.com/fordlandia-malaise

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE latinoAMERICANA / latam PREMIERE

Anteu tiene 17 años y es el último sobreviviente en su pueblo. Lleva adelante su vida solitaria hasta que una noche, en un sueño, una pregunta se manifiesta: “¿Quién me enterrará?”. Una mirada radical y novedosa sobre el recurrente tópico de las aldeas idílicas y moribundas. El nuevo trabajo de João Vladimiro marca un avance en la trayectoria de uno de los directores portugueses nuevos que realmente prometen, en su depuración formal en la ficción (su anterior Lacrau era un documental bien formalizado y de montaje preciso) y en la conquista de un entendimiento de António Reis y Margarida Cordeiro, cineastas esenciales de su país. Anteu es con respecto a Tras-os-Montes y Ana, lo mismo que Vestida para matar era con respecto a Psicosis: un artefacto formal manierista y deslumbrante, pero también el mejor análisis cinematográfico sobre el matrimonio y convertido en película. La peripecia del joven Anteu, una especie de last man on Earth, tiene además algo de kiarostamiano telúrico e ineludible porque lo acompaña en la búsqueda de una manera de enterrarse cuando haya muerto. AA

Anteu is 17 years old and he is the last survivor of his town. He leads a lonely life until one night, during a dream, a question appears: “Who will bury me?.” A novel and radical look at the recurring topic of idyllic, dying towns. Joao Vladimiro’s new film marks a step forward in the trajectory of a new and promising Portuguese director. The movie shows a remarkable formal polishing of his fiction (his previous film, Lacrau, was a well-crafted, accurately edited documentary) and the assimilation of the lessons of António Reis and Margarida Cordeiro, essential filmmakers of his country. Anteu is to Trasos-Montes and Ana what Dressed to Kill was to Psycho; a dazing mannerist artifact that is also the best cinematic analysis of the topic of marriage. The adventure of young Anteu, sort of last man on Earth, has some Kiarostami-like earthliness that is inescapable, because it accompanies the protagonist in his search of a way to bury himself when he’s dead. AA

João Vladimiro. (1981, Porto, Portugal). Se graduó en Diseño Gráfico por la Universidad de Porto. Dirigió el cortometraje Pé na terra (2006), además de los largos documentales Jardim (2008), Lacrau (2013) y A lã e a neve (2014). (1981, Porto, Portugal). He graduated in Graphic Design from the University of Porto. He has directed the short film Pé na terra (2006) and the documentary features Jardim (2008), Lacrau (2013) and A lã e a neve (2014).

Portugal / Francia - Portugal / , 2018 30’ / D / COLOR Portugués - Portuguese D: João Vladimiro / G: Frederico Lobo, João Vladimiro, Luís Palito F: Frederico Lobo / E: João Vladimiro, Frederico Lobo, Luís Palito, Telmo Churro / S: Gonçalo Mota / PE: Eva Chillón, João Matos : Pomme Hurlante Films, Terratreme Filmes / I: Luis Candal, Zé da Cruz, Emília Cruz o / Agência - Portuguese Short Film Agency. Salette Ramalho T +351252646683 E [email protected] W agencia.curtas.pt

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

87

Competencia Oficial vanguardia y género

Anteu

[21] BAFICI

Competencia Oficial latinoamericana latin american Official Competition

latin american OFFICIAL COMPETITION

Cartero Postman

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Ambientada a fines de los noventa, en pleno auge de las privatizaciones y del crecimiento de la pobreza, Cartero sigue de cerca a Hernán, un joven lleno de ilusiones que consigue un empleo en el Correo Central. Allí un colega le enseña los códigos del oficio, pero la dura realidad lo obligará a romperlos. Las tramas lineales y disciplinadas se justifican, a veces, por la iluminación de un cineasta con un actor al que cree haber descubierto y que con su mera presencia suple la necesidad de subterfugios en el guion. Ocurrió en Argentina con Lamothe y Mitre en El estudiante, y ahora en Cartero, con Tomás Raimondi y Emiliano Serra. El director cristaliza la urgencia de una edad que es un lapso y de un estado de ánimo frágil (el del acné que da el primer trabajo), y la introduce en la tranquilidad de los portales de Buenos Aires. Así, Cartero también se convierte en un documental sobre la pervivencia del siglo XX en la riqueza estética de esos portales (los metales de los timbres, puertas, escaleras y señores porteros) de la ciudad en la que Raimondi trabaja y aprende como un bressoniano Martin LaSalle porteño. AA

Set in the late ‘90s, in the height of the privatizations and the increase in poverty, Postman closely follows Hernán, a young man full of illusions that gets a job at the Central Post Office. There, a colleague teaches him the codes of the trade, but the harsh reality will force him to break them. Linear, disciplined plots are sometimes justified by the enlightenment of a filmmaker with an actor he thinks he has discovered and whose very presence makes up for the need for subterfuges in the script. It happened in Argentina with Lamothe and Mitre in The Student, and now in Postman with Tomás Raimondi and Emiliano Sierra. The director crystalizes the urgency of an age that is a lapse and a fragile state of mind (that of the acne given by the first job), and introduces in the quietness of Buenos Aires’ entrances. This way, Postman also becomes a documentary about the persistence of the 20th century in the aesthetic richness of those entrances (the metals in the doorbells, the doors, the stairs and the doormen) of the city in which Raimondi works and learns like a Bressonian, Porteño Martín LaSalle. AA

Emiliano Serra. (1975, Argentina). Cursó Diseño de Imagen y Sonido en la UBA. Es montajista, y como director ha realizado los documentales Ecce Homo (2003) y La Raulito, golpes bajos (2009), entre otros. Cartero es su primer largometraje de ficción. (1975, Argentina). He studied Image and Sound Design at the UBA. He is an editor, and has directed the documentaries Ecce Homo (2003) and La Raulito, golpes bajos (2009), among others. Postman is his first fiction feature.

Argentina, 2019 80’ / D / COLOR Español - Spanish

90

D, E: Emiliano Serra / G: Santiago Hadida / F: Manuel Rebela DA: Marina Raggio / S: Rodrigo Merolla / M: Gustavo Santaolalla P, PE: Alberto Masliah / : Sombracine / I: Tomás Raimondi, Germán de Silva, Macarena Suárez, Jorge Sesán, Carlos Defeo o / Sombracine SRL. Emiliano Serra T +54 11 9 3069 1009 E [email protected] W sombracine.com - sombracine.com/cartero.html

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

Grand Orchestra

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Un baúl perdido en la basura. Adentro, dos mil partituras de una de las big band argentinas más notables de los años 50, Héctor y su Gran Orquesta de Jazz. El hallazgo desencadena la accidentada búsqueda de sus integrantes con el afán de reconstruir su historia, su sonido y el destino del jazz. “La biografía de Héctor es la biografía de las big band criollas”, dice una voz en off de Gran Orquesta, documental que es, valga (y valga oro) la redundancia, en sí mismo una gran orquesta (grande de corazón, de voces, de oficios, de ritmos y de entregas). Película que entiende la pérdida (aquí la del esplendor fifties de Héctor y su Gran Orquesta de Jazz) para construir desde un literal tesoro —las partituras de Héctor halladas en un cofre— otro mucho mejor e igual de resplandeciente: la felicidad del descubrimiento. Talento, sorpresa, buen oído, recuerdos sentidos y cariño hacen de Gran Orquesta un entramado humanista hecho de familiares, músicos y crooners (claro, Sergio Pangaro), uno que suena como lo hace el cine cuando se enamora de la amabilidad. JMD

A crate lost among the trash. Inside, two thousand scores of one of the most remarkable Argentine big bands of the 1950s, Héctor y su Gran Orquesta de Jazz. The find unleashes the rough search of its with the aim of reconstructing their history, their sound and the fate of jazz. “Héctor’s biography is the biography of the local big bands,” says a voiceover in Grand Orchestra, documentary that is, with fear of sounding redundant, a grand orchestra in itself (grand in heart, in voices, in rhythms and in dedication). A film that understands loss (in this case, that of Héctor y su Gran Orquesta de Jazz’s fifties’ splendor) in order to build, from a literal treasure —Héctor’s music sheets, found in a chest— another one, much better and just as dazzling: the happiness of discovery. Talent, surprise, a good ear, heartfelt memories and tenderness make Grand Orchestra a humanist scheme made of family , musicians and crooners (Sergio Pangaro, of course), one that sound as film does when it falls in love with kindness. JMD

Peri Azar. (1978, Tucumán, Argentina). Licenciada en Artes Audiovisuales, es también fotógrafa y productora. Dirigió los cortometrajes Perrone, escritor (2000) e Historia de un hombre, una mujer y sus buenos días (2013). Actualmente trabaja en el Museo del Cine. (1978, Tucumán, Argentina). She has a Bachelor’s degree in Audiovisual Arts and is also a photographer and producer. She directed the shorts Perrone, escritor (2000) and Historia de un hombre, una mujer y sus buenos días (2013). She currently works at Buenos Aires’ Museo Del Cine.

Argentina, 2019 70’ / D / COLOR - B&N Español - Spanish D, G, P: Peri Azar / E: Peri Azar, Emilia Castañeda S: Renato Alvarado / M: Sergio Pángaro, Valentín Reiners, Peri Azar PE: Peri Azar, Edwin Arévalo / : 8A-110 / I: Sergio Pángaro, Sergio Pujol, Ricardo Risetti, Edgardo Carrizo, Carlos Inzillo o / 8A-110. Peri Azar T +54 9 11 59254678 E [email protected] FB granorquestadocumental

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

91

COMPETENCIA OFICIAL latinoamericana

Gran Orquesta

latin american OFFICIAL COMPETITION

Mr. Leather PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

En 2018 cuatro contendientes se disputan el título del concurso Mr. Leather Brasil. Quien triunfe recibirá el trofeo de manos de Don Barbudo, el campeón vigente. El documental de Nolasco se sumerge en la comunidad gay de San Pablo, cuando la coyuntura política pretende convertirla en una amenaza. La película empieza en una falsa “isla de la fantasía” y termina en un concurso donde se elige al Mr. Leather del título. Un tipo con una campera de los Black Rebel Motorcycle Club camina en medio del bosque: la mención a la banda de marras es una apropiación distanciada, del mismo modo que el cuero es un abracadabra que opera en el terreno del sexo y alude a un territorio de prácticas reguladas pero heteróclitas. La película dispone con gran lucidez escenas que funcionan como cuadros vivos con canciones, con palabras, con una ironía que no deja escapar la esencial altivez de los participantes, para quienes el cuero establece un orden que persevera debajo de la superficie, como una auténtica isla de la fantasía en la cual se ejercen modos de liberación personal y de autorrealización. DO

In 2018, four contenders fight over the title of the Mr. Leather Brazil contest. The winner will receive the trophy from the hands of Don Barbudo, the current champion. Nolasco’s documentary submerges in Sao Paulo’s gay community when the political situation intends to turn it into a threat. The film begins on a fake “fantasy island” and ends in a contest where the Mr. Leather of the title is chosen. A guy with a Black Rebel Motorcycle Club jacket walks through the forest: the mention of the band is a distanced appropriation, the same way leather is a hocus pocus that operates in the field of sex and refers to a territory of regulated but heteroclite practices. With great lucidity, the film arranges scenes that work as living paintings with songs, with words, with an irony that displays the essential haughtiness of the contenders, for whom leather establishes an order that perseveres under the surface, like an authentic fantasy island in which modes of personal liberation and self-realization are practiced. DO

Daniel Nolasco. (1983, Brasil). Graduado en Cine y Artes Audiovisuales por la Universidad Federal Fluminense y en Historia por la Universidad Federal de Goiás. Dirigió más de diez cortometrajes y el largo documental Paulistas (2017). (1983, Brazil). Graduated in Film and Audiovisual Arts from the Fluminense Federal University and History by the Federal University of Goiás. He directed more than ten shorts and the documentary feature Paulistas (2017).

Brasil - Brazil, 2019 85’ / D / COLOR Portugués - Portuguese

92

D, G, DA: Daniel Nolasco / F: Larry Machado / E: Will Domingos S: Tothi Cardoso / P, PE: Cecília Brito / : Dafuq Filmes I: Dom Barbubo, Dom PC, Kake, Deh Leather, Maoriguy o / The Open Reel. Cosimo Santoro T +39 340 494 0351 E [email protected] W theopenreel.com

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

Days of the Whale

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Cristina y Simón, dos rebeldes y entusiastas grafiteros, recorren las calles de Medellín usando las paredes como lienzos. Pero ese mismo amor y pasión que los une pronto los lleva a enfrentarse con una peligrosa banda criminal, y lo que comienza como un simple juego terminará cambiando sus vidas. Medellín como ballena blanca. O, mejor dicho, Medellín como casi un infierno de panza grande y grasosa, al que poco le importa si alguien puede alterar sus paredes por completo, tal como lo hacen Cristina y Simón con su arte callejero y muralista. Ellos se acompañan, se enamoran, se celan. Y entran en una batalla, una más. Ya no contra lo cotidiano, sino contra enemigos concretos, que parecen Dementores del mismo odio que la ciudad muerde entre sus rechinantes dientes. Y ellos, y ese perrito, y ese hogar resisten. La ópera prima de Catalina Arroyave suena romántica, pero no lo es: es más un manifiesto y un relato sentido y que quiere sentirse, de grafiteros, amor, libertad y colores nuevos contra las viejas paredes y odios concretos. JMD

Cristina and Simón, two rebellious, enthusiastic graffiti artists, walk the streets of Medellín using walls as canvases. But the same love and ion that brings them together soon leads them to confront a dangerous criminal gang, and what starts as a simple game ends up changing their lives. Medellín as a white whale. Or, better yet, Medellín as almost a hell with a big, fatty belly that doesn’t care if someone is able to alter their walls completely, as Cristina and Simón do with their muralist street art. They accompany each other, fall in love with each other and become jealous of each other. And they enter a battle, one more. Not against everydayness, but against some specific enemies, who look at Dementors with the same hate the city bites between its grinding teeth. And them, and that dog, and that home resist. Catalina Arroyave’s debut feature sounds romantic, but it’s not: it’s more of a manifesto and a heartfelt tale of graffiti artists, love, freedom and new colors against old walls and specific hates. JMD

Catalina Arroyave Restrepo. (1989, Medellín, Colombia). Es comunicadora social. Estudió Cine en Argentina y Cuba, y se especializó en Guion y Dirección de Actores. Los días de la ballena es su ópera prima. (1989, Medellín, Colombia). She is a Social Communicator. She studied Film in Argentina and Cuba, specializing in screenwriting and actors’ direction. Days of the Whale is her first feature.

Colombia, 2019 80’ / D / COLOR / Español - Spanish D, G: Catalina Arroyave Restrepo / F: David Correa Franco E: Juan Sebastián Quebrada / DA: Tatiana Vera Saldarriaga S: Alejandro Escobar Vallejo / M: Víctor Acevedo P: Jaime Guerrero Naudin, Natalia Agudelo Campillo, Nicolás Herreño Leal PE: Camilo Escobar, Andrés Arias, Jaime Guerrero, Catalina Arroyave, David Correa / : Rara Colectivo, Madlove / I: Laura Tobón David Escallón, Carlos Fonnegra, Julián Giraldo, Christian Tappan o / Rara Colectivo. Jaime Guerrero Naudin T +573016045852 E [email protected] W rara.com.co

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

93

COMPETENCIA OFICIAL latinoamericana

Los días de la ballena

latin american OFFICIAL COMPETITION

Antes que llegue el ferry Before the Ferry Arrives

PREMIERE internacional / international PREMIERE

Una ciudad en ruinas, detenida en el tiempo, maquillada con luces de neón y canciones de reggaetón. ¿Película sci-fi o simplemente un día más en la República Surrealista de Cuba? Siete historias autónomas retratan a La Habana en la era de posrestablecimiento de relaciones con los Estados Unidos. El ferry no llegó, y no llega. O más o menos. El acercamiento entre Cuba y Estados Unidos quedó en forma de sentidos múltiples y pesados, y por ese peso —convertible o por otros— se cayó. Quizás todo sea por la falta de la preposición “de” en el título. Mucha gente la evita. La gente hace cosas extrañas, como en estas siete historias dirigidas por tres directores, todas animadas pero no todas de animación. ¿Animadas mediante qué medios? A saber: el absurdo de los colores chillones, el absurdo de una música centrada en mencionar de mil maneras lo que está debajo de las cinturas, el absurdo de vivir en un aislamiento que genera absurdos con referencias nuevas, absurdas. Esta es una comedia caótica del caos, nacida de una gota animada que apunta al ojo y llega, no como el ferry. JPF

Juan Caunedo, Vladimir García & Raúl Escobar. Caunedo (1982, Oviedo, España). Es realizador y editor de televisión, cine y publicidad. García (1972, La Habana, Cuba). Es director, diseñador escenográfico, ilustrador y animador. Escobar (1966, Guanabacoa, Cuba). Es artista plástico y ha realizado varios experimentos en el videoarte. Antes que llegue el ferry es su primer largometraje en conjunto. Caunedo (1982, Oviedo, Spain). He is a film and advertising director and editor. García (1972, Havana, Cuba). He is a director, set designer, illustrator and animator. Escobar (1966, Guanabacoa, Cuba). He is a visual artist and has made many video art experiments. Before the Ferry Arrives is the first feature they made together. 94

A city in ruins, frozen in time, decorated with neon lights and reggaeton songs. Sci-fi movie or simply one more day in the Surrealistic Republic of Cuba? Seven autonomous stories make up a portrait of Havana in the era of post-resuming relationships with the US. The ferry hasn’t arrived, and will not arrive. Or sort of. The reconciliation between Cuba and the US remained in the form of multiple, heavy senses, and finally fell on its own weight. Perhaps it’s all because of the lack of the preposition “de” (“of”) in the title. Many people avoid it. People do strange things, as in these seven stories by three directors, all of them animated but not all of them belonging to the animation genre. Animated how? Well, the absurd of loud colors, the absurd of a music genre with thousands of ways of mentioning what’s under the waistline, the absurd of living in a state of isolation that generates absurdity with new, absurd references. This is a chaotic comedy of chaos, born from an animated drop that aims to the eye and reaches it, unlike the ferry. JPF

Cuba / España - Cuba / Spain, 2018 84’ / D / COLOR Español - Spanish D, G, DA: Juan Caunedo, Vladimir García, Raúl Escobar F: Ernesto Granado / E: Juan Caunedo / S, M: Santiago Barbosa P, PE: Juan Caunedo, Vladimir García / : Champola Films I: Enrique Molina, Yordanka Ariosa, Luis Alberto García, Félix Beatón, Jazz Vilá o / Habanero Film Sales. Alfredo Calvino T +55 22999728481 E [email protected] W habanerofilmsales.com

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

Asphyxia

PREMIERE argentina / ARGENTINe PREMIERE

El padre de Ana Bustamante fue desaparecido durante el conflicto armado de Guatemala de 1982. Décadas más tarde, inmersa en una sociedad que aún vive con miedo, la cineasta escarba en la memoria colectiva en busca de justicia por su padre y por toda una generación; una ausencia que la asfixia. Ana Bustamante intenta reconstruir la figura de su padre, secuestrado y desaparecido en 1982, en Guatemala, a quien por poco tiempo no llegó a conocer. La asfixia se afirma en la primera persona, visitando ese pasado trágico para tratar de echar luz sobre acontecimientos que aún no han sido explicados, guiada por la necesidad de recuperar algo de esa ausencia. Memoria familiar que es también política, relatos dispersos, traiciones y silencios, articulados a modo de pesquisa con la búsqueda de la verdad como norte. Revisitando viejas filmaciones y conectando testimonios y momentos de genuina intimidad, la película nos permite acceder al semblante de un hombre y también de una época, haciendo de la escala personal un ejercicio trascendente. MA

Ana Bustamante’s father was kidnapped and disappeared during Guatemala’s armed conflict of 1982. Decades later, immersed in a society that still lives with fear, the filmmaker interrogates the collective memory in search of justice for her father and a whole generation; an absence that asphyxiates her. Ana Bustamante tries to reconstruct the figure of her father, who was kidnapped and disappeared in Guatemala in 1982, some time before her birth. Asphyxia stands firmly in the first person, visiting that tragic past to try to cast light on events that haven’t yet been explained, guided by the need of recovering something of that absence. A family memory that is also political, scattered testimonies, betrayals and silences, articulated as an investigation whose goal is to find the truth. Revisiting old footage and linking testimonies and moments of genuine intimacy, the movie lets us see the face of a man and also of an age, making of the personal scale a transcendent exercise. MA

Ana Isabel Bustamante. (1982, Guatemala). Estudió Ciencias de la Comunicación en la Universidad Rafael Landívar, de Guatemala, Cine Documental en el Observatorio de Cine de Barcelona y Montaje en la ECAM, de Madrid. La asfixia es su primer largometraje. (1982, Guatemala). She studied Communication at the University Rafael Landívar of Guatemala, Documentary Cinema at the Observatorio de Cine of Barcelona and Montage at the ECAM of Madrid. Asphyxia is her first feature.

Guatemala / España / México - Guatemala / Spain / Mexico, 2018 / 79’ / D / COLOR Español - Spanish D: Ana Isabel Bustamante / G: Ana Isabel Bustamante, Barbara Sarsola-Day / F: Carla Molina / E: Ana Isabel Bustamante, Xavi Pereiro S: Eduardo Caceres, Patrick Ghislain / P, PE: Joaquín Ruano : Cine Concepción, Nanuk Producciones / I: José Cruz, Marilena Bustamante, Claudia Estrada, Rosa María Cruz o / Cine Concepción. Joaquín Ruano T +502 3017 6107 E [email protected] FB La asfixia

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

95

COMPETENCIA OFICIAL latinoamericana

La asfixia

latin american OFFICIAL COMPETITION

Casos complejos Complex Cases

PREMIERE INTERNACIONAL / INTERNATIONAL PREMIERE

Una región del Perú tomada por bandas criminales y su consecuente ola de corrupción y delincuencia. En medio, un conflicto entre dos personajes irreconciliables: un fiscal que aún conserva la esperanza de lograr cambios en la sociedad y un joven sicario que no tiene otra opción que matar para vivir. Una de las películas más anómalas y menos monocordes de los últimos años del cine latinoamericano, Casos complejos parece definirse un poco desde su propio título. Estamos ante un policial polvoriento y con mucha luz diurna, que nos muestra al crimen organizado en connivencia con el poder policial y el poder político en una provincia del Perú. Este es un policial peruano e intrépida y orgullosamente hawksiano: el profesional protagonista es un fiscal que ama su trabajo y emociona porque su decisión es su fortaleza, y la transmite con potencia al relato. El director, Omar Forero, acumula variantes y hasta un eficaz sentido del humor que entra de formas, por supuesto anómalas, fuera de fórmula. Anomalías y respetos por el género y sus tradiciones, nada menos. JPF

Omar Forero. (1969, Trujillo, Perú). Estudió Ciencias de la Comunicación. Realizó talleres de cine en el De Anza College, de California. Dirigió los largometrajes Los actores (2007), El ordenador (2012) y Chicama (2012, Bafici ‘13). (1969, Trujillo, Peru) He studied Communication and later attended film workshops in the De Anza College in California. He has directed the features Los actores (2007), El ordenador (2012) and Chicama (2012, Bafici ‘13).

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A region of Peru taken by gangs and the resulting wave of corruption and crime. In the middle, a conflict between two irreconcilable characters: a prosecutor who still hopes to change society and a young hitman who has no option but kill in order to survive. One of the most anomalous and less monotone Latin American movies of the last years, Complex Cases defines itself from the title. This is a dusty crime film, bathed in daylight, that shows us organized crime in open connivance with the police and the political power in a province of Peru. It’s a Peruvian crime film that is intrepidly and proudly Hawksian. The professional is a prosecutor who loves his job and moves us because his decision is his strength, a strength he projects upon the narration. Director Omar Forero accumulates variants and even an effective sense of humor that works in strange, outlandish ways. Anomalies and respect for the genre and its traditions; no small thing. JPF

Perú - Peru, 2018 82’ / D / COLOR Español - Spanish D, G, E, P, PE: Omar Forero / F: Omar Quezada DA: Jean Paul Zelada / S: Willy Ilizarbe / M: Lucho Barrera : Cine de Barrio / I: Gonzalo Vargas, Oscar Alarcón, Héctor Paredes, Robert de la Cruz, Lady Solano o / Cine de Barrio. Luis Ramos T +511 931 872 567 E [email protected] W cinedebarrio.pe

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

The Smelting of Time

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Una joven y un arborista se encuentran en un bosque de Nagasaki. Un domador busca un caballo en un campo desolado. Dos días en las antípodas del mundo y el tiempo. Un ensayo documental que observa (e imagina) las relaciones entre la humanidad y la bestialidad, esa violencia que habita en nosotros. El cine ya relató la tragedia nuclear en Japón, poniendo el foco generalmente en Hiroshima, en forma de dramas íntimos, epopeyas históricas, melodramas familiares. Esta película elige posarse en Nagasaki y, puntualmente, en las secuelas que hoy persisten en los árboles. Decisiones que caminan por una vía lateral y que se replican en los modos que adopta, siempre sorprendentes en su estructura, en su laborioso y exultante trabajo con la imagen. Película en dos continentes y en dos tiempos, que se ramifican extendiéndose al pasado y haciendo de la experiencia en pantalla un único viaje, acá y allá, cercano a la ensoñación. Sin anclaje definitivo, en La fundición del tiempo, la bruma deviene palabra; el sonido, música y después imagen, evocando los ritmos naturales. MA

A young woman and an arborist meet in a forest of Nagasaki. A tamer looks for a horse in a desolate field. Two days in the opposite end of space and time. A Uruguayan essay that observes (and imagines) the relations between humanity and the beast that lives within us. Cinema has already told the nuclear tragedy in Japan, generally focusing on Hiroshima, by way of intimate dramas, historical epic poems, family melodramas. This movie chooses to portray Nagasaki -centering in the sequels that today persist in the trees. Decisions that take a side track, and that are replicated in the modes the film adopts, always surprising in their structure, in their laborious and exultant work with images. A movie shot in two continents and two times, that branches out into the past and makes of the on-screen experience an only trip, here and there, similar to a daydream. Not committed to any particular genre, The Smelting of Time is a film in which the fog becomes a word, the sound music and then image, thus evoking the pace of nature. MA

Juan Álvarez Neme. (1972, Montevideo, Uruguay). Egresó de la Escuela de Cinematografía del Uruguay en 1995. Dirigió los largometrajes Al pie del árbol blanco (2007), El cultivo de la flor invisible (2011, Bafici ‘12) y Avant (2014). (1972, Montevideo, Uruguay). He graduated from the Cinema School of Uruguay in 1995. He has directed the features Al pie del árbol blanco (2007), El cultivo de la flor invisible (2011, Bafici ‘12) and Avant (2014).

Uruguay, 2019 98’ / D / COLOR - B&N Japonés / Español / Francés - Japanese / Spanish / French D, G, F, E: Juan Álvarez Neme / S, M: Daniel Yafalian P, PE: Virginia Bogliolo / : tarkiofilm / I: Masayuki Ebinuma, Keimi Yamada, Pierre-Gil Venzal o / tarkiofilm. Virginia Bogliolo E [email protected] W tarkiofilm.com - tarkiofilm.com/web/lfdt.html FB tarkiofilm info

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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COMPETENCIA OFICIAL latinoamericana

La fundición del tiempo

[21] BAFICI

Competencia Oficial derechos humanos human rights Official Competition

human rights OFFICIAL COMPETITION

¿Quién mató a mi hermano? Who Killed My Brother?

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

El 31 de enero de 2009, Luciano Arruga nunca llegó a casa de su hermana Vanesa. Comienza entonces una búsqueda desesperada que enfrenta las diferentes manipulaciones del poder. Su voz y la de amigos, familiares y militantes de los derechos humanos descubren las complicidades del Estado en esa desaparición. La pregunta del título es imperiosa; el posesivo establece el dolor en primera persona y le pone un rostro a la búsqueda de justicia. El nombre de Luciano Arruga se sustrae de las páginas tristes de la prensa para convertirse en signo de interrogación y necesidad de esclarecimiento y reparación. Con Vanesa, hermana de Luciano, como vector principal, la película de Fraile y Scavino trabaja con denuedo imágenes del juicio, entrevistas, marchas, para obtener de allí una estructura dramática que renuncia a los lugares comunes de la conmiseración y que, en su lugar, entrega dosis de verdad y emoción inesperadas: los realizadores encuentran para el caso una forma cuya sobriedad se impone como la mejor manera en la que la memoria de Arruga pueda ser debidamente respetada. DO

On January 31, 2009, Luciano Arruga never made it to his sister Vanesa’s house. It is the beginning of a desperate search that must confront the different manipulations of power. His voice and those of his friends, relatives and human rights activists reveal the complicities of the State with that disappearance. The question of the title is urgent; the possessive marks the first person of that pain and puts a face to the search of justice. The name of Luciano Arruga comes out of the sad pages of the press to become a question mark and a need of clarification and reparation. With Vanesa, Luciano’s sister, as a main vector, Fraile and Scavino’s movie works boldly with images of the trial, interviews and rallies in order to build a dramatic structure that avoids the common places of commiseration and delivers instead unexpected doses of truth and emotion: the directors find a form whose sobriety imposes itself as the best way for Luciano Arruga’s memory to be duly respected. DO

Ana Fraile & Lucas Scavino. Fraile (1975, Buenos Aires) se formó como guionista en la EICTV, Cuba. Dirigió el documental Un fueguito, la historia de César Milstein (2010). Scavino (1972, Buenos Aires) estudió en la FUC y se especializó en montaje con Miguel Pérez. Dicta cursos en la EICTV y, en nuestro país, en la UNA, UNTREF y ENERC. Fraile (1975, Buenos Aires) studied Screenwriting at the EICTV of Cuba. She directed the documentary Un fueguito, la historia de César Milstein (2010). Scavino (1972, Buenos Aires) studied at the FUC and specialized in montage with Miguel Pérez. He is a teacher at the EICTV of Cuba and in the UNA, UNTREF and ENERC of Argentina.

Argentina, 2019 88’ / D / COLOR Español - Spanish

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D, G: Ana Fraile, Lucas Scavino / F: Victoria Panero, Ana Fraile E: Lucas Scavino / DA: Mariano Arias / S: Martín Grignaschi, Nicolás Volonté / M: Pablo Bregante, Daniel Calabrese / P: Ana Fraile PE: Daniel Botti / : Pulpofilms / I: Vanesa Orieta, Mónica Alegre, Nora Cortiñas, Adolfo Pérez Esquivel, Pablo Pimentel o / Pulpofilms. Lucas Scavino T +54 11 3374 2667 E [email protected] W pulpofilms.com

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

Vigil in August

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

En pleno invierno y a días de su ansiado casamiento, Magda es testigo de una serie de trágicos acontecimientos que involucran a su novio. Conmocionada, decide callar; pero pronto su cuerpo comenzará a hablar por ella en este enigmático drama psicológico, con las sierras de Córdoba como fondo. Detrás de la base conflictiva más explícita de la película —los ocultamientos y el pisoteo de derechos de una clase sobre otra—, la ópera prima de Luis María Mercado es una ficción sutil de arco narrativo claro que no necesita insistir sobre algunos de sus temas subyacentes: el patriarcado, la lógica de los grupos de hombres y de mujeres, la mujer en un plano subordinado. Vigilia en agosto muestra rituales, costumbres, acciones que se repiten en el tiempo, de esas que se dan por válidas sin mirarlas desde lejos o desde un ángulo nuevo. Vemos también el precio de empezar a poner en duda el tejido social armado y prefigurado: Magda (Rita Pauls en un rol difícil resuelto con gran prestancia y eficacia) empieza a tener síntomas de que no —se— puede aguantar más. JPF

In the dead of winter, just a few days before her long-awaited wedding, Magda is witness to a series of tragic events that involve her groom. Shocked, she decides to keep quiet; but soon her body will start speaking for her in this enigmatic psychological drama set against the backdrop of the hills of Córdoba. Behind the most explicit conflict in the movie (concealment and the way one class rides roughshod over another), Luis María Mercado’s first film is a subtle fiction with a clear narrative arc that doesn’t need to insist upon its underlying themes: patriarchy, the logic of male and female groups, the subordination of women to men. Vigil in August shows rituals, habits, actions that are repeated throughout time, those that we accept as valid without looking at them from afar or from a new angle. We also see the price of casting doubt on the prefigured social fabric: Magda (Rita Pauls in a hard role that she plays with taste and elegance) starts to have symptoms that show that she (and the system) can’t stand anymore. JPF

Luis María Mercado. (Oncativo, Argentina). Es egresado de Cine y TV por la Universidad Nacional de Córdoba, Argentina. Dirigió, entre otros, el cortometraje El inicio (2009), seleccionado en diversos festivales nacionales e internacionales. (Oncativo, Argentina). He graduated in Cinema and TV from the Universidad Nacional de Córdoba, Argentina. He has directed, among others, the short film El inicio (2009), selected for several national and international festivals.

Argentina, 2019 76’ / D / COLOR / Español - Spanish D, G: Luis María Mercado / F: Santiago Seminara / E: Martín Sappia, Daniel Bértola / DA: Lorena Stricker / S: Hernán Conen, Julián Grosso M: Luis Ariel Salazar / P: Lorena Quevedo, Rodrigo Guerrero, Luis María Mercado / PE: Lorena Quevedo / : Twins Latin Films, Prisma Cine / I: Rita Pauls, María Fiorentino, Michel Noher, Eva Bianco, Fanny Cittadini o / Twins Latin Films. Lorena Quevedo T +54 351 763 0627 E [email protected] W twinslatinfilms.com

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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COMPETENCIA OFICIAL derechos humanos

Vigilia en agosto

human rights OFFICIAL COMPETITION

Espero tua (re)volta Your Turn / Espero tu (re)vuelta PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

En la última década, las demandas por una mejor educación pública fueron el punto central en las protestas y tomas de escuelas del movimiento estudiantil brasileño. Las voces de los propios estudiantes dan cuenta de esa lucha, así como de los conflictos y complejidades del mismo fenómeno. En diciembre de 2015, apenas iniciado el proceso de destitución de Dilma Rousseff, The New York Times advertía que “es otra crisis, en el estado de San Pablo, la que tiene el potencial de moldear la democracia brasileña en los años por venir”. Esa otra crisis había empezado con la amenaza de cerrar casi cien escuelas públicas por parte del gobierno paulista: la respuesta fue una ola imparable de protestas estudiantiles que sigue, a pesar de la sostenida represión policial, hasta estos primeros meses del gobierno de Bolsonaro. Espero tua (re)volta deja el relato, o más bien los relatos de esos tres años de lucha, en manos (y ojos, y voces) de sus muy diversos protagonistas para que, por una vez, la historia se escriba del lado correcto y en vibrante caligrafía agitprop. AM

During the last decade, demands for better public education have been at the core of protests and takings of schools by Brazil’s student movement. The voices of the students themselves tell of that struggle, as well as the conflicts and complexities of that very phenomenon. In December, 2015, when the impeachment process for Dilma Rousseff had just begun, The New York Times warned that “It’s another crisis in the state of Sao Paulo that has the potential to shape democracy in Brazil for years to come.” That other crisis had started with the threat of closing more than one hundred public schools by the Sao Paulo government: the answer was an unstoppable wave of student protests that continues, in spite of the sustained police repression, to these first months of the Bolsonaro government. Your Turn leaves the narrative, or, better yet, the narratives of these three years of struggle, in the hands (and eyes, and voices) of its very diverse protagonists in order for history to be written, at least once, from the right side and in vibrant agitprop calligraphy. AM

Eliza Capai. (Brasil). Documentalista independiente focalizada en temas sociales, Eliza dirigió los largometrajes Tão longe é aqui (2013) y O jabuti e a anta (2016), además del corto No devagar depressa dos tempos (2014). (Brazil). Independent documentarian who focuses on social issues, Eliza directed the features Tão longe é aqui (2013) and O jabuti e a anta (2016) as well as the short No devagar depressa dos tempos (2014).

Brasil - Brazil, 2019 93’ / D / COLOR Portugués - Portuguese

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D, G: Eliza Capai / F: Bruno Miranda, Eliza Capai / E: Eliza Capai, Yuri Amaral / DA: Bijari / S: Confraria de Sons, Charutos / M: Décio 7 P, PE: Mariana Genescá / : Tva2 / I: Nayara Souza, Lucas “Koka” Penteado, Marcela Jesus o / Taturana Mobi. Renato Manganello T +5511996009210 E [email protected] W taturanamobi.com.br

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

Dark Suns / Soles negros PREMIERE argentina / argentine PREMIERE

Año a año, cientos de jóvenes son secuestrados y asesinados en diversas regiones de México. Mediante los testimonios de quienes se animan a desafiar las amenazas y la impotencia colectiva, la meticulosa investigación de Soleils noirs da lugar a un retrato tan inquietante como poético visualmente. Desentrañar la violencia, explicarla, intentar entenderla: tareas improbables. Y si se trata de la violencia recurrente, repetida, reconfigurada en formas cada vez peores, más cruentas de México, podemos entrar en el terreno de la desesperación. La notable Soleils noirs opta por un camino narrativo abierto a la errancia en términos de la multiplicidad de personajes y de historias —mínima en relación al aluvión de muertes y de otras violencias incesantes— y por decisiones estéticas claras, respetuosas, sólidas, con un blanco y negro que deja a la sangre —omnipresente en términos de opresión— fuera del campo visual, y con los cementerios como imagen recurrente. Una película que conoce las armas del cine, y que sabe que la urgencia no está reñida con la claridad y la contundencia cinematográficas. JPF

Every year, hundreds of youngsters are kidnapped and murdered in different regions of Mexico. Through the testimonies of those who dare challenge the threats and collective impotence, the thorough research of Dark Suns builds a portrait that is as disquieting as visually poetic.

Julien Elie. (1972, Montreal, Canadá). Director de cine especializado en documentales. Entre sus films se destacan el corto Jusquiame noire (1994) y los largometrajes The Last Meal y He Who Knew Too Much (ambos de 2002). (1972, Montreal, Canada). Film director specialized in documentaries. The short film Jusquiame noire (1994) and the features The Last Meal and He Who Knew Too Much (both from 2002) stand out among his movies.

Canadá - Canada, 2018 154’ / D / B&N Español - Spanish

Puzzling out the violence, explaining it, trying to understand it: unlikely tasks. And when it comes to the recurring violence in Mexico, repeated, often reconfigured in even worse, more cruel forms, we might walk into the territory of hopelessness. The remarkable Soleils noirs opts for a wayward narration, with multiple characters and stories (which are still few compared to the avalanche of deaths and other unending violences) and for clear, respectful, solid aesthetic choices with its black and white photography leaving blood, though omnipresent in its oppressiveness, out of field and with cemeteries as a recurring image. A movie that knows the weapons of cinema, and that knows urgency is not at odds with cinematographic clarity and power. JPF

D, G, P: Julien Elie / F: Ernesto Pardo, François Messier-Rheault E: Aube Foglia / S: Daniel Capeille, Gabriel Villegas, Mimi Allard, Bernard Gariépy Strobl / M: Mimi Allard / PE: Richard Brouillette : Cinéma Belmopán, División Del Norte Films / I: Gustavo De La Rosa, Marcela Turati, John Gibler, Paula Flores, Silvia Banda o / Cinéma Belmopán. Julien Elie E [email protected] W cinemabelmopan.com FB Cinema Belmopan

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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COMPETENCIA OFICIAL derechos humanos

Soleils Noirs

human rights OFFICIAL COMPETITION

1999 PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

El retorno de la directora al pequeño pueblo y al colegio secundario de su adolescencia dispara los recuerdos alrededor de un evento trágico y su secuela de preguntas, traumas y fortalecimientos. 1999 no es una historia de fantasmas, pero los fantasmas son palpables en cada rincón. ¿Cómo viven aquellos que deciden irse en quienes los rodeaban? Samara Grace Chadwick era parte de un secundario que se vio sacudido por una ola de suicidios de jóvenes en 1999. 16 años después, vuelve y le da la espalda a la reconstrucción documental. 1999 no es un film acerca del suicidio. Es una película sobre cicatrices cosidas brutalmente. Material de VHS, recorridos por el colegio, conversaciones con excompañeros: Samara visita con ganas de iluminar lo que no se pudo explicar (pero que les hizo comprender la fragilidad de todo y todos). Y así logra construir un amanecer de cine: un documental que nos muestra cómo sonamos, tal como si fuéramos viejos hits de época, para quienes alguna vez decidieron, ya sea por nuestra explosión o por nuestra canción, escucharnos. JMD

The return of the director to the small town and the high school where she spent her adolescence triggers memories of a tragic event and its aftermath of questions, traumas and overcoming. 1999 is not a ghost story, but the ghosts are palpable in every corner. How do those who decided to depart live in the ones who surrounded them? Samara Grace Chadwick was a student in a high school that was shocked by a series of teenage suicides in 1999. Sixteen years later, she returns and turns her back on documentary reconstruction. 1999 is not a film about suicide; it is a film about brutally sutured wounds. VHS material, visits to the school, conversations with former classmates: Samara visits the place willing to illuminate what couldn’t be explained —but let all of them understand the fragility of everyone and everything. Thus, she manages to conjure up a cinematographic dawn: a documentary that shows us how we sound, as if we were old hits, to those that once decided to listen to us, due either to our song or our explosion. JMD

Samara Chadwick. (1982, Saint John, Canadá). Trabaja como programadora de festivales, directora y editora. Tiene un máster en Estudios Culturales de la Universidad Freie de Berlín. 1999 es su ópera prima. (1982, Saint John, Canada). She works as a festival programmer, director and editor. She did a master’s in Cultural Studies at the Free University of Berlin. 1999 is her first film.

Canadá / Suiza - Canada / Switzerland, 2018 90’ / D / COLOR Chiac / Inglés / Francés - Chiac / English / French

104

D, G: Samara Chadwick / F: Pablo Alvarez Mesa, Samara Chadwick E: Terra Jean Long / M: Cyril Hahn / P: Parabola Films PE: Annette Clarke, Dominic Desjardins / : Beauvoir Films o / CAT&Docs. Maëlle Guenegues T +33 144 617 748 E [email protected] W catndocs.com

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

Los adolescentes Alessandro y Pietro se filman a sí mismos en un barrio de Nápoles. Sus smartphones registran sus picardías diarias, su aburrimiento y su genuina amistad, pero también la larga sombra de violencia que la mafia aún proyecta sobre Italia. Un documental urgente, de una notable cercanía. Con un registro urgente, prácticamente salido de las entrañas de los protagonistas, Selfie describe sin rastros de épica alguna las vidas peligrosas de chicos comunes de clase trabajadora en un barrio de Nápoles donde la muerte parece rondar en cada esquina. El director apela a imágenes tomadas con un teléfono celular para establecer una cercanía narrativa casi absoluta y un tono emocional que resulta por momentos tan hipnótico como estremecedor. Con las drogas como presencia ineludible, el empleo precario, la aparente inefabilidad de un sentido vital profundo y las redes sociales como mediadoras en la configuración ontológica de los personajes, la película exhibe una fuerza impresionante a la hora de capturar la estupefacción ante un mundo en estado de transformación vertiginosa. DO

Teenagers Alessandro and Pietro film themselves in a neighborhood in Naples. Their smartphones capture their daily mischief, their boredom and their genuine friendship, but also the long shadow of violence that the mafia still casts over Italy. An urgent documentary of remarkable closeness. With an urgent approach practically out of the protagonists’ entrails, Selfie describes, with no traces of epic whatsoever, the dangerous lives of common working-class kids in a neighborhood in Naples, where death seems to lurk at every corner. The director resorts to images taken from a cell phone in order to establish an almost absolute narrative closeness and an emotional tone that is sometimes as hypnotic as it is shocking. With drugs as an inescapable presence, precarious jobs, the apparent ineffability of a deep vital sense and social networks as intermediaries in the ontological configuration of the characters, the film displays some impressive strength when capturing the astonishment in front of a world in a state of vertiginous transformation. DO

Agostino Ferrente. (1971, Cerignola, Italia). Es guionista, director y productor. Graduado de la carrera de Drama, Artes y Estudios Musicales de la Universidad de Bologna, dirigió los documentales The Orchestra of Piazza Vittorio (2006) y Le cose belle (2013), entre otros. (1971, Cerignola, Italy). He is a screenwriter, director and producer. Graduated from the Drama, Arts and Musical Studies major of the University of Bologna, he directed the documentaries The Orchestra of Piazza Vittorio (2006) and Le cose belle (2013), among others.

Francia / Italia - / Italy, 2019 78’ / D / COLOR Italiano - Italian D, G: Agostino Ferrente / F: Alessandro Antonelli, Pietro Orlando E: Letizia Caudullo, Chiara Russo / S: Benni Atria M: Andrea Pesce, Cristiano Defabriitis / P: Marc Berdugo, Barbara Conforti / : Magneto, Arte o / Deckert Distribution. Hanne Biermann T +49 341 215 6638 E [email protected] W deckert-distribution.com

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

105

COMPETENCIA OFICIAL derechos humanos

Selfie

human rights OFFICIAL COMPETITION

Il Dono

The Gift / El regalo PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Durante la producción de Nostalgia, el permiso para filmar en el exterior de Tarkovski caducó. El director debía regresar a la Unión Soviética, pero desafió a las autoridades y se refugió en un lugar secreto. Este documental recupera ese tiempo en el exilio, previo a su mítica conferencia de Milán, en 1984. Andrei Tarkovski vivió y filmó su trágica vida enmarañado en la amnesia de recordar y olvidar que, en realidad, Dios no se escapa, y que (como enseñaron los místicos antes) su mera evocación e imaginación es prueba de su existencia. En Il dono también se busca una cosa, y se encuentra otra. Se busca a Tarkovski en su exilio de San Gregorio (preparaba Nostalgia), y se encuentra a la KGB por doquier. Il dono no es una película más sobre Tarkovski que venga a enmendar la plana a las de Sokurov o Marker; se trata de un documental emboscado (como un micrófono oculto en un sándwich) sobre el terror del espionaje soviético. Basta ver al putiniano hijo y heredero del director, a Giuseppe Lanci o a Krzysztof Zanussi contar las historias más sobrecogedoras sobre un aparato paranoico que acosa a un creyente. AA

During the production of Nostalgia, Tarkovski’s permit to shoot outdoors expired. The director had to return to the USSR, but he challenged the authorities and sought shelter in a secret place. This documentary gets back that time of exile, previous to his mythical conference in Milan, in 1984. Andrei Tarkovski lived and shot his tragic life entangled in the amnesia of ing and forgetting that God doesn’t escape, and that (as the mystics taught in the past) his mere evocation and imagination are proof of his presence. The Gift also searches for one thing and finds another. It looks for Tarkovski in his exile in San Gregorio (as he was preparing Nostalgia) and finds the KGB everywhere. The Gift is not just another film about Tarkovski or one that seeks to correct Sokurov or Marker’s movies; it is an ambushed documentary (like a microphone inside a sandwich) about the terror of Soviet espionage. Just wait and see the Putin-like son and heir to the director, Giusseppe Lanci or Krzysztof Zanussi tell the most shocking stories about a paranoiac apparatus stalking a believer. AA

Giuliano Fratini. (1972, Roma, Italia). Graduado por la DAMS (Universidad Roma Tre), es director y escritor. En 2012 ganó el Premio Especial del Jurado en el Premio Franz Kafka con Tre giorni, su primera novela. Il dono es su primer largometraje. (1972, Rome, Italy). Writer and director. He graduated from the DAMS (University Roma Tre). In 2012, he won the Special Jury Prize of the Franz Kafka Award with Tre giorni, his first novel. The Gift is his first feature.

Italia - Italy, 2019 89’ / D / COLOR Italiano / Ruso - Italian / Russian

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D, G, P, PE: Giuliano Fratini / F: Stefano Talone / E: Maurizio Baglivo S: Lorenzo Ramerini / : Infinitas Film / I: Andrei Tarkovski, Marlen M. Chuciev, Ali Chamraev, Krzysztof Zanussi, Giuseppe Lanci o / Infinitas Film. Giuliano Fratini T +39 334 574 8583 E [email protected]

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

Svideteli Putina / Testigos de Putin PREMIERE ARGENTINA / ARGENTINE PREMIERE

El 31 de diciembre de 1999, Boris Yeltsin entregó a Vladimir Putin las riendas del poder de la Federación de Rusia. Mansky sigue al nuevo líder en su primer año en el gobierno para dar cuenta, desde una cercanía hoy impensada, de los entretelones del poder y reflexionar sobre el silencio y la complicidad. Un uso impresionante de imágenes de archivo de naturaleza profusa y siempre pertinente; una cercanía con los protagonistas a veces al borde del abismo y un pulso para contar la historia de la “nueva Rusia” a partir de la dimisión de Yeltsin, que consigue exhibir el lado B del discurso oficial valiéndose de material obtenido “oficialmente”. Un objeto raro, irreductiblemente intrigante, con Vladimir Putin como figura central y un director de cine involucrado en la construcción de la imagen pública del mandatario, operando desde el exilio y exorcizando unos cuantos demonios personales: la película ite ser vista como un thriller solapado y también como el mejor documento a la hora de develar las costuras y los dobleces de un misterio demasiado expuesto. DO

On December 31, 1999, Boris Yeltsin handed over power of the Russian Federation to Vladimir Putin. Mansky follows the new leader during his first year in office to talk, from a now unthought-of closeness, about the behind-the-scenes of power as well as reflect on silence and complicity. An impressive use of archive footage of a profuse, always pertinent nature; a closeness with the protagonists that’s sometimes on the edge and a steady hand at telling the story of the “new Russia” after Yeltsin’s resignation, which manages to show the B-side of the official discourse through footage obtained “officially.” A strange, irreductibly intriguing object with Vladimir Putin as its central figure and a film director involved in building of the leader’s public image, operating from abroad and exorcizing a few personal demons: the film can be seen as a disguised thriller as well as the best document to reveal the seams and deceitfulness of a mystery that’s been too exposed. DO

Vitaly Mansky. (1963, Lviv, Unión Soviética). Residente en Riga desde 2014, es fundador del ArtDocFest. Codirigió Tenders’ Heat. Wild, Wild Beach (2006, Bafici ‘07) y, en solitario, Gagarin´s Pioneers (2006) y Under the Sun (2015), entre otros. (1963, Lviv, USSR). Based in Riga since 2014, he is founder of the ArtDocFest. He co-directed Tenders’ Heat. Wild, Wild Beach (2006, Bafici ‘07) and, by himself, Gagarin’s Pioneers (2006) and Under the Sun (2015), among other films.

Letonia / Suiza / República Checa - Latvia / Switzerland / Czech Republic, 2018 / 107’ / D / COLOR Ruso - Russian ,

D, G: Vitaly Mansky / E: Gunta Ikere / S: Anrijs Krenbergs M: Karlis Auzans / P: Natalia Manskaya, Gabriela Bussmann, Filip Remunda, Vit Klusak / : Studio Vertov, Golden Egg Production, Hypermarket Film, ZDF, RTS / I: Vladimir Putin, Mikhail Gorbachev, Vitaliy Manskiy, Boris Yeltsin o / Deckert Distribution. Ina Rossow T +49 341 2156638 E [email protected] W deckert-distribution.com

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

107

COMPETENCIA OFICIAL derechos humanos

Putin’s Witnesses

human rights OFFICIAL COMPETITION

Kabul, City in the Wind PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

El silencio entre bombardeos define la vida cotidiana en Kabul. Abas es chofer de colectivo y el temor a los atentados predomina por sobre los breves lapsos de felicidad. Afshin y Benjamin son hermanos y, en sus quehaceres del hogar, dejan entrever sus sueños y temores en una pesadillesca Afganistán. Muyahidines armados por Estados Unidos contra comunistas con apoyo soviético, muyahidines contra muyahidines, Estados Unidos contra el gobierno talibán, el gobierno sostenido por Estados Unidos contra los talibanes: Afganistán lleva ya cuatro décadas en un estado de guerra que, para más de una generación, es la única vida conocida. Kabul, City in the Wind le toma el pulso a la capital de ese país traumático, una ciudad tan habituada al peligro y a la muerte como a la nube de polvo gris que flota siempre en su horizonte. Y, con la decisión muy consciente de mantener la violencia fuera de campo (aunque bombas y atentados hayan pasado cerca de Amini más de una vez en los tres años de rodaje), amplifica la fuerza de su llamado urgente a no acostumbrarse o resignarse a terror alguno. AM

The silence between bombings defines everyday life in Kabul. Abas is a bus driver, and the fear of attempts prevails over the brief lapses of happiness. Afshin and Benjamin are brothers, and in their chores they display their dreams and fears in a nightmarish Afghanistan.

Aboozar Amini. (1985, Bamyan, Afganistán). Graduado en Bellas Artes por la Gerry Rietveld Academie de Amsterdam, realizó cortometrajes como KabulTheranKabul (2010) y Angelus Novus (2015), además del largometraje On the String of Forgetfulness (2011). (1985, Bamyan, Afghanistan). Graduated in Fine Arts by Amsterdam’s Gerry Rietveld Academie, he made such shorts as KabulTehranKabul (2010) and Angelus Novus (2015), as well as the feature On the String of Forgetfulness (2011).

Países Bajos / Afganistán / Japón / Alemania Netherlands / Afghanistan / Japan / , 2018 88’ / D / COLOR Persa - Persian

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Mujahideen armed by the US against communists with Soviet , Mujahideen against Mujahideen, the US against the Taliban government, the government ed by the US against the Taliban: for the past four decades, Afghanistan has been in a state of war that, for more than one generation, is the only life they know. Kabul, City in the Wind takes the pulse of the capital of that traumatic country, a city as inhabited by danger and death as it is by the cloud of gray dust that always floats in the horizon. And, with the very conscious decision of keeping violence out of field (although bombs and attempts have gone off and taken place near Amini more than once in the three years the shoot lasted), it amplifies the strength of its urgent call to not become used to or surrender to any kind of terror. AM

D, F, DA: Aboozar Amini / E: Barbara Hin / S: Jeroen Goeijers P: Jia Zhao, Ken-ichi Imamura, Eva Blondiau, Sarah Hilmandi PE: Jia Zhao / : Silk Road Film Salon o / Rediance Films. Xu Jing T +33 07 8580 4597 E [email protected] W rediancefilms.com

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PREMIERE ARGENTINA / ARGENTINE PREMIERE

En Argelia, confinados en la inmensidad del desierto viven Sidahmed, Zaara y Taher, tres amigos saharauis para quienes los autos son la única vía de escape de una realidad opresiva. El humor quizás sea el último bastión de dignidad para uno de los pueblos más olvidados del mundo. Hamada tiene una distinción visual evidente y la convicción de que la contingencia histórica horada a las personas con una obstinación subterránea que puede volverse materia cinematográfica de pleno derecho: hay que ver cómo la película trabaja un humor que viene en los pequeños gestos de los personajes —como si cada escena contuviera la posibilidad de un arrebato cómico en medio del drama—, pero también en el uso extraordinario del sonido, en el encuadre del desierto, en la sensación de que los sueños de los protagonistas pueden dar lugar a la expresión máxima de libertad a partir de ciertos mínimos, escasos recursos. El director se revela como un experto en el retrato de las minucias de la amistad en tiempos adversos, a la vez que abjura de las conclusiones políticas apresuradas. DO

Sidahmed, Zaara and Taher, three Saharan friends, are confined in the immensity of the Algerian desert, where cars are the only way to escape from an oppressive reality. Humor is perhaps the last foothold of dignity for one of the most forgotten peoples in the world. Hamada has an evident visual distinction and the conviction that historical contingencies mark people with a subterranean obstinacy that can become cinematic material in its own right. It is worth seeing how the film works with a sense of humor that permeates the characters’ little gestures, as if each scene contained the possibility of a comic outburst in the middle of the drama, but also the extraordinary use of sound, the framing of the desert, the feeling that the dreams of the protagonists might give way to the maximum expression of liberty with minimal, scarce resources. The director proves to be an expert in the portrait of the little things that make up friendship in bad times, at the same time as he refrains from drawing hasty political conclusions. DO

Eloy Domínguez Serén. (1985, Simes, España). Estudió en Salamanca, Milán y Barcelona, donde se graduó en 2010. Fue crítico de cine. Radicado en Suecia, filmó diversos cortometrajes como Pettring (2012) y el largo No Cow on the Ice (2015). (1985, Simes, Spain). He studied in Salamanca, Milan and Barcelona, where he graduated in 2010. He has worked as a film critic. Based in Sweden, he has made several short films such as Pettring (2012) and the feature No Cow on the Ice (2015).

Suecia - Sweden, 2018 90’ / D / COLOR Árabe - Arabic D, G, F: Eloy Domínguez Serén / E: Ana Pfaff, Eloy Domínguez Serén S: Ted Krotkiewski / P: David Herdies, Michael Krotkiewski : Momento Film o / Swedish Film Institute. Sara Rüster T +46 86 65 11 41 E [email protected] W filminstitutet.se - momentofilm.se/films/hamada

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COMPETENCIA OFICIAL derechos humanos

Hamada

[21] BAFICI

COMPETENCIA ARGENTINA DE CORTOMETRAJES argentine short films Official Competition

argentine short films OFFICIAL COMPETITION

blue boy PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

En Berlín, siete trabajadores sexuales rumanos son retratados mientras escuchan y reaccionan a grabaciones de sus propias experiencias. La cámara se vuelve cliente y el proceso de explotación se convierte en espectáculo, en el que se resalta la inevitable performatividad de las relaciones de poder. In Berlin, seven Romanian sex workers are portrayed as they listen to and react to recordings of their own experiences. The camera becomes a client and the process of exploitation turns into a spectacle, thus highlighting the inevitable performativity of power relations. Manuel Abramovich. (1987, Buenos Aires). Estudió Dirección de Fotografía en la ENERC. Dirigió varios cortometrajes, entre ellos La reina (2013), premiado en diversos festivales, y los largos Solar (Bafici ‘16), Soldado y Años luz, ambos de 2017. (1987, Buenos Aires). He studied Direction of Photography at the ENERC. He has directed several short films, among them La reina (2013), which won awards at different festivals, and the features Solar (Bafici ‘16), Soldado and Light Years, both of 2017.

Argentina, 2019 19’ / D / COLOR Rumano / Alemán / Inglés / Italiano Romanian / German / English / Italian D, G, F, PE: Manuel Abramovich / E: Cătălin Cristuțiu S: Francisco Pedemonte / P: Manuel Abramovich, Bogdan Georgescu I: Florin, Michel, Razvan, Stefan, Mihail, Marius, Rafael, Roberto o / Manuel Abramovich T +54 9 11 5879 5665 E [email protected] W manuelabramovich.com

El brazo del Whatsapp The Whatsapp Troop

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Como desde hace 43 años, esta noche se celebra la reunión mensual de la promoción 1975. La continuidad o no de algunos del grupo de Whatsapp hace que la conversación adquiera un tono agresivo. As it’s been for the past 43 years, tonight is the monthly meeting of the class of 1975. The continuity (or lack thereof) of some of the of the Whatsapp group gives the conversation an aggressive tone. Martín Farina. (1982, Buenos Aires). Lic. en Comunicación, dirigió los largometrajes Fulboy (Bafici ‘14) y El hombre de paso piedra (Bafici ‘15), y el corto El liberado (Bafici ‘18). También codirigió Taekwondo (Bafici ‘16) junto con Marco Berger. (1982, Buenos Aires). He has a Bachelor’s degree in Communication and directed the features Fulboy (Bafici ‘14) and El hombre de paso piedra (Bafici ‘15), as well as the short El liberado (Bafici ‘18). He also co-directed Taekwondo (Bafici ‘16) with Marco Berger. 112

Argentina, 2019 10’ / D / COLOR Español - Spanish D, G, F, E: Martín Farina / S: Gabriel Santamaría M: Gabriel Santamaría / P: Martín Farina, Mercedes Arias PE: Mercedes Arias / : Cinemilagroso I: Enrique Mercadé, Gabriel Pérez Fioti, Norberto Farina, Gustavo Palese, Juan José Castelli, Francisco Vecchio, Juan Ehyeralde, Aroldo Malmsten, Jorge Balboa o / Cinemilagroso. Martín Farina T +54 11 3004 2444 E [email protected] W cinemilagroso.com.ar

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COMPETENCIA ARGENTINA DE CORTOMETRAJES

El récord The Record

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Luego de elaborar el pancho con poncho más largo del mundo —¡21,10 metros!—, Vicente va por su segundo desafío: batir el récord de la empanada más grande.

Argentina, 2019 19’ / D / COLOR Español - Spanish

After manufacturing the largest ham-and-cheese hot dog —21.10 meters!—, Vicente embarks on his second challenge: making the largest empanada ever.

D, G: Daniel Elías / F: Julian Dabien / E: Martín Mainoli DA: Emma Caimi Bartoloni, Lu Bello / S: Jesica Suarez M: Matilde Paul, Juan Cruz Palacio / P: Cristian Barrozo, Daniel Elías / : Gente no convencida / I: Manuela de la Cruz, Guido Nuñez, Matías Romero, Carla Celiope, Daniel Elías

Daniel Elías. (1980, Salta, Argentina). Es director y actor de cine y teatro. Realizó un Laboratorio de Cine en la Universidad Torcuato Di Tella. Dirigió varios cortometrajes, entre ellos Pichuko (2010, Bafici ‘11) y Medio hermanos (2015). (1980, Salta, Argentina). He is a film and theater director and actor. He attended a Film Lab at the Torcuato Di Tella University. He directed many shorts including Pichuko (2010, Bafici ‘11) and Medio hermanos (2015).

o / Gente no convencida. Daniel Elías T +54 9 38 1413 1737 E [email protected]

En la plaza oscura In the Dark Park

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

En una misma noche se encuentran un boxeador, una chica misteriosa y Hochman, un joven que parece no saber nada de boxeo, ni de chicas, ni de lo que puede pasar en una plaza oscura. During one single night, a boxer, a mysterious girl and Hochman, a young man who doesn’t seem to know anything about boxing, girls or what can happen in a dark square, run into each other. Nicolás Schujman. (1986, Mar del Plata, Argentina). Estudió Dirección de Cine en la Universidad del Cine y Ciencia Política en la Universidad Torcuato Di Tella. Dirigió el cortometraje Barrancas (2015). (1986, Mar del Plata, Argentina). He studied Filmmaking at the Universidad del Cine and Political Science at the Torcuato Di Tella University. He made the short Barrancas (2015).

Argentina, 2019 13’ / D / COLOR Español - Spanish D, G: Nicolás Schujman / F: Camila Scarzello / E: Manoel Hayne DA: Lucía De Steffano / S: Augusto Bode Bisio, Marcos Canosa, Nicolás Payueta / M: Joaquín Sánchez / P, PE: Ingrid Pokropek I: Nicolás Schujman, Sebastián Carbone, Julieta Giménez Zapiola, María Nela Díaz o / Nicolás Schujman T +54 9 11 5888 5502 E [email protected]

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argentine short films OFFICIAL COMPETITION

Ensayo para salir Rehearsing an Exit

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Una madre contrata a una niñera. Comparten el espacio. Con el puerperio se abren un tiempo y un lugar en los que los límites son difusos.

Argentina, 2019 13’ / D / COLOR Español - Spanish

A mother hires a nanny. They share the Space. With the puerperium, a time and place open in which limits become blurred.

D, G: Paula Grinszpan, Lucía Maciel / F: Heidi Gielczynsky E, M, P, PE: Román Martino / DA: Marlen Lievendag, Paula Bianchini S: Guido Bruno : Diciembre / I: Paula Grinszpan, Lucía Maciel

Paula Grinszpan & Lucía Maciel. Grinszpan (1983, Buenos Aires) y Maciel (1979, Buenos Aires) son actrices y directoras, y se desempeñan también como docentes. La primera dirigió el cortometraje No sé María (Bafici ‘14). Ensayo para salir es su primer trabajo conjunto. Grinszpan (1983, Buenos Aires) and Maciel (1979, Buenos Aires) are actresses and directors, and they also work as teachers. The former directed the short film No sé María (Bafici ‘14). Rehearsing an Exit is their first work together.

o / Diciembre. Paula Grinszpan T +54 11 5340 4027 E [email protected]

Grandes son los desiertos Great Are the Deserts

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Theo intenta reunirse con su familia. Reorganiza su departamento y deja todo listo para el regreso de su madre, quien estará libre otra vez.

Argentina / Brasil - Argentina / Brazil, 2019 15’ / D / COLOR Español - Spanish

Theo tries to reunite with his family. He rearranges his apartment and leaves everything ready for the return of his mother, who will be free again.

D, G: Sacha Amaral / F: Roman Kasseroller / E: Nubia Campos DA: Alix Cobelo / S: Marcos Zoppi, Valentín Piñeyro P, PE: Tomás Cohen : Montserrat Cine / I: Ignacio Rogers, Iair Said, Katja Alemann, Inés Efron, Sofía Brito

Sacha Amaral. (1988, Brasil). Radicado en Buenos Aires, es graduado en Dirección Escénica por la UNA, donde actualmente da clases de dramaturgia. Fue guionista del largometraje Adiós entusiasmo (BAFICI ‘17). Grandes son los desiertos es su debut en la dirección. (1988, Brazil). Based in Buenos Aires, he is a graduate in Stage Direction from the UNA, where he currently teaches theater art. He wrote the screenplay for the film Adiós entusiasmo (Bafici ‘17). Great Are the Deserts is his directorial debut.

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o / Montserrat Cine. Tomás Cohen T +54 11 39158858 E [email protected] W hipofilms.com

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COMPETENCIA ARGENTINA DE CORTOMETRAJES

Guiso de Saturno Saturn Stew

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Un día en la vida de Melisa, que incluye cocinar para un espíritu, una amiga Testigo de Jehová y un vecino que cree tener poderes extraordinarios.

Argentina, 2019 14’ / D / COLOR Español - Spanish

A day in the life of Melissa, which includes cooking for a spirit, a friend who’s part of Jehovah’s Witnesses and a neighbor who believes he has extraordinary powers.

D, G, F, E, PE: Juan Linch / DA: Marlen Breuning S: Nicolas Vullich P: Carolina Diaz Kelly, Juan Linch : Linch Films / I: Melisa Martyniuk, Gabriel Bisang, Nacho Farias, Carolina Diaz Kelly, Mumo Oviedo

Juan Linch (1981, Rosario, Argentina). De formación autodidacta, dirigió varios cortometrajes, entre ellos, La vida en Marte (2014), Campamento en el centro de la Tierra (2015) y El cumpleaños de Mora (Bafici ‘18). (1981, Rosario, Argentina). Self-taught, he directed many shorts including La vida en Marte (2014), Campamento en el centro de la Tierra (2015) and El cumpleaños de Mora (Bafici ‘18).

o / Linch Films / Juan Linch T +54 341 6000048 E [email protected] W juanlinch.wixsite.com/films

la siesta The Nap

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Una joven envuelve a su abuela en un espiral de fantasía que acaba causándole amnesia. A girl wraps her grandmother in a spiral of fantasy that ends up causing amnesia. Federico Luis Tachella. (1990, Buenos Aires). Es licenciado en Ciencias de la Comunicación por la UBA, estudió Actuación en la escuela de Nora Moseinco y con Edgardo Castro. Dirigió el largometraje Vidrios (Bafici ‘13) y el corto Mirko (Bafici ‘18). (1990, Buenos Aires). He has a Bachelor’s degree in Communication Sciences from the UBA, studied acting at Nora Moseinco’s school and also with Edgardo Castro. He directed the feature Vidrios (Bafici ‘13) and the short Mirko (Bafici ‘18).

Argentina, 2019 15’ / D / COLOR Español - Spanish D: Federico Luis Tachella / G: Federico Luis Tachella, Rita Pauls F: Marcos Hastrup / E: Tomás Murphy / DA: Nicolás Tavella S: Pablo Bustamante / P: Patricio Alvarez Casado, Armando Bo, Martin Busel / PE: Martin Busel / : Rebolución / I: Graciela Ninio, Rita Pauls, Yonathan Toledo, Jacqueline Golbert o / Rebolución. Martin Busel T +54 9 11 6714 2967 E [email protected] W rebolucion.com

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argentine short films OFFICIAL COMPETITION

lo que perdí en el fuego What I Lost in the Fire

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

El exilio es la migración involuntaria de un espacio geográfico a otro. Este corto documental retrata los días de una mujer serbia que vive sola en un pueblo desolado de la provincia de Buenos Aires, donde habita una casa olvidada. Exile is the unwilling migration from a place to another. This documentary short film portrays the days of a Serbian lady who lives alone in a desolate town in the Buenos Aires province, inhabiting a forgotten house. Sofía Ferraro. (1994, Buenos Aires). En 2015 comenzó sus estudios de Diseño de Imagen y Sonido (UBA), carrera que aún se encuentra estudiando. Lo que perdí en el fuego es su primer cortometraje. (1994, Buenos Aires). In 2015, she started the degree of Image and Sound Design at the University of Buenos Aires, studies she is still completing. What I Lost in the Fire is her first short film.

Argentina, 2019 10’ / D / COLOR Serbio - Serbian D: Sofía Ferraro / G: Lola Sánchez López, Ignacio Ascua, María Belén Orfano / F: Camila Kohn, Sofía Ferraro E: Lola Sánchez López / S: Camila Kohn / P: Ignacio Ascua PE: María Belén Orfano / I: Norma o / Ignacio Ascua T +54 9 34 2486 4842 E [email protected]

los rugidos que alejan la tormenta

The Roars That Keep the Storm Away PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

Michel vive detrás de la laguna. Pesca con su caña, deambula por los campos aledaños al pueblo, sobrevive solo y con lo imprescindible. Sin tráfico, sin gente, sin responsabilidades. Y cuando cae la tarde, los rugidos alejan la tormenta y lo mantienen a salvo. Michel lives behind the lagoon. He fishes with his rod, wanders through the lands next to the town and survives by himself, just with essentials. And when night falls, the roars keep the storm away and keep him safe. Santiago Reale. (1988, Casbas, Argentina). Guionista y director, es licenciado en Artes Audiovisuales por la UNLP. Escribió y dirigió los cortometrajes Esta es mi selva (2015) y Aquel verano sin hogar (2018). (1988, Casbas, Argentina). Screenwriter and director, he graduated in Audiovisual Arts from the UNLP. He has written and directed the short films Esta es mi selva (2015) and Aquel verano sin hogar(2018).

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Argentina, 2019 15’ / D / COLOR Español - Spanish D, G, E: Santiago Reale / F: Franco D’Alessandro / DA: Catalina Oliva S: Gabriel Cominotti, Juan Protto / P: Juan Protto, Daniela Echeverri PE: Santiago Reale, Juan Protto, Daniela Echeverri / : En el Reino Cine I: Michel Fernández, Joaquín Caminos, Jerónimo Montoya, Marilina Oriolani o / En el Reino Cine. Juan Protto T +54 9 221 596 2430 E [email protected] W santiagoreale.com

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COMPETENCIA ARGENTINA DE CORTOMETRAJES

Mis noches con Julia My Nights with Julia

PREMIERE ARGENTINA/ ARGENTINE PREMIERE

La postal es difusa, pero en la repentina llegada de un recuerdo aparecen destellos de claridad. En cuadro aparecen ellos: charlan, se reencuentran y se reconocen en los ojos y en las palabras del otro. Expectantes por el futuro, deciden hablar del pasado para entender el presente. The picture postcard is vague, but in the sudden arrival of a memory, some flashes of clarity appear. They appear in the frame: they talk, reunite and recognize each other in the eyes and words of the other. Anxious for the future, they decide to talk about the past in order to understand the present. Rodrigo Alonso Kahlo. (1993, México DF, México). Actualmente vive en Buenos Aires. Estudia Dirección en la Universidad del Cine. Es colaborador en la revista Correspondencias. Cine y Pensamiento. Mis noches con Julia es su primer cortometraje. (1993, Mexico City, Mexico). He currently lives in Buenos Aires. He studies Filmmaking at the Universidad del Cine. He is a contributor for the magazine Correspondencias. Cine y Pensamiento. My Nights with Julia is his first short.

Argentina, 2019 12’ / D / COLOR Español - Spanish D, G, E, PE: Rodrigo Alonso Kahlo / F: Juan Bosch DA: Valentina Cabado / S: Manuel Muñoz, Matías Lima M: Daniel Barenboim / P: Camila Insúa / I: Valentina Posleman, Federico Labaronnie, Pablo Zanatta o / Universidad del Cine. Maria Marta Antin T +54 11 4300 1413 E [email protected] W ucine.edu.ar

Romance de la ternura tardía Late Tenderness Romance PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Breve retrato de Chicha, la abuela, y de su hija Inés, y quizás también de la hija de esta última, que es quien filma. Ana entrevistó a su abuela en 2012 y, a partir de pantallazos, fotos y textos, reconstruye tres generaciones de mujeres, sus vínculos, y las palabras que componen un pasado en común. A brief portrait of Chicha, a grandmother, her daughter Inés and maybe also of the latter’s daughter, who is the one that wields the camera. Ana interviewed her grandma in 2012 and uses flashes, pictures and texts in order to reconstruct the experience of three generations of women, their bonds and the words that make up a past in common. Ana Bugni. (1986, Buenos Aires). Directora especializada en estudios audiovisuales y cinematográficos en París. Además es fotógrafa y trabaja para medios como Rolling Stone y Vice. Romance de la ternura tardía es su primer cortometraje. (1986, Buenos Aires) Director specialized in Audiovisual and Film Studies in Paris. She is also a photographer and works for media such as Rolling Stone and Vice. Late Tenderness Romance is her first short film.

Argentina, 2019 18’ / D / COLOR - B&N Español - Spanish D, G, F, E, DA, PE: Ana Bugni / S: Javier Medialdea M: Octavio Bugni / P: Ana Bugni, Ezequiel Entelman : Ezequiel Entelman / I: Inés Fernández Moreno, María Mercedes López de Gomara, Ana Bugni o / Ana Bugni T +54 9 11 5949 6892 E [email protected] W anitabugni.myportfolio.com

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argentine short films OFFICIAL COMPETITION

Schwaneck PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Una hija decide investigar mediante recuerdos de su infancia y adolescencia cómo se conocieron sus padres, encuentro que se dio en una empresa de recuperación capilar.

Argentina, 2019 18’ / D / COLOR Español - Spanish

Through her childhood and teenage memories, a daughter tries to find out how her parents met; their first encounter took place in a hair transplant clinic.

D, G: Julieta Giménez Zapiola / F: Sebastián Cantillo E: Wenceslao Bonelli, Joaquín Pellarolo / DA: Magdalena Peralta S: Bigotes Música / P: Julieta Giménez Zapiola / PE: Felipe Yaryura, Juan Saravia, Natasha Gurfinkel / : Mamá Húngara I: Julieta Giménez Zapiola, Rocío Muñoz, Guillermo Berthold

Julieta Giménez Zapiola. (1992, Buenos Aires). Es actriz. Escribió y protagonizó La niña elefante, serie web ganadora de la Bienal de Arte Joven. Schwaneck es su primer cortometraje como directora. (1992, Buenos Aires). Actress. She has written and starred in La niña elefante, web series that won the Biennial of Young Art. Schwaneck is her first short film as a director.

o / Mamá Húngara. Julieta Giménez Zapiola T 011 6818 0764 E [email protected] W mamahungara.com

Shendy Wu: Un diario Shendy Wu: A Diary

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Desde Beijing, una joven argentina escribe dos diarios; uno de ellos, sobre lo que estaría haciendo si estuviera en Buenos Aires. Mientras tanto, intenta encontrar a Shendy Wu, su mejor amiga de la infancia, que vivió en Argentina de niña y ahora reside en China, su país de origen. In Beijing, an Argentinean young woman writes two diaries; one of them about what she would be doing if she were in Buenos Aires. In the meantime, she tries to find Shendy Wu, her best childhood friend, who lived in Argentina as a girl and is now back in China, her home country. Ingrid Pokropek. (1994, Buenos Aires). Estudió en la Universidad del Cine y actualmente trabaja en El Pampero Cine. Dirigió los cortometrajes Recalculando (2014), Es una ficción de arena (2017) y Si fuera una serpiente (2017). (1994, Buenos Aires). She studied at the Universidad del Cine and currently works at El Pampero Cine. She has directed the short films Recalculando (2014), Es una ficción de arena (2017) and Si fuera una serpiente (2017).

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Argentina, 2019 16’ / D / COLOR Español - Spanish D, G, F, E, P: Ingrid Pokropek / S: Marcos Canosa I: Nicolás Schujman, Jorge Pokropek, Erik Pokropek, Ana Cravino, Ingrid Pokropek o / Universidad del Cine. Ingrid Pokropek T +54 11 5903 5966 E [email protected]

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

Everything Near Becomes Distant PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

En Ciudad Oculta lxs jóvenes están soñando con sus muertxs. Una invocación fantasmal recorre los pasillos de la villa. In Ciudad Oculta, the youngsters are dreaming of their dead and a ghostly invocation goes through the aisles of the shanty town. Francisco Bouzas. (1989, Buenos Aires). Licenciado en Montaje por la UNA. Dirigió los cortos Los locos no se ocultan (2017), La noche de San Juan (2017) y el largo La cuarta dimensión (Mención Especial del Jurado de la Competencia Oficial Latinoamericana del Bafici ‘18). (1989, Buenos Aires). He graduated in Film Editing from the UNA. He has directed the short films Los locos no se ocultan (2017), La noche de San Juan (2017) and La cuarta dimensión (Special Jury Mention in the Official Latin American Competition at Bafici ‘18).

Argentina / España - Argentina / Spain, 2019 13’ / D / COLOR Español - Spanish D, G, F, E: Francisco Bouzas / S: Hernán Higa / P: Francisco Bouzas, María Laura Buslemen / PE: María Laura Buslemen / : NNMcine I: Nelson Pereira, Ezequiel Martino Dosantos, Alexis Ramírez, Liz Lovera, Rodrigo Bogado o / NNMcine. Francisco Bouzas T +34 603272282 E [email protected] W cargocollective.com/nnmcine

tres atados The Pack of Three

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Argentina, años 80. Luego de haber sido sorteados para ir a la colimba, cuatro jóvenes deciden juntarse a fumar cigarrillos en un auto y así evitar ir a la guerra. Argentina, 1980s. After having been drafted, four young men decide to gather inside a car to smoke cigarettes in order to avoid going to war. Kevin Zayat. (1992, Buenos Aires). Estudió Dirección en la Universidad del Cine. Dirigió el cortometraje Licuar la nada (2016, Bafici ‘17). En 2018 fue seleccionado para la tutoría de Werner Herzog en el Amazonas peruano, donde filmó el corto Lost Paradise. (1992, Buenos Aires). He studied Film Direction at the Universidad del Cine. He has directed the short film Licuar la nada (2016, Bafici ‘17). In 2018, he was chosen for Werner Herzog’s tutorial in the Peruvian Amazon, where he shot the short film Lost Paradise.

Argentina, 2019 22’ / D / COLOR Español - Spanish D, G: Kevin Zayat / F: Agustín Barrutia / E: Lucas Casolo DA: Carlos Luppi / S: Mercedes Gaviria / M: Ezequiel Tarica P: Heidi Gielczynsky / PE: Kevin Zayat, Heidi Gielczynsky I: Tomas Wicz, Max Suen, Patricio Penna, Gaston Fainsod o / Kevin Zayat T +54 9 11 6010 0545 E [email protected]

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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COMPETENCIA ARGENTINA DE CORTOMETRAJES

todo lo cercano se aleja

argentine short films OFFICIAL COMPETITION

un deseo A Wish

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Valentina, una joven de 19 años, viaja junto a su distante padre al pueblo de su familia para festejar el cumpleaños de su abuelo. De forma inesperada, cuando lo visita en el deprimente geriátrico donde vive, este le pide un extraño favor. Valentina, a 19-year-old woman, travels with his distant father to her hometown to celebrate her grandfather’s birthday. Unexpectedly, when she visits him at the depressing home where he lives, he asks her for a strange favor. Agustina Claramonte. (1991, Ushuaia, Argentina). Reside en Buenos Aires, donde estudió Cine en el CIC y Psicología en la UBA. Dirigió los cortometrajes De vos conmigo (2015), Cada cosa en su lugar (2016) y Díganme Tomi (2017). (1991, Ushuaia, Argentina). She lives in Buenos Aires, where she studied Film at the CIC and Psychology at the UBA. She directed the shorts De vos conmigo (2015), Cada cosa en su lugar (2016) and Díganme Tomi (2017).

Argentina, 2019 18’ / D / COLOR Español - Spanish D, G, PE: Agustina Claramonte / F: Pablo Monti / E: Marcelo Ariel Baccaro DA: Tatiana Soraire / S: Cristian Ariel Conti / P: Darío Melillo : CIC - Centro de Investigación Cinematográfica / I: Laila Maltz, Julio Marticorena, Romina Pinto, Marcelo Mayer o / Km Sur Distribución. Florencia Velozo T +54 9 11 6895 5493 E [email protected] W kmsur.com

Yo maté a Antoine Doinel I Shot Antoine Doinel

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Un cinéfilo hace su autobiografía generacional relacionando los problemas de madurez del cine contemporáneo con el personaje de Antoine Doinel. Cuando se entera de que el actor que lo interpretó llega de visita a su ciudad, tomará una drástica determinación. A film buff makes his own generational autobiography by establishing a relationship between the maturity problems of contemporary film and the Antoine Doinel character. When he finds out that the actor who played it is visiting his city, he will make a drastic decision. Nicolás Prividera. (1970, Buenos Aires). Egresó del Centro de Experimentación y Realización Cinematográfica y es licenciado en Ciencias de la Comunicación. Dirigió los largometrajes M (Bafici ‘07) y Tierra de los padres (2011). (1970, Buenos Aires). He graduated from the Center of Filmmaking and Experimentation and has a Bachelor’s degree in Communication Science. He directed the features M (Bafici ‘07) and Tierra de los padres (2011).

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Argentina, 2019 9’ / D / COLOR - B&N Español / Francés - Spanish / French D, G: Nicolás Prividera / F: Hernán Rosselli E, P, PE: Pablo Ratto o / Pablo Ratto T +54 9 11 5117 1969 E [email protected]

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noches especiales special nights

Wasteland

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Brisa es la protagonista de una película en proceso de filmación. Mientras tanto, atiende las emergencias de su hijo, adicto a las drogas. La cámara sigue ese proceso doble para que el choque entre el cine y la calle, el amor y el miedo, el trabajo y el reconocimiento se traduzcan en una experiencia única. De Oliveira Cézar va construyendo con paciencia una obra tan distintiva como enigmática; raros objetos que quizá nadie más que ella está dispuesto a hacer, un cine que no se parece a nada y que nada adeuda a lo que se postula como la actualidad del cine argentino, su habitual deber ser. Baldío es un drama sin concesiones, una apuesta al poder de sugestión de las imágenes y una impugnación de la fórmula del cine como territorio de la comodidad, de la diversión o del tráfico melancólico de temas de agenda. La insularidad de la película, su depurado blanco y negro, la naturaleza inasible de algunas escenas conforman el credo de la directora, que no concibe que un asunto candente deba ser tratado de manera sumaria o con las chapucerías de un realismo sospechoso de ocasión. DO

Brisa is the protagonist of a film in the making. In the meantime, she deals with the urgencies of her son, a drug addict. The camera follows this double process and translates into a unique experience the clash between cinema and the street, love and fear, work and recognition.

Inés de Oliveira Cézar. (1964, Buenos Aires). Es licenciada en Psicología. Dirigió los largos La entrega (1999), Como pasan las horas (Bafici ‘05), Extranjera (Bafici ‘07), El recuento de los daños (Bafici ‘10), Cassandra (Bafici ‘12) y La otra piel (Bafici ‘18). (1964, Buenos Aires). She graduated in Psychology. She has directed the features La entrega (1999), Como pasan las horas (Bafici ‘05), Extranjera (Bafici ‘07), El recuento de los daños (Bafici ‘10), Cassandra (Bafici ‘12) and La otra piel (Bafici ‘18).

Argentina, 2019 78’ / D / B&N Español - Spanish

De Oliveira Cézar builds with patience a body of work that is as distinctive as enigmatic; strange objects that probably no one but her is willing to make, a cinema that resembles nothing and doesn’t owe anything to what is usually considered “current Argentine cinema” and its imperatives. Wasteland is a drama without concessions, a bet on the suggestive power of images and an impugnation of the formula of cinema as the territory of comfort, fun or the melancholic traffic of current affairs. The film’s insularity, its polished black and white and the ethereal nature of some scenes make up the director’s creed, which can’t even imagine that a hot issue should be treated summarily or appealing to the shoddy tricks of a suspiciously makeshift realism. DO

D: Inés de Oliveira Cézar / G: Inés de Oliveira Cézar, Saula Benavente F: Federico Bracken / E: Ana Poliak / DA: Graciela Galán S: Adrián Rodríguez, Gustavo Pomeranec / M: Gustavo Pomeranec P: Saula Benavente, Inés de Oliveira Cézar / PE: Saula Benavente : Benavente-Oliveira / I: Mónica Galán, Gabriel Corrado, Nicolás Mateo, Rafael Spregelburd, Mónica Raiola o / Benavente-Oliveira. Saula Benavente T +54 11 54923729 E [email protected]

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noches especiales

Baldío

special nights

Juansebastián PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

De estrella de rock a devoto de Jesucristo. Juanse narra los detalles de la experiencia mística que lo alejó de la fama y de las drogas, y su decisión de no renunciar a su otro evangelio, el rock. En su nuevo documental, Diego Levy construye un retrato íntimo del mítico líder de los Ratones Paranoicos. Detrás del chiste fácil que implican las comparaciones con Austin Powers, Juanse se muestra aquí en toda su gloria y, como corresponde a una usina de canciones legendarias, con todas sus cicatrices (las autoinfligidas, las que definieron a otros). No hay caricatura o figura sagrada creada sobre la voz de los Ratones Paranoicos, ya sea la del rock como vicio o la de su pública vida feligresa, que Diego Levy no exponga en su documental íntimo, revelador y, gracias a Dios, coherente. Juanse con Francisco, con Spinetta, solo en su living, con su madre, con sus hijos, con sus fans: no hay Juanse sin ver y escuchar. Juanse canta a Bowie en Londres y se preocupa por el final del Pentateuco y todo tiene sentido, y sentimientos. Una película que antes que reivindicar, redescubre y refunda. JMD

From rock star to Jesus devotee. Juanse narrates the details of the mystical experience that drove him away from fame and drugs, and his decision to not quit his other evangelion: rock. In his new documentary, Diego Levy builds an intimate portrait of the mythical leader of the band Ratones Paranoicos. Behind the cheap joke that the comparisons with Austin Powers imply, Juanse shows himself in all his glory in this film, and, appropriately for such a generator of legendary songs, with all his scars (those self-inflicted, those that defined others). There’s no caricature or sacred figure created around the Ratones Paranoicos’ vocalist, whether that of rock as vice or that of his public life as a parishioner that Diego Levy fails to expose in his intimate, revealing and, thank God, coherent documentary. Juanse with Pope Francis, with Spinetta, alone in his living room, with his mother, with his children, with his fans -no Juanse is left unseen or unheard. Juanse sings Bowie in London and worries about the ending of the Pentateuch and everything makes sense and feeling. A film that, instead of reappraising, rediscovers and reestablishes. JMD

Diego Levy. (1973, Buenos Aires). Codirigió con su hermano Pablo Novias - Madrinas - 15 años (2011), Masterplan (2012), Cosano, la vida secreta de un vestido (2014), todas estrenadas en el Bafici, y All Inclusive (2018). Juansebastián es su debut en solitario. (1973, Buenos Aires). With his brother Pablo, he co-directed Novias - Madrinas - 15 años (2011), Masterplan (2012), Cosano, la vida secreta de un vestido (2014), all of which premiered at Bafici, and All Inclusive (2018). Juansebastián is his first solo work.

Argentina, 2019 70’ / D / COLOR Español - Spanish

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D, G, F, P: Diego Levy / E: Enrique Bellande, Diego Levy S: Pablo Gambert, Guillermo Picco / M: Juanse / PE: Sebastián Perillo : Once / I: Juanse, Barbara Gutierrez, Daland Gutiérrez, Julieta Testai, Mamerto Menapache o / Once. Diego Levy T +54 9 11 5383 7246 E [email protected] W diegolevy.com

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The Adopters

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Una comedia desprejuiciada acerca del amor y la paternidad. Martín, presentador televisivo de 42 años, tiene la necesidad impostergable de ser padre. Leonardo, ingeniero agrónomo de 45 y pareja de Martín desde hace diez, tiene dudas ya que él mismo es adoptado. Gimelberg se había despachado hace unos años con Antes, una de las películas más amargas de la historia reciente del cine argentino. Los adoptantes indaga en las dudas y la incertidumbre de una franja etaria posterior a la retratada allí, pero lo hace con una luminosidad que podría inaugurar una etapa nueva en su filmografía. El director elabora esta vez una comedia cálida y habilidosa en la que la ciudad se ofrece como marco ineludible para las andanzas de sus personajes. La película transita su época con una convicción desusada, una elegancia secreta en la que la estabilidad laboral y el intercambio fluido de bienes de uso no alcanzan a proteger del todo a sus protagonistas, que quieren hacer algo diferente con sus vidas, pero no saben si dar el siguiente paso para concretarlo. DO

A comedy without prejudices about love and paternity. Martín, a TV host of 42, has the urgent need of becoming a father. Leonardo, an agronomist of 45 and Martín’s boyfriend for the last ten years, has doubts since he himself was adopted by his parents. A few years ago, Gimelberg had made Antes, one of the bitterest films in recent Argentinean cinema. The Adopters looks into the doubts and the uncertainty of an age that comes after the one portrayed there, but does so with a luminosity that might well open a new stage in his filmography. The director elaborates this time a warm and crafty comedy in which the city is the backdrop for the adventures of its characters. The film moves through its age with an unusual conviction, a secret elegance in which job stability and the fluent exchange of consumer goods do not manage to fully protect its protagonists, who want to do something different with their lives but don’t know whether to take the next step to make it come true. DO

Daniel gimelberg. (1964, Buenos Aires). Estudió Arquitectura en la UBA. Fue director de arte de El último Elvis (Bafici ‘12), entre otras. Dirigió los largometrajes Hotel Room (1998, Bafici ‘09), junto a Cesc Gay, y Antes (Bafici ‘10). (1964, Buenos Aires). He studied Architecture at the University of Buenos Aires. He was art director in The last Elvis (Bafici ‘12), among others. He directed the features Hotel Room (1998, Bafici ‘09), along with Cesc Gay, and Antes (Bafici ‘10).

Argentina, 2019 106’ / D / COLOR / Español - Spanish D: Daniel Gimelberg / G: Daniel Gimelberg, Andi Nachón / F: Diego Poleri E: Nicolás Goldbart / DA: Romina del Prete / S: Christian Lemcke, Guido Berenblun / M: Pedro Onetto / P: Tomás Lipgot, Pablo Ingercher, Ramiro Pavón, Daniel Gimelberg, Patricio Rabufetti / PE: Tomás Lipgot, Pablo Ingercher, Ramiro Pavón / : Duermevela SRL , Oh My Gomez SA, Non Stop Digital SA / I: Rafael Spregelburd, Diego Gentile, Soledad Silveira, Florencia Peña, Agustín Aristarán. o / Duermevela SRL.Tomás Lipgot T +54 11 2072 9817 E [email protected] W duermevela.com.ar

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noches especiales

Los adoptantes

special nights

Pistolero Gunman

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

La violencia sigue a Isidoro Mendoza como una sombra. Junto a su hermano forma una banda de criminales, roba una joyería y pone a la policía tras su rastro. Una mujer llega a su vida y el amor abre una nueva posibilidad, pero no parece haber más que muerte en el horizonte de este western cuyano. Para un país con tanto cine y tanto oeste, el nuestro ha dado sospechosamente pocos westerns. Y, si contamos los buenos, son aún menos. Pistolero se adentra en las tierras del género sin acobardarse, siguiendo la historia del forajido, su banda y el sheriff que lo debe capturar, con la confianza y seguridad de quien conoce el territorio de antemano. La película se niega a cometer el error de tratar de reinventar la pólvora y, en su lugar, disfruta de utilizarla, apostando a la pasión y a la adrenalina en su narración sobre esta especie de Dillinger cuyano para confirmar que, si el género no es tan común, no es por carencia de recursos y que, en las palabras de otro notorio ladrón de bancos cinematográfico, cuando se tiene la intención “se puede hacer prolijo, se puede hacer bien”. Emiliano Andrés Cappiello

Violence follows Isidoro Mendoza like a shadow. Along with his brother, he forms a gang, steals a jeweller’s shop and puts the police on his track. A woman enters his life and love opens up a new possibility, but nothing but death seems to be on the horizon of this Cuyan western.

Nicolás Galvagno. (1977, Argentina). Director, productor y guionista, pasó su niñez en Frankfurt, por entonces República Federal de Alemania. A su retorno a la Argentina, finalizó sus estudios y ejerció diversos trabajos. Pistolero es su debut como director. (1977, Argentina). Director, producer and screenwriter, he spent his childhood in Frankfurt, back then part of the German Federal Republic. Upon his return to Argentina, he finished his studies and did different jobs. Gunman is his directorial debut.

Argentina, 2019 108’ / D / COLOR Español / Italiano - Spanish / Italian

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For a country with so much cinema and so much west, ours has given a suspiciously low number of Westerns. And if we count just the good ones, there are even fewer. Gunman walks into the genre without fear, following the story of the outlaw, his gang and the sheriff who must capture him with the confidence of one who knows the territory beforehand. The movie refuses to make the mistake of trying to reinvent gunpowder and enjoys using it instead, betting on ion and adrenaline. The story of this sort of Cuyan Dillinger confirms that if the genre is not so common it is not due to a lack of resources and that, in the words of another remarkable cinematographic bank robber, when there is a will “it can be done neatly, it can be done well.” EAC

D, G, P: Nicolás, Galvagno / F: Leonel Pazos Scioli / E: Emanuel Flax, Nicolás Galvagno / DA: Lucila Presa / S: Sebastián González M: Mariano Castro / PE: Oriana Castro / : Boikot Films I: Lautaro Delgado Tymruk, Sergio “Maravilla” Martínez, Diego Cremonesi, Juan Palomino, Maria Abadi o / Boikot Films. Nicolas Galvagno T +54 9 11 3651 3014 E [email protected]

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baficito little bafici

baficito

Astérix: Le Secret de la potion magique

Asterix: The Secret of the Magic Potion / Astérix: El secreto de la poción mágica PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE edad sugerida / suggested age: + 7 | subtitulada / subtitled

Tras caerse de un árbol, el viejo Panoramix se percata de que ya es hora de legar su mítica poción mágica a un joven druida. Con la ayuda de Astérix y de Obélix recorrerá toda la tierra gala para encontrarlo. Una nueva e hilarante película animada de los famosos enemigos del César. ¡Gracias, Tutatis! ¡Gracias una y otra vez! La vida de nuestros irreductibles galos cumple felices sesenta años desde su primera aparición. Seis décadas van, entonces, desde que el mundo es, al menos a la hora de la comedia invencible, tantísimo mejor. Como celebración tenemos una perfecta sorpresa: esta “secuela” (es la segunda película animada digitalmente de Ideafix y pandilla), que no es otra hermosa cosa que una adaptación de El secreto de la poción mágica. Otra vez la herencia influyente de Uderzo y de Goscinny trasladada con las mejores y más certeras intenciones al cine animado, logrando así la perfecta mezcla de cariño y felicidad. Astérix y Obélix vuelven para quienes creemos que definen las reales bellas artes y para quienes recién están por descubrir la poción mágica de la alegría. JMD

After falling off a tree, old Panoramix realizes that it’s time to leave his mythical magical potion to a young druid. With the help of Asterix and Obelix, he will travel the entire Gallic land in order to find him. A new, hilarious animated film about the famous enemies of Caesar. Thanks, Tutatis! Thanks again and again! The lives of our irreductible Gauls turn sixty since their first appearance. Six decades, then, of the world being so much better, at least when we talk about invincible comedy. As a celebration, we have a perfect surprise: this “sequel” (it’s the second digitally animated film from Ideafix and their gang), that is none other beautiful thing than an adaptation of The Secret of the Magic Potion. Again the influential inheritance of Uderzo and Goscinny translated, with the best and most accurate intentions, to animated film, resulting in the perfect mixture between love and happiness. Asterix and Obelix return for those of us who think that they define the real fine arts and for those who are just about to discover the magic potion of joy. JMD

Alexandre Astier & Louis Clichy. Astier (1974, Lyon, Francia) es director, guionista, actor y compositor. Dirigió el largo David et Madame Hansen (2012). Clichy (1977, Chartres, Francia) es animador y director. Trabajó en la animación de WALL-E (2008) y Up - Una aventura de altura (2009). Juntos dirigieron Astérix: Le Domaine des dieux (2014). Astier (1974, Lyon, ) is a director, screenwriter, actor and composer. He directed the feature David et Madame Hansen (2012). Clichy (1977, Chartres, ) is an animator and director. He worked in the animation of WALL-E (2008) and Up (2009). Together, they directed Astérix: Le Domaine des dieux (2014).

Francia - , 2018 85’ / D / COLOR Francés / Latín - French / Latin D: Alexandre Astier, Louis Clichy / G: Alexandre Astier / F: David Dulac E: Bertrand Maillard / DA: Alexandre de Broca / S: Maria Carolina Santana Caraballo-Gramcko / P: Natalie Altmann / PE: Nicolas Trout : SND, Mikros Studio / I: Christian Clavier, Guillaume Briat, Alex Lutz, Alexandre Astier, Elie Semoun o / The Festival Agency. Johannes Klein T +34 637 173 332 E [email protected] W thefestivalagency.com

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little bafici

bikes PREMIERE internacional / international PREMIERE TODAS LAS EDADES / ALL age | DOBLADA / DUBBED

Bienvenidos a Spokesville, una ciudad con una población bastante peculiar: sus habitantes son bicicletas. Ante la llegada del novedoso motor a nafta, una de ellas, Speedy, emprende una dramática carrera que definirá el futuro de la ciudad. Una emotiva aventura sobre ruedas, suerte de Cars española. ¿Un mundo de bicicletas parlantes? Exacto, han llegado a Bikes, la película de Manuel J. García. Mejor dicho: han llegado a Spokesville, el sitio donde las bicicletas hablan, tienen sentimientos, familias y, obviamente, ganas de aventuras y de salir de los límites del aburrido día a día. Y, si seguimos siendo específicos; han llegado a la vida de Speedy, que se verá sacudida de punta a punta por la llegada de un motor a nafta. Así es entonces cómo la película de García se pone clásica sin dejar de ser intencionalmente amable en su inventiva y se convierte en una fábula sobre las desventajas de la modernidad superficial. Genial para los más pequeños, Bikes sabe exactamente cómo pedalear hacia una calidez sincera y lograr que un relato mil veces contado gane en velocidad. JMD

Welcome to Spokesville, a city with a somewhat peculiar population: its inhabitants are bikes. When the novel gasoline engine arrives, one of them, Speedy, will set out on a dramatic race that will decide the fate of the city. A thrilling adventure on wheels, sort of a Spanish version of Cars. A world of speaking bicycles? Right; you have arrived in Bikes, Manuel J. García’s movie. Or better put: you have arrived in Spokesville, the place where bicycles talk, have feelings, families, and, of course, are eager to have adventures and break the limits of the dullness of ordinary life. And to be even more specific: you have arrived in Speedy’s life, which will be shaken through and through by the coming of a gasoline engine. That’s how Garcìa’s movie becomes classical while it never stops being friendly and inventive and becomes a fable about the disadvantages of a superficial modernity. Great for little kids, Bikes knows exactly how to pedal toward real warmth and turn a story told a thousand times into a speedy adventure. JMD

Manuel J. García. (Valencia, España). Es director y productor de cine de animación. Dirigió los largos Marco Antonio, rescate en Hong Kong (2000), Piñatas: The Movie (2009) y Gigantes, la leyenda de Tombatossals (2013). (Valencia, Spain) Director and producer of animation movies. He has directed the features Marco Antonio, rescate en Hong Kong (2000), Piñatas: The Movie (2009) and Gigantes, la leyenda de Tombatossals (2013).

España / Argentina / China - Spain / Argentina / China, 2018 84’ / D / COLOR Español - Spanish D: Manuel J. García / G: John M. Boughn, Michael Maurer S: Griego Stavrópulos / M: Pablo Borghi / P: Fernando Sokolowicz, Ximo Pérez, Li Bo, Jian Yingtian / PE: Marife De Rueda, Victoria Aizenstat / : Aleph Media, Animation Bikes, CVC Group I: Ferran Gadea, Lola Moltó, Juan Minujín, Rodrigo Noya o / Aleph Media. Julieta Civelli T +54 11 4779 2397 E [email protected] W alephcine.com

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baficito

Captain Morten and the Spider Queen Kapten Morten Lollide Laeval / El capitán Morten y la reina araña PREMIERE ARGENTINA / ARGENTINE PREMIERE edad sugerida / suggested age: + 7 | subtitulada / subtitled

El pequeño Morten vive al cuidado de su severa tía Anna en la tienda de café. Mientras espera que su papá regrese de altamar, un accidente mágico lo convierte en miniatura. Ahora, como capitán de su barco de juguete y junto a una tripulación de insectos, vivirá una aventura inolvidable. Lo cierto es que el stop-motion genera una radiación distinta, una que nos frena el corazón mientras este espera que la técnica (romántica, con huella humana) pueda acompañar la historia, el sentimiento y todo eso que el cine hace cuando quiere ser relato infantil. Aquí aparece una mezcla divina, casi soñada, entre la forma de contar de Henry Selick (James y el durazno gigante, El extraño mundo de Jack) y la artesanía deslumbrante de Jan Svankmajer (viejo capitán del océano de la animación stop-motion). Un niño hijo de marinero es jibarizado a tamaño minúsculo y, desde ahí, los insectos serán su aventura y desventura. Kaspar Jancis, autor del libro ilustrado en el que se basa el film, conduce este milagro pequeño pero sentido que entiende que el stop-motion es el perfecto hogar para el asombro. JMD

Little Morten lives under the care of his strict aunt Anna at the coffee place. While waiting for his father to return from the high seas, a magical accidents turns him into a miniature. Now, as captain of his toy ship and along with a crew of insects, he will live an unforgettable adventure. The fact is that stop motion animation generates a different kind of radiation, one that stops our hearts while they wait for the technique (a romantic one, with a human imprint) to be able to accompany the story, the feeling everything cinema does when it wants to be a children’s tale. What appears here is a divine, almost dreamy mix between the narrative style of Henry Selick (James and the Giant Peach, The Nightmare Before Christmas) and the amazing handicraft of Jan Svankmajer (old captain of the stop-motion animation ocean). A kid, the son of a sailor, is turned minuscule, and insects will become his adventure as well as his misadventure. Kaspar Jancis, author of the illustrated book in which the film is based, drives this small but heartfelt miracle that understands that stop-motion animation is the perfect home for amazement. JMD

Kaspar Jancis. (1975, Tallin, Estonia). Escritor, músico y artista visual, ha dirigido diversos cortos, entre ellos Crocodile (2010), ganador del Cartoon d’Or. Ha realizado diversas escenografías en puestas teatrales y dirigido videos musicales. (1975, Tallin, Estonia). A writer, musician and visual artist, he has directed many shorts including Crocodile (2010), winner of the Cartoon d’Or. He has done set design for theater plays and directed music videos.

Estonia / Irlanda / Bélgica / Reino Unido - Estonia / Ireland / Belgium / United Kingdom, 2018 80’ / D / COLOR / Inglés - English

o / Nukufilm Oü. Kerdi Kuusik-Oengo T +372 61 55 322 E [email protected] W nukufilm.ee

D: Kaspar Jancis / G: Mike Horelick, Paul Risacher, Robin Lyons, Andrew Offiler, Kaspar Jancis / F: Ragnar Neljandi / E: Keith A Gairbhn, Kaspar Jancis / DA: Kaspar Jancis, Riho Unt / S: Ciaran O Tuairisc M: Pierre Yves Drapeau / P: Kerdi Kuusik-Oengo, Andrus Raudsalu, Paul Cummins, Mark Mertens, Robin Lyons / PE: Andres Mänd, Heather Grace Mills, Jan Goossen / : Nukufilm, Telegael, Grid Animation, Calon / I: Brendan Gleeson, Tommy Tiernan, Jason Byrne, Pauline McLynn, Cian O´Dowd

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Dilili à Paris

Dilili in Paris / Dilili en París PREMIERE latinoAMERICANA / latam PREMIERE edad sugerida / suggested age: + 7 | subtitulada / subtitled

En una Belle Époque plena, parisina y animada, la pequeña Dilili y su joven acompañante investigan una serie de misteriosos secuestros de niñas. Con una ciudad y un momento únicos como telón de fondo, Dilili contará con la ayuda de los más extraordinarios artistas y científicos de aquel tiempo. Ocelot suelta su adorado mundo según Kirikou y decide crear una felicidad modernista, que toma de la mano a la Belle Époque para volar por sobre nuestros días y nuestras miserias. Dilili, ignorando los ladridos raciales que recibe en la calle, debe resolver un misterio junto a Orel. Aquí hay sociedades secretas, crimen, persecuciones y hasta se muestran ciertas injusticias de género que hoy se ven en jaque. Pero esos tics decimonónicos, ese andar iluminado y tintinesco creen en la ciencia y en el arte, y no necesitan frases hechas o fantasías. Prefiere ser saludablemente pedagógico y travieso para dejar en claro la capacidad de una era de ser pura luz. No por nada allí están literalmente Marie Curie, Renoir, Monet, Degas, Proust, Debussy, Picasso y Pasteur, entre otros. JMD

In the middle of the lively Parisian Belle Époque, little Dilili and her young companion investigate a series of mysterious abductions of girls. With a unique city and a unique moment as a backdrop, Dilili will rely on the help of the most extraordinary artists and scientists of the day. Ocelot lets go of his adored world according to Kirikou and decides to create a piece of modernist happiness that holds the hand of the Belle Époque to fly over our days and miseries. Dilili, ignoring the racial slurs she hears in the street, must solve a mystery along with Orel. Here there are secret societies, crime, chases and even some gender-based injustice that is today in check. But those 19th century tics and that luminous Tintinesque gait believe in science and art and they don’t need set phrases or fantasies. It prefers to be healthily didactic and mischievous in order to make clear the ability of an era to be pure light. No wonder Marie Curie, Renoir, Monet, Degas, Proust, Debussy, Picasso and Pasteur, among others, are literally there. JMD

Michel Ocelot. (1943, Villefranche-sur-Mer, Francia). Pasó parte de su infancia en Guinea. Es autodidacta. En 2009 el Bafici le dedicó un foco que incluyó entre otros Kirikou y la hechicera (1998), Princes et princesses (1999) y Azur et Asmar (2006). (1943, Villefranche-sur-Mer, ). He spent part of his childhood in Guinea. He is self-taught. In 2009, Bafici did a focus on him that included, among others, Kirikou and The Sorceress (1998), Princes and Princesses (1999) and Azur & Asmar (2006).

Francia / Bélgica / Alemania / Belgium / , 2018 95’ / D / COLOR / Francés - French

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E: Patrick Ducruet / DA: Emilie Almaida / S: Séverin Favriau, Stéphane Thiebaut / M: Gabriel Yared / P: Christophe Rossignon, Philip Boëffard PE: Eve François-Machuel / : Nord-Ouest Films, Studio O, ARTE Cinéma, Mars Films, Wild Bunch I: Prunelle Charles-Ambron, Enzo Ratsito, Natalie Dessay, Elisabeth Duda o / Wild Bunch. Esther Devos T +33 1 43 13 21 27 E [email protected] W wildbunch.biz

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Hoffmaniada Gofmaniada

PREMIERE ARGENTINA / Argentine PREMIERE edad sugerida / suggested age: + 13 | subtitulada / subtitled

La animación maestra de Sokolov transporta a E.T.A. Hoffman a su propio mundo de escritos fantasmagóricos, donde deberá luchar para defender el amor y la belleza contra quienes los amenazan. Personajes inolvidables e incesantes aventuras en un universo en el que sueños y realidad no se diferencian. E.T.A. Hoffman fue una usina de milagros románticos, de absurdos, de épicas tamaño ópera y de pequeños relatos adorables. Compositor, escritor, dramaturgo, dibujante, caricaturista: ¿cómo capturar la hoffmaniada vida de Hoffman (¿les suena El cascanueces?)? Su mundo aquí se asocia a la animación stop-motion, a esa que se parece más a un ático encantado, barroco, antes que a un estudio enorme (aunque ahí están los genios rusos del estudio Soyuzmultfilm). Tres de sus relatos se cosen unos a otros, El pequeño Zaches, El caldero de oro y El hombre de arena, para tejer más de forma humanista que por mera red de contención a aquel hombre de imaginación desbordada, de surrealismo XS y de una idea distinta de la animación como celebración. JMD

Sokolov’s masterful animation transports E.T.A. Hoffmann to his own world of phantasmagoric writings, where he will have to struggle to defend love and beauty from those who threaten them. Unforgettable characters and unceasing adventures in a universe in which dreams and reality are no different. E.T.A. Hoffmann was a factory of romantic miracles, of absurdities, of opera-sized epics and adorable little stories. Composer, writer, playwright, drawer, cartoonist: how to capture Hofmann’s Hofmannian life? (Have you heard of The Nutcracker?). His world here is associated with stop-motion animation, which resembles a Baroque, enchanted attic more than a huge studio -although it is there where the geniuses of the Russian studio Soyuzmultfilm work. Three of his stories (Little Zaches, The Golden Pot and The Sandman) are sewn into each other in order to knit in a human form and not as a simple outline the figure of this man of unbridled imagination, XS surrealism and a different idea of animation as a celebration. JMD

Stanislav Sokolov. (1947, Moscú, Unión Soviética). Director de animación graduado por la VGIK, donde actualmente es docente. Entre sus obras se destacan Black and White Film (1984), Al fatiha. Muslim Prayer (2002) y Sh´ma Yisrael! Jewish Prayer (2004). (1947, Moscow, Soviet Union). Animation director graduated from VGIK, where he is currently a professor. Black and White Film (1984), Al fatiha. Muslim Prayer (2002) and Sh´ma Yisrael! Jewish Prayer (2004) stand out among his many works.

Rusia - Russia, 2018 72’ / D / COLOR Ruso - Russian D, DA: Stanislav Sokolov / G: Stanislav Sokolov, Viktor Slavkin F: Igor Skidan-Bosin / M: Shandor Kalosh / P: Yuliana Slashcheva, Boris Mashkovtsev, Nikolai Makovsky, Sergei Strusovsky : Soyuzmultfilm Film Studio o / Soyuzmultfilm Film Studio. Alexandra Sholudko T +74 953 080 032 E [email protected]

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little bafici

Louis and Luca - Mission to the Moon Månelyst i Flåklypa / Louis y Luca - Misión a la luna PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE edad sugerida / suggested age: + 7 | subtitulada / subtitled

En la carrera internacional a la luna, la misión noruega está liderada por Reodor, el brillante inventor de la aldea de Flåklypa. Con Luca, el erizo, y la urraca Louis como valientes astronautas, la aventura y la diversión regresan en esta saga de elaborada animación stop-motion y adorables personajes. La misión a la luna (terreno hermoso si los hay a la hora de lo lúdico) posee un nuevo equipo ganador: Louis y Luca, las creaciones del autor Kjell Aukrust, ya conocidas por el público del Baficito. Ahora, entran finalmente a la carrera espacial con la candidez, el absurdo amable y el stop-motion detallista que los caracteriza desde hace un par de años. Como siempre, todo funciona a la inversa en el universo L&L, y eso aquí es garantía de un alunizaje (si es que llega a suceder) distinto a cualquier otro en la historia del cine infantil. ¿Qué puede salir mal en esta aventura? Polizones extravagantes, sorpresas lunares, inventores con secretos y mucho más. Louis y Luca vuelven al Bafici y la luna nunca será la misma. JMD

In the international race for the Moon, the Norwegian mission is led by Reodor, the brilliant inventor from the village of Flåklypa. With Luca the hedgehog and Louis the magpie as brave astronauts, the adventure and the fun return in this saga of elaborate stop-motion animation and adorable characters. The mission to the Moon (a beautiful subject when we’re dealing with playfulness) has a new winning team: Louis and Luca, the creations of author Kjell Aukrust already known by Little Bafici´s audience. Now, they finally enter the space race with the candidness, the pleasant absurd and the meticulous stop-motion animation that’s been characterizing them for the past few years. As always, everything works the other way around in the L&L universe, and here, this guarantees a moon landing (if there ever is one) unlike any other in the history of children’s films. What could go wrong in this adventure? Extravagant stowaways, lunar surprises, inventors with secrets and much more. Louis and Luca are back at Bafici and the Moon will never be the same. JMD

Rasmus S. Sivertsen. (1972, Inderøy, Noruega). Es animador, editor y cineasta. Dirigió, entre otros largometrajes, Pelle Politibil på Sporet (2013), Dos colegas al rescate (2015) y Louis & Luca – The Big Cheese Race (2015, Bafici ‘17). (1972, Inderøy, Norway). He is an animator, editor and filmmaker. He directed, among other films, Pelle Politibil på Sporet (2013), Two Buddies and a Badger (2015) and Louis & Luca - The Big Cheese Race (2015, Bafici ‘17).

Noruega - Norway, 2018 80’ / D / COLOR / Noruego - Norwegian D: Rasmus S. Sivertsen / G: Karsten Fullu / F: Janne Karin Hansen, Morten Skallerud / E: Rasmus A. Sivertsen, Zaklina Stojcevska DA: Paul Mathot / S: Bror Kristiansen, Christian Schaanning M: Lars Brenli / P: Cornelia Boysen, Synnøve Hørsdal PE: Cornelia Boysen / : Maipo Film AS, Qvisten Animation AS I: Kari-Ann Grønsund, Trond Høvik, Per Skjølsvik, Fridtjov Såheim, Kåre Conradi o / Norwegian FIlm Institute. Pål Håberg T +47 2247 4500 E [email protected] W nfi.no

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Minuscule - Mandibles From Far Away / Minúsculos: Las mandíbulas del fin del mundo PREMIERE ARGENTINA / Argentine PREMIERE TODAS LAS EDADES / ALL age | SIN DIALOGOS / NO DIALOGUE

Tras ser enviada a una isla del Caribe, una intrépida vaquita de San Antonio enfrentará toda clase de peligros mientras aguarda el rescate de sus amigas, las hormigas. Un verdadero acontecimiento para el cine de animación: la esperada secuela de la inventiva Minúsculos (2013, Bafici ‘14) ya está acá. ¡Insectos y niños del mundo: el Bafici los invita! ¡Suenan trompetas y chicharras! ¡Cantan los grillos y los fans de este fenómeno francés animado! Ha llegado la nueva aventura en el cine del mundo Minúsculos. Regresa la saga que hizo que nunca más veamos a los insectos de la misma forma (ahora conocemos todas las aventuras, guerras, travesías, fiestas y sigue la lista de sucesos afortunados que viven cuando no los vemos). Pero hay un cambio de escenario: la naturaleza sigue allí, pero en otro continente y no todo se reduce a ella. Bienvenidos, Minúsculos, a un nuevo mundo. El resultado es un recorrido feliz, inventivo, excepcional y microscópico por un cine de aventuras que sabe zumbar, que entiende que asombro y simpleza pueden ser tan fascinantes como un insecto capaz de salvar el mundo. JMD

After being sent to an island in the Caribbean, a brave ladybug will face all kinds of danger while awaiting the rescue of her friends the ants. Really an event: the long-awaited sequel to the inventive Minuscule (2013, Bafici ‘14) is here at last. Insects and children of the world: Bafici invites you! Bells are ringing and trumpets are blowing! The crickets sing, as well as the fans of this French animated phenomenon! The new film adventure of the Minuscule world is here. It’s the return of the saga that made us start seeing insects in a different light (now we know about all the adventures, wars, journeys, parties and other fortunate events they live when we’re not watching). But there’s a change of scenery: nature is still there, but in another continent, and not everything comes down to it. We welcome the Minuscule to a new world. The result is a happy, inventive, exceptional and microscopic trip through an adventure cinema that knows how to buzz, that understands that amazement and simplicity can be as fascinating as an insect capable of saving the world. JMD

Thomas Szabo & Hélène Giraud. Szabo (1966, París, Francia) realizó junto a Giraud la serie televisiva Minuscules (2006 y 2012) y el largometraje Minúsculos (2013, Bafici ’14). Giraud (1970, París, Francia) se graduó en la ESAT de esa ciudad. Diseñó el arte conceptual para películas como El quinto elemento (1997) y Renaissance (2006). Along with Giraud, Szabo (1966, Paris, ) made the TV series Minuscule (2006 and 2012) and the feature Minuscule (2013, Bafici ‘14). Giraud (1970, Paris, ) graduated from that city’s ESAT. She designed the conceptual art for such films as The Fifth Element (1997) and Renaissance (2006).

Francia - , 2019 90’ / D / COLOR D, G: Thomas Szabo, Hélène Giraud / F: Dominique Fausset E: Valérie Chappellet, Benjamin Massoubre / DA: Hélène Giraud S: Côme Jalibert, Yann Lacan / M: Mathieu Lamboley P: Philippe Delarue / : Futurikon / I: Philippe Delarue, Thomas Szabo, Hélène Giraud o / Futurikon. Fazia Madouni T +33 1 44 61 94 65 E [email protected] W futurikon.com

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Minuscule 2: Les Mandibules du Bout du Monde

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Mirai

Mirai no Mirai PREMIERE ARGENTINA / Argentine PREMIERE edad sugerida / suggested age: + 7 | subtitulada / subtitled

Cuando su hermana Mirai nace, el pequeño Kun se siente relegado por sus padres, pero ciertos poderes mágicos del jardín hogareño le permitirán redescubrir a su familia y emprender vibrantes aventuras. Luego de la notable Wolf Children, Hosoda vuelve para confirmar los trazos de su personal universo. La real “magia del cine”, eso que a veces se vuelve real maravilla que justifica-lo-que-sufrimos-cuando-no-estamos-frente-a-la-pantalla, tiene que ver con una película que captura eso que nos destruye y nos hace, aunque polvo, infinitos. Todo al mismo tiempo en cualquier rincón, en cualquier estilo y con cualquier intensidad. Mirai es un castillo de maravillas, una pieza casi de cámara si no fuera porque su calidez camufla toda su maestría. Lejos del cine cosa, tan sacralizado y fosilizado, Mamoru Hosoda, nombre enorme del cine japonés, cuenta una historia de celos comunes de hermano a nueva integrante de la familia. Mezclando fantasía, milagros, sentimientos demoledores cotidianos y magia, Hosoda crea lo más parecido a una porcelana invencible que el cine de animación haya dado. JMD

When his sister Mirai is born, the small Kun feels relegated by his parents, but certain magical powers of the garden of his house will let him rediscover his family and set out on exciting adventures. After the remarkable Wolf Children, Hosoda comes back to redraw the contours of his personal universe. The real “magic of cinema,” that which sometimes becomes a real wonder that justifies all that we suffer when we are not in front of a screen, has to do with a movie that captures what destroys us and makes us, even though we are dust, infinite. Everything at the same time, in any corner and with any intensity. Mirai is a castle of wonders, almost a chamber piece if it wasn’t for the fact that its warmth camouflages its mastery. Far from the “film as an object,” so sacralized and fossilized, Mamoru Hosoda, an enormous name in Japanese cinema, tells an ordinary story about the jealousy of a brother for the new member of the family. Mixing fantasy, miracles, powerful everyday feelings and magic, Hosoda creates the most similar thing to a piece of unbreakable porcelain that animation cinema has given us. JMD

Mamoru Hosoda. (1967, Toyama, Japón). Se dedicó a la animación para TV hasta 1999, cuando estrenó su ópera prima Digimon Adventure. Dirigió también, entre otros, Summer Wars (2009, Bafici ‘10) y Wolf Children (2012, Bafici ‘14). (1967, Toyama, Japan). He worked on animation for TV until 1999, when he released his first film, Digimon Adventure. He also directed Summer Wars (2009, Bafici ‘10) and Wolf Children (2012, Bafici ‘14), among others.

Japón - Japan, 2018 98’ / D / COLOR Japonés - Japanese D, G: Mamoru Hosoda / E: Shigeru Nishiyama / DA: Takashi Omori, Yohei Takamatsu / S: Kyoko Kitahara, Kenji Shibasaki / M: Masakatsu Takagi / P: Nozomu Takahashi, Yûichi Adachi, Takuya Itô, Genki Kawamura, Yûichirô Saitô / PE: Daigo Ikeda / : Studio Chizu I: Moka Kamishiraishi, Haru Kuroki, Gen Hoshino, Kumiko Aso, Mitsuo Yoshihara o / Charades. Nicolas Rebeschini T +33 6298 745 04 E [email protected] W lineup.charades.eu

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baficito

Okko’s Inn

Wakaokami wa Shogakusei! / La posada de Okko PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE edad sugerida / suggested age: + 7 | subtitulada / subtitled

En la más reciente producción animada del afamado estudio Madhouse, la dulce Okko, tras perder a sus padres en un accidente, se muda a la tradicional posada japonesa que istra su abuela, donde pronto comienza a trabajar. Allí también descubrirá a un grupo de alegres fantasmas que le harán compañía. Si El libro del cementerio, de Neil Gaiman, les trae una sonrisa (o Edward Gorey, o cualquier relato sentido que juega con mano de malabarista victoriano con la muerte y la infancia, la calidez y lo que no vemos), entonces tienen que ver este anime. Okko’s Inn es de esas excepciones que todo lo iluminan. Okko debe aprender a vivir sin sus padres y lo debe hacer en la posada de su abuela. Desde ahí, todo adquiere una extraña pátina: se siente así, con mano de abuela que adora, como si nos cuidaran, como si ese fantasma amigable que ve Okko pudiera contener todo lo que tememos, lo que sabemos y lo que no queremos saber. Así, Okko ve cosas, de las espectrales y de las que hacen crecer, y nosotros nos vamos convirtiendo en huéspedes vitalicios de esta perfecta película/hogar. JMD

In the most recent animated production from famed studio Madhouse, sweet Okko, after losing her parents in an accident, moves to the traditional Japanese inn run by her grandmother, where she soon starts working. There, she will also discover a group of happy ghosts that will keep her company. If Neil Gaiman’s The Graveyard Book makes you smile (or Edward Gorey, or any heartfelt story that plays, with a Victorian juggler’s hand, with death and childhood, warmth and what we do not see), then you have to see this anime. Okko’s Inn is one of those exceptions that light everything up. Okko must learn to live without her parents, and must do so at her grandmother’s inn. From that moment on, everything gains a strange appearance: it feels that way, with the hand of the adoring grandmother, as if we were being cared for, as if that friendly ghost Okko sees could contain everything we fear, what we know and what we don’t want to know. This way, Okko sees things, of a spectral nature as well as those that make her grow up, and we start to become lifelong guests of this perfect film/home. JMD

Kitarō Kōsaka. (1962, Kanagawa, Japón). Comenzó su carrera en 1979 y en 1986 ingresó a los estudios Ghibli, donde trabajó con Hayao Miyazaki. Dirigió, entre otros, Nassu: Summer in Andalucia (2003), primer anime seleccionado en el Festival de Cannes. (1962, Kanagawa, Japan). He started his career in 1979, and in 1986 he entered Studio Ghibli, where he worked with Hayao Miyazaki. Among other works, he directed Nassu: Summer in Andalucia (2003), the first anime to have ever been selected at the Cannes Film Festival.

Japón - Japan, 2018 92’ / D / COLOR Japonés - Japanese D: Kitarō Kōsaka / G: Reiko Yoshida / F: Michiya Kato E: Takeshi Seyama / DA: Yoichi Watanabe / S: Masafumi Mima M: Keiichi Suzuki / P: Masahiro Saito / PE: Ray Kamiya : MADHOUSE o / GAGA Corporation. Yuki Oguriyama T +81 3 5786 7135 E [email protected] W gaga.co.jp/intls - gaga.co.jp/intls/detail/724/

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trayectorias careers

careers

All is True PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Tras adaptar su obra innumerables veces, el especialista en Shakespeare, Kenneth Branagh, dirige y protagoniza este drama en torno a los últimos días de Bardo, quien en 1613 decidió retirarse de la escritura y viajar a Stratford para estar con la familia que durante décadas abandonó. Shakespeare retirado. Mirando de frente el fuego, ese que destruyó a su Globe, pero también aquel que nunca, al menos según el director Kenneth Branagh y el guionista Ben Elton (dos obstinados con mostrar la vida del dramaturgo una y otra y otra vez), pudo apagar, ese duelo que hizo cenizas cada uno de sus pasos. Branagh juega otra vez a ser Bardo y trae consigo a la clase ABC1 shakespeariana: Judi Dench, Ian McKellen y Lydia Wilson. Elton y Branagh parecieran jugar: hacen una biopic destilada, canchera, de época, sí, pero también intencionalmente hereje (ya desde su nombre: ese era el título alternativo de Henry VIII). No es “Shakespeare, the Sitcom”, pero hay menos bronce y eso genera, de forma efervescente, muchas más nueces que ruido. JMD

After adapting his work countless times, Shakespeare specialist Kenneth Branagh directs and stars in this drama about the last days of the Bard, who, in 1613, decided to retire from writing and travel to Stratford to be with the family he had abandoned for decades. Retired Shakespeare. Looking straight at the fire, that which destroyed his Globe, but also that which he never, at least according to director Kenneth Branagh and screenwriter Ben Elton (both of them obstinate in showing the playwright’s life again and again) could never extinguish, that duel that turned each of its steps to ashes. Branagh pretends he’s the Bard once more and is accompanied by the Shakespearean who’s who: Judi Dench, Ian McKellen and Lydia Wilson. Elton and Branagh seem to be playing: they make a biopic that’s distilled, show-offy, a period piece, yes, but also an intentionally heretic film (right from its very name, which was the alternative title for Henry VIII). It’s not “Shakespeare, the Sitcom,” but there’s less bronze and that makes up for less ado and more something. JMD

Kenneth Branagh. (1960, Belfast, Irlanda del Norte). Es actor, productor, guionista y director de cine y teatro. Entre sus largometrajes se destacan Enrique V (1989), Mucho ruido y pocas nueces (1993, Bafici ‘16), Hamlet (1996) y Asesinato en el Expreso de Oriente (2017). (1960, Belfast, Northern Ireland). He is an actor, producer, screenwriter and film and theater director. His films include Henry V (1989), Much Ado About Nothing (1993), Hamlet (1996) and Murder on the Orient Express (2017).

Reino Unido - United Kingdom, 2018 101’ / D / COLOR / Inglés - English D: Kenneth Branagh / G: Ben Elton / F: Zac Nicholson E: Úna Ní Dhonghaíle / DA: James Merifield / S: Dillon Bennett M: Patrick Doyle / P: Kenneth Branagh, Ted Gagliano, Judy Hofflund, Becca Kovacik, Tamar Thomas / PE: Laura Berwick, Judy Hofflund, Matthew Jenkins, Becca Kovacik / : TKBC / I: Kenneth Branagh, Judi Dench, Ian McKellen, Jack Colgrave Hirst o / UIP - United International Pictures. Rosana Berlingeri T +54 11 4373 0261 E [email protected] W uip.com.ar ,

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trayectorias

Alpha, The Right to Kill Alpha, derecho a matar

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

En plena guerra contra el narcotráfico, un policía corrupto y su informante huyen de una violenta redada con una mochila llena de dinero y metanfetamina. Pronto ese gesto de supervivencia pondrá sus vidas y la de sus familias en peligro. Un oscuro y extremo thriller policial, made in Filipinas. Con una precisión casi milagrosa, el director sumerge al espectador en un mundo que bien podría representar alguna estación del infierno no del todo acreditada. Mendoza no parece inventar nada —no hay énfasis indebidos, no hay intención moral discernible, no hay tampoco atisbo de alguna improbable redención futura—, pero el escenario es el de un Goya menos estruendoso: aquí todo es horror, tedio, repetición, sudor, desesperanza. La comedia humana como un laberinto de transgresiones veladas, de maniobras nocturnas y de pasos hacia ninguna parte. Policial de un realismo extremo, hecho de suciedad y sordidez, Alpha, the Right to Kill discurre con la impavidez de un informe forense mientras sus protagonistas avanzan hacia el vórtice de una amargura radical. DO

In the midst of a war on drugs, a corrupt cop and his informant escape a violent raid with a backpack filled with money and methamphetamine. Soon, that survival gesture puts their lives and the lives of their families in danger. A dark, extreme cop thriller made in the Philippines. With an almost miraculous precision, the director submerges the viewer in a world that could well represent some not-sowell-known station in hell. It seems Mendoza is not inventing anything —there are no inappropriate emphases, a discernible moral intention or any hint of some unlikely future redemption—, but the scenery is that of a less outrageous Goya – here, everything is horror, tedium, repetition, sweat, despair. Human comedy as a labyrinth of veiled transgressions, night maneuvers and steps towards nowhere. A cop film of extreme realism, made of dirt and sordidness, Alpha, the Right to Kill flows with the composure of a forensic report while its protagonists approach the vortex of a radical bitterness. DO

Brillante ma. Mendoza. (1960, San Fernando, Filipinas). Estudió Publicidad en la Universidad de Santo Tomás, en Manila. Entre sus films se destacan Summer Heat (2006), Foster Child (2007), Tirador (2007, Bafici ‘08), Kinatay (2009, Bafici ‘10) y Captive (2012, Bafici ‘15). (1960, San Fernando, the Philippines). He studied Journalism and the Santo Tomás University in Manila. His films include Summer Heat (2006), Foster Child (2007), Slinghot (2007, Bafici ’08), Kinatay (2009, Bafici ’10), and Captive (2012, Bafici ’15).

Filipinas - Philippines, 2018 94’ / D / COLOR Filipino / Inglés - Philippine / English D, DA: Brillante Ma. Mendoza / G: Troy Espiritu / F: Joshua A. Reyles E: Diego Marx Dobles / S: Albert Michael Idioma / M: Diwa De Leon P: Carlo Valenzona / PE: Antonio Del Rosario / : Center Stage Productions / I: Allen Dizon, Elijah Filamor, Baron Geisler, Jalyn Taboneknek, Angela Cortez o / Memento Films International. Cyprien Muterel T +33 153 34 90 33 E [email protected] W international.memento-films.com

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careers

Aquarela PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Desde los lagos congelados de Rusia, pasando por los huracanes en Miami hasta arribar al medio del océano Atlántico, la hipnótica belleza y el poder incontrolable del agua se apoderan de Aquarela, una verdadera fiesta de imágenes y sonidos viscerales que acaparan todos los sentidos. En el suntuoso nuevo documental de Victor Kossakovski, hay agua por activa y por pasiva: el caos controlado de los planos rodados en el Salto Ángel de Venezuela, o el desastre posapocalíptico descrito en travellings hipnóticos sobre las secuelas del huracán Irma en Miami. También se ve la secuencia de acción más intrépida del año durante un larguísimo y estático plano secuencia en el siberiano Lago Baikal; es ahí donde Kossakovski enmienda la mayor parte del cine paisajista y pictórico de esta era digital. Aquarela es un festín visual sin precedentes que dignifica para el cine la experiencia de la imagen en HD. Pareciera que el director viene a actualizar la mística de ciertos planos acuosos de los grandes cineastas elementales de su patria, Dovzhenko y Tarkovski. AA

From the frozen lakes in Russia, through the Miami hurricanes and arriving at the middle of the Atlantic Ocean, the hypnotic beauty and the uncontrollable power of water take hold of Aquarela, a true feast of visceral images and sounds that capture all the senses. In the sumptuous new documentary by Victor Kossakovski, there’s active and ive water: the controlled chaos of the shorts filmed at Salto del Ángel, in Venezuela, or the postapocalyptic disaster described in hypnotic tracking shots of the aftermath of hurricane Irma in Miami. We also see the most intrepid action sequence of the year in a very long and static take at Lake Baikal in Siberia; this is where Kossakovski amends most of the landscapist, pictorial cinema of this digital age. Aquarela is an unprecedented visual feast that dignifies for theaters the experience of the HD image. It seems as though the director is trying to update the mystic of certain watery shots of one of the most important filmmakers of his land, Dovzhenko and Tarkovski. AA

Victor Kossakovsky. (1961, Leningrado, Unión Soviética). Fue operador de cámara, asistente y editor antes de dirigir sus propios films. Entre estos se destacan The Belovs (1993), Hush! (2002), Svyato (2005, Bafici ‘06) y ¡Vivan las antípodas! (2011). (1961, Leningrad, USSR). He was a camera operator, assistant and editor before he directed his own films. They include The Belovs (1993), Hush! (2002), Svyato (2005, Bafici ‘06) and ¡Vivan las antípodas! (2011).

Reino Unido / Alemania / Dinamarca / Estados Unidos United Kingdom / / Denmark / United States, 2018 89’ / D / COLOR Ruso / Inglés / Español - Russian / English / Spanish D: Victor Kossakovsky / G: Viktor Kossakovsky, Aimara Reques F: Victor Kossakovsky, Ben Bernhard / E: Victor Kossakovsky, Molly Malene Stensgaard, Ainara Vera / S: Alexander Dudarev M: Eicca Toppinen / P: Aimara Reques, Heino Deckert, Sigrid Dyekjær : Aconite Productions, ma.ja.de. Film, Danish Documentary o / UIP - United International Pictures. Rosana Berlingeri T +54 11 4373 0261 E [email protected] W uip.com.ar ,

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trayectorias

Divino Amor Divine Love

PREMIERE ARGENTINA / ARGENTINE PREMIERE

Brasil, 2027. El Partido del Amor Supremo suplanta al Carnaval como principal evento cultural del país. En un estudio de abogados, una mujer profundamente religiosa opera para evitar que las parejas se divorcien. Una distopía de fluorescencias celestes y rosas, con inquietantes resonancias actuales. En estos meses, el no siempre frecuente encuentro entre el cine latinoamericano actual y el poder de la imaginación está dando más frutos que de costumbre. Una película como Divino amor asume con aplomo y osadía —como Monos, como Breve historia del planeta verde— la potencia del cine para mostrarnos nuestras realidades aún más rarificadas, intensificadas, ampliadas en modo de sueño y también de pesadilla. Divino amor nos lleva a un futuro en el que ciertos modos de entender la religión han proliferado e inundado todo espacio para la incertidumbre. A la fe se le intentan extraer seguridades todo terreno, pero Gabriel Mascaro sabe —con una estética alucinada— usar el cine para dudar con no pocos vértigos, esos que emergen de las especulaciones más plausibles de la ciencia ficción. JPF

Brazil, 2027. The Supreme Love Party supplants the Carnival as the main cultural event in the country. At a law firm, a deeply religious woman tries to prevent divorces. A dystopia of light-blue and pink fluorescence with disturbing current echoes. During these months, the not-very-frequent meeting between current Latin American cinema and the power of imagination is producing better results than it’s used to. A film like Divine Love assumes, with aplomb and boldness —like Monos, like Brief story from the green planet—, the power film has of showing our realities in an even more rarefied, intensified way, expanded like a dream and also like a nightmare. Divine Love takes us to a future in which certain ways of understanding religion have proliferated and flooded every space for uncertainty. Many try to extract all-terrain securities from faith, but Gabriel Mascaro knows —with a hallucinated aesthetic— how to use film to doubt with quite a few vertigos, those which come from the most plausible speculations of science-fiction. JPF

Gabriel Mascaro. (1983, Recife, Brasil). Se graduó en Comunicación Social en la Universidad Federal de Pernambuco. Dirigió KFZ-1348 (2008), Um lugar ao sol (2009), ambos exhibidos en Bafici ‘09, Domestica (Bafici ‘13) y Boi Neon (Bafici ‘16). (1983, Recife, Brazil). He graduated in Social Communication at the Federal University of Pernambuco. He directed KFZ-1348 (2008), Um lugar ao sol (2009), both shown at Bafici ‘09, Domestica (Bafici ‘13) and Boi Neon (Bafici ‘16).

Brasil / Uruguay / Noruega / Dinamarca Brazil / Uruguay / Norway / Denmark, 2019 100’ / D / COLOR Portugués - Portuguese D: Gabriel Mascaro / G: Gabriel Mascaro, Rachel Ellis / F: Diego Garcia E: Livia Serpa, Eduardo Serrano, Fernando Epstein, George Cragg DA: Thales Junqueira / S: Roberto Espinoza / M: Juan Campodónico, Santiago Marrero, Otávio Santos / P: Rachel Daisy Ellis PE: Vincent Wang, José Alvarenga Jr. / : Desvia Produções I: Dira Paes, Julio Machado, Emilio de Melo

o / Memento Films International. Cyprien Muterel T +33 153 349 033 E [email protected] W international.memento-films.com [21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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careers

Earth

Erde / Tierra PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

Los humanos mueven anualmente miles de millones de toneladas de tierra con palas, excavadoras o dinamita. Elegantes planos fijos y la voz de los propios trabajadores en minas, canteras y grandes sitios de construcción muestran la lucha y el deseo constante del hombre por apropiarse del planeta. Como si se tratase de una precuela de Homo Sapiens, Nikolaus Geyrhalter retrata en Earth siete grandes transformaciones del paisaje terrestre, dos en América del Norte, cinco en Europa, la mayoría relacionadas con actividades mineras. “Movemos montañas”, dice un obrero californiano cuando se le interroga sobre su trabajo. Porque, esa es la principal diferencia con las desiertas estructuras de Homo Sapiens, en Earth van adquiriendo una progresiva importancia las entrevistas al personal que participa en esas grandes operaciones, al principio un tanto informativas, pero cargadas de un comprometido discurso medioambiental que poco a poco, mientras se suceden las explosiones frente a la cámara, va condicionando nuestra mirada. Jaime Pena

Each year, humans move thousands of millions of tons of earth with shovels, diggers of dynamite. Elegant fixed shots and the voice of the workers themselves at mines, quarries and large construction sites show the struggle and the constant desire of man to appropriate the planet. As though it were a prequel to Homo Sapiens, Nikolaus Geyrhalter depicts, in Earth, seven great transformations of the landscape, two in North America, five in Europe, most of them relating to mining activities. “We move mountains,” a Californian worker says when he’s asked about his job. Because, and that is the main difference with the deserted structures in Homo Sapiens, in Earth, the interviews to the personnel that takes part in those big operations become increasingly important -at first, they are a bit informative, but feature a committed environmental discourse that, little by little, while the explosions happen on camera, conditions our eye. JP

Nikolaus Geyrhalter. (1972, Viena, Austria). A los 22 años fundó su propia compañía, Nikolaus Geyrhalter Filmproduktion. Dirigió entre otros Elsewhere (Bafici ‘03), Our Daily Bread (2005, Bafici ‘06), Over the Years (Bafici ‘15) y Homo Sapiens (Bafici ‘16). (1972, Vienna, Austria). At 22, he founded his own company, Nikolaus Geyrhalter Filmproduktion. He directed, among others, Elsewhere (Bafici ‘03) Our Daily Bread (2005, Bafici ‘06), Over the Years (Bafici ‘15) and Homo Sapiens (Bafici ‘16).

Austria, 2019 115’ / D / COLOR Inglés / Alemán / Español / Italiano / Húngaro English / German / Spanish / Italian / Hungarian

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D, G, F: Nikolaus Geyrhalter / E: Niki Mossböck / S: Florian Kindlinger P: Michael Kitzberger, Nikolaus Geyrhalter, Markus Glaser, Wolfgang Widerhofer / : Nikolaus Geyrhalter Filmproduktion o / Ulrich Seidl Film Produktion T +43 1 310 28 24 E [email protected] W ulrichseidl.com

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trayectorias

Genèse

Genesis / Génesis PREMIERE ARGENTINA / Argentine PREMIERE

Guillaume es el humorista de su clase, aunque esconde un secreto incómodo. Charlotte ve cómo su relación con Maxime entra en una nueva etapa. Genèse trata con humor y cariño a sus personajes, adolescentes que transitan el éxtasis del primer amor y su carga de alegría, dolor y confusión. Sobre el final de Genèse, Philippe Lesage hace reaparecer a su alter ego preadolescente de Les Démons, Felix, para enfrentarlo ya no a los miedos del fin de la infancia, sino a la agitación del primer amor. Del temor al temblor, de la oscuridad al sol radiante y de la pesadilla al despertar del deseo, el episodio sirve como una coda (la analogía musical es intencionada: el cine de Lesage se ve y se escucha con el mismo placer) luminosa y purificadora a la complicada educación sentimental de Guillaume y Charlotte. Y quizá también sirva para aclarar el título bíblico de la tercera ficción del canadiense, raro caso de director con un programa —estético, ético, cinematográfico— de enorme ambición y con las herramientas para concretarlo: en el principio, parece sugerirnos Lesage, fue el amor. AM

Guillaume is the clown of his class, although he hides an unconfortable secret. Charlotte sees how her relationship with Maxime enters a new stage. Genèse treats with humor and affection its characters, teenagers who live through the ecstasy of the first love and its charge of joy, pain and confusion. Near the end of Genèse Philippe Lesage conjures up Felix, his pre-teenage alter ego in The Demons, in order to make him face not the fears of the end of childhood, but the stirrings of the first love. From fear to trembling, from darkness to blazing sun and from nightmare to the awakening of love, the episode works as a purifying and luminous coda (the musical analogy is intentional: Lesage’s films are seen and heard with the same pleasure) to Charlotte and Guillaume’s complicated sentimental education. And it may also be useful to explain the biblical title of the third film of this Canadian director, a rare case of a filmmaker with a program (at once aesthetic, ethic, cinematographic) of an enormous ambition and the right tools to carry it out; in the beginning, Lesage seems to suggest, there was love. AM

Philippe Lesage. (1977, Quebec, Canadá). Es director, guionista, productor y director de fotografía. Fue profesor de Cine en Dinamarca. Entre otras películas, realizó The Heart that Beats (2010), Les Démons (Bafici ‘16) y Copenhague. A Love History (Bafici ‘17). (1977, Quebec, Canada) Director, screenwriter and photography director. He has taught cinema in Denmark. Among other films, he has directed The Heart that Beats (2010), The Demons (Bafici ‘16) and Copenhague. A Love History (Bafici ‘17).

Canadá - Canada, 2018 130’ / D / COLOR Francés - French D, G: Philippe Lesage / F: Nicolas Canniccioni E: Mathieu Bouchard-Malo / DA: Marjorie Rhéaume S: Sylvain Brassard / P: Galilé Marion-Gauvin / : L’Unité Centrale I: Noée Abita, Theodore Pellerin, Édouard Tremblay-Grenier, Pier-Luc Funk, Émilie Bierre o / Be For Films. Karlijn Copman T +32 496 94 76 08 E [email protected] W beforfilms.com

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Gloria Bell PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Gloria es una alegre mujer divorciada que pasa sus noches en las discos de Los Ángeles. Cuando conoce a Arnold, la llegada del amor la lleva a vivir divertidas situaciones. Reversionando su propia película de 2013, Lelio hace brillar a Julianne Moore en su búsqueda constante de la felicidad. Después de la ganadora del Oscar Una mujer fantástica y de Disobedience (Bafici ‘18), el chileno Sebastián Leilo continúa en Hollywood. Lo bizarro es que lo hace volviendo a su Gloria, aquella perfecta captura de ese instante en el que la sensata y sensible Gloria (Paulina García) se enamoraba a los cincuenta años en Santiago. La remake de Gloria podía ser un gesto hueco. Pero no: Julianne Moore pidió por Leilo o no había film, y ahora Gloria Bell es, claro, una remake, pero también es un emocionante cover casi idéntico en todas sus escenas. Gloria/ Moore baila y todo es rociado de alegría, de vitalidad, de una forma distinta de mostrar una mujer, su seguridad, su genuinas ganas, sus errores y su forma de hacer todavía más invencible a “Total Eclipse of The Heart”. JMD

Gloria is a happy divorcee who spends her nights at Los Angeles’ discos. When she meets Arnold, love’s arrival leads her to experiencing some fun situations. A new version of his Lelio’s own film from 2013, in which he makes Julianne Moore shine in her constant search for freedom. After the Oscar-winning A Fantastic Woman and Disobedience (Bafici ‘18), Chilean director Sebastián Lelio continues in Hollywood. The bizarre thing is that he does so by going back to his own Gloria, that perfect capturing of that instant in which sensible and sensitive Gloria (Paulina García) fell in love in Santiago at fifty. Gloria’s remake could have been an empty gesture. But it’s not Julianne Moore asked for Lelio or there would have been no film, and now Gloria Bell is, of course, a remake, but it’s also a touching cover version, almost identical in every scene. Gloria/Moore dances and everything becomes sprinkled with joy, with vitality, with a different way of showing a woman, her security, her genuine will, her mistakes and her way of making “Total Eclipse of the Heart” even more invincible. JMD

Sebastián Lelio. (1974, Santiago, Chile). Egresó de la Escuela de Cine de Chile. Dirigió los largometrajes Sagrada Familia (Bafici ‘05), Navidad (2009, Bafici ‘10), Una mujer fantástica (2017, ganadora del Oscar) y Disobedience (2017, Bafici ‘18). (1974, Santiago, Chile). He graduated from the Chile Film School. He directed the features Sagrada familia (Bafici ‘05), Navidad (2009, Bafici ‘10), A Fantastic Woman (2017, Oscar winner) and Disobedience (2017, Bafici ‘18).

Chile / Estados Unidos - Chile / United States, 2018 102’ / D / COLOR / Inglés - English D, G: Sebastián Lelio / F: Natasha Braier / E: Soledad Salfate DA: Dan Bishop / S: Anthony Enns, Mauricio López M: Matthew Herbert / P: Juan de Dios Larraín, Pablo Larraín, Sebastián Lelio / PE: Julianne Moore, Shea Kammer, Rocio Jadue, Ben Browning, Glen Basner / : Fabula, FilmNation Entertainment I: Julianne Moore, John Turturro, Michael Cera, Caren Pistorius, Brad Garrett o / UIP - United International Pictures. Rosana Berlingeri T +54 11 4373 0261 E [email protected] W uip.com.ar ,

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trayectorias

Her Smell PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

La última película de Alex Ross Perry arremete con la energía corrosiva del grunge. Estrella en los 90, Becky Something (Elisabeth Moss) es insolencia y autodestrucción, pero hoy sus embistes narcisistas comprometen a la banda. Becky debe hallar pronto el impulso creativo que resucite su carrera. Her Smell es la más tóxica de las desesperanzas filmadas por Alex Ross Perry. Incluso más que sus broncas con ciertas criaturas neoyorkinas (Queen of Earth, Listen Up, Philip). Pero es también la más redentora e iluminada de sus desesperaciones. Aquí Ross Perry decide ver apagarse a una celebridad, una del grunge en hora pico (ya lo dijo él una y otra vez: “¡No está basada en Courtney Love!”.): la voz de Becky Something, cantante de Something She (Elisabeth Moss, radiactiva en todas sus intensidades). Encontramos a Becky en modo diablo: donde pisa es una supernova de crueldad, casi más Norma Desmond que cualquier otra fuerza de la naturaleza. Y Ross Perry nos encierra con su loba para verla morder, aullar, roer, caer y lamerse las heridas. Es una película hereje de su propia oscuridad: es su propia estrella. JMD

The latest film by Alex Ross Perry charges at us with the corrosive energy of grunge. A ‘90s’ star, Becky Something (Elisabeth Moss) is pure insolence and self-destruction, but today, her narcissistic fits compromise the band. Becky must soon find the creative impulse that will resurrect her career. Her Smell is the most toxic of the despairs shot by Alex Ross Perry. Even more than his quarrels with certain New York creatures (Queen of Earth, Listen Up, Philip). But it is also the most redemptive and enlightened of his despondencies. Here, Ross Perry decides to look at a celebrity as she fades away –a rushhour grunge celebrity (and he has said it over and over again: she’s not based on Courtney Love!): the voice of Something She vocalist Becky Something (Elisabeth Moss, radioactive in her intensities). We find Becky in devil mode: wherever she is, she’s a supernova of cruelty, almost more Norma Desmond than any other force of nature. And Ross Perry locks us in with his she-wolf in order for us to see her bite, howl, chew, fall and lick her own wounds. The film is heretic of its own darkness: it’s its own star. JMD

Alex Ross Perry. (1984, Bryn Mawr, Estados Unidos). Director, guionista y productor. En 2017 el Bafici le dedicó una retrospectiva con sus cinco largos dirigidos hasta entonces, entre ellos, Analizando a Philip (2014) y Golden Exits (2017). (1984, Bryn Mawr, USA). A director, screenwriter and producer. In 2017, Bafici did a retrospective of the five films he had directed so far, including Listen Up, Philip (2014) and Golden Exits (2017).

Estados Unidos - United States, 2018 135’ / D / COLOR / Inglés - English D, G: Alex Ross Perry / F: Sean Price Williams / E: Robert Greene DA: John Arnos / S: Patrick Southern / M: Alicia Bognanno, Anika Pyle P: Matthew Perniciaro, Michael Sherman, Adam Piotrowicz, Elisabeth Moss, Alex Ross Perry / PE: Christos V. Konstantakopoulos : Bow and Arrow Entertainment / I: Elisabeth Moss, Cara Delevingne, Dan Stevens, Agyness Deyn, Gayle Rankin o / Bow and Arrow Entertainment. Kesly Olvk T +1 323 378 5070 E [email protected] W bowandarrow.la

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I diari di Angela - Noi due cineasti

Angela’s Diaries / Los diarios de Angela - Nosotros dos, cineastas PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Fragmentos del diario personal de Angela Ricci Lucchi son leídos por su esposo, el también cineasta Yervant Gianikian, sobre el fondo de sus imágenes privadas, en las que desfilan sus viajes a Rusia, a Estados Unidos o pequeños libros chinos. Un acto de amor hacia Angela, fallecida el año pasado. Una de las películas más bellas, emotivas y humildes de los últimos tiempos, I diari di Angela – Noi due cineasti es el homenaje de Yervant Gianikian a su compañera de más de cuarenta años, Angela Ricci Lucchi, fallecida hace uno. Gianikian le cede la voz a los diarios del último periodo de su carrera, al recuerdo de homenajes, exposiciones y retrospectivas, pero, sobre todo, del proyecto que ocupó buena parte de sus vidas desde finales de los 80 y que se materializó en la exposición “Journey to Russia” (1989-2017). Esta película es como el cuaderno de aquel y otros viajes, los documentos, las imágenes, los objetos y los textos que conforman la memoria más íntima de una irrepetible pareja de cineastas. JP

Fragments of the journal of Angela Ricci Lucchi are read out by her husband, the filmmaker Yervant Gianikian, against the backdrop of their private images, in which we can see their trips to Russia, the United States or small Chinese books. An act of love towards Angela, who died last year. One of the most beautiful, emotional and humble movies of the last years, I diari di Angela - Noi due cineasti is Yervant Gianikian’s homage to her partner for over forty years, Angela Ricci Lucchi, who died a year ago. Gianikian gives voice to the journals of the last period of her career, to the memories of homages, exhibitions and retrospectives but, especially, of the project that took up a great deal of their lives since the end of the 1980s and the materialized in the exhibition Journey to Russia (1989-2017). This movie is like the logbook of that and other journeys; the documents, the images, the objects and the texts that make up the most intimate memory of an unrepeatable couple of filmmakers. JP

Yervant Gianikian. Gianikian (1942, Merano, Italia) conformó con Angela Ricci Lucchi una dupla creativa que, desde los 70, realizó decenas de films, como Dal Polo all´Equatore (1986) y Ghiro ghiro tondo (2007). En 2008 el Bafici les dedicó un foco. Gianikian (1942, Merano, Italia) and Angela Ricci Lucchi made up a creative duo that, starting in the 1970s, shot dozens of films, such as Dal Polo all’Equatore (1986) and Ghiro ghiro tondo (2007). In 2008, Bafici did a focus on them.

Italia - Italy, 2018 120’ / D / COLOR Italiano - Italian

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D, G: Yervant Gianikian / E: Yervant Gianikian, Luca Previtali P: Beatrice Bulgari / : In Between Art Film I: Yervant Gianikian, Angela Ricci Lucchi o / In Between Art Film. Alessia Carlino T +39 068 066 0380 W inbetweenartfilm.com

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trayectorias

Loro

Them - Ellos PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Corrupción, drogas y sexo. Los excesos y el hedonismo de Silvio Berlusconi y su séquito encuentran su perfecto (y grotesco) retrato en el nuevo film de Sorrentino. Suerte de “el lado oscuro de Fellini”, Loro captura cuatro años en la vida de uno de los políticos más controvertidos de la Europa moderna. A Paolo Sorrentino todo minimalismo, sutileza y restricción estilística en aras de la sobriedad le resultan ajenos. Es un director que hace películas de una poética y una potencia celebradas con el mismo consenso que ante el cine italiano de hace décadas, de cuando Fellini, Bertolucci o Monicelli. Sorrentino es uno de los escasos continuadores convencidos de las formas de aquellos expansivos gigantes de su tradición nacional, alguien que busca seducir a los espectadores desde el primer segundo, alguien convencido de hacer rebalsar las películas. Este retrato político y estético de Silvio Berlusconi es otra prueba del talento omnívoro de Sorrentino para animarse —siempre en movimiento y musicalmente— a las mayores bellezas y a las mayores monstruosidades, esas aparentemente imposibles pero reales. JPF

Corruption, drugs and sex. The excesses and hedonism of Silvio Berlusconi and his entourage find its perfect (and grotesque) portrait in Sorrentino’s new film. Sart of a“dark side of Fellini,” Loro captures four years in the life of one of the most controversial politicians of modern Europe. Paolo Sorrentino doesn’t know of minimalism, subtlety or stylistic restriction for the sake of sobriety. He is a director who makes films of unanimously celebrated power and poetry, as Italian cinema did a few decades ago, in the times of Fellini, Bertolucci or Monicelli. Sorrentino is one of the few convinced continuators of the forms of those expansive giants of his national tradition, someone who seeks to seduce the viewers from the first second, who is convinced that movies must overflow. This aesthetic and political portrait of Silvio Berlusconi is another proof of Sorrentino’s omnivorous talent to dare and achieve —always in motion and musically— the greatest beauty and the greatest monstrosity, those that are apparently impossible but still real. JPF

Paolo Sorrentino. (1970, Nápoles, Italia). Estudió Economía y Comercio en la Universidad de Nápoles Federico II, pero abandonó la carrera para dedicarse al cine. Escribió y dirigió los largometrajes Il Divo (2008, Bafici ‘09) y La grande bellezza (2013), entre otros. (1970, Naples, Italy) He studied Economics and Commerce at the University of Naples Federico II, but he abandoned to dedicate himself to cinema. He has written and directed the features Il Divo (2008, Bafici ‘09) and The Great Beauty (2013), among others.

Italia / Francia - Italy / , 2018 150’ / D / COLOR / Italiano - Italian D: Paolo Sorrentino / G: Paolo Sorrentino, Umberto Contarello F: Luca Bigazzi / E: Cristiano Travaglioli / DA: Cristina Vittoria Marazzi S: Emanuele Cecere / M: Lele Marchitelli / P: Nicola Giuliano, sca Cima, Carlotta Calori / PE: Gennaro Formisano : Pathé International / I: Toni Servillo, Elena Sofia Ricci, Riccardo Scamarcio, Kasia Smutniak o / The Festival Agency. Johannes Klein T +34 637 173 332 E [email protected] W thefestivalagency.com

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Maya PREMIERE ARGENTINA / Argentine PREMIERE

En el último trabajo de Mia Hansen-Løve, Gabriel, un corresponsal de guerra francés liberado de su cautiverio en Siria, es incapaz de reconstruir su vida. Al retornar a su hogar de la infancia en la India, el encuentro con Maya, una adolescente local, le permitirá hallar el rumbo que parecía perdido. Identidad y vocación siempre interesan a Hansen-Løve. Su hallazgo, las dudas, la imposibilidad de evadirlas están en El padre de mis hijos, Edén y El porvenir (aunque se relacionen con temas tan diversos como la producción de cine, la música electrónica o la filosofía). La estructura acuática que nos sumerge en esas vidas-ríos no teme al cambio de tono o de tema. Como en la primera de las citadas (en la que el protagonista desaparece a mitad del metraje), la división, el díptico o espejo es aquí evidente. El protagonista, reportero de guerra, sufre las consecuencias de un trabajo tan peligroso como excitante, esencial (por su inherencia y brutalidad). El viaje a la India (regreso, descanso, evasión, búsqueda) abre la puerta a otra sensibilidad, otro ritmo, pero no a otra película. Fernando E. Juan Lima

In Mia Hansen-Løve’s latest film, Gabriel, a French war correspondent recently freed from captivity in Syria, is unable to rebuild his life. Upon returning to his childhood house in India, the encounter with Maya, a local teenager, will let him find the way he seems to have lost. Identity and vocation are two of Hansen-Løve’s persistent interests. Their discovery, the doubts and the impossibility to evade them are in Father of My Children, Eden and Things to Come —although they are related to topics as diverse as film production, electronic music or philosophy. The aquatic structure that submerges us into those life-rivers doesn’t fear the change of tone or topic. As in the first of the aforementioned movies —in which the protagonist disappears in the middle of the film—, the division, the diptych or mirror are here evident. The protagonist, a war correspondent, suffers the consequences of a job as dangerous as exciting and essential —due to its inherence and brutality. The journey to India (return, rest, evasion, search) opens the door to another rhythm, another sensitivity, but not to another film. FEJL

Mia Hansen-Løve. (1981, París, Francia). Realizó estudios en filosofía y artes dramáticas. Fue redactora en Cahiers du cinéma. Dirigió entre otros los largometrajes Tout est pardoneé (2007, Bafici ‘08), Un amour de jeunesse (Bafici ‘12) y L´Avenir (Bafici ‘16). (1981, Paris, ). She studied Philosophy and Drama. She was a staff writer at Cahiers du Cinéma. She has directed, among others, the features All Is Forgiven (2007, Bafici ‘08), Goodbye First Love (Bafici ‘12) and Things to Come (Bafici ‘16).

Francia - , 2018 105’ / D / COLOR Francés / Inglés - French / English

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D, G: Mia Hansen-Løve / F: Hélène Louvart / E: Marion Monnier S: Vincent Vatoux / M: Raphaël Hamburger / P: Philippe Martin, David Thion / : Les Films Pélléas / I: Aarshi Banerjee, Roman Kolinka, Alex Descas, Judith Chemla, Johanna ter Steege o / Orange Studio. Guillaume Lustig T +33 1 44 44 98 92 E [email protected] W orange-studio.fr

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trayectorias

Meeting Gorbachev Conociendo a Gorbachov

PREMIERE ARGENTINA / Argentine PREMIERE

Meeting Gorbachev es un atípico documental para Herzog, y la principal razón reside en su sabio e incontrolable entrevistado, Mijaíl Gorbachov. Con iración y respeto, el director le cede la palabra al octavo y último presidente de la URSS, un hombre que cambió el curso de la historia. Encontrarme con Gorbachov tres veces en un lapso de seis meses fue una experiencia fascinante y reveladora. Estaba ansioso no por filmar una biografía, sino por intentar entender el carácter de una figura tan importante. Aquí había un hombre que cambió el curso del siglo y cuyas acciones transformaron el mundo en el que crecí; pero en Moscú encontré una figura algo trágica y solitaria, rodeada de gente que lo culpaba por la pérdida de la Unión Soviética y por no cumplir las promesas de la perestroika y la glásnost con las que esperaba mejorar sus vidas. Nuestras conversaciones fueron francas y abarcativas. Aunque Mijaíl no estaba bien físicamente, su inteligencia, su carisma y su determinación eran aún agudos e iluminadores y fue un placer haber podido conocer a un genio carismático, genuino y relevante del siglo XX. Werner Herzog

Meeting Gorbachev is an atypical documentary for Herzog, and the main reason lies in its wise and uncontrollable interviewee, Mikhail Gorbachev. With iration and respect, the director gives the floor to the eighth and last president of the USSR, a man who has changed the course of human history. Meeting Gorbachev three times over a six-month period was a fascinating and enlightening experience. I was anxious not to film a biography of him but to try to understand the character of such an important figure. Here was a man who changed the course of the century and whose actions transformed the world I grew up in; yet in Moscow, I found a somewhat tragic and lonely figure, surrounded by people who blamed him for the loss of the Soviet Union and for not fulfilling the promises of perestroika and glasnost that he had hoped would improve their lives. Our conversations were frank and wide-ranging. Although Mikhail was not physically well, his intelligence, charisma and sense of purpose were still sharp and illuminating and it was a pleasure to have been able to meet such a charismatic, genuine and significant giant of the 20 t h century. WH

Werner Herzog & André Singer. Herzog (1942, Múnich, Alemania) es director, guionista, productor y actor. Filmó más de 60 películas como Fitzcarraldo (1982), Cave of Forgotten Dreams (2010, Bafici ‘11) y Death Row (Bafici ‘12). Singer (1945, San Pablo, Brasil), frecuente colaborador de Herzog, es productor y director de cine documental. Herzog (1942, Munich, ) is a director, screenwriter, producer and actor. He has shot over 60 movies, among them Fitzcarraldo (1982), Cave of Forgotten Dreams (2010, Bafici ‘11) and Death Row (Bafici ‘12). Singer (1945, São Paulo, Brazil), Herzog’s frequent collaborator, is a producer and documentary filmmaker.

Estados Unidos / Reino Unido / Austria United States / United Kingdom / Austria, 2018 91’ / D / COLOR / Inglés - English D: Werner Herzog, André Singer / G: Werner Herzog / F: Yuri Burak, Richard Blanshard / E: Michael Ellis / M: Nicholas Singer P: Lucki Stipetic, Svetlana Palmer / PE: Richard Melman, Molly Thompson, Eli Lehrer / : A&E, Spring Films, Werner Herzog Film / I: Mikhail Gorbachov o / Werner Herzog Film. Lucki Stipetic T +43 1 512 9444 E [email protected] W wernerherzog.com

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Mektoub, My Love: Canto uno PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Un verano eterno de puestas de sol, playa y sexo en el Mediterráneo conforman esta pastoral romántica ambientada en los años 90. Tras La vida de Adèle, Kechiche vuelve a enfocarse en los jóvenes y sus cuerpos, en sus posibilidades y límites, y en las mil y una formas en las que circula el deseo. Crónica de un verano en el sur de Francia, el de 1994, Mektoub, My Love: Canto uno comienza con el regreso de Amin, estudiante de cine y con vocación de fotógrafo, a su villa natal desde París. El reencuentro con su amplia familia estará siempre condicionado por Ophélie, su amiga de la infancia y amor secreto. La mirada de Amin se confunde con la de Kechiche, una mirada sensual y voyerística que se recrea en los cuerpos femeninos, en la comida, el alcohol, los bailes, las playas, el sexo, los besos y los abrazos. Puro placer visual que, más que contar la historia de una serie de amores cruzados, traduce en sus largas secuencias el espíritu de una joie de vivre vinculada al verano y a los primeros amores, los más inciertos y los más apasionados. JP

An eternal summer with its sunsets, beaches and sex in the Mediterranean makes up this romantic pastoral set in the 1990s. After Blue Is The Warmest Color, Kechiche focuses once more on the young and their bodies, on the possibilities and limits and the myriad ways in which desire circulates. Chronicle of a summer in southern , —that of 1994—, Mektoub, My Love: Canto Uno starts with Amin’s return from his home town to Paris. He is a film student and a vocational photographer. The reencounter with his big family will always be conditioned by Ophélie, his childhood friend and secret love. Amin’s gaze mixes up with Kechiche’s; it is a sensual and voyeuristic look that takes pleasure in female bodies, food, alcohol, dances, beaches, sex, kisses and hugs. Pure visual enjoyment that, more than telling the story of a series of entangled love affairs, transmits in its long sequences a sort of joie de vivre related to summer and first loves, the most ionate and uncertain. JP

Abdellatif Kechiche. (1960, Túnez, Túnez). Radicado en Francia desde niño, es también actor, guionista y productor. Dirigió entre otros los largometrajes L’Esquive (Bafici ‘05), Cuscús (2007), Vénus noire (2010) y La vida de Adèle (2013). (1960, Tunisia, Tunisia) Director, actor, screenwriter and producer. He has lived in since he was a kid. He has directed, among other features, L’Esquive (Bafici ‘05), La Graine et le mulet (2007), Vénus noire (2010) and Blue is the Warmest Color (2013).

Francia / Italia - / Italy, 2018 181’ / D / COLOR / Francés - French

o / The Festival Agency. Johannes Klein T +34 637 173 332 E [email protected] 152

D: Abdellatif Kechiche / G: Abdellatif Kechiche, Ghalia Lacroix F: Marco Graziaplena / E: Nathanaëlle Gerbeaux, Maria Giménez Cavallo / DA: Léa Alric / S: Thomas Brzustowski M: Rémi Barbot / P: Abdellatif Kechiche, Ardavan Safaee, Jérôme Seydoux / PE: Amedeo Bacigalupo, Donatella Botti, Ginevra Elkann, sco Melzi d’Eril / : Pathé International I: Ophélie Bau, Shaïn Boumedine, Salim Kechiouche, Hafsia Herzi, Lou Luttiau

W thefestivalagency.com

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trayectorias

Nuestro tiempo Our Time

PREMIERE ARGENTINA / Argentine PREMIERE

En el nuevo encuentro de Reygadas con el Bafici, Esther y Juan se dedican a la cría de toros de pelea en un rancho, en el campo mexicano. Ella istra el negocio y él, un reconocido poeta, cría y selecciona las bestias. Cuando Esther se enamore de un tercero, la pareja deberá luchar para superar la crisis. Carlos Reygadas tira toda la carne al asador. No es que no lo haya hecho antes: en su ópera prima, Japón, ya estaban presentes las marcas obsesivas y obcecadas que lo acompañarían durante su carrera. Pero, en Nuestro tiempo, el mexicano no solo escribe, dirige y edita, sino que también protagoniza —junto a su esposa, la montajista Natalia López, y sus hijos— un retrato de la crisis de pareja que desnuda a los personajes/personas de manera frontal y brutal. Con lejanos dejos bergmanianos y las descollantes composiciones fotográficas típicas de su cine (la topografía del western se cuela por momentos en la trama íntima), Juan y Esther manejan su rancho de toros para corridas mientras el concepto de “relación abierta” es acechado por los fantasmas del siempre frágil comportamiento humano. Diego Brodersen

In Reygadas’ new encounter with Bafici, Esther and Juan raise bulls in a ranch in the Mexican countryside. She isters the business and he, an acclaimed poet, brings up and picks the beasts. When Esther falls in love with another man, the couple will have to struggle to overcome the crisis. Carlos Reygadas holds nothing back here. Not that he has done it before: his first film, Japan, already featured the obstinate and obsessive marks that would accompany him throughout his career. But in Our Time the Mexican not only writes, directs and edits but also performs (along with his wife, the editor Natalia López, and their kids) a portrait of a couple in crisis that brutally and frankly strips the characters bare —and also the people who play them. With faint Bergmanesque touches and the outstanding photographic compositions typical of his cinema (the topography of westerns sneaks at times into the intimate plot), Juan and Esther run their ranch of fighting bulls as the concept of “open relationship” is stalked by the ghosts of the ever-fragile human behavior. DB

Carlos Reygadas. (1971, México, México). Estudió Derecho Internacional y fue diplomático. Dirigió los largometrajes Japón (2002, Bafici ‘03), Batalla en el cielo (2005), Luz silenciosa (2007, Bafici ‘08) y Post Tenebras Lux (2012, Bafici ‘13). (1971, Mexico City, Mexico). He studied International Law and worked as a diplomat. He has directed the features Japan (2002, Bafici ‘03), Battle in Heaven (2005), Silent Light (2007, Bafici ‘08) and Light After Darkness (2012, Bafici ‘13).

México / Francia / Alemania / Dinamarca / Suecia Mexico / / / Denmark / Sweden, 2018 177’ / D / COLOR / Español / Inglés - Spanish / English D, G, E: Carlos Reygadas / F: Diego García / DA: Emmanuel Picault, Romain Flizot / S: Raúl Locatelli / P: Jaime Romandia, Carlos Reygadas : No Dream Cinema, Mantarraya Productions, The Match Factory, Snowglobe Film, LuxBox Films / I: Natalia López, Phil Burgers, Carlos Reygadas, Yago Martínez, Maria Hagerman o / The Match Factory T +49 221 539 709 0 E [email protected] W the-match-factory.com

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Répertoire des villes disparues Ghost Town Anthology / Repertorio de ciudades perdidas PREMIERE ARGENTINA / Argentine PREMIERE

La muerte de un adolescente en un accidente de auto afecta profundamente a los habitantes de un pequeño poblado en Quebec, Canadá. Sin embargo, todos evitan discutir las circunstancias de la tragedia. Côté regresa un año más al Bafici con este enrarecido drama que lo muestra en su mejor forma. El punto de partida de esta suerte de drama psicológico combinado con toques de comedia y un aire sobrenatural es muy simple, pero la historia va derivando hacia lugares inesperados. Un joven muere en un extraño accidente en un pueblo del interior de Québec y ese golpe a la tranquilidad de la abúlica población despierta en sus extravagantes habitantes una serie de confusiones, extraños comportamientos y aún más raras apariciones. El tono realista del principio va dando paso a un universo cada vez más fantasmagórico, en el que curiosos personajes, vivos y muertos, conviven entre sí. Una literal “ciudad fantasma”, llena de misterios y dolor. Y un giro cinematográfico bienvenido e inesperado del director canadiense. Diego Lerer

The death of a teenager in a car accident deeply affects the inhabitants of a little town in Quebec, Canada. However, everyone refuses to discuss the circumstances of the tragedy. Côté comes back to Bafici with this rarefied drama that shows him in great shape.

Denis Côté. (1973, Perth-Andover, Canadá). Estudió Cine en el Collège Ahuntsic de Montreal. Dirigió los largometrajes Les États Nordiques (2005, Bafici ‘06), Bestiaire (Bafici ‘12), Boris sans Béatrice (Bafici ‘16) y Ta peau si lisse (2017, Bafici ‘18), entre otros. (1973, Perth-Andover, Canada). He studied Cinema at the Collège Ahuntsic of Montreal. He has directed the features Les États Nordiques (2005, Bafici ‘06), Bestiaire (Bafici ‘12), Boris sans Béatrice (Bafici ‘16) and A Skin So Soft (2017, Bafici ‘18), among others.

Canadá - Canada, 2019 97’ / D / COLOR Francés - French

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The starting point of this sort of psychological drama combined with flashes of comedy and a supernatural air is very simple, but the story progressively drifts toward unexpected places. A youngster dies in a strange accident in a town in the interior of Québec and that blow to the calm of the apathetic place wakes in its eccentric inhabitants a series of confusions, strange behaviors and even stranger apparitions. The realistic tone of the beginning gives way to a progressively phantasmagoric universe in which curious characters, living and dead, coexist. A literal “ghost town”, full of mysteries and sorrow. And a cinematographic turn, both unexpected and welcome, for the Canadian director. DL

D, G: Denis Côté / F: François Messier-Rheault / E: Nicolas Roy DA: Marie-Pier Fortier / S: Yann Cleary, Frédéric Cloutier, Clovis Gouaillier / P: Ziad Touma / : Couzin Films / I: Jean-Michel Anctil, Normand Carrière, Larissa Corriveau, Josée Deschênes, Rémi Goulet o / Films Boutique. Isabel Ivars T +49 306 953 7850 E [email protected] W filmsboutique.com

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trayectorias

Shooting the Mafia Disparando a la mafia

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Durante años, el reino bárbaro de la mafia siciliana fue invisible para el resto del mundo. Pero todo cambió en los años 70, cuando Letizia Battaglia, fotoperiodista profesional, capturó sus brutales crímenes por primera vez. Inspirador documental acerca de una valiente y apasionada testigo. Letizia Battaglia es una fotógrafa italiana nacida en Palermo, Sicilia, sede de la famosísima Mafia. A través de su trabajo, ha registrado todos los aspectos de la sociedad palermitana, pero especialmente las consecuencias de la acción violenta del crimen organizado. La película recorre buena parte de su vida (hoy con más de ochenta años, pero la misma vitalidad de sus comienzos), incluyendo amoríos y amantes, entrelazada con la historia de los temibles mafiosi. En momentos en que se detecta una cierta tendencia a resaltar el carisma de los narcos colombianos, es bueno enterarse de la reacción de la sociedad siciliana ante la violencia mafiosa, algo bien registrado aquí. Dirige Kim Longinotto, una cineasta con una muy interesante carrera centrada en la situación de la mujer en el mundo. Gustavo Noriega

For years, the barbaric kingdom of the Sicilian mafia was invisible for the rest of the world. But everything changed during the ‘70s, when Letizia Battaglia, a professional photojournalist, captured their brutal crimes for the first time. Inspiring documentary about a brave, ionate witness. Letizia Battaglia is an Italian photographer born in Palermo, Sicily, headquarters of the famous Mafia. Through her work, she has captured all the aspects of Palermitan society, but especially the consequences of the violent actions of organized crime. The film goes through a large part of her life (she’s now more than eigthy but has the same vitality she had in her beginnings), including affairs and lovers, interlaced with the history of the fearsome mafiosi. In times when there’s a certain tendency to highlight the charisma of Colombian narcos, it’s good to find about the reaction of Sicilian society regarding mafia violence, something very well-captured here. Directed by Kim Longinotto, a filmmaker with a very interesting career centered in the situation of women around the world. GN

Kim Longinotto. (1952, Londres, Reino Unido). Estudió en la Escuela Nacional de Cine y TV. Dirigió, entre otros, los largometrajes Sisters in Law (2005, Bafici ‘06), Hold Me Tight, Let Me Go (2007, Bafici ‘08), Rough Aunties (2008, Bafici ‘09) y Pink Saris (2010, Bafici ‘11). (1952, London, UK). She studied at the National School of Film and TV. She directed, among other films, the features Sisters in Law (2005, Bafici ‘06), Hold Me Tight, Let Me Go (2007, Bafici ‘08), Rough Aunties (2008, Bafici ‘09) and Pink Saris (2010, Bafici ‘11).

Irlanda / Estados Unidos - Ireland / United States, 2019 97’ / D / COLOR - B&N Italiano - Italian D, G, F: Kim Longinotto / E: Ollie Huddleston / S: Michelle Fingleton M: Ray Harman / P: Niamh Fagan / PE: Dan Cogan, Jenny Raskin, Geralyn White Dreyfous, Lesley McKimm, Elena Foster : Lunar Pictures / I: Letizia Battaglia o / MetFilm Sales. Karen Simon T +44 20 8280 9117 E [email protected] W metfilmsales.com

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careers

Siempre sí Always Say Yes

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Héctor viaja de Hermosillo a Ciudad de México con el anhelo de posar desnudo para el colectivo de fotografía Feral. Su amigo Carlos eligió no acompañarlo y Héctor, decidido a experimentar su deseo sin límites, se promete decir siempre que sí mientras esté en la capital azteca. Un contrapicado hace que las luces estridentes recorten de pronto al protagonista y lo hagan lucir como si fuera una versión de Jon Voight en una plausible Perdidos en la noche mixteca. Sin el menor resto de pudor, con un desenfado pop y una elocuencia que acaso le pertenecen solo a sí mismo, Fuguet se despacha con una comedia ligeramente melancólica, con filtros de Instagram, canciones de Spotify, aplicaciones de todo tipo que dan cuenta de su indudable devoción contemporánea. Una película de levantes y encuentros sexuales intervenida por la tecnología y mediada por la cultura popular: el costado gay de las rancheras; con sudor, con amor, con sordidez, con cuerpos reales, con la soledad de los puestos de tacos a las cinco de la mañana y la obstinada desesperanza ante el nuevo día. DO

Héctor travels from Hermosillo to Mexico City with the hope of posing naked for photography collective Feral. His friend Carlos chose not to go with him, and Héctor, determined to experiment with his desire without limits, promises himself to always say yes while in the Aztec capital. A low-angle shot makes the strident lights suddenly outline the protagonist and make him look as though he were a version of Jon Voight in a plausible Midnight Cowboy mixteca. Without reservations of any kind, with a pop-like aplomb and an eloquence that perhaps only belong to himself, Fuguet delivers a slightly melancholy comedy, with Instagram filters, Spotify songs, all kinds of apps that show his unquestionable devotion for the contemporary. A film about cruising and sexual encounters intervened by technology and interceded by popular culture: the gay undertones of the rancheras; with sweat, with love, with sleaziness, with real bodies, with the lonesomeness of the taco stands at five in the morning and the obstinate despair in the face of the new day. DO

Alberto Fuguet. (1964, Santiago, Chile). Estudió Periodismo, fue crítico de cine y novelista. Dirigió los largos Velódromo (Bafici ‘10), Música campesina (Bafici ‘11), Locaciones: Buscando a Rusty James (Bafici ‘13) e Invierno (Bafici ‘15), entre otros. (1964, Santiago, Chile). He studied journalism, was a film critic and writes novels. He directed the features Velódromo (Bafici ‘10), Country Music (Bafici ‘11), Locaciones: Buscando a Rusty James (Bafici ‘13) and Invierno (Bafici ‘15), among others.

Chile / México - Chile / Mexico, 2019 104’ / D / COLOR Español - Spanish

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D, G: Alberto Fuguet / F: GeorgeX / E: Nicolás Arenas DA: Alex Velasco / S: Jesus Nuñez / M: Man Candy, La Playa P: Nicolás Arenas, Alberto Fuguet / PE: Arturo Oporto Iglesias : Cinépata, Feral, Matriarca / I: Gerardo Torres Ramírez, Pavel Akindog, Anty de la Vega, Lalo Santos o / Cinépata. Arturo Oporto Iglesias, Alberto Fuguet T +56 96192 2858 E [email protected] W cinepata.com

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trayectorias

So Long, My Son

Di jiu tian chang / Hasta luego, hijo mío PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

Abarcando más de tres décadas de historia china, So Long, My Son probablemente sea el film más ambicioso de Wang hasta la fecha. Un melodrama potente y tristemente bello en torno a dos amigos, sus respectivas familias, el paso del tiempo, las tragedias de la vida y un país en constante cambio. El cineasta chino más elusivo de la denominada “Sexta generación” ha hecho una película que tiene de todo: historia, familia, drama, trauma; elementos que atraviesan varias décadas, desde los tramos más convulsos de la Revolución Cultural hasta nuestros días; y la destreza suficiente como para sostener la atención del espectador mientras las escenas se deslizan por los vericuetos de la intimidad de los personajes sin abandonar el marco de la historia con mayúsculas que los contiene. Los flashbacks de la película constituyen una maquinaria perfecta, capaz de dotar a las imágenes de un carácter vertiginoso que la acumulación de subtramas no alcanza nunca a impugnar. So Long, My Son desdeña la idea de fresco cinematográfico para evocar el latido secreto de un país desconocido. DO

Spanning more than three decades of Chinese history, So Long, My Son is probably Wang’s most ambition film so far. A potent, sadly beautiful melodrama about two friends, their respective families, the ing of time, the tragedies of life and a country in constant change.

Wang Xiaoshuai. (1966, Shanghái, China). Estudió en la Academia de Cine de Pekín. Dirigió varios largometrajes, como Beijing Bicycle (2001) y Red Amnesia (2014). En 2003 el Bafici proyectó el film colaborativo After War (2002), que incluía su segmento “The New Year”. (1966, Shanghai, China). He studied at the Beijing Film Academy. He directed many features, like Beijing Bicycle (2001) and Red Amnesia (2014). In 2003, Bafici screened the collaborative film After War (2002), which included his segment “The New Year.”

China, 2019 / 180’ / D / COLOR Chino - Chinese

The most elusive Chinese filmmaker of the so-called “Sixth Generation” has made a film that has it all: history, family, drama, trauma; elements that span many decades, from the most agitated periods of the Cultural Revolution to present day; and enough skill to keep the audience interested while the scenes slide through the narrow paths of the characters’ intimacy without abandoning the historical framework that contains them. The film’s flashbacks constitute a perfect mechanism, capable of giving the images a sense of vertigo that the accumulation of subplots never refutes. So Long, My Son rejects the idea of cinematic fresco in order to evoke the secret heartbeat of an unknown country. DO

D: Wang Xiaoshuai / G: A Mei, Wang Xiaoshuai / F: Kim Hyun-seok E: Chatametikool Lee / DA: Lv Dong / S: Fu Kang / M: Dong Yingda P: Liu Xuan / PE: Wang Xiaoshuai, Yang Wei, Wang Hai, Han Jianv, He Junyi / : Dongchung Films, Hehe Pictures, FunShow Culture Communication Beijing / I: Wang Jingchun, Yong Mei, Qi Xi, Wang Yuan, Du Jiang o / The Match Factory T +49 221 539 709 0 E [email protected] W the-match-factory.com

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careers

Summer Leto / Verano

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Leningrado, verano de 1981. El rock irrumpe con vehemencia y conmueve a la juventud de la Unión Soviética, influenciada por artistas como Led Zeppelin y David Bowie. Allí transcurre la vibrante historia de amor, amistad y música entre el cantante Viktor Tsoi, su ídolo Mike y la esposa de este, Natasha. La nueva película de Serebrennikov es un cuento de rock, una emoción adolescente en formato cinematográfico cuya locuacidad desborda cada fotograma y se abalanza sobre el espectador. Si el rock tuvo alguna vez un sentido, acaso haya sido el de representar, con razón o sin ella, el mapa secreto de una sensibilidad común, ese estado de estupefacción en las sombras canalizado en electricidad, en gritos, en rabia contenida, en sentido de comunidad que se vive orgullosamente como peste y salvación. La película describe la extrañeza del rock como exilio interior en la Unión Soviética de comienzos de los 80, contraseña política y abracadabra redentor con ingenuidad asumida, pero también con obstinación: los jóvenes en Summer viven el presente, pero solo pueden mirar al futuro. DO

Leningrad, summer of 1981. Rock irrupts vehemently and moves the Soviet youth, influenced by such artists as Led Zeppelin and David Bowie. This is the setting of the vibrant story of love, friendship and music between singer Viktor Tsoi, his idol Mike and the latter’s wife, Natasha. The new film by Serebrennikov is a rock tale, a teenage emotion in cinematic format whose loquacity overflows in every frame and springs at the audience. If rock music ever had a reason, perhaps it was that of representing, right or wrong, the secret map of a common sensibility, that state of stupefaction in the shadows channeled in electricity, in screams, in repressed rage, in the sense of community that lives proudly as plague and salvation. The film describes the strangeness of rock as an inner exile in the USSR of the early ‘80s, political and redemptive hocus pocus with assumed naiveté, but also with obstinacy: the boys and girls in Summer live in the present but can only look towards the future. DO

Kirill Serebrennikov. (1969, Rostov del Don, Unión Soviética). Director de cine y teatro, es desde 2012 director del Centro Gogol de Moscú. Dirigió la serie de televisión Rostov-papa (2001) y los largos Ragin (2004), Yuri´s Day (2008, Bafici ‘09) y The Student (2016), entre otros. (1969, Rostov-on-Don, USSR). A film and theater director, he has directed Moskow’s Gogol center since 2012. He directed the television series Rostov-papa (2001) and the features Ragin (2004), Yuri’s Day (2008, Bafici ‘09) and The Student (2016), among others.

Rusia / Francia - Russia / , 2018 126’ / D / COLOR - B&N / Ruso - Russian

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D: Kirill Serebrennikov / G: Kirill Serebrennikov, Mikhail Idov, Lili Idova, Ivan Kapitonov, Natalya Naumenko / F: Vladislav Opelyants E: Yuriy Karikh / DA: Yulia Bozhkova, Alisa Solovieva / S: Kirill Bodrov M: Roman Bilyk / P: Carole Baraton, Pavel Burya, Georgy Chumburidze, Yohann Comte, Ilya Dzhincharadze, Pierre Mazars PE: Ilya Stewart / : Hype Film, KinoVista, CNC Charades I: Teo Yoo, Irina Starshenbaum, Roman Bilyk o / Zeta Films. Carlos Zumbo T +54 11 4371 4801 E [email protected] W zetafilms.com

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trayectorias

The Great Buster: A Celebration El gran Buster: una celebración

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Buster Keaton, uno de los más grandes actores-directores de la historia, recibe el homenaje que merece en este documental de Peter Bogdanovich. Mediante fragmentos restaurados de sus films y entrevistas a sus más diversos iradores, The Great Buster es la sentida celebración de un verdadero visionario. Oscilando entre lo histórico y el análisis técnico-reflexivo, The Great Buster de Peter Bogdanovich presenta un ligero repaso por la vida de uno de los artistas más importantes de la historia del cine, y la reivindicación de su talento como creador. Con una primera hora ocupada en contextualizar y en presentar al personaje, deja para el final la intención revisionista del corpus fílmico que Keaton desarrolló durante los años 20 y a partir del cual ganó la reputación de leyenda visionaria. Bogdanovich, desde el rol de crítico cinéfilo, deconstruye el mito en pos del reconocimiento al trabajo artesanal de sus películas, la ingeniería de los gags y la sensibilidad de un realizador capaz de cimentar un género que aún hoy lo sigue necesitando para identificarse como tal. Fiorella Valente

Buster Keaton, one of the greatest actor-directors in history, receives the homage he deserves in this documentary by Peter Bogdanovich. Through restored footage from his films and interviews to his most diverse irers, The Great Buster is the heartfelt celebration of a true visionary. Oscillating between the historical and the technical-reflective analysis, Peter Bogdanovich’s The Great Buster captures the life of one of the most important artists in film history, and the reappraisal of his talent as creator. With its first hour contextualizing and presenting the character, the revisionist intention of Keaton’s body of work during the 1920s, through which he won his reputation as a visionary legend, is left for the ending. From his role as a cinephile critic, Bogdanavich deconstructs the myth in order to acknowledge the handcrafted work in his films, the engineering of the gags and the sensibility of a filmmaker capable of laying the foundation of a genre that still needs him to identify itself as such. FV

Peter Bogdanovich. (1939, Kingston, Estados Unidos). Figura del Nuevo Cine Americano de los 70, dirigió entre otros La última pelicula (1971), ¿Qué pasa, doctor? (1972) y Terapia en Broadway (2014). En 2016, el Bafici le dedicó un foco y lo tuvo como invitado principal. (1939, Kingston, USA). A figure of the New American Cinema of the ‘70s, he directed, among other films, The Last Picture Show (1971), What’s Up Doc (1972) and She’s Funny That Way (2014). In 2016, Bafici did a focus on him and had him as special guest.

Estados Unidos - United States, 2018 102’ / D / COLOR - B&N Inglés - English D, G: Peter Bogdanovich / F: Dustin Pearlman / E: Bill Berg-Hillinger S: Dan Snow / P: Charles S. Cohen, Louise Stratten, Peter Bogdanovich, Roee Sharon Peled / PE: Charles S. Cohen / : Cohen Media Group I: Quentin Tarantino, Johnny Knoxville, Werner Herzog, Bill Hader, Mel Brooks o / Cohen Media Group. Pamela Liendo T +01 786 683 4848 E [email protected] W cohenmedia.net

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careers

The House That Jack Built La casa de Jack

PREMIERE ARGENTINA / Argentine PREMIERE

Asesino serial, obsesivo y meticuloso, Jack colecciona a sus víctimas como obras de arte en un refrigerador. En vías de realizar su creación definitiva, la violencia y el detalle en lo aberrante crecerán sin freno. Humor negro e ironía extrema en una de las películas más siniestras de Lars von Trier. Jack es un psicópata homicida sin escrúpulos, sin alma, sin fe. Lo único que aprecia es cierto estadio del arte. De las personas, nada; las ve como materia y poco más. Y en medio del raid de asesinatos, The House That Jack Built reflexiona sobre la importancia de los íconos: Hitler, las balas full metal jacket, los aviones Stuka. De paso, Lars von Trier revolea los ojos hacia su propio ombligo: aprovecha el envión y recoge el espíritu (y algo más) de toda su filmografía (oh, sorpresa) y, también más allá, rasca algunos de los gestos más miserables de la humanidad. Por momentos, este film deja chiquitito a Henry: Retrato de un asesino. Y, como un vino añejo, mientras más maduro, más se disfruta a Von Trier en su estado auténtico. Hernán Panessi

An obsessive, meticulous serial killer, Jack collects his victims like works of art in a refrigerator. On his path to fulfilling his definitive creation, the violence, as well as the detail in the aberrant, will grow non-stop. Black humor and extreme irony in one of Lars von Trier’s most sinister films. Jack is a morally bankrupt, soulless, faithless homicidal psychopath. The only thing he appreciates is a certain stage of art. When it comes to people, he sees them as matter and little else. And in the middle of the murdering rally, The House that Jack Built reflects on the importance of icons —Hitler, Full Metal Jacket bullets, Stuka planes. While at it, Lars von Trier rolls his eyes towards his own navel: he takes advantage of the push and brings back the spirit (and something more) of his entire filmography (surprise!) and, also beyond, scrapes some of the most miserable gestures of humankind. At times, this film belittles Henry: Portrait of a Serial Killer. And, like an old wine, the more mature, the better one enjoys Von Trier in his most authentic state. HP

Lars von Trier. (1956, Copenhague, Dinamarca). Estudió en la Escuela Nacional de Cine de Dinamarca. Fue cofundador del Dogma 95 y dirigió los largos Bailarina en la oscuridad (2000), Manderlay (2005, Bafici ‘06) y Nymphomaniac (2014, Bafici ‘15), entre otros. (1956, Copenhagen, Denmark). He studied at the National Film School of Denmark. He was co-founder of Dogma 95 and directed the features Dancer in the Dark (2000), Manderlay (2005, Bafici ‘06) and Nymphomaniac (2014, Bafici ‘15), among others.

Dinamarca / Francia / Alemania / Suecia / Bélgica Denmark / / / Sweden / Belgium, 2018 152’ / D / COLOR / Inglés - English D: Lars von Trier / G: Lars Von Trier, Jenle Hallund / F: Manuel Alberto Claro / E: Jacob Secher Schulsinger, Molly Malene Stensgaard DA: Cecilia Hellner, Lars Von Trier / S: Kristian Eidnes Andersen M: Kristian Eidnes Andersen, Mikkel Maltha, Leslie Ming P: Louise Vesth / PE: Tomas Eskilsson, Thomas Gammeltoft, Peter Aalbæk Jensen, Leonid Ogarev, Charlotte Pedersen / : Zentropa Entertainments, Centre National du Cinéma et de l’Image, Copenhagen Film Fund, Eurimages, Film i Väst Film / I: Matt Dillon, Bruno Ganz, Uma Thurman, Siobhan Fallon Hogan, Sofie Gråbøl

o / California Filmes. Breno Baére T +55 11 2899-9000 E [email protected] W californiafilmes.com.br 160

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trayectorias

The Mountain La montaña

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Protagonizada, entre otros, por Jeff Goldblum y Udo Kier, la más reciente película de Rick Alverson sigue de cerca a un joven en su viaje por el interior del país con un peculiar doctor que practica lobotomías. Una inquietante road movie, brillantemente fotografiada y destinada a polarizar audiencias. Con una altivez innegociable, Rick Alverson ofrece nuevas pistas en la senda que conduce a la tristeza cósmica de su cine, en el cual cada película parece un paso hacia el infierno. Ambientada en los años 50, exhibe un dominio contundente del clima de agobio, de desesperanza, de extrañamiento; de seres que derivan por los planos con un horror innominado a cuestas que no pueden dejar atrás, básicamente porque parecen imposibilitados de concebir otro estado de cosas que no sea el de haber venido al mundo en medio de una estupefacción absoluta. Como poeta aventajado en el terreno que transitan los seres escindidos, solos a su pesar o unidos en improbables alianzas ocasionales, el director recupera el lirismo doloroso de las almas perdidas sin capacidad alguna de redención. DO

Starring Jeff Goldblum and Udo Kier, among others, the latest movie by Rick Alverson follows the steps of a young man on a trip to the interior of the country along with a peculiar doctor who practices lobotomies. A disquieting road movie, with a brilliant photography, destined to polarize audiences. With non-negotiable haughtiness, Rick Alverson offers new hints about the path that leads to the cosmic sadness of his cinema, in which each movie looks like a step towards Hell. Set in the 1950s, it shows consummate mastery of the atmosphere of oppression, despair and estrangement; of the beings that drift through the scenes carrying a nameless horror they can’t leave behind, basically because they seem unable to conceive of another state of things that doesn’t imply having come to the world in the midst of an absolute astonishment. As an eminent poet of the territory inhabited by divided beings, who are alone despite themselves or united in unlikely occasional alliances, the director recovers the painful lyricism of the lost souls who have no possibility of redemption. DO

Rick Alverson. (1971, Spokane, Estados Unidos). Residente en Richmond, Virginia, es músico y cineasta. Dirigió The Builder (2010), New Jerusalem (2012), The Comedy (2012) y Entertainment (2015), todas exhibidas en el Bafici ‘16, que le dedicó un foco. (1971, Spokane, United States). Based in Richmond, Virginia, he is a musician and filmmaker. He has directed The Builder (2010), New Jerusalem (2012), The Comedy (2012) and Entertainment (2016), all of them screened at Bafici ‘16, that did a focus on him.

Estados Unidos - United States, 2018 108’ / D / COLOR / Inglés / Francés - English / French D: Rick Alverson / G: Rick Alverson, Dustin Guy Defa, Colm O’Leary F: Lorenzo Hagerman / E: Rick Alverson, Michael Taylor / DA: T.V. Alexander / S: Gene Park / M: Robert Donne / P: Sara Murphy, Ryan Zacarias, Allison Rose Carter, Allison Rose Carter / PE: Danny Gabai, Natalie Farrey, Vincent Landay / : VICE VISUAL STUDIO, The Match Factory / I: Tye Sheridan, Denis Lavant, Udo Kier, Hannah Gross, Jeff Goldblum o / The Match Factory T +49 221 539 709 0 E [email protected] W the-match-factory.com

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careers

They Shall Not Grow Old PREMIERE ARGENTINA / Argentine PREMIERE

Mediante la restauración y el coloreado de imágenes de archivo inéditas y la adhesión de voces y efectos sonoros, Peter Jackson da vida a un film cautivador, una verdadera experiencia inmersiva que nos lleva, a la par de los soldados, en un viaje en el tiempo hacia la Primera Guerra Mundial. La Historia a veces es enseñada como un libro aburrido y distante. Pero en otras ocasiones, puede ser un viaje fascinante y cercano. They Shall Not Grow Old es una ventana al pasado que afirma esta segunda posición. Peter Jackson abandona la lucha ficticia entre hombres y orcos por la Tierra Media para hurgar en los registros de la Primera Guerra Mundial, dando vida a la experiencia de soldados de carne y hueso entre tanta sangre, ametralladoras y lodo. La magia del cine y su técnica reviven con colores y sonidos archivos de cien años de antigüedad y la voz de decenas de soldados que exponen lo único que se llevaron consigo de las trincheras: un descarnado testimonio. Una gran oportunidad para reflexionar qué nos pasó y meditar hacia dónde vamos. Ezequiel Fernández

Through the restoration and colorization of unreleased archive footage and the adhesion of voices and sound effects, Peter Jackson gives life to a captivating film, a truly immersive experience that takes us with the soldiers on a journey through time to the World War I. History is sometimes taught like a boring, distant book. But in other occasions it can be a fascinating, intimate journey. They Shall Not Grow Old is a window to the past that affirms the latter. Peter Jackson abandons the fictitious fight between men and orcs across the Middle Earth to rummage in the records of World War I, giving life to the experience of flesh and blood soldiers among all the blood, the machine guns and the mud. The magic of film and its technique revive, with colors and sounds, hundred-year-old footage and the voices of dozens of soldiers that expose the only thing they took with them from the trenches: stark testimonies. A great chance of reflecting on what has happened to us and meditate about where we’re going. EF

Peter Jackson. (1961, Pukerua Bay, Nueva Zelanda). Ganador de tres premios Oscar, es guionista, productor y director de cine. Entre sus largometrajes se destacan Mal gusto (1987), Muertos de miedo (1996) y la trilogía de El señor de los anillos (2001-2003). (1961, Pukerua Bay, New Zealand). Winner of three Academy Awards, he is a screenwriter, producer and director. His features include Bad Taste (1987), The Frighteners (1996) and the Lord of the Rings trilogy (2001-2003).

Reino Unido - United Kingdom, 2018 99’ / D / COLOR - B&N Inglés - English

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D, G: Peter Jackson / E: Jabez Olssen / S: Tom Scott-Toft M: John Neill / P: Clare Olssen, Peter Jackson / PE: Ken Kamins, Tessa Ross, Di Lees, Jenny Waldman / : Wingnut Films Production, 14-18 NOW, Imperial War Museum, BBC o / Warner Bros Pictures. Mariana Mutri E [email protected] W theyshallnotgrowold.movie

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TRAYECTORIAS - PROGRAMA DE CORTOS ARGENTINOS

Programa de cortos argentinos ARGENTINE SHORT FILMS PROGRAM Veinte años desde el primer Bafici implican varios caminos, varios surcos, varias formas del cine argentino. Este programa de cortos de Trayectorias está integrado por obras recientes de directores argentinos que han dejado su huella en ediciones pasadas, con largometrajes en competencia o en otros lugares destacados: Melisa Liebenthal (Las lindas, Bafici ‘16, premio a Mejor Dirección en Competencia Argentina); Mauro Andrizzi (Iraqi Short Films, Bafici ‘09, Competencia Cine del Futuro; En el futuro, Bafici ‘11, Competencia Argentina; Accidentes gloriosos, Bafici ‘14; Una novia de Shanghai, Bafici ‘16, Competencia Vanguardia y Género); Paulo Pécora (El sueño del perro, Bafici ’08, Competencia Argentina; Las amigas, Bafici ’13, Competencia Vanguardia y Género); Juan Pablo Zaramella (a quien el Bafici ‘05 le dedicó un programa especial); Mariano Nante (La calle de los pianistas, Bafici ‘15, Función de Clausura en el Teatro Colón) e Ignacio Masllorens (Martín Blaszko III, Bafici ‘11; Hábitat, Bafici ‘13, Competencia Vanguardia y Género; El teorema de Santiago, Bafici ‘16, Competencia Argentina).

Twenty years after the first Bafici mean lots of paths, lots of tracks, lots of forms of Argentine film. This Careers short-film program is made up of recent works by Argentine directors that have left their mark in past editions, with features in competition or other important sections: Melisa Liebenthal (The Pretty Ones, Bafici ‘16, Best Director Award in the Argentine Competition); Mauro Andrizzi ( Iraqui Short Films, Bafici ‘09, Future Film Competition, En el futuro, Bafici ‘11, Argentine Competition; Accidentes gloriosos, Bafici ‘14; A Shanghai Bride, Bafici ‘16, Avant-garde and Genre Competition); Paulo Pécora (A Dog´s Dream, Bafici ’08, Argentine Competition; The Friends, Bafici ’13, Avant-garde and Genre Competition); Juan Pablo Zaramella (of whom Bafici did a special program); Mariano Nante (Pianists Street, Bafici ‘15, Closing Screening at Teatro Colón) and Ignacio Masllorens (Martín Blaszko III, Bafici ‘11; Hábitat, Bafici ‘13, Avant-garde and Genre Competition; El teorema de Santiago, Bafici ‘16, Argentine Competition).

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ARGENTINE SHORT-FILMS PROGRAM

Bruma Mist

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Bruma: oscuridad o falta de claridad que enturbia la mente o que rodea un suceso. Mist: darkness or lack of clarity that clouds the mind or circles an event. Paulo Pécora. (1970, Buenos Aires). El Bafici ‘07 le dedicó una retrospectiva completa a sus cortos y videoclips. Dirigió los largos El sueño del perro (Bafici ‘08) y Marea baja (2013), y cortos como Champaquí (Bafici ‘11) y Las amigas (Bafici ‘13). (1970, Buenos Aires). Bafici ‘07 did a complete retrospective of his shorts and music videos. He directed the features El sueño del perro (Bafici ‘08) and Marea baja (2013), as well as shorts like Champaquí (Bafici ‘11) and Las amigas (Bafici ‘13).

Argentina, 2019 10’ / D / B&N - B&W Inglés - English D, F, DA, P, PE: Paulo Pécora / G: Paulo Pécora, Mónica Lairana E, S: Nubia Campos / : Ríoabajo / I: Mónica Lairana, Gladys Lizarazu o / Ríoabajo. Paulo Pécora T +54 9 11 6710 7998 E [email protected]

Cairo Affaire PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

Tres historias de espionaje en Medio Oriente, filmadas una en un viaje a Teherán, otra en El Cairo y la última a partir de un archivo inédito en Sanaa, Yemen. Una historia de amor, un cuento de suspenso y un poco de paranoia. Three espionage stories set in the Middle East, one of them shot during a trip to Tehran, another one in Cairo and the third one from unreleased footage in Sanaa, Yemen. A love story, a suspense story and a bit of paranoia. Mauro Andrizzi. (1980, Mar del Plata, Argentina). Estudió Guion en la ENERC. Dirigió los largometrajes Mono (2007), Iraqi Short Films (2008, Bafici ‘09), En el futuro (2010, Bafici ‘11), Accidentes gloriosos (2011, Bafici ‘12) y Una novia de Shanghai (Bafici ‘16). (1980, Mar del Plata, Argentina). He studied Screenwriting at the ENERC. He directed the features Mono (2007), Iraqi Short Films (2008, Bafici ‘09), En el futuro (2010, Bafici ‘11), Accidentes gloriosos (2011, Bafici ‘12) and Una novia de Shanghai (Bafici ‘16). 164

Argentina, 2019 25’ / D / COLOR Español - Spanish D, G, F: Mauro Andrizzi / E: Francisco Vazquez Murillo, Manuel Salomon / S: Sebastián González / M: Nader Al Jaradi P: Pablo Salomón, Fabián Nielsen, FNA / PE: Pablo Salomón : Mono Films, PS Cine o / Mono Films. Mauro Andrizzi T +54 9 11 5644 2358 E [email protected] W monofilms.com

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Constanza, una empleada doméstica de gestos meticulosos y casi obsesivos, trabaja para Irene, una mujer de 65 años que se encuentra en silla de ruedas. Una instantánea del encuentro entre dos soledades. Constanza, a cleaning lady of meticulous and almost obsessive discipline, works for Irene, a 65-year-old woman in a wheelchair. A portrait of the encounter of two solitudes. Melisa Liebenthal. (1991, Buenos Aires). Estudió en la Universidad del Cine, en la EICTV de Cuba, y en Le Fresnoy, en Francia. Escribió y dirigió el largometraje Las lindas (Bafici ‘16). Actualmente trabaja en el desarrollo de su segundo largo, El rostro de la medusa. (1991, Buenos Aires). She has studied at the Universidad del Cine, at the EICTV in Cuba and at Le Fresnoy in . She has written and directed the feature Las lindas (Bafici ‘16). She is currently working on her second feature, El rostro de la medusa.

Francia / Argentina - / Argentina, 2019 25’ / D / COLOR Español - Spanish D, G: Melisa Liebenthal / F: Juan Renau / E: Muriel Bucher, Melisa Liebenthal / S: Agustín Godoy, Kevin Junger / M: Junger P:Le Fresnoy, gentil / PE: Eugenia Campos Guevara / : Le Fresnoy Studio national, gentil / I: Constanza Lucía Florentín, Irene Bosch o / Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains. Natalia Trebik T +33 660 155 452 E [email protected] W lefresnoy.net

Héroes Heroes

PREMIERE ARGENTINA / Argentine PREMIERE

¡La gloria está en la punta de los dedos! ¡Allí, al alcance de la mano! Glory is in the tip of your fingers! There, within hands reach! Juan Pablo Zaramella. (1972, Buenos Aires). Es animador, director y guionista. Realizó varios cortometrajes animados, como El guante (2002, Bafici ‘05), Viaje a Marte (Bafici ‘05) y Luminaris (2011, Bafici ‘12). (1972, Buenos Aires). He is an animator, director and screenwriter. He made many animated shorts, such as El guante (2002, Bafici ‘05), Viaje a Marte (Bafici ‘05) and Luminaris (2011, Bafici ‘12).

Argentina, 2018 3’ / D / COLOR Español - Spanish D, G, E: Juan Pablo Zaramella / F: Sergio Piñeyro DA: Marú Tome, Juan Pablo Zaramella S: Diego Gat / P, PE: Sol Rulloni / : JPZtudio o / JPZtudio. Sol Rulloni T +54 9 11 6822 7815 E [email protected] W zaramella.com.ar

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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TRAYECTORIAS - PROGRAMA DE CORTOS ARGENTINOS

Constanza

ARGENTINE SHORT-FILMS PROGRAM

Historia de una casa Story of a House

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

La historia de la primera obra de arquitectura racionalista en Buenos Aires, narrada por su última inquilina. The story of the first rationalist architecture work in Buenos Aires, as narrated by its last tenant. Ignacio Masllorens. (1973, Buenos Aires). Estudió Diseño de Imagen y Sonido en la UBA. Dirigió Martin Blaszko III (Bafici ‘11), Hábitat (Bafici ‘13), El teorema de Santiago (Bafici ‘16) con Estanislao Buisel, y varios cortometrajes, como Trainspotter (Bafici ‘17). (1973, Buenos Aires). He studied Image and Sound Design at the UBA. He directed Martín Blaszko III (Bafici ‘11), Hábitat (Bafici ‘13), El teorema de Santiago (Bafici ‘16) with Estanislao Buisel, and many shorts such as Trainspotter (Bafici ‘17).

Argentina, 2019 15’ / D / COLOR Español - Spanish D, E, DA: Ignacio Masllorens / G: José Luis Cancio, Ignacio Masllorens / F: Eduardo Turri / S: Francisco Pedemonte M: Marcelo Bragagnolo / P, PE: Santiago Borensztejn : Fondo Nacional de las Artes / I: Claudia Sánchez, Cecilia Peluffo o / Plac Studios. Santiago Borensztejn T +54 9 11 5475 1195 E [email protected] W placstudios.com

Lo imperdonable Unforgivable

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Siete años después de terminar su tumultuosa relación, un cantante de ópera y una periodista se encuentran por casualidad durante una entrevista en Buenos Aires. ¿Acaso él sigue siendo el mismo? ¿Puede ella perdonar lo que hizo? Seven years after finishing their tumultuous relationship, an opera singer and a journalist run into each other during an interview in Buenos Aires. Is he still the same? Can she forgive what he did? Mariano Nante & Santiago Franco. Nante (1988, Buenos Aires) estudió en la Universidad del Cine y Filosofía en la UBA. Escribió y dirigió el largometraje La calle de los pianistas (Bafici ‘15). Franco (1987, Lincoln, Argentina) estudió en la Universidad del Cine. Realizó varios videoclips y cortometrajes, entre ellos Pringles (2012). Nante (1988, Buenos Aires) studied at the Universidad del Cine and Philsophy at the UBA. He wrote and directed the documentary La calle de los pianistas (Bafici ‘15). Franco (1987, Lincoln, Argentina) studied at the Universidad del Cine. He made many music videos and shorts, including Pringles (2012).

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Argentina, 2019 12’ / D / COLOR Francés / Inglés / Español / Alemán French / English / Spanish / German D: Mariano Nante, Santiago Franco / G: Fernando Regueira, Mariano. Nante, Santiago Franco / F: Marcos Hastrup / E: Alejo Santos DA: Cecilia Vázquez / S: Gaspar Scheuer, Diego Martinez Rivero M: Nikolai Schukoff, María Paz Sotullo / P, PE: Annie Dutoit, M. Nante, D. Rosenfeld / : Rosinante / I: Annie Dutoit, N Schukoff o / Rosinante. Mariano Nante T +54 9 11 5410 6711 E [email protected]

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

[21] BAFICI

Operas Primas First films

operas primas

Ana de día Ana by Day

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Ana es una chica ejemplar a punto de graduarse, casarse y entrar en una empresa. No del todo conforme con su vida, un día descubre que una doble idéntica a ella ha ocupado su lugar. Libre de toda atadura, Ana aprovechará la oportunidad para redescubrirse en los placeres de la noche madrileña. Algunos subgéneros protegen a las películas haciéndolas buenas casi sin excepción cuando sus escritores deciden cobijarlas bajo esa influencia. No fallan las de boxeo, las de monjas, y tampoco las de “dobles”. Andrea Jaurrieta no hace de su primera película una estrictamente de doppelgängers al uso, más bien la confunde (para conseguir el retrato del Madrid más nocturno, cabaretero y canalla desde Diario de invierno, de Francisco Regueiro) en un original rozamiento entre lo popular zarzuelero y lo sofisticado remotamente lynchiano. De esa fricción emana aquello que caracteriza a las grandes películas después de los años 70: una definición de tono sorprendente, y una alegría insólita que emana del cuerpo de Ingrid García-Jonsson, filmado con el gozo inocente del viejo cine español en blanco y negro. AA

Ana is an exemplary girl who is about to graduate, marry and enter a company. Not fully satisfied with her life, one day she finds out that a double has taken her place. Free from all ties, Ana will use the opportunity to rediscover herself in the pleasures of the Madrilian night. Some sub-genres protect the movies and make them good almost without exception when their directors choose to shield them under that influence. Films about boxers, nuns and “doubles” don’t fail. Andrea Jaurrieta doesn’t make of her first film one strictly about doppelgängers; she twists it into an original crossover between the popular zarzuela culture and a vague Lynchian sophistication ­–and thus she achieves the most nocturnal, nightclubbish and rogue portrait of Madrid since Francisco Regueiro’s Diario de invierno. From that friction emanates what has characterized great films after the 1970s: a surprising tone and an unbelievable energy that stems from the body of Ingrid García-Jonsson, shot with the innocent delight of the old black and white Spanish cinema. AA

Andrea Jaurrieta. (1986, Navarra, España). Magíster en Cinematografía por la Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Cataluña. También trabaja como docente de Historia del Cine. (1986, Navarra, España) Master in Cinematography from the Escuela Superior de Arte y Audiovisuales de Cataluña. She also works as a Cinema History teacher.

España - Spain, 2018 110’ / D / COLOR / Español - Spanish D, G: Andrea Jaurrieta / F: Juli Carné Martorell / E: Miguel A. Trudu DA: Lita Echeverria / S: María Angulo Villar / M: Aurelio Edler-Copes P, PE: Andrea Jaurrieta, Ivan Luis / : Andrea Jaurrieta P.C. I: Ingrid García-Jonsson, Mona Martínez, Álvaro Ogalla, Fernando Albizu, María José Alfonso o / Media Luna New Films. Floriano Buono T +49 221 5109 1891 E [email protected] W medialuna.biz

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FIRST FILMS

Breeze

Qing feng de wei dao / Brisa PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

Tras años de distancia, el regreso al hogar alberga la ilusión de un nuevo comienzo. O así lo desea Yu Zhao, quien hace treinta años lleva en Pekín una vida calma y aburrida. Pero el presente es otro, y su familia, sus amigos y sus viejos amores quizás no armonicen del todo con ese idílico renacer. Breeze está teñida de una melancolía infinita y de la sensación, por cierto cada vez más rara, de que el cine es el instrumento ideal para registrar los breves parpadeos, la emoción secreta de los acontecimientos sencillos, las huellas de aquello que parece condenado a desaparecer sin remedio. Con ecos que pueden hacer acordar a las primeras películas de Hou —su predilección por las tomas largas, su ausencia absoluta de afectación, su acompañamiento gentil de los personajes—, el debut del director representa de manera concluyente un modo de estar en el mundo, pero también de estar en el cine. La película evita las maniobras distractivas y se consagra a la tarea de avanzar serenamente hacia el hueso de las cosas, allí donde la pérdida y el olvido alcanzan una elocuencia definitiva. DO

After years of distance, returning home harbors the illusion of a new beginning. Such is the wish of Yu Zhao, who has been living a calm, boring life in Beijing. But the present is different, and perhaps his family, his friends and his old lovers do not exactly match that idyllic rebirth. Breeze is tainted with an infinite melancholy and the sensation, actually very rare today, that film is the ideal instrument to capture the brief flickering, the secret emotion of simple events, the traces of that which seems doomed to disappear without hope. With echoes that may recall Hou’s first films —its predilection for long takes, its complete absence of affectation, the gentle following of the characters—, the director’s debut conclusively represents a way of being in the world, but also of being in film. The film avoids the distracting ploys and devotes itself to the task of going serenely to the center of things, there where loss and oblivion achieve a definitive eloquence. DO

Kun Yang. (1986, Baoshan, China). Egresado de la carrera de Dirección por la Academia de Cine de Pekín en 2012. (1986, Baoshan, China). A graduate in Filmmaking from the Beijing Film Academy in 2012.

China, 2018 83’ / D / COLOR Chino - Chinese D, G: Kun Yang / F: Ge Yang, Jie Yao / E: Hanxiang Liu / DA: Lin Zhang S: Kai Liang, Mingxi Zhang / P: Kun Yang, LiYang Wang PE: Su Linyun / : Beijing Beacon Film & Television Culture Co., Ltd. I: Changhai Chen, Yong Chen, Chenze Yang, Yang Li, Liming Li o / Beijing Beacon Film & Television Culture Co., Ltd. Su Linyun T +86 13521829445 E [email protected]

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operas primas

La distancia Distance

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Tras el suicidio de su mejor amiga, Amparo se encierra en un duelo impregnado de dudas y de recuerdos. Solo al animarse a continuar la obra inconclusa de su amiga es que encontrará la manera de salir adelante. Un íntimo film platense de tratamiento naturalista y de destacables actuaciones. ¿De qué se constituye la presencia? ¿Cómo se siente la ausencia? Cami no está y Ampi debe lidiar con la falta de su mejor amiga a través de recuerdos, objetos, lugares, sensaciones. Entre el ayer y el hoy existe una distancia desgarradora e insoslayable, que la mirada atenta del director retrata a fuerza de mantenerse muy cerca de las protagonistas. No solo en el argumento se juega la dicotomía ausencia/presencia, sino que también se duplica en el uso o no del sonido directo, en la planificación del color y en la intromisión de las filmaciones caseras. La cámara es un instrumento que mira a los ojos y desnuda. La escena cultural independiente de La Plata, en estado de constante ebullición, es el escenario privilegiado de esa búsqueda introspectiva del cineasta y sus personajes. Marina Locatelli

After the suicide of her best friend, Amparo secludes herself in a mourning pervaded by doubts and memories. Daring to continue her friend’s unfinished work proves to be the only way to move on. An intimate film of naturalist aesthetic and outstanding performances, made in La Plata. What makes up presence? How does absence feel? Cami is gone and Ampi must deal with the lack of her best friend through memories, objects, places and feelings. Between the past and the present there is an inescapable and heart-wrenching distance, that the attentive look of the director portrays by keeping very close to the protagonists. The presence / absence dichotomy is not only at play in the plot, but is also duplicated in the use or not of direct sound, in the color and the intromission of home footage. The camera is an instrument that looks in the eye and strips. The independent cultural scene of La Plata, always at the boiling point, is the privileged setting of the introspective search of the director and his protagonists. ML

Franco Palazzo. (1987, La Plata, Argentina). Es licenciado en Comunicación Audiovisual por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de La Plata. Es director de fotografía. (1987, La Plata, Argentina). He graduated in Audiovisual Communication from the School of Fine Arts of the University of La Plata. He is a cinemaphotographer.

Argentina, 2019 70’ / D / COLOR Español - Spanish D, G: Franco Palazzo / F: Luisina Anderson / E: Pablo Rabe, Roberto Bernasconi / DA: Ignacio Vaello / S: Ramiro Díaz Agüero M: Isla Mujeres, Amparo Torres, Elena Radiccioti P, PE: Juan Manuel Molina / : Más Ruido / I: Amparo Torres, Mora Sánchez Viamonte, Manuel Vignau o / Más Ruido. Juan Manuel Molina T +54 9 221 5449058 E [email protected] W masruido.com - masruido.com/ladistancia

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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FIRST FILMS

Les Perseides Perseids / Las Perseidas

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

En un pueblo semiabandonado, Mar pasa las vacaciones junto a su padre, recién separado. Cuando la tranquilidad esperable ceda su lugar a sucesos extraños y misteriosos, surgidos a partir de las leyendas de posguerra del lugar, la niña deberá lidiar con los fantasmas de la historia y de su propia familia. Una hija adolescente, un padre, un espacio común. El crecimiento como ese lugar íntimo y doloroso en el que ambos coinciden. Los modos de la religión, los secretos escondidos, el miedo como sostén, pero sobre todo la idea del descubrimiento diseñan el eje de la película. La adolescente acompaña a su padre a cerrar la casa de sus abuelos y, en esa estadía estival, descubrirá otros mundos posibles; la presencia de la muerte, los juegos del miedo, la confirmación de un extraño pasado. Les Perseides cuenta de manera sutil y bella el fin de la infancia. Padre e hija se mueven entre la angustia de los espacios cerrados y oscuros como anticuarios sin valor y la luminosidad de un afuera que reclama su descubrimiento; allí, en esa luminosidad, encontrarán su propia libertad. Marcela Gamberini

Mar spends her holidays in a semi-abandoned town with her recently separated father. When the expectable peace and quiet give way to strange and mysterious events originating in local post-war legends, the girl will have to deal with the ghosts of History and her own family.

Alberto Dexeus & Ànnia Gabarró. Dexeus (1994, Barcelona, España) cursó un intercambio en la Universidad del Cine. Codirigió el corto Monocigótico (2016). Gabarró (1994, Barcelona, España) es, como Dexeus, graduada en Comunicación Audiovisual por la Pompeu Fabra. Fue guionista del corto El que no ens fa diferents (2016). Dexeus (1994, Barcelona, Spain) did an exchange at the Universidad del Cine in Buenos Aires. He co-directed the short film Monocigótico (2016). Gabarró (1994, Barcelona, Spain) is, as Dexeus, a graduate in Audiovisual Communication from the Pompeu Fabra. She has written the short film El que no ens fa diferents (2016).

España - Spain, 2019 70’ / D / COLOR / Catalán - Español / Catalan - Spanish

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A teenage daughter, a father, an uncommon space. The process of growing up as an intimate and painful place where both meet. The modes of religion, the hidden secrets and fear as a foothold; but above all it is the idea of discovery that makes up the axis of the film. The teenager goes with her father to close down her grandparents’ house and during that summer stay she will discover other possible worlds; the presence of death, the games of fear, the confirmation of a strange past. Les Perseides tells subtly and beautifully the end of childhood. Father and daughter move between the dread of rooms that are closed and dark like antique shops without treasures and the luminosity of an outside that claims for their discovery; it is in that luminosity that they will find their freedom. MG

D: Alberto Dexeus, Ànnia Gabarró / G: Alberto Dexeus, Ànnia Gabarró, Maria Colomer / F: Ssoí Ramon / E: Alba Cid, Katia Armesto DA: Betma Janer / S: Ginebra Abril / M: Ángel Pérez Ortega P: Adaia Puig / PE: Miguel Ángel Blanca, Bernat Manzano : Boogaloo Films, Universitat Pompeu Fabra / I: Nora Sala-Patau, Eduard Buch o / Boogaloo Films. Bernat Manzano T +34 690 662 140 E [email protected] W boogaloofilms.com

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

operas primas

lost holiday Vacaciones perdidas

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Margaret retorna al suburbio en el que se crió, pero todo ha cambiado. Los amigos salvajes de entonces llevan ahora una respetable vida familiar, y su reacción es comenzar una maratón de drogas, alcohol, secuestros y extorsión. Lost Holiday es una road movie satírica sobre rebeldes que se niegan a crecer. Las fiestas de fin de año siempre son difíciles. Si además ellas implican regresar a la ciudad natal y reinsertarse por unos días en esa dinámica respecto de la cual se es cada vez más extranjero, la alerta de la depresión profunda se activa. El tono agridulce de Lost Holiday tiene que ver con eso (la juventud que se escapa, la ajenidad de esos suburbios de Washington para quien vive ahora en Nueva York), y el Super 16 mm acompaña a la perfección esa sensación. Sin embargo, el viaje “después de hora” en busca de drogas y algo de fiesta para olvidar el amargo encuentro con un exnovio va abriendo la puerta a una serie de vueltas de tuerca tan disparatadas como incorrectas, en las que los componentes dramáticos, de suspenso o noir se alinean para crear una contundente comedia negra. FEJL

Margaret returns to the suburb where she was raised, but everything has changed. Her wild friends from back then now lead respectable family lives, and her reaction is to start a marathon of drugs, alcohol, kidnappings and extortion. Lost Holiday is a satirical road movie about rebels who refuse to grow up. The Christmas season is always tough. If it also means returning to your hometown and reinserting for a couple of days in that dynamic that is more and more alien to you, the deep depression alert goes off. The bittersweet tone of Lost Holiday has something to do with that (the youth running away, the otherness of those Washington suburbs for someone who now lives in New York), and the Super 16mm photography accompanies that feeling perfectly. However, the “after hours” trip in search for drugs and some partying in order to forget the bitter encounter with an ex-boyfriend opens the door to a series of plot twists that are as absurd as they are incorrect, in which the dramatic, suspenseful or noir components align in order to create a powerful black comedy. FEJL

Michael Matthews & Thomas Matthews. Michael Matthews participó del programa de posgrado en Cine de la Universidad de Nueva York. Produjo el film Newlyweeds (2013). Su hermano Thomas fue actor en tres temporadas de la serie The Newsroom (2012-2014), así como en los films American Hustle (2013) y Joy (2015). Michael Matthews was part of NYU’s postgraduate Film program. He produced the film Newlyweeds (2013). His brother Thomas acted in three seasons of the series The Newsroom (2012-2014), as well as the films American Hustle (2013) and Joy (2015).

Estados Unidos - United States, 2019 78’ / D / COLOR Inglés - English D, G, P: Michael Matthews, Thomas Matthews / F: Donavan Sell E: Katie Ennis / DA: Paige Mitchell / S: Ben Chesneau, Maya Peart M: James Iha / PE: Steven J. Berger / : Winter Break Mystery LLC I: Kate Lyn Sheil, Thomas Matthews, William Jackson Harper, Keith Poulson, Joshua Leonard o / Visit Films. Tarek Shoukri T +17183128210 E [email protected]

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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FIRST FILMS

Ruben Brandt, Collector PREMIERE argentina / argentine PREMIERE

Con el fin de calmar sus pesadillas, un psicoterapeuta decide robar 13 famosas pinturas con la ayuda de cuatro de sus pacientes. Surrealismo, Brian De Palma, Mario Bava, cine de acción y film noir: todos dicen presente para esta vertiginosa heist movie animada, uno de los films más inventivos del año. Esta vertiginosa ópera prima del húngaro Milorad Krstic parece redefinir la búsqueda de imágenes de pesadillas, esa gran obsesión del cine de animación de Europa del Este, a partir de un saqueo ilustrado de la historia del arte. La premisa narrativa es genial: Rubén Brandt, quien dirige un instituto de psicoterapia, sufre recurrentes pesadillas protagonizadas por personajes de cuadros de Velázquez, Warhol, Botticelli, etc. Para intentar curarse, sale con un grupo de pacientes a robar famosas obras de arte en museos alrededor del mundo. El resultado es como viajar en tren bala con Duchamp y Freud posando como tableau vivant de un capítulo endemoniado de La pantera rosa. Diego Trerotola

In order to put an end to his nightmares, a psychotherapist decides to steal 13 famous paintings with the help of four of his patients. Surrealism, Brian De Palma, Mario Bava, action cinema and film noir; they all converge in this dizzying animated heist movie, one of the most inventive productions of the year. This vertiginous first film by Hungarian director Milorad Krstic seems to redefine the search of nightmarish images, that great obsession of animated cinema in Eastern Europe, taking as a starting point an educated looting of the history of art. The premise is great: Ruben Brandt, who directs an institute of psychotherapy, has recurring nightmares whose protagonists are characters from paintings by Velázquez, Warhol, Botticelli, etc. In order to try and cure himself, he goes with a group of patients to steal famous artworks from museums around the world. The result is similar to a bullet-train ride with Duchamp and Freud posing as the tableau vivant of a devilish episode of The Pink Panther. DT

Milorad Krstic. (1952, Dornberk, Yugoslavia). Estudió Derecho antes de dedicarse por completo al arte. Desde 1991 reside en Budapest, Hungría. Dirigió el cortometraje animado My Babe Left Me (1995). (1952, Dornberk, Yugoslavia). He studied Law before becoming a full-time artist. He has lived in Budapest, Hungary, since 1991. He has directed the animated short film My Babe Left Me (1995).

Hungría - Hungary, 2018 96’ / D / COLOR / Inglés / Húngaro - English / Hungarian ´ ´ Rila Roczkov / E: Milorad Krstic, D: Milorad Krstic´ / G: Milorad Krstic, ´ László Wimmer / DA: Milorad Krstic, ´ Marcell Laszlo, Danijel Miloševic, Marcell Laszlo / S: Danijel Daka Miloševic / M: Tibor Cári ´ Hermina Roczkov, P: Péter Miskolczi, János Kurdy-Fehér, Milorad Krstic, Rila Roczkov / : Ruben Brandt LLC. / I: Gabriella Hámori, Iván Kamarás, Csaba “Kor” Márton o / UIP - United International Pictures. Rosana Berlingeri T +54 11 4373 0261 E [email protected] W uip.com.ar ,

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[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

[21] BAFICI

MUESTRA DE CORTOMETRAJES ARGENTINOS argentine short films EXHIBITION

argentine short films EXHIBITION

afuera Outside

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

María es una joven errante y desocupada. Busca un lugar donde vivir, llama a inmobiliarias y recorre la ciudad. Mientras arrastra su angustia y su incapacidad de habitar lugares prestados, observa en primer plano y con ojos ajenos cómo sus amigos disfrutan un poco de la vida. María is a nomadic, unemployed young woman. She looks for somewhere to live, talks to real estate agencies and walks around the city. While she sweeps along her distress and her incapability to inhabit borrowed places, she offers, in close-up and with someone else’s eyes, how her friends enjoy life a little. Martín Folco. (1993, Tornquist, Argentina). Es licenciado en Actuación por la UNA. Estudió Actuación con Nora Moseinco, Mirta Bogdasarian y Matías Feldman, y participó en el largo Adiós entusiasmo (Bafici ‘17). Afuera es su ópera prima como director. (1993, Tornquist, Argentina). He has a Bachelor’s degree in Acting from the UNA. He studied acting with Nora Moseinco, Mirta Bogdasarian and Matías Feldman, and worked in the feature Adiós entusiasmo (Bafici ‘17). Outside is his directorial debut.

Argentina, 2018 16’ / D / COLOR Español - Spanish D, G, E: Martín Folco / F: Heidi Giel / DA: Julián Guldris y Francisco Macia / S: Esteban Bellotto / M: Iván Caplan y Jazmín Esquivel P, PE: Marina Spano / : Anábasis / I: Sofia Palomino, Jazmín Carballo, Camilo Polotto, Juan Gabriel Miño, Laila Malta o / Anábasis. Marina Spano T +54 11 6709 3001 E [email protected]

alquimistas Alchemists

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Germana y Lucas son dos jóvenes que gustan el uno del otro. Quieren confesarse su amor, pero cada vez que lo intentan algo los interrumpe. Finalmente, se dan cuenta de que entre ellos existe una conexión especial y mágica que puede ayudarlos a enfrentar la situación. Germana and Lucas are two young people who like each other. They want to confess their love, but every time they try it, something interrupts them. Finally, they realize that there’s a special, magical connection between them that can help them confront the situation. María Florencia Blanco. (1990, Buenos Aires). Graduada de la carrera de Diseño de Imagen y Sonido (UBA). Trabajó como directora de arte en varias series web. Alquimistas es su primer cortometraje animado. (1990, Buenos Aires). An Image and Sound Design (UBA) graduate. She worked as an art director for many web series. Alchemists is her first animated short. 176

Argentina, 2018 5’ / D / COLOR Español - Spanish D, G, E, PE: María Florencia Blanco / F: Sol Tévez DA: Julián Gabriel Bruno / S: Victoria Flores Poletti / M: Milagros Blanco, Matías Verón / P: María Florencia Blanco, Miguel Blanco I: Ignacio Colombara, Agostina Longo, Ronan Núñez o / María Florencia Blanco T +11 6577 2220 E [email protected] FB Alquimistas-Oficial

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Juana atraviesa enero en Buenos Aires. Va de lo de Marcos a su casa, al trabajo y, de nuevo, a lo de Marcos. Una ola de calor, ventiladores que no se apagan nunca, una canción de Cristian Castro, una amiga que habla de sí misma, platos sucios apilados y el cuerpo transpirado de quien ya no le gusta más. Juana spends the month of January in Buenos Aires. She goes from Marcos’ place to hers, to work and then back to Marcos’. A heatwave, fans that never go off, a Cristian Castro song, a friend who talks about herself, piled-up dirty plates and the body of the one she doesn’t like anymore covered in sweat. Lucía Lalor. (1993, Buenos Aires). Estudió Dirección en la Universidad del Cine. Dirigió el cortometraje Paulina (2016), entre otros proyectos. Actualmente se dedica a la dirección de arte en cine, publicidad y videoclips. (1993, Buenos Aires). She studied Filmmaking at the Universidad del Cine. She directed the short Paulina (2016), among other projects. She currently works as art director in film, advertising and music videos.

Argentina, 2019 12’ / D / COLOR Español - Spanish D, G, PE: Lucía Lalor / F: Lucía Dellacha / E: Marina Iglesias, Nacho Sesma / DA: Inés Pizarro, Bernarda Crudo / S: Gonzalo Komel P: Sonia Stigliano / : Universidad del Cine / I: María Soldi, Rocío Muñoz, Francisco Donovan, Cristian Ciminelli o / Lucía Lalor T +54 11 55893671 E [email protected]

Bora Bora PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Escapando de su vida pasada, Julia se muda a un nuevo edificio. Allí todo y todos parecen complotarse en su contra. Su vecina, la anciana Rosita, le presenta una realidad de la que anhela esconderse. ¿Quiere tener hijos, una familia, ser deseada? Toda huida culmina, y una decisión es necesaria. Julia moves into a new building to escape from her previous life. But once there, everything and everyone seem to conspire against her. Her neighbor, the old Rosita, shows her a reality from which she wants to escape. Does she want to have kids? A family? Be desired? All escapes come to an end, and making a decision becomes necessary. Agustina Figueras. (1987, Argentina). Es directora y escritora. Estudió en la Universidad del Cine. Reside en Londres, donde realizó un máster en Escritura de Guion en el London College of Communication - University of the Arts London. (1987, Argentina). She is a writer and a director graduated from the Universidad del Cine. She lives in London, where she did a Master in Screenwriting at the London College of Communication - University of the Arts London.

Argentina / Reino Unido - Argentina / United Kingdom, 2019 15’ / D / COLOR / Español - Spanish D, G: Agustina Figueras / F: Matías Farber E: Martín Senderowicz / DA: Oriana Lanao Pacheco S: Fabio Pécoro / M: Julieta Laso / P: Paula Vaccaro PE: Nicolás Dalmasso, Agustina Figueras, Alexander Craig : Pinball London / I: Anita Gutierrez, Mabel Pessen, Mario Moscoso o / Pinball London. Agustina Figueras, Paula Vaccaro T +44 7561070329 E [email protected] W pinballonline.co.uk - boraborafilm.com

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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MUESTRA DE CORTOMETRAJES ARGENTINOS

azul

argentine short films EXHIBITION

el sonido de la campana The Sound of the Bell

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Un boxeador veterano queda sordo luego de perder una pelea arreglada. Mientras se esfuerza por salir adelante, la desesperación, la soledad y el silencio lo sumergen en una constante pelea fuera del ring. A veteran boxer goes deaf after losing a fixed fight. As he struggles to move on, despair, loneliness and silence submerge him into a permanent fight outside the ring. Augusto Sinay. (Córdoba, Argentina). Graduado como realizador cinematográfico por la ENERC. Tiene un máster en Dirección por la ESAV de Toulouse, Francia. Ha escrito y dirigido 14 cortometrajes. Actualmente prepara su ópera prima El escuerzo. (Córdoba, Argentina) He graduated as a Filmmaker from the ENERC and did a Masters in Direction at the ESAV in Toulouse, . He has written and directed fourteen short films. He is currently working on his first feature, El escuerzo.

Argentina, 2019 15’ / D / COLOR Español - Spanish D, G: Augusto Sinay / F: Martín Heredia Troncoso / E: Noelia Solmi DA: Agustín Ravotti / S: Kevin Colman Bertoni, Santiago Rozadas M: Daniel Wörner / P: Mariana Villalva / PE: Augusto Sinay, Fremdina Bianco / : Fogón Cine, Vecinas Cine / I: Jorge Sesán, Alberto Pinilla, Flor Bobadilla Oliva o / Fogón Cine, Augusto Sinay T +54 9 351 5304500 E [email protected] W www.fogoncine.com

estilo libre Free Style

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Cuatro freestylers de diferentes edades y contextos sociales improvisan sobre una misma serie de imágenes de archivo. A través de la combinación de sus distintas versiones, nace una performance única, una ventana hacia las similitudes y diferencias entre ellos. Four freestylers of different ages and contexts improvise over a series of archive images. Through the combination of their different versions, a unique performance is born; a window to the similarities and differences between them. Bruno Annuiti. (1994, Buenos Aires). Es estudiante de diseño de Imagen y Sonido en la UBA. Estilo libre es su primer cortometraje. (1994, Buenos Aires) He studies Image and Sound Design at UBA. Free Style is his first short film.

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Argentina, 2019 5’ / D / COLOR Español - Spanish D: Bruno Annuiti / F: Celeste Torres Corbalán / E: Ayelén Neiser DA, P: Mariana Reingold / S: Karel J. Kees / M: Maximiliano Diaz, Luyara Candido, Ari Blanch, Morena Jabulij / : Trópico Audiovisuales I: Maximiliano Díaz, Luyara Candido, Ari Blanch, Morena Jabulij o / Trópico Audiovisuales Mariana Reingold T +54 11 6701 8645 E [email protected]

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

Some Do Not Even Make It

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

La timba, el desamor, los trabajos de mala muerte y los vómitos matutinos... En una seguidilla de fracasos, ¿habrá algo que alivie a Dolores? Gambling, heartbreak, terrible jobs and morning sickness… In a string of failures, is there anything that will relieve Dolores?

Solange Pino. (1988, Buenos Aires). Estudia Diseño de Imagen y Sonido en la UBA. Hay gente que ni llega es su primer cortometraje como directora, guionista y productora. (1988, Buenos Aires). She studies Image and Sound Design at the UBA. Some Do Not Even Make It is her first short as director, screenwriter and producer.

Argentina, 2019 8’ / D / COLOR Español - Spanish D, G: Solange Pino / F: Jésica Jacqueline Schifino / E: Franco Genovesi DA: Chiara Arambarri, Victoria Bonavita Galarza / S: Sebastián Videla Leiva P, PE: Chiara Arambarri, Solange Pino, Jesica Schifino : Vértigo Audiovisual / I: Raquel Luco, Florencia Costa, Valentín Pino o / Vértigo Audiovisual. Solange Pino T +54 11 5824 1428 E [email protected]

la calma del agua The Still of the Water

PREMIERE ARGENTINA / Argentine PREMIERE

En un verano que se vuelve cada vez más pesado, Rodrigo acaba de cumplir once años. Mientras la relación de sus padres se deshace y la infancia va quedando atrás, la llegada de un conejo al hogar cambiará para siempre el estado de las cosas. During a summer that becomes tougher by the day, Rodrigo has just turned eleven. While the relationship between his parents falls apart and childhood is being left behind, the arrival of a rabbit at his home will change the state of things forever. Manuel Ferrari. (1991, Barcelona, España). Radicado desde pequeño en Buenos Aires, cursó Diseño de Imagen y Sonido en la UBA, donde actualmente se desempeña como docente. La calma del agua es su primer trabajo como director. (1991, Barcelona, Spain). He has lived in Buenos Aires since he was and kid. He studied Image and Sound Design at the UBA, where he currently teaches. The Still of the Water is his first work as a director.

Argentina, 2018 17’ / D / COLOR Español - Spanish D: Manuel Ferrari / G, DA: Sebastián Cappiello F: Guido Vanney, Iván Varela / E: Iván Varela S: Sebastián Zanzottera, Juan Martín Moscoso Covini P, : El Asadito / PE: Juan Martín Moscoso Covini I: Kiyomi Gaillardou, Jimena González, Esteban Schemberg o / Manuel Ferrari T + 54 11 6849 6282 E [email protected] FB Manu Ferrari

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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MUESTRA DE CORTOMETRAJES ARGENTINOS

hay gente que ni llega

argentine short films EXHIBITION

la ciudad de jobino Jobino’s city

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Un europeo llegó a una localidad remota de la Patagonia e imaginó una ciudad como Chicago, pero en la estepa. La ciudad de Jobino se debate entre la fantasía de un hombre y la dureza del paisaje patagónico. Retrato de una Argentina indómita donde mitos e ilusiones confunden aun a sus visitantes. A European man arrived at a remote locality in Patagonia and imagined a city like Chicago but in the steppe. Jobino’s city is torn between the fantasy of a man and the harshness of the Patagonian landscape. The portrait of an indomitable Argentina where myths and illusions still baffle its visitors. Santiago Charriere. (1986, Buenos Aires). Estudió Dirección de Cine en la FUC. Dirigió el mediometraje Backyard Sessions (2012). Su ópera prima, Poner al rock de moda, fue ganadora del Fondo Metropolitano de las Artes y del premio del público en el Bafici 2015. (1986, Buenos Aires). He studied Filmmaking at the FUC. He directed the mid-length Backyard Sessions (2012). His first feature, Poner al rock de moda, won the Metropolitan Arts’ Fund as well as the audience award at Bafici 2015.

Argentina, 2019 7’ / D / COLOR Español - Spanish D, F, E, P, PE: Santiago Charriere / G: Santiago Charriere, Diego Petrecola / S: Diego Petrecola / M: Sombrero : El Tanque Films, Africa Visual / I: Jobino, Martín Garrido, Diego Petrecola o / El Tanque films. Santiago Charriere T +54 9 11 36442091 E [email protected] W eltanquefilms.com - laciudaddejobino.com

la compañia The Company

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Un elenco de danza contemporánea independiente ensaya a días del estreno de la obra, pero la tensión y enemistad existentes entre los del grupo harán que sus instintos animales se liberen. De repente, una explosión de golpes y sangre. Luego, todo vuelve a la calma, como si nada hubiera pasado. An independent contemporary dance cast rehearses a few days before the show premieres, but the existing tensions and feuds among the group’s will make their animal instincts run free. Suddenly, an explosion of blows and blood. Then, everything goes back to normal, as though nothing had happened. Maximiliano Gallo. Es actor, director teatral y dramaturgo. Actuó en películas como Por sus propios ojos (2007) y Uomo (2013), entre otras. La compañía es su primer trabajo como guionista y director de cine. He is an actor, theater director and playwright. He acted in such films as Por sus propios ojos (2007) and Uomo (2013), among others. The Company is his first work as a screenwriter and filmmaker. 180

Argentina, 2019 18’ / D / COLOR Español - Spanish D, G: Maximiliano Gallo / F: Agustin Burgos / E: Pepa Gianola DA: Miss Guidetii / S: Patricia Tosco / M: Franz Schubert, Thomas Quasthoff, Daniel Barenboim / P, PE: Maria Eugenia Veron, Maximiliano Gallo / : Vandalcine, Quinto Deva / I: Monica Garcia, Eva Bianco, Florencia Stalldecker, Coko Albarracion, Analia Juan, Magdalena Combes Tillaed o / Vandalcine. Maria Eugenia Verón T +54 9 351 3483356 E [email protected]

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

MUESTRA DE CORTOMETRAJES ARGENTINOS

la deriva The Drift

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

La noche pasa mientras los trabajadores del crucero empiezan su jornada: ponen la mesa, limpian las ventanas, desempolvan los sillones. Alguien prueba la música y otro enciende la cocina. Por lo general, nadie habla. Del otro lado, los turistas duermen mientras el barco avanza hacia la mañana. The night goes by as the workers of a cruise start their day: they lay the tables, clean the windows, dust the chairs. Someone tests the music and another one turns on the cooker. Normally, no one speaks. On the other side, the tourists sleep as the ship drifts into the morning. Iván Moscovich. (1992, Buenos Aires). Estudió Dirección en la Universidad del Cine. Trabajó en múltiples cortometrajes y largos en diversos roles, como productor, director de fotografía y asistente de dirección. La deriva es su primer cortometraje como director. (1992, Buenos Aires) He studied Film Direction at the Universidad del Cine. He has worked in several short films and features as producer, director of photography and director assistant. a Drift is his first short film as a director.

Argentina, 2019 13’ / D / COLOR D, F, P: Iván Moscovich / E: Iván Moscovich, Andrés Medina S: Iván Moscovich, Dante de Luca / PE: Dante de Luca : Jueves de Cine o / Jueves de Cine. Iván Moscovich T +54 11 5870 1727 E [email protected]

la guardia virtual Virtual Guard

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Chica conoce chica a través de una cámara de seguridad. ¿Podrá Miriam salir del tótem y concretar su fantasía? ¿O dejará que la inescrupulosa Karen se quede con el amor de Brenda? Girl meets girl through a security camera. Will Miriam be able to break the totem and realize her fantasy? Or will she let unprincipled Karen take Brenda’s love? Daniela Ema Aguinsky. (1993, Buenos Aires). Se formó en el CIC y en la Facultad de Filosofía y Letras (UBA). Fue redactora de Espectáculos en el diario Clarín. Colabora con el TLV Fest, festival de cine LGBT de Tel Aviv. La Guardia Virtual es su primer cortometraje. (1993, Buenos Aires) She studied at the CIC and at the Philosophy and Literature College (UBA). She has been an entertainment journalist for the newspaper Clarín. She collaborates with the TLV Fest, Tel Aviv’s LGBT cinema festival. Virtual Guard is her first short film.

Argentina, 2019 15’ / D / COLOR / Español - Spanish D, G: Daniela Ema Aguinsky / F: Andrés Checa / E: Ignacio Balbuena DA: María D’Amico / S: Maximiliano Sandoval / M: Valeria Valencia, Mi Puga Mi Pishgo / P: Sofía Fernández, Milagros Listrani Blanco / PE: Daniela Ema Aguinsky : CIC - Centro de Investigación Cinematográfica I: Marcela Beresiarte, Laila Duschatzky, Brenda Marks, Ruby Gattari, Priscila Sigal o / CIC. Laglu T +54 9 11 6466 9203 E [email protected] W cic.edu.ar

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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lapso de una noche paralela In the Lapse of a Parallel Night PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Año Nuevo. Una mujer recorre las calles intentando encontrar un medio de transporte que la lleve hasta su cita. Finalmente, llega a un bar, en el que conoce a un hombre que esperaba a otra mujer, que jamás llegó. El destino y las casualidades quisieron que empezasen el primer día del año juntos. New Year. A woman walks through the streets trying to find a transport to get to her date. She eventually walks into a bar where she meets a man that waited for another woman who never made it. Fate and chance wanted them to start the first day of the year together.

Argentina, 2019 18’ / D / COLOR Español - Spanish D, G, P: Ignacio Finkelstein / F: Micaela Albanese / E: Alexis de Lusarreta DA: Catalina Basso / S: Malena Noel / PE: Santiago Rivas : Universidad del Cine / I: Walter Jakob, Giuliana Fossa o / Ignacio Finkelstein T +11 4979 4651 E [email protected]

Ignacio Finkelstein. (1996,BuenosAires).Estudia Dirección en la Universidad del Cine. Lapso de una noche paralela es su primer cortometraje. (1996, Buenos Aires) He studies Filmmaking at the Universidad del Cine. In the Lapse of a Parallel Night is his first short film.

las alturas The Heights

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

De camino a una cena, una joven decide adentrarse en un bosque y poner su vida al límite. On her way to a dinner, a young woman decides to venture into a forest and take her life to the limit. Bruno Brichetti. (1995, La Plata, Argentina). Actualmente se encuentra finalizando sus estudios de Dirección en la Universidad del Cine. Tomó cursos de fotografía, postproducción y actuación. Dirigió diversos proyectos audiovisuales. (1995, La Plata, Argentina). He is currently finishing his studies in Film Direction at the Universidad del Cine. He took courses in photography, post-production and drama. He has directed several audiovisual projects.

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Argentina, 2019 10’ / D / COLOR Español - Spanish D, G, PE: Bruno Brichetti / F: Oliver Peters / E, P: Jean Paul Vizuete DA: Isabella Gomez Tendler / S: Joaquín Daray / I: Paula Lussi o / Bruno Brichetti T +54 22 1601 3019 E [email protected]

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

The Particles

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Un niño de diez años y su joven madre lidian silenciosamente con los cambios en sus vidas. Un día de verano, el vínculo que los une será puesto a prueba. A ten-year-old boy and his young mother silently deal with the changes in their lives. One summer’s day, the bond that keeps them together will be put to the test. Malena Vain. (1991, Buenos Aires). Estudió en la Universidad del Cine. Participó del Programa de Cine de la Universidad Torcuato Di Tella y del workshop de Werner Herzog en la EICTV, de Cuba. Escribió y dirigió el cortometraje Business (2016). (1991, Buenos Aires). She studied at the Universidad del Cine. She was part of the Film Program of the Torcuato Di Tella University and Werner Herzog’s workshop at Cuba’s EICTV. She wrote and directed the short Business (2016).

Argentina, 2019 14’ / D / COLOR Español - Spanish D, G, P: Malena Vain / F: Javier Arcaro / E: Silvia Sofía Montes DA: Verónica Balduzzi / S: Javier Fernandez Jensen, Virginia Tognola PE: Natasha Gurfinkel, Felipe Yaryura / : Mamá Húngara I: Sofía Brito, Franco Mazzea, Manuel Guirao, Diana Santini, Claudio Barbieri o / Mamá Húngara. Malena Vain T +54 9 11 4174 0482 E [email protected] W mamahungara.com

la tormenta The Storm

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Cleo viaja a Misiones buscando huir del ritmo y de la locura de Buenos Aires. Por desgracia, al cerrar los ojos, la ciudad se sigue manifestando bajo sus párpados y las luces de los autos la encandilan. Cleo travels to Misiones seeking to get away from Buenos Aires’ pace and madness. Unfortunately, when she closes her eyes, the city continues to manifest itself under her eyelids, and the cars’ headlights blind her. Agustín Adba & Luciano Benjamín Cieza. Adba (1985, Buenos Aires) trabaja como director en la productora Selva Cine. Dirigió el largo Penélope (Bafici ‘18). Cieza (1983, Buenos Aires) estudió Cine Experimental en el Instituto de Arte de San Francisco y Arte Audiovisual en el Bellas Artes de Lisboa. Es artista plástico y realizador audiovisual. Adba (1985, Buenos Aires) works as director at the Selva Cine production company. He directed the feature Penélope (Bafici ‘18). Cieza (1983, Buenos Aires) studied Experimental Cinema at the San Francisco Art Institute and Audiovisual Art at Lisbon’s Fine Arts. He is a visual artist and filmmaker.

Argentina, 2019 14’ / D / COLOR Español - Spanish D, G: Agustín Adba, Luciano Benjamín Cieza / F: Lucas Ángel Guardia E: Jerónimo Quevedo / DA: Lules / S: Ary Werthein / M: Ary Werthein, Agustín Iacona / P: Florencia Incarbone, Agustín Adba PE: Florencia Incarbone / : Selva Cine / I: Inés Efron, Pablo Adamovsky, Leonardo Singereisky, Romualdo Tierling o / Selva Cine. Agustín Adba T +54 9 11 4889 2009 E [email protected] W selvacine.com

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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MUESTRA DE CORTOMETRAJES ARGENTINOS

las partículas

argentine short films EXHIBITION

llorEn la locura perdida de estos campos

Weep the Headless Madness of These Fields PREMIERE ARGENTINA / Argentine PREMIERE

Una niña muere en una quinta. A la noche un perro desentierra el cadáver y lo lleva al bosque. Bajo la sombra de los árboles, la niña despierta y decide regresar a casa acompañada por el perro.

Argentina, 2019 18’ / D / COLOR Español - Spanish

A girl dies in a country house. At night, a dog digs up the corpse and takes it to the woods. Under the shadow of the trees, the girl wakes up and decides to return home with the dog.

D, G, E: Alex Piperno / F: Roman Kasseroller y Manuel Rebella DA: Laura Caligiuri, Agustín Ravotti / S: Lucas Larriera P: Juan Bobbio, Alex Piperno / PE: Juan Bobbio : Ciudades subterráneas / I: Alma Bogado, Tuki, Agustín Repetto, Maya Lesca

Alex Piperno. (1985, Montevideo, Uruguay). Estudió en la FUC. Dirigió los cortos La inviolabilidad del domicilio se basa en el hombre que aparece empuñando un hacha en la puerta de su casa (Bafici ‘13) y ¡Hola a los fiordos! (Bafici ‘16), entre otros. (1985, Montevideo, Uruguay). He studied at the FUC. He directed the shorts La inviolabilidad del domicilio se basa en el hombre que aparece empuñando un hacha en la puerta de su casa (Bafici ‘13) and ¡Hola a los fiordos! (Bafici ‘16), among others.

o / Ciudades subterráneas. Juan Bobbio T +54 11 44010499 E [email protected] W ciudadessubterraneas.com

LOS áRBOLES The Grove

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Después de la muerte de su abuela, el joven Lucas escapa y se escabulle en su casa, en un intento por reconstruir un espacio perdido y recordarla.

Argentina, 2019 22’ / D / COLOR Español - Spanish

After his grandmother’s death, young Lucas escapes and sneaks into her house, in an attempt to rebuild a lost space and her.

D, G: Luana Carmona / F: Francisco García Morteo / E: Lila Izquierdo, Luana Carmona / DA: Mia Casaretto, Rocío Prat Gay / S: Axel Franks P: Luana Carmona / PE: Estanislao Kuron / : Universidad del Cine I: Lucas Carmona

Luana Carmona. (1992, Buenos Aires). Estudió Dirección en la Universidad del Cine. Los árboles es su primer cortometraje. (1992, Buenos Aires). She studied Filmmaking at the Universidad del Cine. The Grove is her first short.

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o / Estanislao Kurno T +54 11 3152 90951 E [email protected]

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

Better Alone

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Un hombre desesperado se hospeda en un departamento desocupado, pero pronto descubre que no está solo. Luego del shock inicial, la reconciliación comienza.

Argentina, 2019 14’ / D / COLOR Español - Spanish

A desperate man moves into an empty apartment, but he’ll soon find out he is not alone. After the initial shock, reconciliation begins.

D, G, PE: Santiago Barzi / F: Santino Mondini Rivas / E: Delfina Mosconi DA: Olivia Parra / S: Malena Nöel / P: Cecilia Zavala, Santiago Barzi, Oscar Barzi / I: Mariano Rojo, Juan Bautista Peci, Martin Bruno, Oscar Barzi, Santiago García Herbas

Santiago Barzi. (1998, Buenos Aires). Estudia Dirección en la Universidad del Cine. Mejor solo es su primer cortometraje. (1998, Buenos Aires). He studies Filmmaking at the Universidad del Cine. Better Alone is his first short film.

o / Santiago Barzi T +54 11 66914775 E [email protected]

MEMORIA DEL ESPACIO Memory of Space

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Una investigación sobre el tiempo, su transcurrir y su percepción. Una documentación de los espacios registrada durante 2017 en el Espacio Memoria y Derechos Humanos (ex-ESMA).

Argentina, 2019 10’ / D / COLOR Español - Spanish

An investigation on time, its ing and its perception. A document of spaces captured in 2017 at the Space for Memory and Human Rights (former ESMA).

D, G, F, E, DA, S, P, PE: Rodrigo Noya / : Alcatraz Audiovisual

Rodrigo Noya. (1981, Buenos Aires). Artista audiovisual, músico y docente, estudió Diseño de Imagen y Sonido (UBA) y desarrolló obras en fotografía, música y video, entre ellas Composición nro. 6 (2007), Composición nro. 1 (2016) y Rejas (2018). (1981, Buenos Aires). An audiovisual artist, musician and teacher, he studied Image and Sound Design (UBA) and developed photography, music and video works, including Composición nro. 6 (2007), Composición nro. 1 (2016) and Rejas (2018).

o / Alcatraz Audiovisual, Rodrigo Noya T +54 9 11 6256 1211 E [email protected] W alcatraz.site

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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MUESTRA DE CORTOMETRAJES ARGENTINOS

MEJOR SOLO

argentine short films EXHIBITION

MUMBLECORE EN EL CONURBANO Calling Mark Duplass

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Obligada a hacer reposo por un posoperatorio, Andrea decide tomar el control de su vida artística y grabarle un video a Mark Duplass, cineasta independiente, para venderle su proyecto de ópera prima. ¿Es posible filmar una película mumblecore en el conurbano bonaerense? ¿Cómo se la contaría a Mark?

Argentina, 2019 15’ / D / COLOR Español - Spanish

Forced to rest after surgery, Andrea decides to take control of her artistic life and record a video for Mark Duplass, an independent filmmaker, to sell him the project for her first film. Is it possible to shoot a mumblecore film on the outskirts of Buenos Aires? How would she tell the story to Mark?

D, G, PE: Melania Stucchi, Mariana Levy / F: Vanina Falcone, Sebastián Cantillo / E: Lautaro García Candela / DA: Paz Barrio, Aldi Arecchi / S: Gabriel Gandini / P: Juan Iastrebner / : Hi, Mark I: Sol Rodríguez Seoane, Nicolás Silbert, Alberto Rojas Apel, Macarena Albalustri, Alejandro Beron Díaz

Melania Stucchi & Mariana Levy. Stucchi (1976, Buenos Aires) es guionista de cine y televisión. Tiene un máster en Escritura Creativa por la Universidad Pompeu Fabra, de Barcelona. Levy (1981, Buenos Aires) es guionista, directora de teatro, actriz y docente. Como guionista ha desarrollado múltiples proyectos de cine y televisión. Stucchi (1976, Buenos Aires) is a screenwriter for cinema and TV. She did a Master’s in Creative Writing from the Universidad Pompeu Fabra, in Barcelona. Levy (1981, Buenos Aires) is a screenwriter, theater director, actress and teacher. As a screenwriter, she has worked on multiple projects for cinema and TV.

o / Hi, Mark. Melania Stucchi T +54 11 2161 8432 E [email protected] FB Mumblecore-en-el-Conurbano

NADIE QUIERE SER ESE ÚLTIMO

Nobody Wants to Be That Last One PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Una gran cantidad de niños de tan solo cinco años son llevados por sus padres a probar suerte en un torneo de fútbol. Los padres presionan y exigen mientras los seleccionadores buscan quedarse con los mejores, solo unos pocos. A lot of five-year-old kids are taken by their parents to try their luck at a football tournament. The parents pressure and make demands as the trainers try to pick the best, just a few.

Argentina, 2019 12’ / D / COLOR Español - Spanish

Azul Selser. (Catamarca, Argentina). Graduada de la carrera de Dirección por la ENERC. Trabaja como correctora de color de documentales y directora de videos institucionales. Nadie quiere ser ese último es su primer cortometraje. (Catamarca, Argentina). She graduated in Film Direction from the ENERC. She works as a colorist in documentaries and directs institutional videos. Nobody Wants to Be that Last One is her first short film.

o / ENERC. Michelle Petit de Meurville T +54 11 4383 2622 E [email protected] W enerc.gob.ar

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D: Azul Selser / G: Leonardo Nieva / F: Paula Fellheimer E: José Goyeneche / DA: Valentina Mansilla Derqui S: Alejandro Baldasso / P: Natacha Bucatari / : ENERC I: Juan Carlos Castillos, Roberto Simón Farsa, Patrizio Raúl

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

New Home

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Las historias detrás de cada caja registradora despiertan incógnitas sobre cómo se configuran la familia, el trabajo y el territorio. Entre China y Argentina, miles de familias de inmigrantes dejan sus huellas en un presente de trabajo duro y de parientes que vienen y se van. The stories behind each cash awaken questions about how family, work and territory are configured. Between China and Argentina, thousands of immigrant families leave their footprints in a present of hard work and relatives that come and go. Rocío Puente de Diego. (1996, Buenos Aires). Es estudiante de la carrera de Diseño de Imagen y Sonido (UBA). Dirigió el corto Aséptica (2017) y trabajó como directora de fotografía y camarógrafa en varios cortometrajes. (1996, Buenos Aires). She studies Image and Sound Design (UBA). She directed the short Aséptica (2017) and worked as cinematographer and camera operator for many shorts.

Argentina, 2019 14’ / D / COLOR Chino - Chinese D, G: Rocío Puente de Diego / F: Candela Martin / E, S: Victoria Marano DA: Rocío Puente de Diego, Candela Martin P, PE: Marina Nerea Malchiodi / I: Marcelo Chen, Diana Chen, Lin Xin, Wu Jian Ping, He Jian Hao o / Marina Nerea Malchiodi T +54 11 3705 9262 E [email protected] FB nuevacasacortometraje

QUEDARSE EN CASA At Home

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Dos amigas desayunan, bailan y juegan en varios espacios de la casa. Mientras tanto, en la televisión, los noticieros hablan de un femicidio.

Argentina, 2019 12’ / D / COLOR Español - Spanish

Two friends have breakfast, dance and play in different rooms of a house, while, on the TV, the news speak of a femicide.

D, G, PE: Luisina Anderson / F: Franco Palazzo / E: Alejandro Magneres DA: Majo Blanco / S: Ramiro Díaz Agüero / P: Marianela Siccardi, Luisina Anderson, Juliana Schwindt / I: Candela Capute, Camilla Sanchez, Lucía Palavecino

Luisina Anderson. (1987, Entre Ríos, Argentina). Es cineasta, fotógrafa y docente argentina. Licenciada en Comunicación Audiovisual por la UNLP, estudió Dirección de Fotografía en el CFP de SICA y codirigió junto a Roberto Bernasconi el largometraje Arriba quemando el sol (2014). (1987, Entre Ríos, Argentina). Filmmaker, photographer and teacher. She graduated in Audiovisual Communication from the UNLP, studied Direction of Photography at the CFP (SICA) and co-directed along with Roberto Bernasconi the feature Arriba quemando el sol (2014).

o / VIAS Audiovisuales. Juliana Schwindt T +54 9 22 1543 8203 E [email protected] FB viasaudiovisuales .

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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MUESTRA DE CORTOMETRAJES ARGENTINOS

NUEVA CASA

argentine short films EXHIBITION

RESONANCIAS Echoes

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

A Male le gusta nadar. Un día, cuando se le tapa un oído en la pileta, empieza a cruzarse con situaciones que la acercan cada vez más al mar.

Argentina, 2019 15’ / D / COLOR Español - Spanish

Male likes to swim. One day, when one of her ears clogs at the pool, she starts stumbling upon situations that drag her closer and closer to the sea.

D: Lucila Mariani / G, P, PE: Lucila Mariani, Francisco Zuleta F: Tomás Curland, Pedro Adamovsky / E: Daniela Anze Zuazo DA: Carolina Ruiz / S: Francisco Zuleta, Vera Rubinstein M: Francisco Zuleta / : Marea / I: Jenni Merla, Begonia Zuleta Paz, María Zajd

Lucila Mariani. (1995, Buenos Aires). Estudió Dirección en la Universidad del Cine. Dirigió el cortometraje Wekwaindu (2018), filmado en 16 mm y seleccionado en el BFI Future Film Festival. (1995, Buenos Aires). She studied Filmmaking at the Universidad del Cine. She directed the short Wekwaindu (2018), shot in 16mm and selected at the BFI Future Film Festival.

o / Marea. Lucila Mariani T +54 11 6981 3488 E [email protected] W mareacine.c

TROMPITA Y LA MIGRACIÓN DE LIEBRES Trompita and the Migration of Hares PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Trompita es una niña decidida a realizar el mejor castillo de arena y a defenderlo contra cualquier amenaza. Quizás todo eso solo sea un enfrentamiento con sus verdaderos deseos. Trompita is a girl determined to build the best sand castle and guard it against all threats. Perhaps it’s all a confrontation with his own wishes. Florentina González & Nerina Landi. González (1991, Buenos Aires) estudió Artes Visuales en la UNA. Landi (1989, Buenos Aires) es ilustradora, historietista y animadora freelance. Ambas estudiaron Cine de Animación en la Escuela de Arte Multimedial Da Vinci. Trompita y la migración de las liebres es su primer corto como directoras. González (1991, Buenos Aires) studied Visual Arts at UNA. Landi (1989, Buenos Aires) is an illustrator, cartoonist, and freelance animator. They both studied Animation Cinema at the Escuela de Arte Multimedial Da Vinci. Trompita and the Migration of Hares is their first short film as directors.

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Argentina, 2019 6’ / D / COLOR D, G, E: Florentina González / DA: Nerina Landi, Florentina González S: Daniel Tamborini, Gino Colonna / M: Daniel Tamborini P: Florentina González, Nerina Landi o / Florentina González T +54 11 3047 3618 E [email protected]

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MUESTRA DE CORTOMETRAJES ARGENTINOS

VESTINSHOU PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Gatos. Pasión de multitudes. La belleza felina y una competencia que reúne a criadores de gatos de raza de todo el mundo, en la que se entrelazan conflictos internos, rivalidades, deseos e ilusiones. Un retrato colorido y contradictorio de la condición humana. Cats. A truly popular ion. Feline beauty and a competition that gathers cat breeders from all around the world and intertwines internal conflicts, rivalries, wishes and illusions. A colorful and contradictory portrait of the human condition. Malena Martins Sanz. Es actriz y directora. En 2016 ingresó en la carrera de Realización Cinematográfica en la ENERC y, desde entonces, participó en distintos proyectos. Actress and director. In 2016, she started studying Filmmaking at the ENERC and has since taken part in different projects.

Argentina, 2019 17’ / D / COLOR Español - Spanish D: Malena Martins Sanz / G: Florencia Montero Dufour F: Josefina Pintado / E: Franca Malfatti, Francisco Noriega DA: Luciana Cipriani / S: Priscila Villarreal Pérez P: Macarena de los Reyes / : ENERC / I: Elena Pérez, Roberto Méndez, Adolfo González Marqués, Astrid Stieben o / ENERC. Michelle Petit de Meurville T +54 11 4383 2622 E [email protected] W enerc.gob.ar

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HISTORIAS BREVES 17 brief stories 17

Organizada y producida por el INCAA desde hace 24 años, esta nueva edición de Historias Breves, la 17, está a tono con la tendencia de las producciones contemporáneas. Así, varios cortometrajes que componen esta entrega apuestan a mundos fantásticos y nuevos desarrollos del imaginario fílmico. Se trata de películas de temáticas diversas con un alto grado de calidad técnica y expresiva, siete cortometrajes en los que jóvenes cineastas arriesgan estéticas y contenidos, confirmando la madurez, profesionalismo y talento de una nueva generación de directores, productores, técnicos y actores del cine nacional.

Argentina, 2018 / 12’ / D

Organized and produced by the INCAA for the past 24 years, this new edition of Historias Breves, the 17 th, is in sync with the trend of contemporary productions. This way, many short films that make up this installment wager on fantastic worlds and new developments of the film imaginary. They are films of diverse subject matters with a high degree of technical and expressive quality, seven short films in which young filmmakers challenge with new aesthetics and content, confirming the maturity, professionalism and talent of a new generation of local directors, producers, technicians and actors.

D: Mercedes Arias P: Instituto Nacional de Artes Audiovisuales o / : [email protected]

El agua

Una noche solos

Argentina, 2018 / 14’ / D

Ana y Francisco atraviesan la experiencia del primer embarazo cuando se enteran de que algo no será como esperaban. Pero una clase de Francisco, en la universidad, les permitirá pensar sobre el concepto de la forma y sobre las vidas posibles. Ana and Francisco are going through the experience of a first pregnancy when they find out something will not turn out as expected. But a class Francisco takes in college will allow them to think about the concept of form and possible lives.

Argentina, 2018 / 15’ / D

D: Andrea Dargenio P: Instituto Nacional de Artes Audiovisuales o / : [email protected]

D: Martín Turnes P: Instituto Nacional de Artes Audiovisuales o / : [email protected]

Un chico se despierta en un mundo donde el agua ha desaparecido. Sin embargo, todos se portan como si nada pasara. ¿Qué ocurre? ¿El chico está loco? ¿O es el único testigo de una terrible realidad?

Celina y Alejo están desencontrados como pareja desde el nacimiento de Camilo, su hijo de cuatro años. La madre de Alejo les regala un voucher para un hotel alojamiento y les ofrece cuidar al niño. La propuesta les parece rara, pero tratan de vivir la experiencia con entusiasmo.

A boy wakes up in a world where water has disappeared. However, everyone behaves as if nothing has happened. What is going on? Is the boy crazy? Or is he the only witness to a terrible reality?

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El espesor de lo visible

Celina and Alejo are not in a good place as a couple, practically since the birth of their four-year-old son Camilo. Alejo’s mother gives them a coupon for a motel and offers to take care of the kid. They find the proposal to be quite strange, but try to live the experience with enthusiasm.

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HISTORIAS BREVES 17

Noche de novias

El agua de los sueños

D: Santiago Larre, Gustavo Cornaglia P: Instituto Nacional de Artes Audiovisuales o / : [email protected]

D: José Pablo Fuentes, Rocío Muñoz P: Instituto Nacional de Artes Audiovisuales o / : [email protected]

Tres parejas parecen divertirse en una noche de discoteca. Ríen entre chistes y comentarios fuera de lugar, pero algo parece estar mal. Sandra llora en el baño; Andrea no aguanta más y toma un cuchillo, mientras una nerviosa Carina hace de cuenta que todo está bien. ¿Quiénes son estas mujeres?

En el siglo XVI, un chamán inca proporciona a Alvar Mayor la ocasión para un encuentro con el demonio Chahuar con el objetivo de que salve a su hija. Alvar se sumerge así en una leyenda precolombina en la que se desdibujará el límite entre la realidad y el sueño.

Argentina, 2018 / 9’ / D

Three couples seem to be having fun one night at a disco. They laugh at inappropriate jokes and comments, but something seems off. Sandra cries in the bathroom; Andrea can’t take it anymore and grabs a knife, while a nervous Carina pretends everything’s okay. Who are these women?

Argentina, 2018 / 14’ / D

In the 16 th century, an Inca shaman gives Alvar Mayor the opportunity of an encounter with the demon Chahuar to ask him to save his daughter. This way, Alvar submerges in a Pre-Colombian legend in which the line between reality and dreams will become blurred.

La medallita

Hay coca

D: Martín Aletta P: Instituto Nacional de Artes Audiovisuales o / : [email protected]

D: José Issa P: Instituto Nacional de Artes Audiovisuales o / : [email protected]

Cátulo Castillo, promisorio boxeador, se encuentra con un adivino que le predice la fecha de su muerte. La coincidencia de ese día con su pelea definitoria por el título lleva a Cátulo a lidiar entre la entrega y el rechazo total al destino.

Un hombre debe llevar a la Puna un bolso desconociendo su contenido. Es momento de dictadura militar, y está obligado a tomar caminos alternativos para despistar a sus perseguidores. En el camino, deberá sobreponerse a la muerte y a la adversidad de la naturaleza para concretar su mandato.

Argentina, 2018 / 16’ / D

Cátulo Castillo, a promising boxer, runs into a fortuneteller who predicts the date of his death. The fact that said date coincides with that of the fight that will define his title drives Cátulo to struggle between surrendering to or completely rejecting his fate.

Argentina, 2018 / 16’ / D

A man must take a bag to the Puna unaware of its content. It’s the military dictatorship, and he’s forced to take alternative roads in order to mislead his pursuers. On his way, he will have to overcome death and the adversity of nature in order to fulfill his duty.

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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El escultor de los kilómetros The Tire Sculptor

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Nacido en el monte tucumano, Moyano vive hace veinte años en el conurbano bonaerense. A pesar de la rudeza de la vida al costado de la ruta, transforma residuos contaminantes en arte. Su historia es la del hombre curtido que doblega las ruedas a su antojo para darles la forma deseada. Jorge Moyano domina, como diría alguien en este documental, “el mundo de la cubierta, del que nadie se hace cargo”. Ese dominio implica varios cuchillos y un talento goma invencible: desde Virrey del Pino, Moyano es capaz de convertir cubiertas en una especie genial e inesperada de arte brutal. Goku, una moto, un pterodáctilo, sillas, sillones, Homero Simpson, un tucán, una palmera, un flamenco: Moyano corta y confecciona “la octava maravilla del mundo” (dirán por ahí) desafiando la redondez del mundo del arte como lo conocemos. Pero la película va más allá: lo sigue en su fe, en su otra forma de moldear al mundo (y a los demás), en sus satélites, y muestra que Moyano, su arte, su religión y sus modos son más complejos que la mera y reduccionista nota de color. JMD

Born in the forest of Tucumán, Moyano has lived for twenty years in the suburbs of Buenos Aires. Despite the roughness of life at the side of the highway, he transforms toxic waste into art. His story is that of a seasoned man that molds tires at will in order to give them the shape he wishes. Jorge Moyano dominates, as someone puts it in this documentary, “the world of tires, of which nobody takes charge”. That dominion implies several knives and an invincible talent; based in Virrey del Pino, Moyano is able to turn tires into an amazing and unexpected kind of brutal art. Goku, a motorcycle, a pterodactylus, chairs, couches, Homer Simpson, a toucan, a palm tree, a flamingo; Moyano cuts and models “the eighth wonder of the world” (as someone has said) defying the roundness of the art world as we know it. But the movie goes even further; it follows him in his faith, in his other way to mold the world (and people), in his satellites, and shows that Moyano, his art, his religion and his modes are more complex than a mere curiosity. JMD

Mauricio Sallesses. (1973, Buenos Aires). Es egresado de Comunicación Social. Desde 2000 se ha involucrado en el medio cinematográfico de manera autodidacta, realizando cortometrajes y asistiendo a talleres. El escultor de los kilómetros es su ópera prima. (1973, Buenos Aires). He graduated in Social Communication. Since 2000, he has worked in cinema as an autodidact, making short films and attending workshops. The Tire Sculptor is his first feature.

Argentina, 2019 80’ / D / COLOR Español - Spanish

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D, G: Mauricio Sallesses / F: Enrique Bellande, Mauricio Sallesses E: Andrés Tambornino / S: Gustavo Lazo / M: Los Mutantes del Paraná P, PE: Ulises Rosell, Enrique Bellande / : Alambrado Films, Fortunato Films / I: Jorge Moyano o / Fortunato Films / Alambrado films. Ulises Rosell T +54 9 11 3697 3000 E [email protected]

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The Wound and the Knife (Notes for a Film About Emilio García Wehbi) PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Documental, biografía y ensayo que sigue el proceso creativo de los últimos cinco años del dramaturgo Emilio García Wehbi. En paralelo, una serie de escenas de ficción, representadas en performances e instalaciones, dialogan con la poética de uno de los creadores de El Periférico de Objetos. Los lenguajes escénicos se funden, entran en conflicto, se tensionan. Los cuerpos se visten y desvisten, se manchan, se exponen. Las voces callan o gritan, mientras los espectadores establecen una conexión emocional con los actores, en la que estalla el sentido. Ese es el material de este documental sobre el célebre director de teatro experimental Emilio García Wehbi, creador, entre otros grupos, de El Periférico de Objetos. La estrategia rizomática del film es similar al método (o antimétodo) del director teatral, que va contra convenciones establecidas y seduce con lo obsceno, concebido como lo que está fuera de escena o de campo. En La herida y el cuchillo, la música, los ruidos, los silencios marcan la respiración y, en esas mismas estrategias formales, desnuda a Wehbi, su retratado. MG

A documentary, biography and essay that follows the creative process of the last five years of the playwright Emilio García Wehbi. In parallel, a series of fiction scenes, represented through performances and installations, engage in a dialogue with the poetics of one of the creators of the legendary group El Periférico de Objetos. The different stage languages fuse, collide and challenge each other. The bodies get dressed and undressed, stained and exposed. The voices shout or fall silent, while the spectators establish with the actors an emotional connection that makes meaning explode. That is the material of this documentary about the famous experimental theater director Emilio García Wehbi, creator, among other groups, of El Periférico de Objetos. The rhizomatic structure of the film is similar to the method (or anti-method) of the director, that goes against established conventions and seduces with the obscene, which is basically what is off-stage or out of field. In the Wound and The Knife, the noises, the music and the silence set the tone and the formal strategies to strip bare its object, Emilio García Wehbi. MG

Miguel Zeballos. (1976, Neuquén, Argentina). Dirigió los largometrajes El desembarco (2011), Un recuerdo borrándose muestra sus últimos destellos (2013) y Un continente incendiándose (2017). Actualmente trabaja en un largo inspirado en Jean Genet. (1976, Neuquén, Argentina). He has directed the features El desembarco (2011), Un recuerdo borrándose muestra sus últimos destellos (2013) and A Continent Burning (2017). He is currently working on a movie inspired by Jean Genet.

Argentina, 2019 65’ / D / COLOR Español - Spanish D, G: Miguel Zeballos / F: Tamara Ajzensztat, Luis Mirás Vega, Miguel Zeballos / E: Miguel Zeballos, Valentina Flynn DA: Mirella Hoijman / S: Martín Loiacono / P, PE: Sandra Gugliotta : OJOBLINDADO SRL / I: Emilio García Wehbi o / OJOBLINDADO SRL. Sandra Gugliotta T +54 9 11 6010 9999 E [email protected] ,

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artistas en acción

La herida y el cuchillo (Notas para un film sobre Emilio García Wehbi)

artists in action

La Lección de Anatomía An Anatomy Lesson

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

A más de cuatro décadas del estreno de La Lección de Anatomía, el autor y director teatral Carlos Mathus emprende la aventura de reestrenar la obra que lo consagró. Una odisea que pondrá en jaque no solo a su salud, sino también a la creación de su vida y a su espíritu rebelde. Desde su estreno en 1972, La Lección de Anatomía formó parte del paisaje cultural porteño, un mito al que sus 36 años consecutivos de cartelera consolidaron, y al que el anuncio de su reestreno en 2017 prometía agigantar. La lección de anatomía, la película, sigue todo el proceso de armado para este regreso, con su estela de trabajo arduo, sus retrasos, rencillas, solidaridades y su pasión genuina por el teatro. Pero el arte (aquí en su vertiente doble: la puesta en escena teatral, el propio film) no puede evadirse del cauce ingobernable de la vida, con sus golpes de timón y sus decisiones inconsultas. Cuando una muerte repentina acontezca, todo girará hacia un terreno imprevisto y, a partir de allí, esta será también una película sobre el amor y sobre muchas de sus infinitas formas. Sebastián Rosal

More than four decades after The Anatomy Lesson opened, theater actor and director Carlos Mathus embarks on the adventure of reviving the play that established him. An odyssey that places in check not only his health, but also the creation in his life and his rebellious spirit. Since its debut in 1972, The Anatomy Lesson has been part of Buenos Aires’ cultural landscape, a myth consolidated by having played for 36 consecutive years and for which the announcement of a re-release in 2017 promised to turn it into something even bigger. An Anatomy Lesson, the film, follows all that process of organizing this return, with its tough work, its delays, its quarrels, its solidarities and its genuine ion for theater. But art (here in its double aspect: the theater staging and the film itself) can’t evade itself from the ungovernable course of life, with its detours and its unexpected decisions. When a sudden death takes place, everything will become more unpredictable, and from then on it will also be a film about love and about many of its infinite shapes. SR

Agustín Kazah & Pablo Arévalo. Kazah (1985, Buenos Aires) es diseñador de Imagen y Sonido. Arévalo (1985, Buenos Aires) está graduado en Dirección y Producción de Cine y TV. Especializados en dirección y montaje, dirigieron por separado cortometrajes, series y videoclips. La lección de anatomía es su primer film en conjunto. Kazah (1985, Buenos Aires) is an Image and Sound Designer. Arévalo (1985, Buenos Aires) graduated in Direction and Production of Film and TV. Specializing in directing and editing, they each made their own shorts, series and music videos. An Anatomy Lesson is their first co-direction.

Argentina, 2019 87’ / D / COLOR Español - Spanish

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D: Agustín Kazah, Pablo Arévalo / G: Paula Magnani / F: Martín Larrea E: Nubia Campos Vieira / S: Mariana Delgado / M: Martín Sciaccaluga P, PE: Lucila Presa, Paula Magnani / : Rueguet Films I: Carlos Mathus, Antonio Leiva o / Rueguet Films. Lucila Presa, Paula Magnani T +54 11 5728 8950 / +54 11 6306 9531 E [email protected] W rueguetfilms.com.ar - lalecciondeanatomia.com.ar

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López Torres, Painter on the Plain PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Un cineasta regresa a su ciudad natal para investigar la figura de Antonio López Torres, desconocido y notable pintor español fallecido hace treinta años. Entre imágenes de archivo y testimonios actuales, se ensambla este cálido rompecabezas, bañado con la luz de la meseta castellana. Con el mismo ímpetu que el del alumno que ira al maestro, o el de Sancho al custodiar a Don Quijote, Manuel Olmedo Redondo se lanza en un viaje de diez meses por un poblado en Castilla-La Mancha llamado, novelescamente, Tomelloso, para filmar el paisaje, los colores y las personas que rodearon al genial pintor español Antonio López Torres. Con una cámara más ingenua y enamorada que obcecada en la perfección, el director se acomoda al tiempo lento y al paisaje silencioso de aquel lugar de La Mancha de cuyo nombre nadie quiere acordarse, y se sienta a hablar en las puertas de las casas de sus entrevistados —amigos y familiares del pintor—, trayendo al presente el talento obstinado de un artista que nunca dejó de mirar su tierra y a su gente. Alba Balderrama

A filmmaker returns to his hometown in order to do research on the figure of Antonio López Torres, an unknown but remarkable painter who died thirty years ago. Archive footage and current testimonies are the pieces of this warm puzzle bathed in the light of the Castilian plateau. With the enthusiasm of a disciple who ires his teacher, or Sancho’s devotion for Don Quixote, Manuel Olmedo Redondo embarks on a ten-month journey to a town in Castilla-La Mancha that bears the novelesque name of Tomelloso in order to film the landscape, the colors and the people who surrounded the great Spanish painter Antonio López Torres. With a camera that is more naive and enamoured than obsessed with perfection, the director grows used to the slow time and the silent scenery of that place of La Mancha the name of which no one has any desire to call to mind and sits by the door of his interviewees’ houses (relatives and friends of the painter) to bring to the present the obstinate talent of an artist that never ceased to look at his land and his people. AB

Manuel Olmedo Redondo. (1976, Tomelloso, España). Inició en Madrid su carrera en el cine. Dirigió los largometrajes H trouble (2008) y Desvíos (2016). En 2017 ganó el festival FICARQ de Cine y Arquitectura con el micrometraje Imágenes en una tormenta. (1976, Tomelloso, Spain). He started his film career in Madrid. He has directed the features H trouble (2008) and Desvíos (2016). In 2017, he won the FICARQ Cinema and Architecture Festival with the micromovie Imágenes en una tormenta.

España - Spain, 2019 91’ / D / COLOR Español - Spanish D, G, F, E, S: Manuel Olmedo Redondo / DA: Jaime Villena Ferrer P, PE: Jaime Villena Ferrer, Manuel Olmedo Redondo / I: Antonio López García, Manuel Olmedo Peinado, Alejandro Villena, Ezequiel Cano, Nina Zarco o / Manuel Olmedo Redondo T +34 650 266 630 E [email protected]

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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artistas en acción

López Torres, pintor en la llanura

artists in action

Walking On Water PREMIERE ARGENTINA / Argentine PREMIERE

Cautivador documental acerca del reconocido artista Christo y su ardua lucha por llevar a cabo su instalación más ambiciosa: The Floating Piers, un camino dorado flotante en el lago Iseo, al pie de los Alpes italianos. Un monumento a la trascendencia, registrado en un alegre making of. En un pasaje del film, Christo asegura que ser artista no es una profesión, ni un oficio con descansos o recreos, ni jornadas de ocho horas: es una forma de vida. Como contraste a esta afirmación, Andrey Paounov expone al búlgaro a una situación menos sublime, la de la organización y división del trabajo para la concreción de una de sus obras, puesta en marcha sin su usual compañera Jean-Claude, fallecida en 2009. La intervención ambiental, The Floating Piers, es desmenuzada a punta de reuniones burocráticas, discusiones con mecenas o vernissages al ritmo de una versión lenta de “Get Lucky”, de Daft Punk. Así, Christo no solo es desnudado en su mecánica de creación e implementación de la obra, sino engullido dentro de una dinámica que ha convertido su arte en un eje de consumo y de turismo. Mónica Delgado

A captivating documentary on the famous artist Christo and his hard struggle to complete his most ambitious installation: The Floating Piers, a golden way that floats on the Lake Iseo, at the foot of the Italian Alps. A monument to transcendence, captured in a jolly making-of.

Andrey M. PAOUNOV. (1974, Sofia, Bulgaria). Se graduó en la Academia Nacional de Teatro y Artes Cinematográficas de Sofía. Entre otros, dirigió Georgi and the Butterflies (2004) y The Mosquito Problem and Other Stories (2007), ambos proyectados en el Bafici ‘08. (1974, Sofia, Bulgaria). He graduated at the National Academy of Theater and Film Arts of Sofia. Among others, he has directed Georgi and the Butterflies (2004) and The Mosquito Problem and Other Stories (2007), both of them screened at Bafici in 2008.

Bulgaria / Italia / Estados Unidos Bulgaria / Italy / United States, 2018 / 100’ / D / COLOR Inglés / Italiano - English / Italian

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At a certain point in the film, Christo says that being an artist is neither a profession nor a trade with breaks or eight-hour days; it is a way of life. As a contrast to that statement, Andrey Paounov exposes the Bulgarian to a less sublime situation: the organization and division of labor for the making of one of his works, set in motion without the help of his partner JeanClaude, who died in 2009. The making of the environmental installation, The Floating Piers, is broken down to its smallest details: bureaucratic meetings, discussions with benefactors and vernissages, all to the beat of a slow version of Daft Punk’s “Get Lucky”. Thus, the film doesn’t only bare Christo and the mechanics of creation and implementation of his work, but also shows him as he is swallowed by a dynamics that has made of his work an axis of consumption and tourism. MD

D: Andrey M. Paounov / F: Simone D’Arcangelo, Anastas Petkov, Pietro Daviddi, Antonio Ferrera, Wedigo Von Schultzendorff E: Andrey Paounov, Anastas Petkov / S: Tom Paul / M: Danny Bensi, Saunder Jurriaans / P: Izabella Tzenkova, Valeria Giampietro : Kotva Films, Ring Film / I: Christo o / Autlook Filmsales. Stephanie Fuchs T +43 720 34 69 34 E [email protected] W autlookfilms.com - christojeanneclaude.net

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

Zurita, You Will Not to See

PREMIERE ARGENTINA / Argentine PREMIERE

Raúl Zurita es una figura clave en el paisaje cultural chileno del último medio siglo. El propio poeta repasa aquí su obra, sus vivencias y dolores, así como el amor por un arte que aún lo ayuda a sanar las heridas, cuando el párkinson se apodera de su vida y le da un giro imprevisto. El ejercicio es vislumbrar y aproximarse de la poesía a la voz de un detenido desaparecido. En escalas gigantes de tiempo y espacio, la cámara retrata la inmensidad del mar y del desierto. Una apuesta por escrituras que solo pueden ser vistas desde lo alto o desde el suelo hacia el cielo; una manera de representar el horror y la esperanza como caras de una misma moneda. La otra escala es su propio cuerpo: alguna vez se quemó una mejilla con un fierro ardiendo como respuesta desesperada ante la violencia militar; otra vez se roció los ojos con amoniaco en la búsqueda de la belleza. Zurita, verás no ver es un documental sobre el último proyecto del poeta y artista visual chileno Raúl Zurita y sobre el vínculo indisociable entre su vida y su obra. Lo más bello será lo que no se puede ver. Gabriela Balbontín

Raúl Zurita is a key figure in the Chilean cultural landscape of the last half century. In this movie, the own poet goes over his work, experiences and sorrows, as well as over his love for an art that still helps him heal his wounds, when Parkinson is taking over his life and giving it an unexpected turn. The exercise is to glimpse and approach (from his figure to his voice) to the figure of a disappeared-detainee. In huge scales of time and space, the camera depicts the immensity of sea and desert. A bet on a writing that can only be seen from up high or from the ground to the sky; a way to represent horror and hope as both sides of the same coin. The other scale is his own body; once he burned his cheek with a piece of metal as a desperate response to military violence; another time, he sprayed ammonia on his eyes in search for beauty. Zurita, You Will Not to See is a documentary about the last project of the Chilean poet and visual artist Raúl Zurita and about the unbreakable bond between his life and work. The most beautiful is what cannot be seen. GB

Alejandra Carmona Cannobbio. (1965, Santiago, Chile). Estudió Filosofía en la Universidad de Chile y en la Central de Barcelona y se graduó como directora en la Academia de Cine y TV de Berlín. Dirigió el largo documental En algún lugar del cielo (2003). (1965, Santiago de Chile, Chile). She studied Philosophy at the University of Chile and at the Central University of Barcelona and graduated as a director at the Cinema and TV Academy of Berlin. She directed the documentary feature En algún lugar del cielo (2003).

Chile, 2018 75’ / D / COLOR Español - Spanish D, G: Alejandra Carmona Cannobbio / F: Enrique Stind E: Andres Fuentes, Valeria Valenzuela / S: Boris Herrera M: Miranda&Tobar / P, PE: Eduardo Lobos / : Ginko Films I: Raúl Zurita o / Ginko Films. Eduardo Lobos T +56 9 9152 2410 E [email protected] W zuritalapelicula.cl

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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artistas en acción

Zurita, verás no ver

[21] BAFICI

Comedia comedy

Comedy

Bêtes Blondes

Blonde Animals / Animales rubios PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

Fabien fue la estrella de una sitcom en los 90. Ahora bebe tanto que no recuerda casi nada de lo que hace. Ávido por llegar a París, su memoria trunca pronto convierte su viaje en una experiencia extravagante. Entre el absurdo hallará, como en un sueño, la ayuda de Yoni, un joven y sensible militar. Protagonizada por un tipo que porta una cara de comicidad monumental, la película acumula excentricidades, rarezas, gestos lunáticos llamados a producir un clima que se enrarece progresivamente sin perder la gracia ni la capacidad de sorpresa de escena en escena. Formato cuadrado, canciones y cierta elocuente belleza pasada de moda, Bêtes blondes es una especie de fiesta ambulante: extraña, ligera y con un contundente aire de fábula capaz de envolver a sus criaturas y dotarlas de esos modales de humanismo risible con los que se desplazan orgullosas por los planos. No se adelantará el final, por respeto reverencial a ciertas formas de superstición vigentes, pero la película incluye una cabeza acaso más insospechada que la que remoloneaba en una conocida película de Sam Peckinpah. DO

Fabien was the star of a sitcom in the ‘90s. Now he drinks so much he hardly re anything he does. Eager to arrive in Paris, his truncated memory soon turns his trip into an extravagant experience. Among the absurd, he will find, like in a dream, the help of Yoni, a young, sensitive military man. Starring a guy who sports a monumentally comical face, the film accumulates eccentricity, weirdness, lunatic gestures in order to produce an atmosphere that becomes more and more rarefied without ever losing humor or the capability to surprise scene after scene. With its square format, its songs and a certain eloquent, out-of-fashion beauty, Blonde Animals is some sort of traveling party: strange, light and with a strong fable-like quality capable of enveloping its creatures and giving them those manners of ridiculous humanism with which they transit every shot. We won’t give away the ending, out of reverential respect to certain ongoing forms of superstitions, but the film includes a head that’s perhaps more unsuspected than the one that lurked in a well-known film by Sam Peckinpah. DO

Alexia Walther & Maxime Matray. Walther (1974, Ginebra, Suiza) es egresada de la Escuela Superior de Artes Visuales de Ginebra. Matray (1973, París, Francia) estudió en la Escuela Nacional Superior de las Artes en Niza. Juntos dirigieron varios cortometrajes. Bêtes blondes es su ópera prima. Walther (1974, Geneva, Switzerland) graduated from ESAV, in Geneva. Matray (1973, Paris, ) studied at EPIAR, in Nice. Together, they directed many short films. Blonde Animals is their first feature.

Francia - , 2018 101’ / D / COLOR Francés - French

202

D, G, DA: Alexia Walther, Maxime Matray / F: Simon Beaufils E: Martial Salomon / S: Colin Favre-Bulle, Luc Meilland, Sébastien Pierre / P: Emmanuel Chaumet, Mathilde Delaunay PE: Mathilde Delaunay / : Ecce Films / I: Thomas Scimeca, Basile Meilleurat, Agathe Bonitzer o / Ecce Films. Louise Rinaldi T +33 142 583 714 E [email protected] W eccefilms.fr - eccefilms.fr/BETESBLONDES

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comedia

Los Payasos The Clowns

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Cuando su corto Los payasos queda seleccionado en el Mundial del Cortometraje, tres jóvenes aspirantes a artistas viajan a Florianópolis y deciden grabar cada minuto. Con capacidad para registrar 16 horas continuas, la cámara pronto se vuelve testigo de las situaciones más vergonzosas y delirantes. Registrar todo lo que pasa en un viaje está al alcance de la mano. Ocurre que, a veces, olvidamos que un viaje se reparte, en buena medida, entre lo patético y lo irrelevante. Cuota que se torna aún más triste cuando un director sospecha que puede crear arte con solo prender la cámara. En su ópera prima, Lucas Bucci y Tomás Sposato se retratan a ellos mismos y a todo iluso que se embarque en la idea de hacer una película y presentarla en festivales. En suma, la vida misma: un sinfín de mails con el pulgar abajo; hasta que una puerta se abre, solo para recordarles que no deberían haber entrado. Jugando con las fronteras entre la ficción y el registro documental, Los payasos es, probablemente, el work in progress más gracioso de esta edición del festival. Santiago Berisso

When their short film The Clowns is selected for the Short Film World Cup, three young aspiring artists travel to Florianopolis and decide to record every minute of their trip. With enough capacity to 16 hours running, the camera soon becomes witness to the most embarrassing and outrageous situations. ing all that takes place during a trip is now within reach. What happens is that, very often, we forget that a trip oscillates in good measure between the pathetic and the irrelevant. A proportion that becomes even bigger (and sadder) when a director believes that he can make art by just turning on his camera. In their first film, Lucas Bucci and Tomás Sposato portray themselves and any other dreamer who s the adventure of making movies and presenting them at festivals. In short, life itself: an endless stream of emails with thumbs down, until a door opens only to remind them that they shouldn’t have crossed it. Playing with the boundaries between fiction and documentary, The Clowns is, probably, the most hilarious work in progress of this edition of the festival. SB

Lucas Bucci & Tomás Sposato. Bucci y Sposato son guionistas argentinos nacidos en los 80. Escribieron, entre otros, los films Fantástico (2015), Lifeline (2016) y La última fiesta (2016). Juntos formaron Cosmos Films, su productora de contenidos audiovisuales. Los payasos es su ópera prima. Bucci and Sposato are Argentinea screenwriters born in the 1980s. They have written, among others, the films Fantástico (2015), Lifeline (2016) and La última fiesta (2016). Together they have set up Cosmos Films, their audiovisual content production company. The Clowns is their first feature.

Argentina, 2019 68’ / D / COLOR Español - Spanish D, G: Lucas Bucci, Tomás Sposato / F: Tomás Sposato, Lucas Bucci, Diego Poleri / E: Manuel Margulis / M: Gonzalo Córdoba P: Néstor Frenkel, Sofía Mora / PE: Daniel Werner / : Cosmos Films, Vamosviendo Cine / I: Jerónimo Freixas, Lucas Bucci, Tomás Sposato o / Cosmos Films. Tomás Sposato T +54 911 40414753 E [email protected] FB cosmosfilm

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comedy

Siren’s Call

Son çikiş / El llamado de Siren PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Harto del ruido y del caos de la ciudad, un arquitecto decide huir de Estambul con una amiga que vive en las afueras, pero nada sale acorde al plan y pronto se ve inmerso en una tragicómica odisea. Una absurda comedia negra sobre cierta clase media turca y su actitud derrotista frente a la realidad. El primerísimo primer plano inicial de Siren’s Call nos muestra a un hombre que bien podría estar recostado en una playa disfrutando del sol y viendo aviones pasar. Pero no, rápidamente el director, Ramin Matin, demuele esta realidad y retrata a Tahsin como un arquitecto agobiado con un trabajo burocrático que se encuentra con Siren, una vieja amiga que trabaja en el campo y que lo motiva a abandonar el infierno de Estambul. Matin utiliza el sonido acentuando la estridencia que produce la contaminación sonora —algo que nos había avisado Tati en Playtime hace medio siglo— para hacer inexorable el escape de Tahsin, que en el trayecto vivirá diversas situaciones disparatadas, dignas de la comedia negra y tarareadas al ritmo de la Marcha turca, de Mozart. Carlos Federico Rey

Sick and tired of the noise and chaos of the city, an architect decides to flee Istanbul with a friend who lives outside the city, but nothing goes as planned and he is soon involved in a tragicomic odyssey. An absurd black comedy about a certain Turkish middle class and its defeatist attitude toward reality. The very close close-up that opens Siren’s Call shows us a man who might well be lying on a beach, enjoying the sun and watching planes fly by. But director Ramin Matin soon destroys this apparent reality and portrays Tahsin as an overwhelmed architect who meets up with Siren, an old friend who lives in the country and who encourages him to leave the hell of Istanbul. Matin uses sound to stress the stridency caused by noise pollution (something of which Tati had warned us in Playtime half a century ago) and to show the inexorability of the escape of the protagonist, who along the way will go through several ridiculous situations taken from a black comedy and hummed to the tune of Mozart’s Turkish March. CFR

Ramin Matin. (1977, Ankara, Turquía). Máster en Cine por la Universidad de Bilgi, Estambul. En 2005 fue cofundador de Giyotin Films. Dirigió los largometrajes The Monsters’ Dinner (2011) y The Impeccables (2013). (1977, Ankara, Turkey). Master’s in Film from the University of Bilgi, Istanbul. In 2005, he co-founded Giyotin Films. He has directed the features The Monsters’ Dinner (2011) and The Impeccables (2013).

Turquía - Turkey, 2018 93’ / D / COLOR Turco - Turkish D: Ramin Matin / G: N. Can Kantarci / F: Tayman Tekin / E: Evren Luş DA: Hülya Karakaş / S: Oğuz Kaynak, Cenker Kökten / M: Barış Diri, Tamer Temel / P: Emine Yıldırım, Oğuz Kaynak / PE: Emine Yıldırım, Oğuz Kaynak / : Giyotin Film / I: Deniz Celiloğlu, Ezgi Çelik, Pınar Töre, Gizem Erdem, Ali Demirel o / Fortissimo Films. Jane Yao T +31 202 159 310 E [email protected] W fortissimofilms.com

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comedia

Smuggling Hendrix PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Yiannis, un músico en decadencia, está a punto de dejar Chipre en busca de una vida mejor. Pero su querido perro Jimi cruza hacia la zona de la isla ocupada por Turquía y queda retenido en la frontera. Ahora Yiannis, junto a un par de cómplices, deberá encontrar la forma de recuperar a su mejor amigo. El norte de Chipre, con su capital dividida, sus cruces improbables de un lado al otro y una eterna sensación de absurdo —que en la pantalla parece crear un escenario de comedia por momentos delirante— funcionan para el director debutante a modo de disparador y causa motora de la acción. Marios Piperides trabaja un humor ingenuo y lúcido, como si su personaje corriera tras su perrito descarriado, pero estuviera también sobre las pistas de sí mismo, vestigios igual de esquivos de lo que alguna vez aspiró a ser, o estuvo a punto de ser sin lograrlo. La película pulsa arrebatos de comedia física en la que su personaje principal enfrenta una contrariedad tras otra, como en una carrera de obstáculos en la que se juega un viaje al pasado y la pregunta sobre la propia identidad. DO

Yiannis, a musician in decline, is about to leave Cyprus in search of a better life. But his dear dog Jimi crosses to the area of the island that is occupied by Turkey, and ends up detained in the border. Now Yiannis, along with a pair of accomplices, have to find the way of getting his best friend back. Northern Cyprus, with its divided capital, its unlikely crossings from one side to the other and an endless sense of the absurd —which onscreen seems to create a comedy scenery, delirious at times— work for the first-time director as a trigger and cause for the action. Marios Piperides works with some näive, lucid humor, as though his character were running after his wayward doggy, but also running from himself, the equally fleeting remains of what he once aspired to be, or was about to be but couldn’t. The film features some fits of physical comedy in which its main character faces one setback after the other, like an obstacle race in which a trip to the past and the question about one’s own identity are at stake. DO

Marios Piperides. (1975, Chipre). Se graduó en Cine y Producción de Video. En 2005 fundó la productora AMP Filmworks. Dirigió el mediometraje The Last Remaining Seats (2011) y los cortos The Immortalizer (2013) y Down Payment (2015). (1975, Cyprus). He graduated in Film and Video Production. In 2005, he founded the production company AMP Filmworks. He directed the mid-length The Last Remaining Seats (2011) and the shorts The Immortalizer (2013) and Down Payment (2015).

Chipre / Alemania / Grecia - Cyprus / / Greece, 2018 93’ / D / COLOR Griego / Inglés / Turco - Greek / English / Turkish D, G: Marios Piperides / F: Christian Huck / E: Stylianos Costantinou DA: Lydia Mandridou / M: Kostantis Papakostantinou / P: Janine Teerling, Marios Piperides, Thanassis Karathanos, Martin Hampel, Costas Lambropoulos / : AMP Filmworks, Pallas Film, Viewmaster Films I: Adam Bousdoukos, Fatih Al, Vicky Papadopoulou, Özgür Karadeniz o / The Match Factory T +49 221 539 709 0 E [email protected] W the-match-factory.com

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comedy

Una chica invisible An Invisible Girl

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Al enterarse de que un vergonzoso video suyo se ha viralizado, una joven alcohólica decide suicidarse. Un hacker, contratado por su ex para espiarla, la detiene. Pronto él se volverá su ángel guardián y ella, su obsesión. Aunque no lo parezca, Una chica invisible es una comedia. Una negra y voyerista. El cine argentino necesitaba una comedia como esta. Ahí donde un montón de películas fallan, la ópera prima de Francisco Bendomir sale airosa: el timing cómico es impecable, nada resulta forzado y nunca se desinfla; siempre aspira a sorprender y lo logra. Una chica invisible es una película meticulosa en sus formas de encontrar el humor, que aparece desde lugares a los que no nos tiene acostumbrados el cine local: en una variación de los típicos gags en profundidad de campo de las películas de Zucker-Abrahams-Zucker, aquí hay una secuencia extraordinaria en un colegio, en la que el humor surge desde el diseño sonoro; desde el fuera de campo. Voyerismo, animé, vómitos varios en situaciones de estrés, la viralidad “youtubística” y un as bajo la manga: la brillante niña actriz Lola Ahumada. Juan Pablo Martínez

Upon finding out that an embarrassing video of her has gone viral, a young alcoholic woman decides to commit suicide. A hacker hired by her ex to spy on her stops her. Soon he becomes her guardian angel, and she, his obsession. Even though it doesn’t seem like it, An Invisible Girl is a comedy. A black, voyeuristic one. Argentine cinema needed a comedy like this. Where many films fail, Francisco Bendomir’s first feature succeeds: the comedic timing is impeccable, nothing seems forced and it never runs out of steam; its aim is always to surprise and it always comes off with flying colors. An Invisible Girl is meticulous in its ways of finding humor, which appears in places that are rare for local films —in a variation of the typical depth-of-field gags in Zucker-Abrahams-Zucker films, there’s an extraordinary sequence here in which humor comes from sound design; from what happens out of field. Voyeurism, anime, vomiting in stressful situations, YouTube virality and an ace up its sleeve: the brilliant child actress Lola Ahumada. JPM

Francisco Bendomir. (1989, Buenos Aires). Trabajó en diversos proyectos como sonidista, guionista y productor. Dirigió los cortometrajes Dos caras (2013) y Buenas manos (2014). Una chica invisible es su primer largometraje. (1989, Buenos Aires). He worked in many projects as sound operator, screenwriter and producer. He directed the shorts Dos caras (2013) and Buenas manos (2014). An Invisible Girl is his first feature.

Argentina, 2019 80’ / D / COLOR Español / Japonés - Spanish / Japanese

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D, G, E: Francisco Bendomir / F: Mariano de Rosa / DA: Luis Montoya S: Fernando Ribero / M: Pablo Crespo / P, PE: Vanesa Weimer, Francisco Bendomir / : Alto Toga / I: Andrea Carballo, Javier de Pietro, Lola Ahumada, Pablo Greco o / Alto Toga. Francisco Bendomir T +54 9 11 3463 7020 E [email protected] W altotoga.com

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comedia

Volcano PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Extraños contratiempos dejan al citadino Lukas varado en un pequeño pueblo al este de Ucrania. Allí, un peculiar inventor llamado Vova y su seductora hija Marushka le ofrecen refugio; y Lukas, inmerso en un mundo anárquico y casi sobrenatural, comienza a experimentar algo cercano a la felicidad. Roman Bondarchuk tenía pensado hacer de Volcano un documental sobre un inventor, vendedor de chatarra y buscador de reliquias varias. Pero, al seguir a su personaje por una ciudad ucraniana posapocalíptica —con sus habitantes como salidos de un cuento de hadas, su cementerio en el que las parejas se citan, o su lago artificial que esconde una ciudad hundida—, entendió que la realidad no era suficiente para dar cuenta de lo insólito del mundo, y convirtió a esta ciudad perdida en una tierra fantástica y atemporal, hostil y animada, peligrosa e hilarante, tan sórdida como diáfana. Con el imprevisto convertido en la única guía de los personajes y también de su realizador, equipo técnico y actores, en esa libertad extravagante se expresa una forma política de concebir el mundo y el cine. Daniel Alaniz

Strange setbacks leave Lukas, a city dweller, stranded in a small town in eastern Ukraine. There, a peculiar inventor called Vova and his seductive daughter Marushka offer him shelter, and Lukas, immersed in an anarchic and almost supernatural world, starts to experience something close to happiness. Roman Bondarchuk had thought of making of Volcano a documentary about an inventor, scrap seller and relic seeker. But as he followed his character through a post-apocalyptic Ukrainian city —with its inhabitants who seem to have come from a fairy tale, its cemetery where couples have dates and its artificial lake that hides a sunken city—, he understood that reality was not enough to for the strangeness of this world. So he decided to turn this lost city into a fantastic and timeless land, both hostile and lively, dangerous and hilarious, sleazy and bright. With the unexpected as the characters’ (and also the director, actors and crew’s) only guide, the extravagant freedom of this film turns into a political way of understanding cinema and the world. DA

Roman Bondarchuk. (1982, Kherson, Ucrania). Estudió Cine, Teatro y Televisión en su país natal. Taxi-driver (2005), su película de graduación, ganó el premio de la Crítica de Cine de Rusia. Dirigió también Ukrainian Sheriffs (2015, Bafici ‘16). (1982, Kherson, Ukraine). He studied Cinema, Theater and TV in his home country. Taxi-driver (2005), his graduation film, won the Film Critics’ Award in Russia. He has also directed Ukrainian Sheriffs (2015, Bafici ‘16).

Ucrania / Alemania - Ukraine / , 2018 106’ / D / COLOR / Ucraniano / Inglés - Ukrainian / English D: Roman Bondarchuk / G: Alla Tyutyunnik, Roman Bondarchuk, Dar’ya Averchenko / F: Vadim Ilkov / E: Mykola Bazarkin, Heike Parplies / S: Borys Peter / M: Anton Baibakov / P: Olena Yershova PE: Tanja Georgieva-Waldhauer, Michel Merkt, Dar’ya Averchenko : ATO Film, Elemag Pictures GmbH, KNM, South I: Serhiy Stepansky, Viktor Zhdanov, Khrystyna Deilyk o / Pluto Film. Daniela Cölle T +49 30 2191 8220 E [email protected] W plutofilm.de

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hacerse grande coming of age

coming of age

Eighth Grade Octavo grado

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Kayla es una tímida adolescente a punto de terminar octavo grado. Sola en su cuarto, graba videos de YouTube con consejos para ser feliz, pero su vida es otra. Emocionalmente distanciada de su padre y sin amigos, intentará sobrevivir a la angustia y a las inseguridades del último año de escuela. “Ese es el inconveniente de crecer y empiezo a comprenderlo. Las cosas que se desean cuando se es niña no son ni la mitad de hermosas cuando se crece”, afirmó la protagonista de Ana de las tejas verdes, en 1908. Kayla Day, ciento diez años después, deberá atravesar de costado por la misma revelación, tan dolorosa como liberadora. Protagonizada por la joven promesa Elsie Fisher, la adolescente practica conversaciones imaginarias con personas que ira, y ensaya respuestas a preguntas inexistentes. Eighth Grade es un coming of age que no necesita lanzar chistes para hacernos reír ni construir eventos épicos para hacernos llorar. Bo Burnham logra lo imposible: registrar el instante imperceptible en el que una persona decide crecer. Maia Debowicz

Kayla is a shy teenager about to finish the eighth grade. Alone in her room, she records YouTube videos with advices to be happy, but her life is very different. Emotionally estranged from her father and without any friends, she will try to survive the anguish and insecurities of the last school year. “That’s the worst of growing up, and I’m beginning to realize it. The things you wanted so much when you were a child don’t seem half so wonderful to you when you get them,” said the protagonist of Anne of Green Gables in 1908. One hundred and ten years later, Kayla Day will have to go, sideways, through the same revelation, as painful as liberating. Played by the young promise Elsie Fisher, the teenager practices imaginary conversations with people she ires, giving answers to nonexistent questions. Eighth Grade is a coming of age film that doesn’t need to joke to make us laugh, or build epic events to make us cry. Bo Burnham achieves the impossible: to capture the imperceptible moment when a person decides to grow up. MD

Bo Burnham. (1990, Hamilton, Estados Unidos). Es comediante y actor. Creó tres especiales de comedia —Words, Words, Words (2010), what. (2013) y Make Happy (2016)— y dirigió otros tantos para comediantes como Chris Rock. Eighth Grade es su primer largometraje. (1990, Hamilton, United States). Comedian and actor. He wrote three comedy specials —Words, Words, Words (2010), what. (2013) and Make Happy (2016)— and directed as many for comedians such as Chris Rock. Eighth Grade is his first feature.

Estados Unidos - United States, 2018 93’ / D / COLOR Inglés - English D, G: Bo Burnham / F: Andrew Wehde / E: Jennifer Lilly DA: Garry Pastore / S: Tammy Douglas, Matt McLarty / M: Anna Meredith P: Eli Bush, Scott Rudin, Christopher Storer, Lila Yacoub PE: Jamin O’Brien / : A24 / I: Elsie Fisher, Josh Hamilton, Emily Robinson, Jake Ryan, Daniel Zolghadri o / UIP - United International Pictures. Rosana Berlingeri T +54 11 4373 0261 E [email protected] W uip.com.ar ,

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

La niñez avanza a otro ritmo en la pequeña aldea rural de Entrialgo. Contra el bellísimo paisaje montañoso de Asturias, Rubén y Aitor pasan sus días entre animales, juegos, la escuela y el trabajo de los adultos. Cambian las estaciones, el paisaje se transforma y la vida con él. Entrialgo es una pequeña localidad en la montaña asturiana. El director sigue a Rubén, un chavalín con cara de muñeca antigua medio demoníaca, pero de una mirada vivaracha que le quema la piel y que provoca que, cada vez que aparece en plano, todo se armonice con una facilidad, una nobleza y un lirismo semejante al de las primeras obras de Kiarostami. Película nada abstracta y, aun así, casi inasible, confeccionada mediante una artesanía perfecta, con movimiento, gracia y fulgores mínimos, en los que la cámara nos deja respirar, pensar en nuestras cosas, ser un poco libres. Hay planos en la escuela, lecciones en bable, ausencia de conflictos, animales, estaciones que pasan, y nada de niebla. Es muy difícil filmar la felicidad, o la despreocupación (esa levedad) del mundo de la infancia, y Entrialgo lo consigue. AA

Childhood goes by at a different pace in the small rural village of Entrialgo. Among animals, games, school and the adults’ labor, Rubén and Aitor spend their days against the backdrop of the mountainous Asturian landscape. The seasons change, the scenery transforms and so does life. Entrialgo is a small village in the Asturian mountain. The director follows Rubén, a kid with a half-demonic old doll’s face whose mischievous gaze burns the skin and bathes the scenes with an ease, lyricism and nobility similar to those of Kiarostami’s first movies. The film is almost ethereal but not at all abstract, perfectly crafted with movement and grace, and has little moments of glow in which the camera lets us breath, think of our own things, be a little free. There are scenes in the school, lessons in the Asturian dialect, absence of conflict, animals, ing seasons and no fog at all. It is very difficult to shoot the happiness and the lack of sorrow (the lightness) of the world of infancy, and Entrialgo manages to do it. AA

Diego Llorente. (1984, Pola de Siero, España). Es licenciado en Filología sa y ha realizado estudios tanto en la EICTV de Cuba como en la New York Film Academy. Dirigió cinco cortometrajes, además de Estos días (2014), su primer largo. (1984, Pola de Siero, Spain). He has graduated in French Philology and studied at the EICTV of Cuba and the New York Film Academy. He has directed five short films besides Estos días (2014), his first feature.

España - Spain, 2018 65’ / D / COLOR Español / Asturiano - Spanish / Asturian D, G, P, PE: Diego Llorente / F: Adrián Hernández / E: Sergio Jiménez S: Lucía Menéndez, Óscar de Ávila / : Failo Cine I: Rubén Posada Arroyo, Aitor Álvarez Bernardo o / Failo Cine. Diego Llorente T +34 655 532 131 E [email protected] FB Entrialgo

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hacerse grande

Entrialgo

coming of age

Si el sueño fuera quererte dormiría eternamente If I Dreamed of Loving You I Would Sleep Eternally PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

El show de fin de año de patinaje artístico se acerca y las exigencias aumentan. Lara y Sofía transitan esos últimos instantes de la infancia en los que crecer se vuelve incómodo. Mientras el barrio exhibe un realismo hipnótico, algo resiste, valiente, y brilla: la necesidad de permanecer todavía niñas. Entre rutinas agotadoras, rodetes tirantes, mallas con lentejuelas y purpurina, comienzan los preparativos para el show de fin de año de patinaje artístico en el Club Unión Florida. Es la primera vez que Lara, de doce años, va a ensayar la coreografía con el grupo de las chicas más grandes, mientras su amiga Sofía, de diez, continúa patinando con las más chicas. Celeste Contratti e Ingrid Valencic se valen de la trama como una mera excusa para abordar las vicisitudes del paso de la niñez a la adolescencia, y las tensiones entre el juego y la disciplina, en este documental de observación en el que las imágenes granuladas de videos caseros se combinan con la nitidez del digital, creando un relato que se desliza por la pantalla con la misma sencillez y frescura que sus personajes sobre ruedas. Elena D’Aquila

The end-of-the-year artistic roller skating show approaches and demands increase. Lara and Sofía are going through the last moments of girlhood, those in which growing up becomes uncomfortable. While the neighborhood exhibits a hypnotic realism, something resists bravely and shines: the need to remain girls a bit longer. Among exhausting routines, tight buns, swimsuits with sequins and glitter, the preparations for the end-of-the-year artistic roller skating show begin at the Club Unión Florida. It’s the first time that Lara, twelve, rehearses the choreography with the group of older girls, while her friend Sofía, who is ten, still skates with the younger group. Celeste Contratti and Ingrid Valencic use the plot as a mere excuse to tackle the vicissitudes of the age from childhood to adolescence and the tensions between game and discipline in this observational documentary in which the grainy images of home footage are combined with the sharpness of the digital format, thus creating a narration that slides across the screen with the same ease and freshness as its characters do it on wheels. EDA

Celeste Contratti & Ingrid Valencic. Contratti (1988, Buenos Aires) es diseñadora de Imagen y Sonido por la UBA. Dirigió los cortos El año pasado en Mardelplá (Bafici ‘15) y Nexquipayac (Bafici ‘17). Valencic (1986, Buenos Aires) egresó del Cievyc. Dirigió varios programas televisivos para los canales Encuentro y Paka Paka. Contratti (1988, Buenos Aires) graduated in Image and Sound Design from UBA. She has directed the short films El año pasado en Mardelplá (Bafici ‘15) and Nexquipayac (Bafici ‘17). Valencic (1986, Buenos Aires) graduated from Cievyc. She has directed several TV shows for the networks Encuentro and Paka Paka.

Argentina, 2019 80’ / D / COLOR Español - Spanish

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D: Celeste Contratti, Ingrid Valencic / G, E, S: Celeste Contratti F: Ingrid Valencic / M: Candelaria Zamar, Ro Stambuk P: Celeste Contratti, Ingrid Valencic, Paula Sinjovich / PE: Paula Sinjovich : Guelldan cine / I: Lara Estevez, Sofía Marchesani, Laura Sebelli, Macarena Carames o / Guelldan Cine. Celeste Contratti T +54 11 26823305 E [email protected] FB guelldancine

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Vsechno bude / Moscas de invierno PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

Dos adolescentes tan rebeldes como entrañables roban un auto y atraviesan la República Checa. Cuando en el camino se sume la joven Bára, descubrirán todo un mundo nuevo. Al mismo tiempo road movie, comedia y coming of age, Winter Flies avanza con fe en sus personajes y en el poder de la aventura. Winter Flies nos invita a atravesar paisajes blancos y helados a bordo de un auto en el que se reconoce el amor, el vértigo y la amistad en sentido pleno, invocando como pulso permanente la emoción del descubrimiento. Película de aventuras en la ruta, coming of age, acaso también policial, narrada en dos tiempos que oscilan entre lo vivido y lo relatado, lo real y lo —presuntamente— imaginado. Apuesta por las formas clásicas, aquellas que construyen personajes vitales diseñados para la alianza y el choque, la curiosidad y el deseo, que confían en las peripecias y en que los encuentros vibren y las emociones sean verdaderas. Mucho de lo que tantas veces se extraña vivir en una sala acá regresa dotado de imaginación, encanto y genuina gracia. MA

Two rebellious and endearing teenagers steal a car and drive across the Czech Republic. When the young Bára s the ride, they will discover a whole new world. At the same time a road movie, a comedy and a coming of age film, Winter Flies is narrated with faith in its characters and in the power of adventure. Winter Flies invites us to cross icy white landscapes on board of a car in which we can recognize love, vertigo and friendship in the most complete sense of the word, everything under the spell of the emotion of discovery. A movie of adventures on the road, coming of age, perhaps even a crime film, told in two times that go from the lived to the allegedly imagined. A bet on classical forms, those that make up living characters designed for alliance and clash, curiosity and desire, who trust in adventures and want encounters to vibrate and emotions to be true. Much of what we often miss feeling in the cinema comes back here fitted with imagination, charm and genuine grace. MA

Olmo Omerzu. (1984, Liubliana, Yugoslavia). Cursó sus estudios en la FAMU de Praga. Su tesis de graduación fue A Night Too Young (2011), estrenado en la Berlinale de 2012. En 2015 dirigió el largo Family Film. (1984, Ljubljana, Yugoslavia). He studied at the FAMU in Prague. His graduation thesis was A Night Too Young (2011), released at the Berlinale in 2012. In 2015 he directed the feature Family Film.

República Checa / Eslovenia / Polonia / Eslovaquia - Czech Republic / Slovenia / Poland / Slovakia, 2018 85’ / D / COLOR Checo - Czech D: Olmo Omerzu / G: Petr Pycha / F: Lukáš Milota / E: Jana Vlčková DA, S: Antonín Šilar / M: Šimon Holý, Monika Midriaková, Paweł Szamburski / P: Jiří Konečný, endorfilm / : endorfilm I: Tomáš Mrvík, Jan František Uher, Eliška Křenková, Lenka Vlasáková, Martin Pechlát o / Cercamon. Edgar Roche E [email protected] W cercamon.biz

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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hacerse grande

Winter Flies

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lugares places

places

A volta ao mundo quando tinhas 30 anos

Around the World When You Were My Age / La vuelta al mundo cuando tenías 30 años PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

Imágenes actuales y viejas fotografías arman este retrato de un padre desde el punto de vista de su hija. Un álbum de un viaje en la década del 70 desde Japón hacia el mundo, y el diálogo de ambos sobre los recuerdos a partir de las imágenes, sobre las palabras, sobre el deseo de traerlos al presente. Viajar con el cine, o mejor, la reconstrucción evocativa y formal de una travesía. Más de dos mil diapositivas en 35 mm convertidas a 16 mm, un diario de viaje, la voz en off de Jiro —el padre de Aya Koretzky— y Finlandia, Austria, Turquía, Italia, España, Portugal, Marruecos, Austria y Los Ángeles, pero también el jardín de Jiro, en el cual trabaja cotidianamente, y el globo terráqueo escrutado con una lupa, marcado con colores rojos y azules. Y los recuerdos, sobre todo estos. La arquitectura de los jardines y el murmullo de otras lenguas, la soledad del desierto y el bullicio de (algunas) ciudades. No hay ningún suceso extraordinario en este recorrido por paisajes y lugares de los convulsionados años 70. Tan solo una corriente vivencial que estremece por su cálida sencillez. Tanto como esto. Fernando Pujato

Current images and old photographs make up this portrait of a father from the point of view of his daughter. The album of a journey during the ‘70s from Japan to the world, and their dialogue about the memories triggered from the images, about the words, about the desire of bringing them to the present. Traveling with film, or, better yet, the evocative and formal reconstruction of a journey. More than two thousand slides in 35mm converted to 16mm, a travel journal, the voiceover of Jiro —Aya Koretzky’s father— and Finland, Austrie, Turkey, Italy, Spain, Portugal, Morocco, Austria, and L.A., but also the garden Jiro works in every day and the globe scrutinized with a magnifying glass, marked with red and blue. And memories, mainly the memories. The architecture of the gardens and the murmur in other languages, the solitude of the desert and the ruckus of (some) cities. There’s no extraordinary event in this journey through landscapes and places from the ‘70s in turmoil. Only a current of experience that thrills due to its warm simplicity. As much as that. FP

Aya Koretzky. (1983, Tokio, Japón). Establecida en Lisboa desde la infancia, estudió Bellas Artes y recibió un diploma en Cine. Realizó los cortos Nocturnos (2010, en codirección) y Beyond the Mountains (2011, en solitario). A volta ao mundo quando tinhas 30 anos es su primer largo. (1983, Tokyo, Japan). Based in Lisbon since her childhood, she studied Fine Arts and received a diploma in Film. She made the shorts Nocturnos (2010, co-directed) and Beyond the Mountains (2011, solo). Around the World When You Were My Age is her first feature.

Portugal, 2018 111’ / D / COLOR - B&N Japonés - Japanese

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D, F: Aya Koretzky / E: Tomás Baltazar / S: Miguel Clara Vasconcelos P: Joana Ferreira, Isabel Machado / : C.R.I.M. Productions I: Jiro Koretzky, Anna Koretzky, Ary Koretzky de Vasconcelos, Kate Saragaço-Gomes o / C.R.I.M. Productions. Sofia de Sousa T +351 218 446 102 E [email protected] W crim-productions.com

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lugares

Camorra PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Desde sus inicios como simples contrabandistas hasta la consolidación de sus temerarios clanes, este documental revela el verdadero rostro de la Camorra, una de las organizaciones criminales más poderosas del mundo. Una historia visceral narrada a partir de películas y de noticieros de la época. Da la impresión de que la historia de este documental es la de una indecisión conceptual, y de que Andrea Patierno no sabe muy bien a qué atenerse ante el torrencial archivo napolitano recopilado en la RAI entre los 60 y los 80 sobre la Nuova Camorra Organizzata (la mafia napolitana): si abandonarse al horror salvaje de sus imágenes (la alucinante entrevista al capo Cutolo tras unas rejas) o dejar transpirar la lírica serena y pasoliniana de sus mejores presencias, los niños de la calle, raterillos que contrabandean tabaco y roban a punta de una pistola de juguete. Sobre ese maniqueísmo fecundo, propio de un cineasta que viaja y se sorprende con nosotros, libre de ideas en las alforjas, se monta todo el material con un ritmo impresionante (puntuado por la voz de la compositora Meg) y ajeno a los juicios morales. AA

From their beginning as simple smugglers to the consolidation of their reckless clans, this documentary reveals the true face of the Camorra, one of the most powerful criminal organizations in the world. A visceral story narrated through movies and news programs of those years. It looks like this documentary is the history of a conceptual indecision, and that Andrea Patierno doesn’t quite know what to do before the torrential Neapolitan archive compiled in the RAI between the 1960s and 1980s about the Nuova Camorra Organizzata (the Neapolitan mafia): whether to abandon himself to the savage horror of its images (the amazing interview to capo Cutolo behind bars) or let transpire the serene and Pasolini-like lyricism of its most pleasant presences, the street kids, little thieves who smuggle tobacco and mug at (toy) gunpoint. On the basis of that fecund manicheism, typical of a filmmaker who travels and amazes with us, free of preconceptions, all the material is mounted at an impressive pace (punctuated by the voice of the composer Meg) and away from moral judgments. AA

sco Patierno. (1964, Nápoles, Italia). Estudió Arquitectura y trabajó en publicidad y televisión. Dirigió varios largometrajes, entre ellos, Pater familias (2003), Il mattino ha l’oro in bocca (2008) y La guerra dei vulcani (2012, Bafici ‘13). (1964, Naples, Italy). He studied Architecture and has worked in advertising and TV. He directed several features, among them Pater familias (2003), The Early Bird Catches the Worm (2008) and The War of the Volcanoes (2012, Bafici ‘13).

Italia - Italy, 2018 71’ / D / COLOR - B&N / Italiano - Italian D: sco Patierno / G: sco Patierno, Isaia Sales E: Maria Fantastica Valmori / S: Matteo Bendinelli / M: Meg P: Todos Contentos Y Yo También Napoli, Rai Cinema, Rai Teche PE: Andrea Patierno / : Todos Contentos Y Yo También Napoli, Rai Cinema, Rai Techel / I: Raffaele Cutolo, Rosetta Cutolo o / Todos Contentos Y Yo También Napoli Andrea Patierno T +39 392 233 4058 E [email protected] W todoscontentos.it ,

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places

L’île au trésor

Treasure Island / La isla del tesoro PREMIERE ARGENTINA / Argentine PREMIERE

Verano en los suburbios de París. Un centro de recreación acuático es el epicentro de la aventura, la rebeldía y el coqueteo para jóvenes y niños de las más diversas edades. Un reino de ocio y diversión alejado del ruido de la ciudad al que este documental explora en profundidad. Esta debe ser la película más placentera de esta edición del Bafici. Filmada en la Île de Loisirs de Cergy-Pontoise, un gran parque recreativo a 35 kilómetros de París, es una colección de pequeñas historias sobre la institución, los s y los empleados del lugar. Desde los chicos que quieren colarse hasta los inmigrantes que cuentan sus peripecias, todo transcurre en un clima de serenidad veraniega, de celebración de la vida al aire libre en medio de ríos, lagos y diversiones acuáticas. Construida desde una sabiduría que privilegia la idea del ocio y excluye a los ricos en todas sus variantes, el título deja entrever que ese centro de reunión de jóvenes trabajadores con sus ecos renoirianos es una prueba secreta de que todavía hay esperanzas para la civilización y para el cine. Quintín

Summer in the suburbs of Paris. A water recreational center is the epicenter of adventure, rebelliousness and flirting for young people and children of the most diverse ages. A kingdom of leisure and fun away from the noise of the city that this documentary explores in depth. This must be the most pleasant film in this edition of Bafici. Shot at the Île de Loisirs in Cergy-Pontoise, a large recreational park 35 kilometers away from Paris, it is a collection of small stories about the institution, its s and its employees. From the boys and girls that try to cut in line to the immigrants who tell of their adventures, everything goes on in an atmosphere of summer serenity, celebrating life in the open air and among rivers, lakes and water amusement. Built from a wisdom that favors the idea of leisure and excludes the rich in all its variants, the title suggests that meeting point for young working-class people of Renoirian echoes is secret proof that there is still hope for civilization and for film. Q

Guillaume Brac. (1977, París, Francia). Graduado por La Femis en Producción, dirigió los cortos Le Naufragé (2009) y Le Repos de braves (2016), el mediometraje Un monde sans femmes (2011) y los largos Tonnerre (2014) y Contes de juillet (2017). (1977, Paris, ). Graduated by La Femis in Production, he directed the shorts Le Naufragé (2009) and Le Repos de braves (2016), the mid-length Un monde sans femmes (2011) and the features Tonnerre (2014) and Contes de juillet (2017).

Francia - , 2018 97’ / D / B&N Francés - French

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D: Guillaume Brac / F: Martin Rit / E: Karen Benainous / S: Nicolas Joly, Arnaud Marten / M: Jeong Yongjin / P: Nicolas Anthomé : bathysphere o / bathysphere. Aliha Thalien T +33 140 213 702 E [email protected] W bathysphere.fr/en

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The Jewish Experience, from Basavilbaso to New Amsterdam PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Miguel Kohan intenta conectar los recuerdos de su familia gaucho-judía con la huida de los sefaradíes de la península ibérica, en 1492. Surinam, Nueva York, Jamaica y Brasil son algunos de los lugares en los que se visibiliza la historia no contada de aquellos que escaparon de la Inquisición. El director avanza sobre su tema como un filólogo o un detective; su historia personal está ahí también. De modo que sigue trazos temblorosos que atraviesan continentes, voces perdidas que han cruzado el mar y que hay que pescar delicadamente, a veces con un sentimiento de desesperanza, como si la tarea emprendida mostrara cada tanto signos de estar condenada al fracaso. Los gauchos judíos con su mutismo fatal —“no contaban nada”, dice de ellos uno de sus descendientes— o la diáspora inconcebible por el Caribe develan las ramificaciones infinitas de la empresa, pero en los testimonios se advierte también una obstinación que alumbra la película, cuya amabilidad traslada al espectador a una travesía en la cual lo que está en juego puede ser también el propio pasado. DO

Miguel Kohan tries to connect the memories of his Gaucho-Jewish family with the fleeing of the Sephardim from the Iberian Peninsula in 1492. Surinam, New York, Jamaica and Brazil are some of the places where the untold story of those who escaped the Inquisition is visibilized. The director tackles his subject like a philologist or a detective; his personal history is also there. So he follows shaky traces that cross continents, lost voices that have crossed the sea and have to be fished delicately, sometimes with a feeling of hopelessness, as though the task that’s been undertaken showed, every so often, signs of being destined to fail. The “Jewish Gauchos,” with their fatal mutism —“they didn’t tell anything,” says one of their descendants— or the inconceivable diaspora through the Caribbean show the endless ramifications of the enterprise, but one can tell from the testimonies that there’s this obstination that lights up the film, whose pleasantness makes the audience go on a voyage in which what’s at stake could well be the past itself. DO

Miguel Kohan. (1957, Buenos Aires). Tiene un máster en Dirección de Cine y Producción de Televisión por la UCLA. Dirigió los largometrajes Café de los maestros (2009) y El sito. Un documental (im)posible sobre Enrique Pichón-Riviere (Bafici ‘16), entre otros. (1957, Buenos Aires). He has a Master’s in Filmmaking and Television Production by the UCLA. He directed the features Café de los maestros (2009) and El sito. Un documental (im)posible sobre Enrique Pichón-Riviere (Bafici ‘16), among others.

Argentina, 2019 84’ / D / COLOR / Inglés / Español / Portugués / Holandés English / Spanish / Portuguese / Dutch D: Miguel Kohan / G: Inés de Oliveira Cézar, Miguel Kohan F: Javier Gruffi, Dave Edhard, Miguel Kohan / E: Rosario Cervio S: Nicolas Giusti, Marabunta / M: César Lerner / P: Miguel Kohan, Daniel Dunkelman, Deborah Herszenhut, Rachel Frankel PE: Daniel Dunkelman, Inés de Oliveira Cézar, Teresa Rosenfarb, Miguel Kohan : K Films Producciones, Jewish Dreams I: Mordechai Arbell, Harold Sibjling, Rachel Frankel, Jackes Rimbemboim o / K-Films Producciones. Miguel Kohan T +54 11 4408 5233 E [email protected] W kfilmscine.com

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lugares

La Experiencia Judía, de Basavilbaso a Nueva Amsterdam

places

Temporada Long Way Home

PREMIERE ARGENTINA / Argentine PREMIERE

Para trabajar en un programa de salud pública de erradicación de endemias, Juliana se muda del interior al área metropolitana de Contagem. Allí conoce gente, hace amigos y tiene nuevas experiencias de vida, pero su esposo ha quedado en las tierras bajas y Juliana siente que lo está perdiendo. Juliana (Grace ô) es una mujer negra, rolliza y retacona que llega desde Itaúna, un pueblo del interior de Minas Gerais, a una ciudad grande como Contagem, donde empieza a trabajar como empleada de una agencia estatal que se ocupa de combatir plagas como la del dengue. En principio, esta pequeña, noble y entrañable ópera prima está muy cerca del documental, con la cámara acompañando a Juliana y a Russao (un querible y experimentado empleado) mientras concretan algunas de sus veinte visitas diarias a hogares de los vecinos, pero luego van surgiendo charlas en las que ella irá soltando algunas confesiones tan íntimas como intensas e inesperadas, que nos permitirán conocer sus traumas y deseos. Diego Batlle

In order to work for a public health program for the eradication of endemias, Juliana moves from inland to Contagem’s metropolitan area. There she meets people, makes friends and has new life experiences, but her husband has stayed in the lowlands and Juliana thinks she’s losing him. Juliana (Grace ô) is a chubby, short black woman who arrives from Itaúna, a town in inland Minas Gerais, to a large city like Contagem, where she starts working at a state office devoted to fight plagues such as dengue. At first, this small, noble, touching first feature is very close to being a documentary, with the camera following Juliana and Russao (a lovable, experienced employee) while they carry out some of their twenty daily visits to the neighbors’ homes, but later, some talks appear in which she will confess things as intimate as they are intense and unexpected, and that will allow us to know about her traumas and desires. DB

André Novais Oliveira. (1984, Brasil) Graduado en Historia por la Pontificia Universidad Católica de Minas Gerais y en Cine por la Escola Livre de Cinema, Belo Horizonte. Dirigió el largo Ela volta na Quinta (Premio Especial del Jurado en el Bafici ‘15). (1984, Brazil). Graduated in History from the Minas Gerais Catholic University and the Escola Livre de Cinema in Belo Horizonte. He directed the feature Ela volta na Quinta (Special Jury Prize at Bafici ‘15).

Brasil - Brazil, 2018 113’ / D / COLOR / Portugués - Portuguese

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D, G: André Novais Oliveira / F: Wilsa Esser / E: Gabriel Martins DA: Diogo Hayashi / S: Tiago Bello, Marcos Lopes / M: Pedro Santiago P: André Novais Oliveira, Gabriel Martins, Maurilio Martins, Thiago Macêdo Correia / PE: Thiago Macêdo Correia : Filmes de Plástico / I: Grace ô, Russo Apr, Rejane Faria, Hélio Ricardo, Juliana Abreu o / FiGa Films. Sandro Fiorin T +1 323 229 9816 E [email protected] W www.figafilms.com

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lugares

The Real Thing - Real Life in Fake Cities PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

En China, réplicas de la Torre Eiffel, la plaza San Marcos y el Tower Bridge; en Costa de Marfil, la romana plaza de San Pedro duplicada implanta a Bernini en la selva africana. A partir de sus propios testimonios, este documental exhibe la forma en la que la gente habita esos sitios particulares. Original y copia, realidad y representación: el de la mímesis es un problema tan viejo como el arte. The Real Thing no elude el tema, pero su originalidad radica en correr el foco hacia otro lado, más humano: cómo (“¿cómo es posible?” sería la pregunta del horrorizado purismo arquitectónico) sus habitantes viven y se apropian con naturalidad de esos lugares, cómo son ellos quienes influencian la arquitectura y no al revés, como sabiamente asegura una mujer de la París oriental. Y una última carta, aún más infrecuente: los chinos y marfileños que viven y disfrutan esos falsos espacios europeos para tornarlos verdaderos escenarios del intercambio de culturas, logran que la tan mentada globalización deje por fin de ser histeria, sumisión o pérdida. Tras su fachada amable, esta es una película subversiva. SR

In China, replicas of the Eiffel Tower, the St. Mark’s Square and the Tower Bridge; in Ivory Coast, Rome’s St. Peter’s Square duplicated inserts Bernini in the African jungle. Through their own testimonies, this documentary shows the way in which the people inhabit those particular places. Original and copy, reality and representation: mimicking is a problem as old as art itself. The Real Thing doesn’t avoid the issue, but its originality lies in focusing on something more human: how (“how is it possible?” would be the question of the horrified architectonic purism) inhabitants live and appropriate those places naturally, how it’s them who influence the architecture and not the other way round, as a women in the Paris of the east wisely claims. And one last card, even less frequent: the Chinese and Madrilenians who live and enjoy those fake European spaces to turn them into real sceneries for culture exchange, they succeed in making the often-mentioned globalization cease to be hysteria, submission or loss once and for all. Behind its friendly façade, this is a subversive film. SR

Benoit Felici. (1984, Burdeos, Francia). Documentalista graduado por la ZeLIG Film School en Italia. Dirigió el largometraje Unfinished Italy (2011). En 2014 recibió la beca a la Excelencia de la Fundación Lagardère, en Francia. (1985, Bordeaux, ). Documentarian graduated from the ZeLIG Film School in Italy. He directed the feature Unfinished Italy (2011). In 2014, he received the scholarship to Excellence by the Lagardère Foundation, in .

Francia - , 2019 / 67’ / D / COLOR Chino / Italiano / Francés / Inglés / Hindi Chinese / Italian / French / English / Hindi D, G: Benoit Felici / F: Bastian Esser / E: Sophie Brunet, Emanuela Macchniz, Milena Holzknecht / DA: sco Fioretto S: Benjamin Vossler / M: Pablo Pico / P: Benjamin Landsberger PE: Philipp Griess / : Artlin Films / I: Jean François Staszak, Antony MacKay o / Artline Films. Benjamin Landsberger T +33 145 558 473 E [email protected] W artlinefilms.com - archifaux.fr

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[21] BAFICI

música music

música

A Punk Daydream Lamunan Oi! / Ensueño punk

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

En Indonesia, un grupo de amigos, parte de la escena punk, escapan del rigor de sus padres y de la escuela. En su lucha, se identifican con los Dayak, tribu originaria que también busca sobrevivir. Una ácida mirada sobre grupos segregados que reúne documental, videoarte, tradiciones locales y realidad contemporánea. Los restos de la dictadura de Suharto y la ruidosa metrópoli de Jakarta son el fondo sobre el que se escribe la historia de Ekka, un chico educado por musulmanes que encuentra en el punk y en los tatuajes una forma de rebelión permanente. Su familia lo rechaza y Ekka busca contención en amigos y en una tribu aborigen. El punk se funde con la música tradicional indonesia y su gesto de protesta internacional se adapta a las injusticias locales. Un material así no se inventa, lo regala el mundo: Jimmy Hendrickx lo sabe y por eso dispone a sus entrevistados en situaciones visiblemente construidas, como si el estado de insurrección total en el que viven Ekka y sus amigos solo pudiera filmarse apelando al artificio y develándolo a la vez; el documental como un juego cuyas reglas da gusto romper. Diego Maté

A group of friends, of the punk scene of Indonesia, escape the severity of school and parents. In their struggle, they identify with the Dayak, a native tribe that also fights to survive. An acid look at segregated groups that combines documentary, video art, local traditions and contemporary reality. The remains of Suharto’s dictatorship and the noisy metropolis of Jakarta make up the setting of the story of Ekka, a boy raised by Muslims who finds in punk rock and tattoos a form of rebellion. His family rejects him and Ekka seeks in his friends and in a native tribe. Punk rock mixes up with Indonesian traditional music and its international cry of protest adapts to local injustices. A material like this is not invented, it’s the world which gives it to us as a gift; Jimmy Hendrickx knows it and for this reason he shows his interviewees in clearly madeup situations, as if the state of total insurrection in which Ekka and his friends live could only be filmed appealing to artifice and revealing it at the same time; the documentary as a genre whose rules it is a pleasure to break. DM

Jimmy Hendrickx. (1979, Bélgica). Enseñó Edición en la Escuela de Artes de Gante por varios años, antes de decidirse a viajar por el mundo en busca de inspiración para sus propios proyectos. Dirigió el cortometraje Semalu (2013), proyectado en diversos festivales. (1979, Belgium). He taught Film Editing for several years at the School of Arts of Gent, before deciding to travel the world in search of inspiration for his own projects. He has directed the short film Semalu (2013), screened at different festivals.

Bélgica - Belgium, 2019 65’ / D / COLOR / Indonesio - Indonesian D, F: Jimmy Hendrickx / G: Jimmy Hendrickx, Kristian Van der Heyden E: Jimmy Hendrickx, Febe Simoens, David Verdurme DA: Jimmy Hendrickx, Kristian Van der Heyden / S: Paul Chambers, Rinus Dewilde / M: Dijf Sanders / P: Kristian Van der Heyden PE: Kristian Van der Heyden, Joshua Bishop / : Harald House I: Eka, Edo, Kempot, Polenk o / Harald House. Kristian Van der Heyden T +32 485127750 E [email protected] W haraldhouse.com - apunkdaydream.com

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music

Boom! A Film About The Sonics ¡Boom! Un film sobre The Sonics PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

La historia jamás contada de The Sonics, una de las más salvajes e influyentes bandas de rock de la historia, punks mucho antes de que esa palabra existiera. Los cinco originales, así como músicos de Pearl Jam, Sex Pistols y otras bandas arman este mosaico de un grupo rabioso y fundamental. La búsqueda de la banda punk que existió antes del punk mezcla la potencia y el frenesí de sus jóvenes músicos con la calma y simpatía de sus versiones actuales para componer un documental tan entusiasta como adorable. La de The Sonics es una historia improbable, de esas que cuesta imaginar cómo puede ser que haya estado oculta tanto tiempo. Con su breve existencia, la banda predijo el punk no solo en su música porque se rebeló contra todo, incluyendo las expectativas y prejuicios que podríamos suponer de una historia así: no hay grandes dramas ni tragedias, ni historias ejemplares de superación. Sus canciones y su carrera comparten el ser caprichosas, impredecibles, eufóricas. Y al final queda clara una única obviedad: nunca fue tan cierto que lo bueno, si breve, bueno dos veces. EAC

The as-yet-untold history of The Sonics, one of the wildest and most influential rock bands ever, punks long before that word even existed. The five original , as well as of Pearl Jam, Sex Pistols and other bands put together this portrait of an angry and essential group.

Jordan Albertsen. (1982, Seattle, Estados Unidos). Es director, guionista y editor. Dirigió los cortos Spoonaur (2004), Faded (2004) y Sink Into You (2011). Boom! A Film About The Sonics es su segundo largo, luego de The Standard (2006). (1982, Seattle, USA) Director, screenwriter and editor. He has directed the short films Spoonaur (2004), Faded (2004) and Sink Into You (2011). Boom! A Film About The Sonics is his second feature after The Standard (2006).

Estados Unidos - United States, 2018 85’ / D / COLOR Inglés - English

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The search for the punk band that existed before punk mixes the power and the frenzy of its young musicians with the quiet and nicety of their current versions in order to compose a documentary as enthusiastic as it is adorable. The Sonics’ is an unlikely history, one of those that makes one wonder how it could have been hidden for so long. With its brief existence, the band predicted punk not only because it rebelled against everything, including the expectations and prejudices that we can suppose from such a history: there are no big dramas or exemplary stories of self-improvement. Their songs and their career are both capricious, unpredictable and euphoric. And at the end, only one obvious conclusion is clear: that it has never been so true that the good, if brief, is twice as good. EAC

D, G, E, P: Jordan Albertsen / F: Chris Koser / S: Jack Goodman M: Ben Bromfield / PE: Art Ford / : Scratched Vinyl Films I: Rob Lind, Gerry Roslie, Andy Parypa, Larry Parypa, Bob Bennet o / Scratched Vinyl Films. Jordan Albertsen T +1 360 320 2553 E [email protected] W sonicsfilm.com

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música

Dennis and Lois Dennis y Lois

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Después del primer encuentro neoyorquino en 1975 y después de miles de shows, la máquina roquera de Dennis y Lois aún goza de la mejor salud y sigue incrementando la lista. Conozcan a la pareja de fans más activa y querible, quienes confirman, poniendo cuerpo y alma, que el punk is not dead. Es sabido: el rock nos va a salvar. Si el mundo fuera justo (pero, entonces, no sería el mundo), Dennis y Lois, egresados con honores, anillos de boda y toneladas de flyers del mítico CBGB, deberían ganar el Premio Nobel de la Paz. Aunque seguro los viejitos más cool, hermosos y abajo-la-vida-normal no irían a la ceremonia para así sumar otro show a su lista de más de diez mil recitales en vivo. Dennis y Lois son los protagonistas de este sentido documental, aquellos a los que cantan los Happy Mondays (un agradecimiento por un envío de marihuana vía FedEx). Y los quieren Peter Hook y todo Manchester (bah, todo el rock) y todos se enamoran de su sacrificio. Vendían merchandising de The Ramones, coleccionan ADN de Joe Strummer y muñecos pop y, aun así, su mayor leyenda es su siempre vivo corazón. JMD

After the first New York meeting in 1975 and after thousands of shows, the rocking machine of Dennis and Lois is still in great health, and the list is still growing. Meet the most active, lovable pair of fans, who confirm, body and soul, that punk is not dead.

Chris Cassidy. Director y fotógrafo radicado en Brooklyn, Nueva York. Dirigió el film Side by Side (2012), estrenado en la Berlinale, y ganó un premio Emmy por su participación en el corto Out of the Shadows (2015). Se especializa en documentales y videos musicales. Director and photographer based in Brooklyn, New York. He directed the film Side by Side (2012), which premiered at the Berlinale, and won an Emmy for his involvement in the short Out of the Shadows (2015). He specializes in documentaries and music videos.

Estados Unidos - United States, 2018 85’ / D / COLOR Inglés - English

It is known: rock will save us. If the world were fair (but, then, it wouldn’t be the world), Dennis and Lois, graduated with honors, wedding rings and tons of flyers from the mythical CBGB, should be given the Nobel Peace Prize. But surely the coolest, most beautiful and “down-with-normal-life” old couple wouldn’t attend the ceremony that would mark another one in their long list of live shows. The protagonists of this heartfelt documentary have been sung to by the Happy Mondays (with a marijuana acknowledgement via FedEX). And they’re loved by Peter Hook and all of Manchester (hey, all rock music), and everyone falls in love with their sacrifice. They used to sell Ramones merch, collect Joe Strummer DNA and pop dolls and, even so, their greatest legend is their heart, always alive. JMD

D, F: Chris Cassidy / E: Jeremy Williams, Duncan Adams, Bo Mehrad / DA: Kevin Elbert / S: Vinny Alfano / M: Anthony Rizzo P: Bob Calabritto, Emmett James, Chris Kenneally / PE: Chris Cassidy, Jeremy Williams / : Casspix Prod / I: Dennis Anderson, Lois Kalhert, Peter Hook, Shawn Ryder, Jimi Goodwin o / Casspix Prod. Chris Cassidy T +1 516 455 1617 E [email protected] W casspix.com - dennisandlois.com

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music

El canto del tiempo The Songs of Time

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

En lo profundo de la selva misionera, el legado del pueblo mbya guaraní trasciende a través del canto de sus niños. En un bellísimo y emotivo viaje al interior de sus aldeas, Charo y Diego, creadores del proyecto musical Tonolec, encontrarán la inspiración y el aprendizaje para su nuevo disco. Que el recorrido emprendido por Charo Bogarín y Diego Pérez —alma, corazón y vida, músculo y cerebro de Tonolec— se mueva desde las aldeas guaraníes en Misiones y Brasil a un teatro en pleno centro porteño nada tiene que ver con la búsqueda de validación por parte del sistema cultural establecido. Más bien es el corolario de aquello que El canto del tiempo exhibe con alegría, emoción y algo de pudor: que con honestidad y pasión la música puede finalmente ser un lenguaje universal, y que el encuentro entre dos culturas puede convertirse en el puente que las integre. Si algo revela el final del periplo, tal vez sea que esa Tierra sin Mal, la utopía que es parte central del imaginario guaraní, puede ser vislumbrada en unos niños cantando, allí y aquí, libres y felices. SR

Deep in the Misiones jungle, the legacy of the Mbya Guarani people transcends through their children’s singing. In a beautiful, touching journey inside their villages, Charo and Diego, creators of the musical project Tonolec, will find the inspiration and learning for their new record. The fact that the journey undertaken by Charo Bogarín and Diego Pérez —soul, heart and life, muscle and brain of Tonolec— moves from the Guarani villages in Misiones and Brazil to a theater in downtown Buenos Aires has nothing to do with the search for some kind of approval from the established cultural system. Rather, it’s the corollary of that which The Songs of Time shows with joy, emotion and some modesty -that with honesty and ion, music can finally become a universal language, and that the meeting between two cultures can become the bridge that integrates them. If something is revealed at the end of the voyage, perhaps it’s the fact that that Land without Evil, the utopia at the core of the Guarani imaginary, can be discerned in some children singing, here and there, free and happy. SR

Mana García. (1980, Buenos Aires). Es director y posproductor audiovisual formado en el C.E.C.C. de Barcelona. Desde Untref Media desarrolla y dirige contenidos documentales para diversas señales. El canto del tiempo es su primer largometraje. (1980, Buenos Aires). He is a director and audiovisual post-producer who trained at Barcelona’s C.E.C.C. From Untref Media, he develops and directs documentary content for different networks. The Songs of Time is his first feature.

Argentina, 2019 68’ / D / COLOR Español / Mbya guaraní - Spanish / Mbya Guaraní

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D, G, E: Mana García / F: Igor Galuk / S: Guillermo Sempronii, Rufino Basavilbaso / M: Tonolec / P: Paula Asprella / PE: Carlos Barrientos, Federico Consiglieri, Paula Asprella, Silvana Cascardo : Untref Media / I: Charo Bogarin, Diego Pérez o / Untref Media. Paula Asprella T +54 221 5233107 E [email protected] W untrefmedia.com

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música

Fire Music Música de fuego

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Hacia fines de los 50, la polirritmia, atonalidad y espontaneidad compositivas de artistas como Ornette Coleman o el grupo Art Ensemble of Chicago cambiaron para siempre la historia de la música. Tom Surgal rinde homenaje a una vanguardia musical revolucionaria y radical: el free jazz. “Fue una época dorada. No hay otro modo de entenderlo”. Las palabras de Amiri Baraka en su libro Black Music son simplísimas, y sirven como perfecto resumen de Fire Music. Porque no hay otra manera de analizar un tiempo en el que John Coltrane, Sun Ra, Cecil Taylor y Ornette Coleman, entre otros, confluyeron en un mismo género musical para revolucionarlo. El documental de Tom Surgal se hace eco de esta música en libertad desde una narración que parece lineal, pero, dados los vericuetos y los importantísimos actores secundarios que lo integran, se transforma en un caos controlado. Emoción, ruido y espiritualidad: así como el tango, la rebeldía imperecedera del free jazz siempre espera a esos punkies que ya pasaron los cuarenta pirulos. Pablo Strozza

In the late ‘50s, polyrhythmia, atonality and spontaneity in artists like Ornette Coleman or the Art Ensemble of Chicago changed music history forever. Tom Surgal pays tribute to a revolutionary, radical musical vanguard: free jazz.

Tom Surgal. (Nueva York, Estados Unidos). Dirigió videos para diversas bandas como Sonic Youth y Blues Explosion, además de ser él mismo un reconocido baterista y melómano. Trabajó en el diseño de producción de películas de Brian De Palma. (New York, USA). He directed videos for bands like Sonic Youth and Blues Explosion, apart from himself being a renowned drummer and music lover. He worked in the production design of films by Brian De Palma.

Estados Unidos - United States, 2018 70’ / D / COLOR Inglés - English

“It was a golden age. There’s no other way to put it.” Amiri Baraka’s words in his book Black Music are very simple, and serve to summarize Fire Music perfectly. Because there’s no other way of analyzing a time in which John Coltrane, Sun Ra, Cecil Taylor and Ornette Coleman, among others, converged in the same musical genre in order to revolutionize it. Tom Surgal’s documentary covers this music of freedom from a narrative that seems linear but, given the twists and turns and the highly important ing actors that integrate it, becomes a controlled chaos. Emotion, noise and spirituality: as in tango, the imperishable rebelliousness of free jazz always awaits those punkies way over forty. PS

D: Tom Surgal / G: Tom Surgal, John Northrup / E: John Northrup M: Lin Culbertson / P: Dan Braun, Tom Surgal / PE: Ron Mann, Peter Afterman, John Loggia, Thurston Moore, Nels Cline : Submarine Entertainment, Nothing Is…, Films We Like Production I: Bobby Bradford, Sonny Simmons, Prince Lasha, Dave Burell o / Submarine Entertainment. Joe Tufano T +1 212 625 1410 E [email protected] W submarine.com - firemusic.org

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music

Héroxs del 88 PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

En el año 1988, Chuchu Fasanelli y Walter Kolm, dos jóvenes de 24 y 20 años, fundadores del sello Radio Trípoli, editaron Invasión 88, el primer compilado de bandas punk y hardcore argentinas. Este documental cuenta esa historia, la del nacimiento de un alarido de libertad en forma de vinilo transparente. El reflejo punk del 88 atrapado, con corazón y con devoción, en un documental. Uno punk, obviamente, pero atento, sentido y detallista. Héroxs del 88 es la orgullosa esquirla de aquel monstruo fundacional del punk local que fue Invasión 88, compilado que fue el big bang punk de una Argentina que necesitaba sacudirse en la escala de Richter del Do It Yourself. El director Luis Hitoshi Díaz es fan, y lo ite, y lo firma y filma, y en ese movimiento reconstruye granito a granito la biografía de Invasión 88. La cadena punk y sus eslabones, presentes antes, durante y después de Invasión, son descritos con lujo de detalles: todos hablan (Exeroica, Flema, Attaque 77, el sello Radio Trípoli), todos cuentan, todos se reflejan. Un documental enamorado de la sensación de tener un cassette en la mano y en el corazón. JMD

In the year 1988, Chuchu Fasanelli and Walter Kolm, two 24- and 20-year-old young men, founders of the Radio Trípoli label, released Invasión 88, the first punk and hardcore compilation in Argentina. This documentary tells that story, that of the birth of a cry of freedom in the shape of translucent vinyl. The punk reflex of 88 is caught, with heart and devotion, in a documentary. Obviously a punk one, but also an attentive, heartfelt and meticulous one. Heroxs del 88 is the proud splinter of that foundational monster of local punk rock that was Invasión 88, a compilation that was the punk big bang of an Argentina that needed to shake on the DIY Richter scale. Director Luis Hitoshi Díaz is a fan, and he its to it, and signs it and shoots it, and in that movement, he reconstructs the biography of Invasión 88 grain by grain. The punk chain and its links, present before, during and after Invasión, are described in detail: everybody talks (Exeroica, Flema, Attaque 77, the Radio Trípoli label), everyone tells, everyone is reflected. A documentary in love with the feeling of having a cassette tape in your hand and in your heart. JMD

Luis Hitoshi Díaz. (1976, Buenos Aires). Escribió, dirigió y produjo los largometrajes de ficción Hoy (2008) y Lexter. La ola perfecta (2015). Heroxs del 88 es su primer documental. (1976, Buenos Aires). He wrote, directed and produced the fiction features Hoy (2008) and Lexter. La ola perfecta (2015). Heroxs del 88 is his first documentary.

Argentina, 2019 100’ / D / COLOR / Español - Spanish D, G, PE: Luis Hitoshi Díaz / F: Martin Peyrelongue, Gonzalo Hernandez E: Luis Hitoshi Díaz, Martin Peyrelongue, Gonzalo Hernandez DA: Mauricio Bacelliere / S: Gonzalo Pérez Troaiano / M: Lucas Diaz P: Gonzalo Pérez Troaiano, Pola Tueso, Mariano Miramontes : Idealista Films / I: Chuchu Fasanelli, Walter Kolm, Ciro Pertusi, Marcelo Pocavida, Mariano Martinez o / Idealista Films. Luis Hitoshi Díaz T +54 11 3464 1209 E [email protected] FB Heroxs del 88

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música

Hijos de Nadie: Una película sobre Los Adolfos Rap Nobody’s Children: Los Adolfos Rap’s Movie PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Con la misma energía feroz de Los Adolfos Rap en escena, Hijos de Nadie trae al presente una de las últimas historias ocultas del under porteño. Imágenes de archivo y testimonios actuales dan cuenta de un fenómeno tan original como intenso, que abrió un sendero que muchas bandas ahora transitan. Los Adolfos parece haber pasado a formar parte con demasiada comodidad del lote de bandas perdidas del rock argentino, esa fauna de la que a veces aparecen vestigios, señales poco comprensibles, parpadeos marcianos destinados a alimentar la avidez de los coleccionistas y la indiferencia impiadosa de los no iniciados. La película rastrea con empatía y ojo clínico el repertorio vital de un grupo de náufragos espléndidos y ofrece pistas acerca de los motivos por los que la banda, sencillamente, no pudo sobrevivir al tiempo que le tocó en suerte. Con su colección de ademanes díscolos y sus demonios conquistados palmo a palmo directamente sobre el terreno, las canciones de Los Adolfos previeron debacles sociales y supieron medir la temperatura de su tiempo. Probablemente fue demasiado. DO

With the same ferocious energy Los Adolfos Rap have on stage, Nobody’s Children brings one of the last secret stories of Buenos Aires’ underground scene to the present. Archive footage and current testimonies show a phenomenon as original as it was intense, which opened a path many bands now travel. Los Adolfos seem to have comfortably become part of the group of lost Argentine rock bands, that fauna of which sometimes traces appear, signs that are quite unfathomable, Martian flickers destined to feed the collectors’ greed and impious indifference of the uninitiated. With empathy and a clinical eye, the film traces the vital repertoire of a group of splendid castaways, and offers clues on the reasons why the band just couldn’t survive their own time. With a collection of unruly gestures and their demons meticulously conquered directly on the terrain, Los Adolfos’ songs prevented social debacles and knew how to measure the temperature of their time. It was probably too much. DO

Pablo Apezteguía, Damian Marsicano & Maximiliano Sachetti. Apezteguía estudió cine en la UNA y trabaja actualmente como montajista y colorista. Marsicano es periodista y productor. Fue redactor de revistas y fanzines independientes. Sachetti estudió cine en la UNA y es iluminador de espectáculos. Hijos de Nadie es su primera película. Apezteguía studied film at the UNA and currently works as an editor and colorist. Marsicano is a journalist and producer. He wrote for independent magazines and fanzines. Sachetti studied film at the UNA and is a gaffer at shows. Nobody’s Children is their first feature.

Argentina, 2019 64’ / D / COLOR Español - Spanish D, G, P, PE: Pablo Apezteguía, Damian Marsicano, Maximiliano Sachetti / F: Lucky Sachetti / E: Pablo Apezteguía, Juan Pablo Menchón / S: Federico Esquerro / M: Los Adolfos Rap : Panza Films / I: Jazzy Mel, Gustavo Alvarez Núñez, Julian Stumpo, Gustavo Aníbal Ferraiuolo, Claudio Giménez o / Panza Films. Damian Marsicano T +54 9 11 4989 5714 E [email protected] FB losadolfos

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music

Mr. Jimmy PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Documental que sigue a Akio Sakurai y su amor por Jimmy Page, el legendario guitarrista de Led Zeppelin, de quien viene recreando sus conciertos, durante treinta años y nota por nota, en Tokio y en el mundo. Al mudarse a Los Ángeles en busca de su sueño de tributo, Akio deberá enfrentar la realidad. Se sabe y simpatiza: existe la gente alucinada, personas que dan la vida por su pasión, seres que no dudan ni un segundo en entregarle todo a su objeto de deseo. Y curiosamente, mucho más allá, lejos, en otra categoría todavía desconocida, está el japonés Akio Sakurai. Fanático a muerte de Led Zeppelin, Akio se convirtió en un espejo exacto del virtuoso guitarrista Jimmy Page, su gran héroe: de él copió cada detalle, emuló cada gesto y tributó cada sonido. Durante 35 años, Akio recreó los clásicos de Led Zeppelin armando y desarmando bandas que lo acompañaron a tocar por el mundo: desde modestos bares de Tokio hasta algunos grandes teatros norteamericanos. Mr. Jimmy es el sinuoso, divertido y delirante camino de esa obsesión. HP

A documentary that follows Akio Sakurai and his love for Jimmy Page, Led Zeppelin’s legendary guitarist, whose concerts he has been recreating note by note for the last thirty years —in Tokyo and elsewhere. When he moves to Los Angeles in search of his tribute dream, Akio will have to face reality. It’s well known and it inspires sympathy: there are delirious people, who devote their life to their ion, who don’t hesitate for a second and give all they have to their object of desire. And curiously, far beyond that, out there, in a still-unknown category, there is the Japanese Akio Sakurai. A diehard fan of Led Zeppelin, Akio became the perfect mirror to virtuous guitar player Jimmy Page, his great hero: he copied his every detail, emulated his every gesture and paid homage to his every sound. For 35 years, Akio has been recreating Led Zeppelin classics, forming and dissolving bands that have played with him all over the world —from modest Tokyo ts to some big American theaters. Mr. Jimmy is the winding, funny and outrageous way of that obsession. HP

Peter Michael Dowd. (Estados Unidos). Vive en Los Ángeles. Es director y editor. Fue curador en el Museum of the Moving Image y programador en la George Eastman House. Dirigió el cortometraje The King of Size (2014). (United States). Editor and director based in Los Angeles. He has been curator at the Museum of the Moving Image and programmer at the George Eastman House. He has directed the short film The King of Size (2014).

Estados Unidos / Japón - United States / Japan, 2019 113’ / D / COLOR Japonés / Inglés - Japanese / English

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D, G, E, P: Peter Michael Dowd / F: Ivan Kovac, Matthew Blute S: Jeffrey Jousan / PE: Paula Dowd / : PMD / I: Akio “Jimmy” Sakurai, Swan Montgomery, Rie Nakahara, Kiyomi Osawa, Makoto Fukano o / PMD. Peter Dowd T +1 3472564030 E [email protected] W mrjimmymovie.com/

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música

Peret, yo soy la rumba King of The Gypsy Rumba

PREMIERE internacional / international PREMIERE

Retrato íntimo y homenaje a Peret, el rey de la rumba catalana. En base a divertidas charlas hogareñas y de sobremesa en un bar, y gracias a la complicidad de nietos, amigos y hasta de su sastre favorito, se conforma este retrato cercano de una vida que nada supo envidiarle a la mejor ficción. El derrotero de los músicos emblemáticos y populares suele ser interesante. En los buenos documentales, el transcurrir de los artistas deja grietas por donde fluye la historia de un país y de su arte, que en este caso es la música. Peret —mítico músico barcelonés— no solo cuenta con alegría y sensibilidad su vida, sino que el gran tema de la película es la pregunta por el origen de una raza. La historia de esos gitanos que hablan fuerte, que palmean rítmicamente al compás, que llevan en su sangre la música y las tradiciones se desplaza hacia el origen mismo de la rumba. Retrato íntimo de una familia gitana que deviene retrato de un pueblo, que entre tensiones sigue conservando sus tradiciones y, sobre todo, la pasión por la música, transmitida directamente al espectador. MG

An intimate portrait and a tribute to Peret, the king of Catalonian rumba. With fun conversations at home or at table talks at a bar, and thanks to the complicity of his grandchildren, friends and even his favorite tailor, this is a close portrait of a life that had nothing to envy to the best of fictions. The paths of emblematic and popular artists tend to be interesting. In good documentaries, the lives of artists leave cracks where the history of a country and its art —music, in this case— slips through. Not only does Peret —a mythical musician from Barcelona— tell of his life with happiness and sensitivity, but the big subject in the film is the question about the origin of a race. The history of those Gypsies that talk loud, clap rhythmically to a beat, carry music and traditions in their own blood, goes back to the very origins of rumba. An intimate portrait of a Gypsy family that becomes the portrait of a people that, among tensions, still preserve their traditions and, above all, their ion for music, ed on directly to the audience. MG

Paloma Zapata. (1979, Murcia, España). Es licenciada en Bellas Artes. En Barcelona desarrolló una carrera de más de diez años como directora y productora de videoclips musicales. En 2017, estrenó Casamance, su primer documental. (1979, Murcia, Spain). She has a Bachelor’s degree in Fine Arts. In Barcelona, she has developed a career as music video director and producer that spans more than ten years. In 2017, she released Casamance, her first documentary.

España - Spain, 2018 90’ / D / COLOR - B&N Catalán / Español - Catalan / Spanish D, G, E, P: Paloma Zapata / F: Iñaki Gorraiz / DA: Estefanía Ten S: Enrique Bermejo / M: Peret / PE: Jordi Canora : Fábrica Naranja de Películas, S.L. / I: Peret. Andreu Buenafuente, Família Pubill, Justo Molinero, La Payoya o / Fábrica Naranja de Películas. Paloma Zapata T +34 647790445 E [email protected] W lafabricanaranja.es - yosoylarumba.com

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music

Retrato incompleto de la canción infinita Incomplete Portrait of the Infinite Song PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Músico irado por músicos, personalidad destacada de la cultura y uno de los más importantes roqueros argentinos… pero ¿quién conoce a Daniel Melero? Un fascinante documental acerca de un artista polifacético alejado del ruido de la fama, la vanidad del éxito y la aceptación masiva. Los que no tuvimos la suerte de ver a Daniel Melero cantar con la remera del Sagrado Corazón en un teatro o en Feliz Domingo sentimos que esta película es para nosotros, para los que nos gusta porque siempre se interesó por el futuro, porque es romántico y no tanguero. Pero esta película también es para los que no saben que Spinetta interrumpió a las 3 a.m. una grabación del primer grupo tecno de Argentina, Los Encargados, para decirles que los amaba y ellos no supieron bien qué contestar; un retrato incompleto sobre un bachiller que antes de aprenderse todas las notas influenció a Soda Stereo, Los Brujos, Todos Tus Muertos y Babasónicos, entre otros. Es una película sobre su trayectoria, no sobre su carrera. Parafraseando al protagonista: si no te gusta Melero, es culpa tuya. Macarena Gómez Scolari

Musician revered by musicians, Outstanding Personality of Culture and one of the most important Argentinean rock musicians, but… who knows Daniel Melero? A fascinating documentary about the multifaceted artist away from the noise of fame, the vanity of success and mass-audience acceptance. Those of us who were not lucky enough to see Daniel Melero sing in a Sacred Heart T-shirt in a theater or perform on Feliz Domingo feel that this movie was made for us, for those who like him because he always looked forward, because he has always been a romantic and never a nostalgic of tango. But this movie is also for those who do not know that Spinetta interrupted at 3 AM a recording of Los Encargados, the first techno band in Argentina, to tell them he loved them and they didn’t quite know what to answer; an incomplete portrait of a high school graduate who, even before learning all the notes, influenced Soda Stereo, Los Brujos, Todos Tus Muertos and Babasónicos, among others. This is a movie about his trajectory, not about his career. Paraphrasing its own protagonist: if you don’t like Melero, it’s your fault. MGS

Roly Rauwolf. (1971, Baradero, Argentina). Cursó Diseño de Imagen y Sonido en la UBA y se especializó en Montaje y Edición de Imagen y Sonido en San Antonio de los Baños, Cuba. Codirigió la serie Insurgentes (2013) por el canal Encuentro. (1971, Baradero, Argentina). He studied Image and Sound Design at UBA and specialized in montage and editing in San Antonio de los Baños, Cuba. He co-directed the series Insurgentes (2013) for the cable network Encuentro.

Argentina, 2019 64’ / D / COLOR - B&N Español - Spanish

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D, E, P: Roly Rauwolf / G: Leonardo Novak, Roly Rauwolf F: Norby Ludin / DA: Lorena Gómez / S: Luciano Fuseti M: Daniel Melero / PE: María José Torres : RompePinchaCuelgaGarpa / I: Daniel Melero o / RompePinchaCuelgaGarpa. Rolando Rauwolf T +54 11 5884 8407 E [email protected]

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música

Where Are You, JoÃo Gilberto? PREMIERE ARGENTINA / Argentine PREMIERE

La herencia de un deseo insatisfecho: encontrar a João Gilberto, el legendario padre de la bossa nova. El escritor alemán Marc Fischer dejó pistas en su libro Hobalala y se suicidó una semana antes de su publicación. Este documental retoma ese viaje inconcluso al corazón de la música brasileña. Solemos ir al cine en busca de un misterio y de una respuesta. Where Are You, João Gilberto? multiplica el goce porque son muchos misterios a la vez. Primero, está el libro del periodista alemán Marc Fischer, Hobalala-Searching for João Gilberto, en el que el escritor, obsesionado por el músico y por la música, busca al hombre elusivo. No lo encuentra, pero traza la historia de la música brasileña contemporánea. Luego está la película, que reproduce la búsqueda frustrada a ver si, esta vez, la cámara puede encontrar al hombre de carne y hueso, o al menos de luz, de sonido, de música. Y, de paso, entender el otro misterio: por qué un hombre (Fischer) se obsesiona amorosamente por la obra de otro hombre. Mientras, disfrutamos del misterio cúbico durante todo el viaje: el del placer de la música. Leonardo M. D’Espósito

The legacy of an unfulfilled desire: to find João Gilberto, the legendary father of bossa nova. German writer Marc Fischer left some hints in his book Hobalala and committed suicide one week before it was published. This documentary resumes that unfinished journey to the heart of Brazilian music. We usually go to the cinema in search of a mystery and an answer. Where Are You, João Gilberto? multiplies the enjoyment because it is many mysteries at the same time. First there is the book by the German journalist Marc Fischer, Hobalala-Searching for João Gilberto, in which the writer, obsessed with the musician and his music, looks for the evasive man. He doesn’t find him, but he outlines the history of contemporary Brazilian music. Then there is the film, that reproduces the thwarted search to see if, this time, the camera can find the man (in the flesh), or at least in his light, sound and music. And, by the way, it tries to solve the other mystery: why a man (Fischer) obsesses lovingly with the work of another man. In the meantime, we enjoy the cubic mystery all along the way: that of the pleasure of music. LMD

Georges Gachot. (1962, Neuilly-sur-Seine, Francia). Director y productor, comenzó su carrera en publicidad y televisión. Dirigió varios documentales, entre ellos, Martha Argerich, conversación nocturna (Bafici ‘03) y María Bethânia: Música y perfume (2005, Bafici ‘06). (1962, Neuilly-sur-Seine, ). Director and producer, he started his career working for TV and advertising. He has directed several documentaries, among them Martha Argerich, conversation nocturne (Bafici ‘03) and María Bethânia: Music is perfume (2005, Bafici ‘06).

Suiza / Francia / Alemania - Switzerland / / , 2018 / 106’ / D / COLOR Portugués / Alemán - Portuguese / Deutsch D, PE: Georges Gachot / F: Stéphane Kuthy / E: Julie Pelat DA: Georges Gachot / S: Balthasar Jucker / P: Georges Gachot, Pierre-Olivier Bardet, Christoph Menardi, Andreas Atzwanger : Gachot Films, Neos Film, Idéale Audience o / Doc & Film International. Théo Lionel T +33 142 778 969 E [email protected] W docandfilm.com

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[21] BAFICI

Nocturna late night

nocturna

A sombra do pai

The Father’s Shadow - La sombra del padre PREMIERE ARGENTINA / Argentine PREMIERE

La joven Dalva vive con su padre, un obrero inmerso en una insondable depresión desde la muerte de su esposa. Deseosa de arreglar sus vidas, Dalva acudirá a la magia negra para traer de regreso a su madre. Una película inquietante y espiritual, suerte de amalgama de George A. Romero y Víctor Erice. A sombra do pai no es una película de fantasmas, sin embargo, una presencia espectral vibra en cada uno de sus planos. Es la muerte sin rostro, una mano que acaricia por las noches o una aparición furtiva que chisporrotea y ve sin ser vista, con ese mismo “efecto visera” que le anunciaba al joven Hamlet la manifestación del espíritu de su padre tras el yelmo. Aquí también hay una relación filial, pero se parece más al encuentro del monstruo de Frankenstein con la pequeña María a orillas del lago. A sombra do pai tampoco es una película de zombis, sin embargo, la línea que separa en ella a los muertos de los vivos es tan fina como el cabello que usa la pequeña Dalva en su cóctel de magia negra. A sombra do pai es un drama familiar —fantasmal y zombi— poseído por el espíritu de George A. Romero. Marcelo Vázquez

Young Dalva lives with her father, a worker immersed in a bottomless depression since the death of his wife. Wishing to fix their lives, Dalva will resort to black magic in order to bring her mother back. A disturbing, spiritual film, some sort of amalgam between George A. Romero and Víctor Erice. The Father’s Shadow is not a ghost film. However, a spectral presence vibrates in each of its shots. It is the faceless death, a hand that caresses at night or a furtive apparition that crackles and sees without being seen, like that “visor effect” that announced young Hamlet of the manifestation of the spirit of his father behind the helmet. There’s also a filial relationship here, but it’s closer to the encounter between Frankenstein’s monster and little Maria on the lakeshore. Neither is The Father’s Shadow a zombie movie, and however, the line that separates the dead from the living in it is as thin as the hair young Dalva uses in her black magic cocktail. The Father’s Shadow is a family drama —ghostly and zombie-like— possessed by the spirit of George A. Romero. MV

Gabriela Amaral Almeida. (1980, Brasil). Residente en San Pablo, realizó varios cortometrajes, como Náufragos (2010), Uma primavera (2011), A mão que afaga (2012), Terno (2013) y Estátua! (2014), además del largometraje O animal cordial (2017). (1980, Brazil). Based in Sao Paulo, she has made many shorts like Náufragos (2010), Uma primavera (2011), A mão que afaga (2012), Terno (2013) and Estátua! (2014), as well as the feature O animal cordial (2017).

Brasil - Brazil, 2018 90’ / D / COLOR Portugués - Portuguese D, G: Gabriela Amaral Almeida / F: Barbara Alvarez / E: Karen Akerman DA: Valdy Lopes / S: Gabriela Cunha / P: Rodrigo Teixeira PE: Rodrigo Sarti Werthein, Rune Tavares / : Acere, RT Features I: Nina Medeiros, Julio Machado, Luciana Paes, Clara Moura, Rafael Raposo o / Stray Dogs. Lison Hervé T +33 771 883 964 E [email protected] W stray-dogs.biz

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late night

Bamboo Dogs PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

Inmersivo y violento thriller, basado en la masacre ocurrida en Filipinas, en 1995, que sigue de cerca a dos policías encargados de arrestar a varios del Kuratong Baleleng, un poderoso sindicato criminal. Pero los planes cambian y los oficiales deberán decidir si obedecer o hacer lo correcto. En la nueva película del poeta Khavn De La Cruz, puede resumirse el explosivo devenir de la quinta generación filipina. El director sintetiza las vertientes de su cine experimental en la conciencia por dinamitar los códigos de expresión de la escuela digital de su país. El autor narra la historia del traslado de unos delincuentes por las calles laberínticas de la Manila distópica de los noventa, inspirándose en los hechos reales de una negrísima versión de la crónica roja. Desde un plano secuencia claustrofóbico hasta el montaje de viñetas alucinadas, la cinta juega a desmitificar el aura naturalista del clásico thriller urbano, para llegar a un cierre desconcertante e irónicamente feliz. Este no es otro film de Khavn. Sergio Monsalve

An immersive and violent thriller based on the massacre occurred in the Philippines in 1995, that follows two policemen in charge of arresting several of the Kuratong Baleleng, a powerful crime syndicate. But plans change and the officers must choose between carrying out their duty and doing the right thing. The new film by poet Khavn De La Cruz summarizes the explosive evolution of the fifth Filipino generation. The director synthesizes the variants of his experimental cinema in a conscious attempt to dynamite the codes of the digital school of his country. The author tells the story of the transfer of a group of criminals through the labyrinthine streets of the dystopian Manila of the 1990s, seeking inspiration in a very black version of the crime report. From a claustrophobic sequence shot to the montage of delirious vignettes, the film demystifies the naturalistic aura of classic urban thrillers to reach a puzzling and ironically happy ending. This is not just another film by Khavn. SM

Khavn De La Cruz. (1973, Filipinas). Estudió en la Universidad Ateneo de Manila. Es poeta, músico, guionista y director de cine. Rodó más de cien cortos y largometrajes, entre ellos Manila in the Fangs of Darkness (2008, Bafici ‘09) y Son of God (2010, Bafici ‘11). (1973, Philippines). He studied at the Ateneo de Manila University. He is a poet, musician, screenwriter and film director. He has shot over a hundred short and feature films, among them Manila in the Fangs of Darkness (2008, Bafici ‘09) and Son of God (2010, Bafici ‘11).

Filipinas - Philippines, 2018 81’ / D / COLOR / Samareño / Inglés - Waray / English

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D, DA: Khavn De La Cruz / G: Achinette Villamor, Homer Novicio, Norman Wilwayco, Khavn De La Cruz / F: Albert Banzon E: Carlo Francisco Manatad / S: Mikko Quizon, Mark Locsin M: Jazz Nicolas, Dan Gil / P: Achinette Villamor, Khavn De La Cruz : Kamias Overground / I: William Buenavente, Ron Capinding, Rez Cortez o / Stray Dogs. Lison Hervé T +33 771 883 964 E [email protected] W stray-dogs.biz

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nocturna

Demons Demonios

PREMIERE ARGENTINA / Argentine PREMIERE

Una actriz es elegida protagonista de una nueva obra de teatro. Pero lo que parecía ser la oportunidad de su vida pronto deviene una insufrible tortura gracias a los abusos diarios de su director. Una perturbadora sátira acerca del poder, disfrazada del mejor terror psicológico. Vicky es actriz y está mal. Consigue el papel principal de una obra de teatro, pero todo alrededor suyo parece descomponerse. El relato es un viaje por su psiquis en deterioro: despersonalización, catatonia, alucinaciones y un doble. Vicky recibe un llamado de la persona que vive en ella: el sentido cruje y se desploma, dejando inerme al espectador. Es entonces cuando Daniel, el director de la obra, es ado por una fuerza misteriosa que le habla de los placeres del canibalismo. En su tercera película, Hui dispone alegremente de un inventario de lynchianismos, como un chico que se entretiene manipulando juguetes conocidos. El plan de este divertimento siniestro sería ya no filmar la pesadilla, lo onírico, sino el insomnio, una vigilia desquiciada hecha con los restos de un mal sueño. DM

An actress is chosen to star in a new play. But what seemed like the chance of a lifetime soon becomes an insufferable torture thanks to the director’s daily abuse. A shocking satire of power disguised as the best kind of psychological horror. Vicky is an actress and she isn’t doing well. She gets the main role in a play but everything around her seems to deteriorate. This tale is a journey through her decaying psyche: depersonalization, catatonia, hallucinations and a doppelgänger. Vicky receives a phone call from the person living inside her: sense creaks and collapses, leaving the viewer defenseless. That is when Daniel, the director of the play, is ed by a mysterious force that talks to him about the pleasures of cannibalism. In his third film, Hui happily employs an inventory of Lynchianisms, like a boy who entertains himself by manipulating well-known toys. The plan of this sinister diversion wouldn’t be filming the nightmare and the dreamlike, but the insomnia, a deranged vigil made of the remains of a bad dream. DM

Daniel Hui. (1986, Singapur). Graduado en el California Institute of the Arts, es fundador de 13 Little Pictures, colectivo de cine independiente. Sus films incluyen The Bracelet (2007), Dreams of Youth (2009) y Snakeskin (2014), entre otros. (1986, Singapore). Graduated from the California Institute of the Arts, he is the founder of 13 Little Pictures, an independent film collective. His films include The Bracelet (2007), Dreams of Youth (2009) and Snakeskin (2014), among others.

Singapur - Singapore, 2019 83’ / D / COLOR Inglés - English D, G, E: Daniel Hui / F, DA: Looi Wan Ping / S: Alex Herboche, Akritchalerm Kalayanamitr / M: Wuttipong Leetrakul, Akritchalerm Kalayanamitr / P: Tan Bee Thiam / PE: Violet Goh, Paul Beach / : 13 Little Pictures / I: Yang Yanxuan Vicki, Glen Goei, Viknesh Kobinathan, Tan Bee Thiam, Daniel Hui o / Reel Suspects. Alberto Alvarez Aguilera T +33 158 514 295 E [email protected] W reelsuspects.com - demons-film.com

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late night

His Master’s Voice

Az Úr hangja / La voz de su maestro PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

Un documental televisivo acerca de unos misteriosos accidentes ocurridos en Colorado pone a Péter tras la pista de su padre, un matemático que huyó de la Hungría comunista en 1980. Su investigación lo conduce a una red de conspiraciones en torno a un mensaje secreto proveniente del espacio exterior. Las conjeturas acerca de los experimentos nucleares de los Estados Unidos y de la Unión Soviética durante la Guerra Fría han inspirado cientos de relatos de ciencia ficción hacia mediados del siglo XX. En His Master’s Voice, György Pálfi parte de la novela homónima de Stanislaw Lem —el mismo de Solaris— y se apropia de este imaginario para enmarcar una relación padre-hijo signada por el misterio. Pero lo importante acá parece ser de otro orden. La película abre un espacio de sentido hecho de partículas subatómicas que atraviesan la materia y configuran un árbol genealógico que se remonta al origen del universo. Un lugar en el que la imaginación es capaz tanto de proyectar un Saturno devorando a su hijo en el desierto como de percibir un patrón ordenado en un mensaje proveniente del cosmos. MV

A TV documentary about some mysterious accidents that took place in Colorado puts Péter on the track of his father, a mathematician who fled Communist Hungary in 1980. His investigation leads him to a network of conspiracies around a secret message from outer space. The conjectures about the nuclear experiments of the United States and the Soviet Union during the Cold War inspired hundreds of science fiction stories around the middle of the twentieth century. In His Master’s Voice, György Pálfi uses the homonymous novel by Stanislaw Lem —the author of Solaris— and takes its imaginary to frame a father-son relationship shrouded in mystery. But the most important here belongs to another order. The movie opens up a dimension of meaning made of subatomic particles that pierce through matter and draw a family tree that dates back to the origin of the universe. A place where imagination is able to project a Saturn Devouring His Son in the desert and also to make out a coherent pattern in a message from outer space. MV

György Pálfi. (1974, Budapest, Hungría). Graduado de la carrera de Cine por la Academia de Teatro y Cine de Budapest en 2000. Dirigió varios largometrajes, entre ellos, Hukkle (2002, Bafici ‘03) y Taxidermia (2006). (1974, Budapest, Hungary). In 2000, he graduated in Cinema from the Theater and Film Academy of Budapest. He has directed several features, among them Hukkle (2002, Bafici ‘03) and Taxidermy (2006).

Hungría / Canadá - Hungary / Canada, 2018 108’ / D / COLOR Inglés / Húngaro - English / Hungarian D: György Pálfi / G: György Pálfi, Zsófia Ruttkay, Gergő Nagy V. F: Gergely Pohárnok / E: Réka Lemhényi / DA: Adrienn Asztalos S: Imre Madácsi / M: Ábris Gryllus / P: Ferenc Pusztai, Michael A. Dobbin, Charles V. Bender, Emilie Blézat PE: Ferenc Pusztai / : KMH Film / I: Csaba Polgár, Eric Peterson, Diána Kiss, Ádám Fekete, Ildikó Bánsági o / Hungarian National Film Fund. Marta Bényei T +36 14611352 E [email protected] W filmfund.hu

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nocturna

Il primo re

Romulus & Remus - The First King / Rómulo y Remo - El primer rey PREMIERE internacional / international PREMIERE

Los hermanos Rómulo y Remo emprenden un largo y trágico viaje que convertirá a uno de ellos en el fundador de Roma. Apelando a una épica à la Mel Gibson y a la deslumbrante fotografía con luz natural de Ciprì, Il primo re hace de la leyenda del génesis de la capital italiana un verdadero espectáculo visual. Dos mitos: el de la fundación de una ciudad y el de un arte. El primero refiere a Roma, a Rómulo y Remo, a un grupo de hombres semisalvajes atravesando un bosque hechizado y a la larga serie de hechos sangrientos que allí vivieron. El segundo es el del cine, el arte que fue capaz, como ningún otro, de unir masividad (el poder de las historias, de las emociones genuinas) con experimentación, con el riesgo que supone alejarse de las fórmulas conocidas. En Il primo re, hay aventuras por doquier. Y está la fotografía de Daniele Ciprì, que al utilizar la luz natural convierte a esos cuerpos en tensión permanente y a la foresta que los rodea en algo al mismo tiempo místico e irreal, fangoso y terreno. Su triunfo prueba que un documento de la barbarie también puede ser un documento de civilización. SR

The brothers Romulus and Remus set out on a long and tragic journey that will transform one of them into the founder of Rome. Appealing to a Mel Gibson-style epic and an astonishing natural light photography by Ciprì, The First King turns the legend of the genesis of the Italian capital into a true visual spectacle. Two myths: that of the foundation of a city and that of the foundation of an art. The first one refers to Rome, to Romulus and Remus, to a group of semi-savage men crossing a haunted forest and the long series of bloody episodes they lived there. The second is that of cinema, the art that like no other was able to unite popularity (the power of stories, of genuine emotions) with experimentation and entails moving away from proven formulas. In The First King there are plenty of adventures. And there is Daniele Ciprì’s photography, that uses natural light to transform those bodies in permanent tension and the forest that surrounds them into something at once mystical and unreal, muddy and earthly. Its triumph proves that a document of barbarism can also be a document of civilization. SR

Matteo Rovere. (1982, Roma, Italia). Es guionista, productor y director de cine y televisión. Entre sus largometrajes se destacan Un gioco da ragazze (2008), Drifters (2011) y Veloz como el viento (2016). (1982, Rome, Italy). Screenwriter, producer and film and TV director. Un gioco da ragazze (2008), Drifters (2011) and Italian Race (2016) stand out among his films.

Italia / Bélgica - Italy / Belgium, 2019 127’ / D / COLOR Proto-Itálico - Proto-Italic D: Matteo Rovere / G: Filippo Gravino, sca Manieri, Matteo Rovere / F: Daniele Ciprì / : Ascent Film, Groenlandia o / Indie Sales. Martin Gondre T +33 144 830 227 E [email protected] W indiesales.eu

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late night

Seder-Masochism Séder-masoquismo

PREMIERE ARGENTINA / Argentine PREMIERE

Ambiciosa e irreverente, Séder-Masochism escapa a cualquier intento de clasificación. Una comedia musical animada que se propone narrar la historia de la Pascua Judía con las más diversas canciones (desde Led Zeppelin hasta Gloria Gaynor) y desde una atípica perspectiva feminista. Rich Moore, director de la saga Ralph, el demoledor, en 2018 dijo: “La animación es un medio y no un género”. Nina Paley se ubica a años luz del moho de Moore, de Disney, o de la animación toda todita. Su sentido de la furia, del cine do it yourself (hasta canta ella) y de la simpleza como la más elegante de las revoluciones encuentra en Séder-masoquismo una experiencia religiosa. Siempre hereje para con los derechos de autor, la hija del fuego vuelve al musical después de Sita Sings the Blues y lo hace como una fundamentalista de la comedia con filo 2D contra —tomen aire— el “patriarcado de hombres blancos”, la religión como relato machista, el Éxodo como one hit wonder de la violencia sin sentido y, claro, contra las letras sagradas. Al menos aquellas sin ritmo y sin ego masculino. JMD

Ambitious and irreverent, Seder-Masochism escapes every classification attempt. An animated musical comedy that sets out to tell the story of over with the most diverse songs (from Led Zeppelin to Gloria Gaynor) and from an atypical feminist perspective.

Nina Paley. (1968, Champaign, Estados Unidos). Escribió y dirigió varios films, entre ellos los cortometrajes Fetch! y FertCo (ambos de 2002), el largo Sita Sings the Blues (2008, Bafici ‘09) y un segmento del film colaborativo The Prophet (2014). (1968, Champaign, USA). She wrote and directed many films, including the short subjects Fetch! and FertCo (both 2002), the feature Sita Sings the Blues (2008, Bafici ‘09) and a segment for the collaborative film The Prophet (2014).

Estados Unidos - United States, 2018 78’ / D / COLOR Inglés / Francés / Hebreo / Arameo / Búlgaro - English / French Hebrew / Aramaic / Bulgarian

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Rich Moore, director of the Wreck-it Ralph saga, in 2018: “Animation is a medium and not a genre.” Nina Paley places herself light years away from the mould of Moore, Disney and all animated cinema. Her sense of fury, of do-it-yourself filmmaking (she even sings) and of simplicity as the most elegant of revolutions finds in Seder-Masochism a religious experience. Always a heretic when it comes to copyright, the daughter of fire returns to musicals after Sita Sings the Blues and does so as a fundamentalist of edgy 2D comedy against —breathe— “the patriarchy of white males,” religion as macho narrative, the Exodus as a one-hit wonder of senseless violence and, of course, against holy lyrics. At least those without rhythm or male ego. JMD

D, G, F, E, DA, P: Nina Paley / S: Greg Sextro / P: Nina Paley PE: Producer X / I: Nina Paley, Hiram Paley, Barry White o / Nina Paley E [email protected] W ninapaley.com - sedermasochism.com FB Nina Paley

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nocturna

Swing Kids Seu-wing-ki-zu

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Una comedia musical ambientada en un campo de prisioneros durante la guerra de Corea. Sí, leyeron bien. Suerte de Escape a la victoria protagonizada por cinco disímiles Gene Kellys y con un trasfondo bélico à la M*A*S*H, Swing Kids es toda una experiencia: extraña, electrizante y emotiva. Al comienzo de Swing Kids un personaje le pregunta a otro por qué baila, y este le responde: “Porque se puede”. A su manera, el heterogéneo y valiente film de Kang Hyoung-chul hace de esa frase su estandarte narrativo y la máxima que se desprende de cada uno de sus pasos. Como recordándole a Estados Unidos aquello que su cine parece haber olvidado, esta producción musical surcoreana hace del baile —no solo del swing y del tap, sino también de las más gratas anacronías (entre ellas pop asiático, David Bowie y hasta una tradicional canción israelí)— un río de alegría, ritmo y movimiento que encausa su libertad formal y su incontrolable deseo por romper con las barreras del lenguaje, el racismo y las ideologías. Swing Kids lo hace porque puede, pero también porque lo hace muy bien. Joaquín Chazarreta

A musical comedy set in a POW camp during the Korean War. Yes, you got that right. Sort of Victory starring five dissimilar Gene Kellys against the backdrop of a war à la M*A*S*H, Swing Kids is a singular experience: strange, electrifying and moving.

Kang Hyoung-chul. (1974, Jeju, Corea del Sur). Es guionista y director de cine. Sus dos primeros films, Scandal Makers (2008) y Sunny (2011), fueron los más exitosos de Corea del Sur en sus respectivos años de estreno. Swing Kids es su quinto largo como director. (1974, Jeju, South Korea). Screenwriter and director. His first two films, Scandal Makers (2008) and Sunny (2011) were South Korea’s most successful in the years of their respective releases. Swing Kids is his fifth feature as a director.

Corea del Sur - South Korea, 2018 133’ / D / COLOR Coreano - Korean

At the beginning of Swing Kids, a character asks another why he dances, and the latter answers “because I can.” In its own way, Kang Hyoung-chul’s heterogeneous and brave film turns this phrase into its narrative banner and the principle that it lays down scene after scene. As if it meant to remind the United States that which its own cinema seems to have forgotten, this South Korean musical production makes of dance (not only of swing and tap but also of pleasant anachronisms such as Asian pop, David Bowie and even a traditional Israeli song) a river of joy, movement and rhythm that gives shape to its formal freedom and its uncontrollable desire of breaking the barriers of language, racism and ideologies. Swing Kids does it because it can, but also because it does it very well. JC

D, G: Kang Hyoung-chul / F: Kim Ji-yong / E: Nam Na-young DA: Park El-hen / S: Choi Tae-young / M: Kim Jun-seok / P: Lee An-na PE: Kim Woo-taek / : Annapurna Films / I: Doh Kyung-soo, Jared Grimes, Park Hye-su, Oh Jung-se, Kim Min-ho o / Contents Panda. Whitney Kim T +822 3490 9336 E [email protected] W its-new.co.kr

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late night

the scoundrels Kuáng Tú / Los canallas

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

Una serie de violentos acontecimientos lleva a un exbasquetbolista a interesarse por el mundo del hampa y, sobre todo, por uno de sus líderes, un orgulloso ladrón. Un auspicioso debut al mejor estilo thriller policial hongkonés, con una estética neonoir, persecuciones frenéticas y lacerantes peleas. Las películas de acción suelen ser protagonizadas por personajes que brillan por su destreza y dominio corporal. Aun los hermosos perdedores suelen transformarse en peligrosas grullas con la simple justificación de una ramplona secuencia de montaje. El gran acierto de The Scoundrels es optar por un doloroso realismo, mientras sus protagonistas reciben más golpes de los que dan en una trama plagada de sorpresas: Rui se las rebusca repartiendo infracciones viales y colaborando a regañadientes con la mafia, mientras la ciudad es víctima de un misterioso ladrón de bancos. El inevitable cruce de caminos provoca la ignición de un descontracturado thriller policial made in Taiwán, que hace de las restricciones su fuerte. Pablo Conde

A series of events lead a former basketball player to become interested in the crime world and, above all, one of its leaders, a proud thief. An auspicious debut in the best tradition of Hong Kong thrillers, with a neo-noir aesthetic, frantic chases and lacerating fights.

Hung Tzu-Hsuan. (Taipéi, Taiwán). Graduado por la Shih Hsin University de Taipéi. Dirigió varios cortometrajes en los que exhibió una particular habilidad para la acción. The Scoundrels es su primer largometraje. (Taipei, Taiwan). Graduated from Taipei’s Shih Hsin University. He directed many shorts in which he showed a particular ability for action. The Scoundrels is his first feature.

Taiwán - Taiwan, 2018 105’ / D / COLOR Chino - Chinese

Action movies tend to star characters that shine for their skill and their control over their bodies. Even the beautiful losers tend to become dangerous cranes with the simple justification of a tacky montage. The Scoundrels’ wise choice is opting for a painful realism, while its protagonists receive more blows than they give in a plot filled with surprises: Rui makes a living handing in traffic tickets and collaborating reluctantly with the mob, while the city falls victim to a mysterious bank robber. The inevitable crossing of paths ignites a laid-back cop thriller made in Taiwan that turns restrictions into its strength. PC

D: Hung Tzu-Hsuan / G: Huang Chien-Ming / F: Chen Ko-Chin, Chen Chih-Hsuan / E: Li Wenders / DA: Lo Wenjing / M: Lin Cliff, Yang Wan-Chien / P: Lin Tien-Kuei / PE: Jackie Wang : Great Dream Pictures, Inc. / I: Wu Kang-Ren, Lin JC, Hsieh Hsin-Ying, Nana Lee o / Ablaze Image. Chang Chia-Chen T +886-3322-1220 E [email protected] W ablazeimage.com

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[21] BAFICI

Pasiones ions

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Breaking News

Mimorádná zpráva / Primicias PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

En 2018, en un evento en el Castillo de Praga, el presidente en funciones de la República Checa, Milos Zeman, anunció si finalmente sería candidato a la reelección. La prensa no estuvo invitada, y este codiciado secreto desató una lucha entre dos grandes medios por conseguir la primicia del año. Las recurrentes discusiones sobre “el rol de los medios” (no importa cuándo —ni dónde— leas esto, podría tuitear alguien) nos familiarizaron con conceptos tan abstrusos como agenda, línea editorial, fake news o posverdad. Pero del periodismo en tanto oficio, del trabajo en redacciones y estudios, de la complejísima trama de acciones y decisiones detrás de las noticias se habla poco y se sabe menos. Bojar ilumina esa terra incognita del trabajo periodístico con una mirada minuciosa y paciente, que al principio puede pasar por desapasionada. No se dejen engañar: Breaking News revela pronto la épica emocionante de unos profesionales casi hawksianos y, de paso, suelta algunas verdades sobre el uso (los usos) del lenguaje, el sentido cívico, la responsabilidad editorial y unas cuantas cosas más. AM

In 2018, at an event in the Prague Castle, the Czech Republic’s president in office Milos Zeman finally announced if he would be running for a reelection. The press wasn’t invited, and this prized secret unleashed a struggle between two media outlets chasing for scoop on the most important piece of news of the year The recurring discussions on the “role of the media” (no matter when –or where- you read this, someone could tweet) familiarized us with concepts as abstruse as agenda, editorial line, fake news or post-truth. But little is said, and less is known, about journalism as trade, about the work done in editorial offices and studios, about the very complex weave of actions and decisions behind the news. Bojar sheds light on this terra incognita of journalistic work with a detailed, patient eye that, at first, could off as disionate. But don’t let yourselves be fooled: Breaking News soon reveals the moving epic of some almost Hawksian professionals and, along the way, tells us some truths about the use (the uses) of language, civic sense, editorial responsibility and a few other things. AM

Tomáš Bojar. (1981, Praga, Checoslovaquia). Es guionista, productor y director. Estudió Ciencias Políticas y Filosofía en la Universidad de Praga. Codirigió junto a Rozálie Kohoutová el largometraje FC Roma (2016). (1981, Prague, Czechoslovakia). He is a screenwriter, producer and director. He studied Political Science and Philosophy at the University of Prague. He directed the feature FC Roma (2016) with Rozálie Kohoutová.

República Checa - Czech Republic, 2018 73’ / D / COLOR Checo - Czech

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D, G, P: Tomáš Bojar / F: Jirí Chod / E: Šimon Špidla / S: Václav Flegl M: Maurice Ravel / PE: Alžbeta Noll / : Cinema Arsenal I: František Lutonský, Martin Jašminský, Štepán Etrych, Luboš Krec, Mariana Kopecká o / Cinema Arsenal. Tomáš Bojar T +42 060 447 2934 E [email protected] W cinemaarsenal.cz

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pasiones

Carmen y Lola Carmen & Lola

PREMIERE ARGENTINA / Argentine PREMIERE

Carmen vive en una comunidad gitana en los suburbios de Madrid. Su destino de casamiento y de muchos hijos parece marcado desde siempre. Pero un día conoce a Lola, una gitana poco convencional, y todo su mundo afectivo, sus proyectos y sus sueños entran en una nueva y desafiante dimensión. La ópera prima de Arantxa Echevarría oscila entre los mandatos gitanos, con sus ritos y creencias sumamente estrictos en cuanto al rol de la mujer —criada para casarse joven, obedecer a su marido y tener hijos—, y el deseo de las protagonistas de ir contra dicha tradición. Como contrapunto de ese ambiente opresivo surgen bailes, vestidos de fiesta, zapatos con purpurina, amores prohibidos y hasta un cuasiexorcismo, todo un universo descripto con suma naturalidad. La cámara en mano sigue a Carmen y Lola por los puestos de fruta hasta los rincones más recónditos. Allí, un cíber puede convertirse en el lugar de liberación para Lola, al igual que el mar lo era para Antoine Doinel, idea que Echevarría retoma con un plano inolvidable para dejar bien claro que el amor puede ser aún mejor que en las películas. ED’A

Carmen lives in a gypsy community in the suburbs of Madrid. Her fate —marrying and having many kids— seems to have been determined long ago. But one day she meets Lola, an unconventional gypsy, and all her feelings, projects and dreams enter a new and challenging dimension.

Arantxa Echevarría. (1968, Bilbao, España). Estudió Ciencias de la Imagen en la Complutense de Madrid. Dirigió diversos cortometrajes, entre ellos De noche y de pronto (2013) y Yo, Presidenta (2015). Carmen y Lola es su primer largometraje. (1968, Bilbao, Spain) She studied Image Science at the Complutense of Madrid. She has directed several short films, among them De noche y de pronto (2013) and Yo, Presidenta (2015). Carmen and Lola is her first feature.

España - Spain, 2018 105’ / D / COLOR Español - Spanish

Arantxa Echevarría’s first film oscillates between the gypsy mandates with their rites and very strict beliefs about the role of women —raised to marry young, obey her husband and have kids— and the protagonists’ desire to go against that tradition. As a counterbalance for to that oppressive world, there are dances, party dresses, shoes with glitter, forbidden loves and an almost-exorcise, all described with perfect naturality. The handheld camera follows Carmen and Lola from the fruit stalls to the most hidden corners. There, an internet café can become a place of liberation for Lola, the same way as the sea was one for Antoine Doinel -an idea to which Echevarría pays homage in an unforgettable scene in order to make clear that love can be even better than it is in movies. ED’A

D, G: Arantxa Echevarría / F, P, PE: Pilar Sánchez / E: Renato Sanjuán DA: Soledad Seseña / S: Fabio Huete / M: Nina Aranda : TVTEC / I: Zaira Romero, Rosy Rodríguez, Moreno Borja o / Latido Films. Marta Hernando T +34 9 1548 8877 E [email protected] W latidofilms.com

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Diamantino PREMIERE ARGENTINA / Argentine PREMIERE

Diamantino, la mayor estrella del fútbol mundial, pierde su habilidad y su carrera termina de la peor manera. En busca de nuevas metas, una delirante odisea lo lleva a confrontar con sus hermanas, con el movimiento neofascista, con la manipulación genética y a tomar parte en la crisis de los refugiados. El campo de Diamantino se expande y ensancha en lo grotesco: agarra a un Cristiano Ronaldo embobado y lo usa de chiche gigante. Lo manipula, lo manosea, lo hace pelota. Y, como una suerte de Neon Genesis Evangelion futbolero (se acuerdan de aquel final extrañísimo lleno de preguntas y reflexiones existenciales, ¿no? Bueno, así, pero un poco más), encuentra los mejores what the fuck de los últimos años. Diamantino incomoda con la comedia y se para firme en el drama. Pero, de fondo, se yergue como una alegoría política del presente: hay inmigrantes, muros y conflictos geográficos. En rigor, devela una (in)sana mixtura posible entre la belleza estética y la ambición narrativa. Y, mientras más se retuerce, más sorprende. HP

Diamantino, the biggest soccer star in the world, loses his ability and his career ends the worst way possible. In search of new goals, a wacky odyssey leads him to confront his sisters, the neo-Fascist movement, genetic manipulation, and to do something about the refugee crisis.

Gabriel Abrantes & Daniel Schmidt. Abrantes (1984, Estados Unidos) reside en Lisboa. Dirigió diversos cortos y largos. En 2017 el Bafici le dedicó un foco. Schmidt (1984, Connecticut, Estados Unidos) dirigió For Crying Out Loud (2008) y, junto a Abrantes, A History of Mutual Respect (2010) y el largo Palacios do Pena (2011, Bafici ‘12). Abrantes (1984, USA) lives in Lisboa. He directed many shorts and features. In 2017, Bafici did a focus on him. Schmidt (1984, Connecticut, USA) directed For Crying Out Loud (2008) and, with Abrantes, A History of Mutual Respect (2010) and the feature Palacios do Pensa (2011, Bafici ‘12).

Portugal / Francia / Brasil - Portugal / / Brazil, 2018 92’ / D / COLOR / Portugués - Portuguese

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The field in Diamantino expands and widens in the grotesque: it takes a spellbound Cristiano Ronaldo and uses him as a giant toy. He manipulates him, he touches him and destroys him. And, like some sort of soccer Neon Genesis Evangelion ( that weird ending filled with questions and existential reflections, right? Well, like that but a bit more), it finds the best WTFs of the last few years. Diamantino makes one uncomfortable with comedy and stands strong as a drama. But, deep down, it is a political allegory about the present: there are immigrants, walls and geographic conflict. Ultimately, it reveals a(n) (in)sane possible mix between aesthetic beauty and narrative ambition. And the more it doubles up, the more remarkable it is. HP

D, G: Gabriel Abrantes, Daniel Schmidt / F: Charles Ackley Anderson E: Raphaëlle Martin-Holger, Gabriel Abrantes, Daniel Schmidt DA: Bruno Duarte, Cypress Cook / S: Olivier Blanc, David Turini, Fernando Henna, Benjamin Viau / M: Ulysse Klotz, Adriana Holtz P: Justin Taurand, Maria João Mayer, Daniel van Hoogstraten : Les Films Du Belier, Maria & Mayer, Syndrome Films I: Carloto Cotta, Cleo Tavares, Anabela Moreira, Margarida Moreira o / Charades. Nicolas Rebeschini T +33629874504 E [email protected] W lineup.charades.eu

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pasiones

Fly Rocket Fly PREMIERE INTERNACIONAL / INTERNATIONAL PREMIERE

Esta es la historia de OTRAG, la compañía alemana que en los 70 se convirtió en la primera empresa privada dedicada al espacio exterior. Mezclando negocios, utopía, ciencia y política, son los protagonistas directos de aquella iniciativa los que cuentan los mil y un detalles de su increíble aventura. A la hora de la cruzada espacial, se compara a Elon Musk y su imperio con Tony Stark. ¿Están listos, entonces, para conocer al Isidoro Cañones de la conquista privada estelar? Con ustedes, Lutz Kayser, un ingeniero alemán que, mientras el hombre (de EE. UU.) llegaba a la Luna, fundó el primer emprendimiento privado con intenciones de conquistar el cosmos. ¿Domicilio de compañía aeroespacial OTRAG? Obviamente, la jungla del Congo africano. Fly Rocket Fly tiene instintos de thriller épico documental (sí, hay luz de Herzog en el aire), material 16 mm y super-8 de esos primeros días, y va contando con detalle y sin nunca perder el doble filo político y enloquecido del fallecido Kayser y de OTRAG (carnicería y plantación de marihuana incluidas en sus instalaciones). JMD

This is the story of OTRAG, the German company that in the 1970s became the first private enterprise dedicated to outer space. Mixing business, utopia, science and politics, the protagonists of that endeavor tell all the details of their incredible adventure.

Oliver Schwehm. (1975, Maguncia, República Federal de Alemania). Estudió Literatura y Filosofía, y luego recibió un máster en Cine Documental por la Universidad de Estrasburgo. Coprodujo diversos documentales. Fly Rocket Fly es su ópera prima. (1975, Mainz, German Federal Republic) He studied Literature and Philosophy and did a Master’s in Documentary Cinema at the University of Strasbourg. He has co-produced several documentaries. Fly Rocket Fly is his first film as a director.

Alemania / Bélgica - / Belgium, 2018 91’ / D / COLOR - B&N Alemán / Inglés / Francés - German / English / French

When it comes to the space crusade, Elon Musk and his empire are usually compared to Tony Stark. Are you ready then to meet the Hugh Heffner of private stellar conquest? Greet Lutz Kayser, a German engineer that, while the first (American) man set foot on the Moon, founded the first private company whose goal was to conquer the cosmos. The address of OTRAG space launch company? Of course, the Congolese jungle. Fly Rocket Fly has the instinct of an epic documentary thriller (some Herzogian light shines in the air), 16mm footage and Super-8 from the early days, and tells in detail the history of OTRAG and Kayser’s sly and maddened political machinations —and the butcher’s shop and marijuana plantation that existed on the company premises. JMD

D, G: Oliver Schwehm / F: Hermann Sowieja / E: Helmar Jungmann S: Rene Liebig, Franz Baier, Norbert Kleiner, Alexander Tower, Tobias Vogt, Joschi Kaufmann, Helmar Jungmann / M: Heiko Maile P, PE: Markus Hilss / : Lunabeach TV, Media GmbH / I: Lutz Kayser, Frank Wuksch, Victor Löbermann, James Oberg, François Heisbourg o / Magnetfilm GmbH. Frauke Knappke T +49 30 24628156 E [email protected] W magnetfilm.de - otrag.com

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The Heat: A Kitchen (R)evolution El calor: Una (r)evolución en la cocina PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

En el mundo de la gastronomía, ya sean cocinas con estrellas Michelin o cualquier otra categoría, son pocas las chefs que logran triunfar en la patriarcal industria de la cocina profesional. The Heat nos acerca a siete nombres claves como Anne-Sophie Pic, Anita Lo, Angela Hartnett y Amanda Cohen. Antes de que los chefs se convirtieran en rock stars, la premiada cocinera Anita Lo ya revolucionaba la industria reescribiendo las reglas de la cultura culinaria y forjando nuevos caminos para que las próximas generaciones de mujeres chefs obtuviesen el mismo reconocimiento que los hombres. La canadiense Maya Gallus recorre las cocinas de algunos de los mejores restaurantes de Toronto, Londres, Nueva York y Valence, Francia, todos dirigidos por mujeres bellas y fuertes: desde cocineras galardonadas hasta una chef freelance que no tiene suficiente dinero para abrir su propio restaurante, pero aun así emprende un negocio en el que un grupo de desconocidos puede acceder a una cena exclusiva preparada por ella mediante una reserva online. ¡Anarquía y descontrol en la celebración! ED’A

In the gastronomical world, in kitchens with Michelin stars as well as any other category, there aren’t many female chefs that triumph in the patriarchal industry of professional cooking. The Heat draws us close to seven key names like Anne-Sophie Pic, Anita Lo, Angela Hartnett and Amanda Cohen. Before the chefs became rock stars, award-winning cook Anita Lo was already revolutionizing the industry by rewriting the rules of culinary culture and shaping new paths in order for future generations of female chefs to gain the same recognition as men. Canadian director Maya Gallus visits the kitchens of some of the best restaurants in Toronto, London, New York and Valence, , all of them directed by beautiful, strong women: from award-winning cooks to a freelance chef who doesn’t have enough money to open her own restaurant, but nonetheless runs a business in which a group of strangers can get an exclusive dinner prepared by her through an online reservation. Anarchy and mayhem in the celebration! ED’A

Maya Gallus. (Canadá). Especializada en cine documental, es guionista y directora de cine. Entre sus largometrajes se destacan Erotica: A Journey Into Female Sexuality (1997), Dish: Waitressing and the Art of Service (2010) y Derby Crazy Love (2014). (Canada). Specializing in documentary films, she is a screenwriter and film director. Her features include Erotica: A Journey Into Female Sexuality (1997), Dish: Waitressing and the Art of Service (2010) and Derby Crazy Love (2014).

Canadá - Canada, 2018 72’ / D / COLOR Inglés / Francés - English / French

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D, G: Maya Gallus / F: John Minh Tran / E: Dave Kazala M: Keir Brownstone / P: Maya Gallus, Howard Fraiberg / PE: TVO : Red Queen Productions / I: Anne-Sophie Pic, Angela Hartnett, Anita Lo, Victoria Blamey, Suzanne Barr o / MetFilm Sales. Karen Simon T +44 20 8280 9117 E [email protected] W metfilmsales.com

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pasiones

Screwball PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Mafia, drogas y dinero. El escándalo Biogénesis desde la mirada de Anthony Bosch, el inescrupuloso médico y principal acusado. Billy Corben retrata con humor uno de los hitos más infames del béisbol, el caso que mancilló la carrera de Alex Rodríguez, el talentoso tercera base de los Yankees. “Drogas... ¿para qué?”. ¡Para que haya más películas de Billy Corben, claro! Tras convertir en mitología pop la refundación politóxica y violenta de Florida en los 70, Corben suma el episodio más absurdo, vertiginoso e irreverente —por algo lleva el título que lleva— a la saga iniciada con Cocaine Cowboys. Adoptando el dudosísimo (pero ¡qué divertido!) punto de vista de un Dr. Nick Riviera de carne y hueso, con reconstrucciones de las andanzas de sus protagonistas a cargo de niños disfrazados y otros recursos más propios de los Monty Python que del cine documental, Screwball se las ingenia para traficar entre hipérboles al menos dos certezas absolutas: que lo que cuenta solo pudo haber ocurrido en Miami y que, como dice uno de sus pintorescos personajes, “no es posible inventar toda esta mierda”. AM

Drugs, money and the mob. The Biogenesis scandal from the point of view of Anthony Bosch, the unscrupulous doctor and prime suspect. With humor, Billy Corben paints the portrait of one of the most infamous milestones in baseball, that which tarnished the career of talented Yankee third base Alex Rodríguez. “Why drugs?” Well, for there to be more Billy Corben movies, that’s why! After turning the polytoxic, violent re-founding of 1970s’ Florida into pop mythology, he now adds the most absurd, vertiginous and irreverent episode —hence the title— to the saga that began with Cocaine Cowboys. Adopting the very doubtful (but so much fun!) point of view of a Dr. Nick Riviera in the flesh, with reenactments of the adventures of its protagonists by kids in disguise and other ideas more at home with Monty Python than documentary filmmaking, Screwball manages to smuggle at least two absolute certainties among all the hyperbole: that what it tells could have only happened in Miami, and that, as one of its picturesque characters says, “You can’t make this shit up.” AM

Billy Corben. (1978, Fort Myers, Estados Unidos). Estudió Ciencias Políticas, Guion y Teatro en la Universidad de Miami. En 2012, el Bafici exhibió cuatro de sus documentales, entre ellos, Cocaine Cowboys (2006) y Limelight (2011). (1978, Fort Myers, USA). He studied Political Science, Screenwriting and Drama at the Miami University. In 2012, Bafici showed four of his documentaries, including Cocaine Cowboys (2006) and Limelight (2011).

Estados Unidos - United States, 2018 106’ / D / COLOR / Inglés - English D: Billy Corben / G: Billy Corben, David Cypkin / F: B.J. Golnick E: David Cypkin / M: 10k Islands / P: Alfred Spellman, Billy Corben : rakontur / I: Tony Bosch, Porter Fischer, Jerome Hill, Tim Elfrink o / Rakontur. Alfred Spellman T +1 786 539 4180 E [email protected] W rakontur.com - rakontur.com/screwball

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ions

Vatreni PREMIERE ARGENTINA / Argentine PREMIERE

Tras la desintegración de Yugoslavia, Croacia participó por primera vez como país autónomo en el Mundial de Francia 1998 y obtuvo el tercer puesto. Los integrantes de esa selección narran tanto los años previos como esa emotiva hazaña, grabada a fuego en la memoria de un pueblo devastado por la guerra. “Ahí estaba yo, una cara pública, dispuesto a arriesgar mi carrera por un ideal: la causa croata”, declaró Zvonimir Boban sobre su patada a un policía en pleno campo de juego, antes del clásico entre el Dinamo Zagreb (de Croacia) y el Estrella Roja (de Serbia) en 1990. Para muchos, los enfrentamientos de ese día aceleraron la desintegración de Yugoslavia: uno de esos raros partidos de fútbol que pasan a la historia, y quizá hasta la cambian, porque en ellos se juega algo que trasciende por mucho al deporte. De todo lo que llevó a ese momento y casi todo lo que pasó después se ocupa este documental apasionado y apasionante, que lleva como título el apodo de la selección nacional nacida y criada en el trauma violento de la guerra: “vatreni”, en croata, significa ‘fuego’. Gerónimo Guillén

After the disintegration of Yugoslavia, Croatia made his debut as an autonomous country in the 1998 World Cup, and came in third. The of that team narrate the previous years as well as that moving feat, burnt into the memory of a population devastated by war. “There I was, a public face, willing to risk my career for an ideal: the Croatian cause,” Zvonimir Boban declared in regards to him having kicked a policeman in the field, before the classic match between the Dinamo Zagreb (from Croatia) and the Red Star (from Serbia) in 1990. To many, the confrontations that took place that day accelerated the disintegration of Yugoslavia -one of those rare soccer matches what go down in history, and perhaps change it, because in them that goes far beyond the sport is at stake. This ionate, enthralling documentary deals with everything that led to that moment and almost everything that happened after. Its title comes from the moniker of the national team born and raised in the midst of the violent trauma of war: in Croatian, “vatreni” means fire. GG

Edson Ramírez. (1982, México, México). Estudió Dirección en el Centro de Capacitación Cinematográfica. Ha dirigido varios cortometrajes, entre ellos El tiempo que queda (2014), De tierra y cielo (2015) y Zapatos (2017). (1982, Mexico City, Mexico). He studied Filmmaking at the Centro de Capacitación Cinematográfica. He has directed many shorts, including El tiempo que queda (2014), De tierra y cielo (2015) and Zapatos (2017).

México / Croacia- Mexico / Croatia, 2019 87’ / D / COLOR Inglés / Croata / Español - English / Croatian / Spanish

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D, G, E: Edson Ramírez / F: Jorge Linares / S: Edson Ramírez, Enrique Chuck / M: Luka Zima / P: Alfredo Sánchez PE: Miroslav Blažević / : Geiser Media / I: Robert Prosinečki, Slaven Bilić, Igor Štimac, Goran Ivanišević, Robert Jarni o / Geiser Media. Alfredo Sánchez T +52 1 5577185305 E [email protected] W geisermedia.com - geisermedia.com/portfolio/vatreni

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[21] BAFICI

películas sobre películas films about films

films about films

Cortázar & Antín: Cartas iluminadas Cortázar & Antín: Enlightened Letters PREMIERE ARGENTINA / Argentine PREMIERE

En los años 60 y gracias al intercambio epistolar, el joven cineasta Manuel Antín y el afamado escritor Julio Cortázar dan lugar a tres films (dirigidos por el primero y basados en cuentos del segundo). A un océano de distancia, había nacido una fructífera colaboración y con ella una genuina amistad. Julio Cortázar quiso ser director de cine, Manuel Antín quiso ser escritor. En la amistad de estos hombres-maestros hay una especie de simbiosis mágica. Entre las lejanas París y Buenos Aires, la relación epistolar entre ellos conforma un relato que cuenta la historia de la literatura, del cine argentino y del país en los años 60. La columna del documental es la figura de Antín que vertebra cada imagen, cada palabra, cada idea ensamblando fragmentos de películas, la voz inconfundible de Cortázar o la palabra amorosa de Graciela Borges. ¿Cómo no embelesarse ante los fragmentos de sus películas? ¿Cómo no conmoverse frente a la lección de cine de un maestro único? Cálido, divertido, repleto de sensibilidad, Cartas Iluminadas pone en escena lo mejor de la historia del cine nacional. MG

During the ‘60s, and thanks to an epistolary exchange, young filmmaker Manuel Antín and famed writer Julio Cortázar gave way to three films (directed by the former and based on stories by the latter). An ocean apart, a fruitful collaboration had been born, and with it, a genuine friendship. Julio Cortázar wanted to be a filmmaker, Manuel Antín wanted to be a writer. In the friendship between these men-masters there’s some sort of magical symbiosis. Between Paris and Buenos Aires, the epistolary relationship between them forms a narrative that tells the history of literature, Argentine cinema and the country itself during the ‘60s. The backbone of the documentary is Antín’s figure, which s every image, every word, every idea by assembling fragments from piece, the unmistakable voice of Cortázar or the loving words of Graciela Borges. How could we not become captivated with the fragments from their films? How could we not be moved by the lesson in film from a unique teacher? Warm, fun, full of sensibilities, Enlightened Letters stages the best in local film history. MG

Cinthia Rajschmir. (1963, Argentina). Es licenciada en Pedagogía y tiene una maestría en Cine Documental. Dirigió los documentales Luis F. Iglesias, el camino de un maestro (2009) y Huyendo del tiempo perdido (2013). (1963, Argentina). She has a Bachelor’s degree in Pedagogy and a Master’s in Documentary Film. She directed the documentaries Luis F. Iglesias, el camino de un maestro (2009) and Huyendo del tiempo perdido (2013).

Argentina, 2018 66’ / D / COLOR Español - Spanish

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D, P: Cinthia Rajschmir / G: Cinthia Rajschmir, Alejandra Marino F: Pedro Romero / E: Liliana Nadal / S: Santiago Roldán-Pomeranec M: Horacio Straijer / PE: Jorge Rocca, Graciela Mazza I: Manuel Antín, Graciela Borges, Dora Baret, Ponchi Morpurgo o / Hasta 90 Minutos. Luciana Abad T +54 9 11 6455 4130 E [email protected] FB hasta90minutos

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Two, Three Times Branco, a Legend’s Producer / Dos, tres veces Branco, un productor de leyendas PREMIERE INTERNACIONAL / INTERNATIONAL PREMIERE

A cuarenta años del rodaje de The Territory, Francisca y El estado de las cosas, Nicot viaja a Lisboa para buscar el punto en común entre los films de Ruiz, De Oliveira y Wenders: el productor portugués Paulo Branco, quien con más de trescientos títulos en su haber hizo de su vida una leyenda del cine. Productor de ¿270? ¿299? films de Monteiro, Costa, Ruiz, De Oliveira, Akerman, Assayas, Wenders, Cronenberg, Żuławski y Garrel —por citar solo algunos nombres de una lista tan extensa como rutilante— el trayecto pendular de Branco entre París y Lisboa durante más de tres décadas fue, por supuesto, mucho más que eso. Salpicado de anécdotas traviesas y no tanto, asentado en testimonios de actores y directores de cine como en entrevistas al mismo Branco, atravesado por escenas y planos de films que él mismo produjo —muchos de ellos soberbios, claro—, Deux, trois fois Branco es menos un sentido homenaje o el relato de una obsesión que la mise en scène de una épica cinéfila única e irrepetible; como cualquier épica que se precie de serlo. Un viaje hacia el corazón del cine. Literalmente. FP

Forty years after the shooting of The Territory, Francisca and The State of Things, Nicot travels to Lisbon to look for the point in common between the films of Ruiz, De Oliveira and Wenders: the Portuguese producer Paulo Branco, who, having worked on over three hundred films, made of his life a legend of cinema. Producer of 270? 299? films by Monteiro, Costa, Ruiz, De Oliveira, Akerman, Assayas, Wenders, Cronenberg, Żuławski and Garrel (to quote but a few names of a list as long as it is impressive), Branco’s pendular journey between Paris and Lisbon for over three decades was, of course, much more than that. Peppered with mischievous and not so innocent anecdotes, based on the testimonies of actors, directors and interviews with Branco himself, crossed by scenes and shots from films he produced —many of them superb—, Deux, trois fois Branco is less a heartfelt homage or the portrait of an obsession than the mise en scène of a unique film epic that is as unrepeatable as any epic worthy of that name. A voyage into the heart of cinema. Literally. FP

Boris Nicot. (1974, Francia). Realizó los cortos experimentales Asile (2005) y D’assez courtes unités de temps (2008) y los largometrajes Un étrange equipage (2010) y Filmer obstinément, rencontre avec Patricio Guzmán (2014, Bafici ‘15). (1974, ). He has directed the experimental short films Asile (2005) and D’assez courtes unités de temps (2008) and the features Un étrange equipage (2010) and Filmer obstinément, rencontre avec Patricio Guzmán (2014, Bafici ‘15).

Portugal / Francia - Portugal / , 2018 110’ / D / COLOR - B&N Francés / Inglés / Portugués - French / English / Portuguese D, G, E: Boris Nicot / F: Denis Gaubert / S: Ricardo Leal P: Gérald Collas, Luis Correia / : INA , LX Filmes / I: Paulo Branco o / INA. Maryvonne Bruneau T +33 1 49 83 29 89 E [email protected] W institut.ina.fr

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Deux, trois fois Branco, un producteur de légendes

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Freaks and Geeks: The Documentary Freaks and Geeks: El documental PREMIERE LATINOAMERICANA / latam PREMIERE

Judd Apatow, Paul Feig, Seth Rogen y muchos más cuentan la historia detrás de Freaks and Geeks, la serie que — pese a su prematura cancelación tras apenas una temporada de 18 episodios— devino culto, disparó a toda una generación de artistas y tocó una fibra emocional hasta aquel entonces intacta. Freaks and Geeks podría ser un personaje de Freaks and Geeks: un compañero de escuela medio raro que en solo un año nos cambió la vida para siempre. La vida, en esa puesta en abismo, equivaldría al humor: en las décadas siguientes a aquel 1999 disfrazado de 1980, la secundaria William McKinley se reveló como la alma mater de los nuevos reyes de la comedia. En particular, de un tipo de comedia —hiper realista y lunática, incómoda y amable, grosera y sensible a la vez— que Apatow y Feig perfeccionaron en la TV y llevaron al cine junto a alumnos ejemplares, como Seth Rogen o James Franco. Con asistencia perfecta y espíritu adultescente, esta fiesta aniversario lleva —¡por fin!— a más de 18 la cuenta de las veces que nos emocionamos con el grito de Joan Jett: “I don’t give a damn ‘bout my bad reputation!”. AM

Judd Apatow, Paul Feig, Seth Rogen and many others tell the story behind Freaks and Geeks, the series that, in spite of its untimely cancellation after just one 18-episode season, gained cult status, propelled an entire generation of artists and touched a nerve that until then had been untouched. Freaks and Geeks could well be a character off Freaks and Geeks: a somewhat weird schoolmate who, in just one year, changed our lives forever. Life, in that mise en abyme, would equate humor: in the decades that followed that 1999 disguised as 1980, William McKinley High revealed itself as the alma mater of the new kings of comedy. A type of comedy, in particular —hyperrealist and lunatic, awkward and pleasant, crude and sensitive all at once—, that Apatow and Feig perfected on TV and took to theaters alongside exemplary students like Seth Rogen or James Franco. With perfect attendance, this anniversary party finally raises the times we were moved by Joan Jett’s cry of “I don’t give a damn ‘bout my bad reputation!” to more than 18. AM

Brent Hodge. (1985, St. Albert, Canadá). Productor y director de cine y televisión especializado en el género documental. Entre sus largometrajes, se destacan A Brony Tale (2014), I Am Chris Farley (2015) y Pistol Shrimps (2016). (1985, St. Albert, Canada). Film and television producer and director specializing in documentaries. His features include A Brony Tale (2014), I Am Chris Farley (2015) and Pistol Shrimps (2016).

Canadá - Canada, 2018 71’ / D / COLOR / Inglés - English D: Brent Hodge / F: Joseph Schweers / E: Austin Andrews, Lewis Bennett / S: John Diemer / M: Cayne McKenzie, Andrew Huculiak, David Menzel / P: Aly Kelly / PE: Matthew Galkin, Ian Orefice, Jess Cagle, Henry Goldblatt, JJ Miller / : Hodgee Films, A&E Network, Entertainment Weekly / I: Seth Rogen, Judd Apatow, Paul Feig, Busy Philipps, James Franco o / Hodgee Films. Aly Kelly T +1 902 210 8105 E [email protected] W hodgeefilms.com

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Memory - Los orígenes de Alien

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

El director de 78/52 deja a Hitchcock por un rato y se adentra en el universo de Alien, el octavo pasajero para dar cuenta de sus orígenes heterogéneos, apreciar la artesanía detrás de su realización y develar por qué se volvió una de las películas más icónicas, inquietantes y memorables del género. Alexandre O. Philippe vuelve con su obsesión casi de entomólogo victoriano a diseccionar. Antes había sido la ducha del tío Hitchcock y ahora son las dos vidas de Alien, la que observa el surco cultural del clásico sci-fi, que cumple cuarenta añitos, y aquella otra, más murciélaga, que se fascina con los entramados brutales, viscerales y de diseño que dieron forma al Prometeo posmoderno. La peor cena de la historia del cine, el sedimento de Las Furias, lo poderoso de H.R. Giger, las obsesiones de Ridley Scott (y su literal pesadilla), el horror de Francis Bacon hecho pop seco, pero reproducido en cadena, la importancia del carpenteriano Dan O’Bannon: bienvenidos a Alien 101, la perfecta caja negra documental para comprender por qué no dejamos de ver a la criatura que apenas tiene ojos. JMD

The director of 78/52 leaves Hitchcock aside for a while and enters the Alien universe in order to talk about its heterogeneous origins, appreciate the handicraft behind its making and reveal why it became one of the most iconic, thrilling and memorable films of the genre. Alexandre O. Philippe returns with his obsession, almost worthy of a Victorian entomologist, to dissect. Before, it had been uncle Hitchcock’s shower, and now it’s Alien’s two lives: that which observes the cultural crease of the sci-fi classic that’s turning forty and that other one, more-batlike, that becomes fascinated with schemes —brutal, visceral and regarding the design— that shaped the post-modern Prometheus. The worst dinner in film history, the sediment of The Furies, the power of H.R. Giger, the obsessions of Ridley Scott (and his literal nightmare), the horror of Francis Bacon turned dry pop but reproduced in an assembly line, the importance of the Carpenterian Dan O’Bannon: welcome to Alien 101, the perfect documentary black box to understand why we can’t stop watching the creature that barely has eyes. JMD

Alexandre O. Philippe. (Ginebra, Suiza). Es guionista y director de cine. Tiene un máster en Escritura Dramática por la Universidad de Nueva York. Escribió y dirigió los documentales The People vs. George Lucas (2010), Doc of the Dead (2014) y 78/52 (2017), entre otros. (Geneva, Switzerland). He is a screenwriter and film director. He has a Master’s in Dramatic Writing by the NYU. He wrote and directed the documentaries The People vs. George Lucas (2010), Doc of the Dead (2014) and 78/52 (2017), among others.

Estados Unidos - United States, 2019 93’ / D / COLOR Inglés - English D, G: Alexandre O. Philippe / F: Robert Muratore E: Chad Herschberger / S: Phillip Lloyd Hegel / M: Jon Hegel P: Kerry Deignan Roy / PE: Leslie Barany, Diane O’Bannon, Carmen Scheifele-Giger / : Exhibit A Pictures / I: Veronica Cartwright, Tom Skerritt, Roger Corman, Ronald Shusett, Ivor Powell o / Indie Sales. Martin Gondre T +33 1 44 83 02 27 E [email protected] W indiesales.eu

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películas sobre películas

Memory - The Origins of Alien

films about films

Stan & Ollie

Stan & Ollie: El Gordo y El Flaco PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

En su tiempo, fueron el dúo cómico más famoso del mundo, pero el presente no les sonríe en absoluto a Laurel y Hardy. Con el fin de reunir dinero para un nuevo film, emprenden un tour en el que redescubrirán cuánto significan el uno para el otro. Una comedia agridulce con notables actuaciones. ¿Un crowdpleaser sentido? Sí, existen. En esta era de rapsodias bohemias, el último capítulo, el británico y lastimado, de El Gordo y El Flaco, de Laurel y Hardy, de Stan y Ollie, es un ejemplo de cine industrial que mira con cariño a otra época, a la leyenda, y que no cae en tentaciones obvias y demagogas. Aquí ese final que se acerca, en el que Stan y Ollie hacen en vivo sus rutinas (las del cine y las de su relación resentida), dista del festejo de El artista y se acerca más a lo que pueden dar siempre Steve Coogan y John C. Reilly cuando respiran. Ellos son Stan y Ollie, y son enormes, maquillados pero no domesticados, enamorados pero dispuestos a dotar de humanidad a sus ídolos. En Reilly y Coogan, el cine siempre puede rompernos, con gracia, el corazón. JMD

In their time, they were the world’s most famous comic duo, but now they have been completely forgotten. With the aim of raising money for a new film, they go on a tour in which they will rediscover how much they mean to each other. A bittersweet comedy with remarkable performances. A heartfelt crowdpleaser? Yes, they do exist. In this era of bohemian rhapsodies, the last chapter, the British and damaged one, of Laurel and Hardy, of Stan and Ollie, is an example of industrial film that looks at another time, at the legend, with affection, and without falling into obvious, demagogue temptations. Here, that end that approaches, in which Stan and Ollie do their live routines (that of their films and also those of their resented relationship) is far from the Artist-like celebration and closer to what Steve Coogan and John C. Reilly are able to give us every time they breathe. They are Stan and Ollie, and they’re enormous, with makeup but not domesticated, in love with their idols but supplying them with humanity. In Reilly and Coogan, film can always break our hearts, with humor. JMD

Jon S. Baird. (1972, Aberdeen, Escocia). Es guionista, director y productor. En televisión dirigió capítulos para series como Vinyl (2016) y I’m Dying Up Here (2017-2018). En cine escribió y dirigió los largometrajes Cass (2008) y Filth (2013). (1972, Aberdeen, Scotland). He is a screenwriter, director and producer. For television, he directed episodes for such series as Vinyl (2016) and I’m Dying Up Here (2017-2018). For cinema, he wrote and directed the features Cass (2008) and Filth (2013).

Reino Unido / Canadá / Estados Unidos - United Kingdom / Canada / United States, 2018 98’ / D / COLOR / Inglés - English D: Jon S. Baird / G: Jeff Pope / F: Laurie Rose / E: Úna Ní Dhonghaíle, Billy Sneddon / DA: David Hindle / S: Paul Cotterell, James Harrison M: Rolfe Kent / P: Faye Ward / PE: Kate Fasulo, Christine Langan, Xavier Marchand, Joe Oppenheimer, Eugenio Pérez : Entertainment One, BBC Films / I: Steve Coogan, John C. Reilly, Shirley Henderson, Danny Huston, Nina Arianda o / UIP - United International Pictures. Rosana Berlingeri T +54 11 4373 0261 E [email protected] W uip.com.ar ,

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El insufrible Groo

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Stephen Groo, un excéntrico y prolífico cineasta independiente, busca financiamiento y un reparto de estrellas (entre ellas, Jack Black) para rodar la remake de una de sus películas. ¿Logrará su sueño o la falta de dinero, permisos y, sobre todo, su insufrible carácter se interpondrán en el camino? La primera escena de The Insufferable Groo es el resumen perfecto de todo lo que viene después: un hombre de unos cuarenta años lanza un cuchillo contra un árbol una y otra, y otra vez. A su alrededor toda una guerrilla de técnicos y familiares aguarda expectante, pero el tirador vestido de elfo parece no tener suerte (o talento). Su nombre es Stephen Groo y en 17 años filmó 166 películas, todas ellas con un presupuesto nulo y actores no profesionales. Usando como excusa el rodaje de su producción más reciente (un drama romántico con elfos y un Jack Black descendido de los cielos), The Insufferable Groo es mucho más que el making of de un film caótico liderado por un personaje herzogiano: es el íntimo retrato de un oneman band cuya persistencia es tan inexorable y desgastante como su narcisismo. JC

Stephen Groo, an eccentric and prolific independent filmmaker, is looking for funds and a cast of stars (among them Jack Black) to shoot the remake of one of his own movies. Will he fulfil his dream or the lack of money, permits and above all, his insufferable personality will get in the way? The first scene of The Insufferable Groo is the perfect summary of all that comes later: a man of around forty throws a knife against a tree over and over again. Around him, a guerrilla of technicians and relatives waits anxiously, but the knife-thrower, dressed as an elf, doesn’t seem to have luck —or talent. His name is Stephen Groo and he shot 166 movies in 17 years, all of them with a nonexistent budget and non-professional actors. Using as an excuse the shooting of his most recent production (a romantic drama with elves and a Jack Black that seems to have come down from Heaven), The Insufferable Groo is much more than the making of of a chaotic film led by a Herzogian character: it is the intimate portrait of a one-man band whose persistence is as inexorable and exhausting as his narcissism. JC

Scott Christopherson. Magíster en Bellas Artes con orientación en cine documental por la Universidad de San Francisco, obtuvo además una maestría en Antropología por la Universidad de Wisconsin-Madison. Dirigió el largometraje Peace Officer (2015). He received his MFA in Documentary Studies from the San Francisco State University. He has also done a Master’s in Anthropology at the University of Wisconsin-Madison. He has directed the feature Peace Officer (2015).

Estados Unidos - United States, 2018 98’ / D / COLOR / Inglés - English D: Scott Christopherson / G: Scott Christopherson, Jared Harris, Jared Hess, Eric Robertson, Renny McCauley, Whitney Christopherson F: Tim Irwin, Jack Allred, Scott Christopherson / E: Renny McCauley DA: S. Christopherson, J. Harris, E. Robertson / S: C. Burton M: E. Robertson / P: J. Harris, J. Hess, S. Christopherson, E. Robertson, W. Christopherson / PE: R. Fields, S. Adair, W. Hollingshaus / : Sorø Films / I: Stephen Groo, Jack Black, Sherry Groo, Laurie Bloomfield o / Sorø Films. Scott Christopherson T +1 608 628 8693 E [email protected] W scottchristopherson.com - theinsufferable.com

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películas sobre películas

The Insufferable Groo

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What She Said: The Art Of Pauline Kael Lo que ella dijo: El arte de Pauline Kael PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Cuestionada por muchos y venerada por otros tantos, Pauline Kael se abrió paso en el masculino mundo de la crítica de cine a fuerza de un estilo coloquial, punzante y apasionado. Colegas, directores e imágenes de archivo inéditas cuentan su historia, la de una mujer que hizo de su escritura un arte. El arte de Pauline Kael estaba en la manera de decidir y combinar las palabras para dar cuenta de sus experiencias con las películas, de sus experiencias en el cine, con el cine. Este documental lo sabe porque sabe de Kael, y sabe situarse — con equilibrio— en un lugar de respeto y hasta de iración, pero a la vez invitando a conocerla a quienes todavía no estén enterados de su importancia en la historia de cómo ver, pensar, escribir y provocar a partir del cine. Kael, con su militancia a favor de la lucidez y en contra del peso de los consensos haraganes, seguramente habría agradecido la fluidez de este retrato y, sobre todo, su elegancia a la hora de no caer en los oportunismos de estos tiempos. Lo que dijo Kael lo dijo con la convicción de su personalidad y, claro, con su extraordinaria escritura. JPF

Questioned by many and worshiped by others, Pauline Kael made her way through the male world of film criticism by means of a colloquial, sharp, ionate style. Colleagues, directors and unseen footage tell her story, that of a woman who turned her writing into art.

Rob Garver. Director estadounidense radicado en Nueva York. Realizó varios cortos, como The Man in the Yellow Cap (1998), Two Roads from Belfast, Maine (2002) y Comic Belief: Dan Piraro (2007). What She Said: The Art of Pauline Kael es su primer largometraje. American director based in New York. He has made many shorts, such as The Man in the Yellow Cap (1998), Two Roads from Belfast, Maine (2002) and Comic Belief: Dan Piraro (2007). What She Said: The Art of Pauline Kael is his first feature.

Estados Unidos - United States, 2018 95’ / D / COLOR / Inglés / Italiano / Francés English / Italian / French

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The art of Pauline Kael lied in her way of deciding and combining words in order to show her experiences with films, her experiences at the movies, with the movies. This documentary knows that because it knows about Kael, and knows how to stand —with balance— in a place of respect and even iration, but at the same time, inviting those who aren’t yet aware of her importance in the history of how to see, think, write about and provoke through film to meet her. Kael, with her militance in favor of lucidity and against the weight of lazy consensus, would surely have been grateful for the fluidity of this documentary and, above all, its elegance at avoiding today’s opportunisms. What Kael said, she said it with the conviction of her personality and, of course, her extraordinary writing. JPF

D, E: Rob Garver / G: Rob Garver, Melanie Vi Levy / F: Vincent E. Ellis S: Christoper Liang / M: Rick Baitz / P: Rob Garver, Glen Zipper, Doug Blush / PE: Bobby Campbell / : 29 Pictures LLC, Good Wizard Productions LLC / I: Pauline Kael, Sarah Jessica Parker, Woody Allen, Quentin Tarantino, Paul Schrader o / Autlook Filmsales. Stephanie Fuchs T +43 720 34 69 34 E [email protected] W autlookfilms.com - whatshesaidmovie.com

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Uri Zohar / Zohar - El regreso

PREMIERE INTERNACIONAL / INTERNATIONAL PREMIERE

Símbolo del cine experimental israelí, Uri Zohar dejó la práctica artística para convertirse en rabino ortodoxo. A cuatro décadas de aquella decisión, su retorno a la dirección (y al Bafici, que le dedicó un foco en 2014) es la excusa para este documental que aborda la riqueza de su vida y de su obra. En 2014 el Bafici ofreció una retrospectiva clave que alumbró a un director de los 60 y 70, quizá el más descomunal de Israel: el buen salvaje Uri Zohar que, como contaba Nadav Lapid en sus presentaciones, pasó de hacerse el tonto en la televisión a iniciar casi en solitario una nouvelle vague cinematográfica judía, a retirarse y convertirse en rabino ultraortodoxo porque “filmar un solo plano ya le quemaba el alma”. Lógico: fue blasfemo, mujeriego y con un ojo perfecto para poner en pantalla los cuerpos gloriosos y con más “arte” de su entorno. Pero hete aquí que Zohar ha vuelto a filmar una película en 2018 y los directores de Zohar, the Return lo registran en el set con el rigor de un Labarthe en lo que bien podría haber sido un episodio no declarado de Cinéma, de notre temps. AA

Symbol of Israeli experimental cinema, Uri Zohar left cinema to become an Orthodox rabbi. Four decades after that decision, his return to direction (and to Bafici, who did a focus on him in 2014) is the excuse for this documentary that addresses the wealth of his life and work.

Dani Rosenberg & Yaniv Segalovich. Rosenberg (1979, Tel Aviv, Israel) dirigió el corto Susya (2011, junto con Yoav Gross) y el mediometraje Homeland (2008). Segalovich (1979, Tiberíades, Israel) es, al igual que Rosenberg, egresado del Sam Spiegel Film & Television School de Jerusalén. Dirigió el corto An Average Story (2016). Rosenberg (1979, Tel Aviv, Israel) has directed the short film Susya (2011, along with Yoav Gross) and the medium-length film Homeland (2008). Segalovich (1979, Tiberias, Israel) graduated, as did Rosenberg, from the Sam Spiegel Film & Television School of Jerusalem. He has directed the short film An Average Story (2016).

Israel, 2018 70’ / D / COLOR Hebreo - Hebrew

In 2014 Bafici featured a key retrospective that cast light on a director of the 1960s and 70s, maybe the greatest in Israel: Uri Zohar, the good savage that, as Nadav Lapid told in his presentations, went from playing the fool on TV to starting almost by himself a Jewish New Wave, and then to retiring and becoming an ultra-Orthodox rabbi because “shooting even a single scene burned his soul.” Of course: he was a blaspheme, a womanizer and he had a perfect eye to shoot the glorious and “most artistic” bodies around him. But as it turned out, Zohar came back and shot a film in 2018 and the directors of Zohar - the Return portray him on set with the rigor of a Labarthe in what could well have been an undeclared episode of Cinéma de notre temps. AA

D, G: Dani Rosenberg, Yaniv Segalovich / F: Ziv Berkovich, Orian Barki, Ben Hertzog, Yaniv Linton, David Stragmeister / E: Yaniv Segalovich S: Neil Gibbs / M: Ran Shem Tov / P: Dani Rosenberg / I: Uri Zohar o / Go2Films. Hadar Taylor Shechter T +972 2 583 1371 E [email protected] W go2films.com - go2films.com/films/zohar-the-return

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

259

películas sobre películas

Zohar - The Return

films about films

Barbara Rubin & the Exploding NY Underground Barbara Rubin y el explosivo underground neoyorquino PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Retrato de una artista, Barbara Rubin, y de una época, los 60 en Nueva York. Andy Warhol, Jonas Mekas, Bob Dylan y Lou Reed son algunos de los íconos con los que interactuó esta cineasta cuya obra, en especial su película de art/porn Christmas on Earth, ayudó a definir toda una comunidad creativa. El documental sobre Barbara Rubin y su influencia en la escena subterránea de Nueva York de los años 60 es mucho más que imágenes de los inicios de The Velvet Underground o de las películas experimentales de Jonas Mekas y Andy Warhol. Es además acerca de una mujer poseedora de un genio inasible, dispuesta a revolucionar el mundo con su cine, y también acerca del misterio absoluto que representa la aventura humana. Con un fabuloso archivo que permite espiar con avidez el mundo intelectual neoyorquino y anécdotas de figuras como Bob Dylan o Allen Ginsberg, lo que hace entrañable a la película es el modo en el que nos convierte en testigos del amor que se profesan Barbara y su círculo, especialmente graficado en las cartas que se envían a lo largo de toda su vida con Mekas. Casandra Scaroni

The portrait of an artist, Barbara Rubin, and a time, 1960s’ New York. Andy Warhol, Jonas Mekas, Bob Dylan and Lou Reed are some of the icons with whom this filmmaker has interacted and whose work, especially her art/porn film Christmas on Earth, helped define an entire creative community. The documentary about Barbara Rubin and her influence on the underground scene of 1960s’ New York is much more than just images of the beginnings of the Velvet Underground or the experimental films by Jonas Mekas and Andy Warhol. It is also about a woman with an unattainable genius and the will to revolutionize the world with her cinema, and also about the absolute mystery the human adventure represents. With fabulous archive footage that allows us to avidly glimpse New York’s intellectual world and anecdotes by such figures as Bob Dylan or Allen Ginsberg, what makes this film endearing is the way it turns us into witnesses of the love professed between Barbara and her circle, as seen by the letters she and Mekas have sent each other throughout her entire life. CS

Chuck Smith. (1962, Nueva York, Estados Unidos). Director, productor y guionista que ha realizado numerosos documentales y series de TV. Entre ellos Forrest Bess: Key to the Riddle (1999), realizado junto al fotógrafo Ari Marcopoulos. (1962, New York, USA). A director, producer and screenwriter who has made a number of documentaries and TV series. They include Forrest Bess: Key to the Riddle (1999), made alongside the photographer Ari Marcopoulos.

Estados Unidos - United States, 2018 78’ / D / COLOR - B&N Inglés - English

260

D, G, E, DA, P, PE: Chuck Smith / F: Andy Bowley / S: Andy Bowley, Chuck Smith / M: Lee Ranaldo / : Chuck Smith Productions, Juno FIlms / I: Jonas Mekas, Amy Taubin, Richard Foreman, Jim Hoberman o / Chuck Smith Productions, Juno Films Chuck Smith T 1-845-380-9175 E [email protected] W junofilms.com

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

películas sobre películas

Keep Singing: A Tribute to Jonas Mekas Seguir cantando: Un tributo a Jonas Mekas PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Un tributo tan emotivo como vital al recientemente fallecido Jonas Mekas. A moving and vital tribute to the recently deceased Jonas Mekas.

Estados Unidos - United States, 2019 6’ / D / COLOR - B&N Inglés - English D, E, P, PE: Chuck Smith G, DA, I: Jonas Mekas F, S: Jonas Mekas, Chuck Smith : Chuck Smith Productions o / Chuck Smith Productions. Chuck Smith T 1-845-380-9175 E [email protected] W youtube.com//chucksmithNYC .

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

261

[21] BAFICI

personas y personajes people and characters

The Lonely Navigator

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Cuatro travesías épicas entre 1931 y 1955 encumbraron a Vito Dumas como el mayor navegante solitario de la historia y un auténtico ídolo popular. Pero la envidia y el odio de algunos lo convirtieron en el “hecho maldito” de la náutica argentina, como muestra este documental que aborda su figura. Lo primero que se piensa cuando se ve un documental como este es cómo es posible que una figura como la de Vito Dumas no sea más conocida. Navegante, dueño de hazañas legendarias que mostraban un espíritu entregado a la aventura, y una vida que parece salida de una ficción espectacular de Hollywood, este documental no solo es una forma de acercarse a su figura, sino también un film que, mezclando testimonios y material de archivo, logra entender tanto una personalidad asombrosa como los tiempos que la rodearon. El resultado es tanto un relato de suspenso en el que se nos narra con un detallismo irable los riesgos que vivió el protagonista como un retrato de un contexto histórico tumultuoso, que hoy se ve con una mezcla de fascinación, horror y extrañamiento. Hernán Schell

Four epic voyages between 1931 and 1955 elevated Vito Dumas to the place of the greatest lone navigator of all time and a true popular hero. But the envy and hatred of some people made of him “the accursed fact” of Argentine navigation, as it is shown in this documentary that portrays his figure. The first thing that comes to mind on seeing a documentary like this one is how it is possible that the figure of Vito Dumas is not better known. A navigator who carried out legendary feats that showed a spirit committed to adventure and a life that seems to come out of a Hollywood spectacular fiction; but also a film that, mixing testimonies and archive footage, manages to understand a startling personality and the times that surrounded it. The result is both a suspense story that tells the risks that its protagonist lived through with irable attention to details and a portrait of a tumultuous historical context, that is seen today with a mix of fascination, horror and strangeness. HS

Rodolfo Petriz. (1971, Buenos Aires). Es profesor de Filosofía por la Universidad de Buenos Aires y magíster en Periodismo Documental por la Universidad Nacional de Tres de Febrero. El navegante solitario es su primer largometraje. (1971, Buenos Aires). Professor of Philosophy from the Universidad de Buenos Aires and Magister in Documentary Journalism from the Universidad Nacional de Tres de Febrero. The Lonely Navigator is his first feature.

Argentina, 2019 108’ / D / COLOR D, G, P, PE: Rodolfo Petriz / F, S, M: Rodrigo Sánchez Mariño E: Rodrigo Sánchez Mariño, Rodolfo Petriz / DA: Armando Fogel I: Luis Petriz, Marcelo D’Andrea, Ricardo Cufré, Diego Dumas, Roberto Alonso o / Rodolfo Petriz T +54 11 3057 6336 E [email protected]

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

263

personas y personajes

El navegante solitario

people and characters

Raúl (La democracia desde adentro) Raúl (The Intimacy of Democracy) PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Un hombre. Un presidente. Un mito. La figura de Raúl Alfonsín es desentrañada en este inquisitivo documental que se adentra en su pasado y en su presidencia para dar cuenta del hombre de Chascomús, del padre de familia y de uno de los mayores militantes de la democracia argentina. Con un formato que lo vuelve cercano, pero también urgente —como si esas imágenes regresaran a sus orígenes en un tiempo pretérito crucial para hablarnos desde la pantalla de un televisor: escenas evocativas, sugerentes, extrañamente familiares—, el trabajo de Rémoli y Baldana traza un perfil de Raúl Alfonsín cuya pertinencia parece volverse perentoria en cada fotograma. Con un profuso material de archivo, la película es elocuente en su simpatía hacia el expresidente, pero el retrato no omite cierto repertorio de gestos provincianos, el señalamiento de un campechanismo, quizá demasiado promocionado en su momento, que alterna con su claridad oratoria y con su afabilidad mundana. Este documental sustrae con gentileza a Alfonsín del bronce para que su figura se vuelva curiosamente contemporánea. DO

A man. A president. A myth. The figure of Raúl Alfonsín is puzzled out in this inquisitive documentary that digs into his past and his presidency to portray the man from Chascomús, the family father and one of the greatest activist of Argentinean democracy. With a format that renders him close but also urgent —as if those images returned to their origins in a crucial past to speak to us from a TV screen: scenes that are evocative, suggestive, strangely familiar—, the work of Rémoli and Baldana draws a profile of Raúl Alfonsín whose pertinence seems to become urgent in each frame: with abundant archive material, the movie is eloquent in its sympathy for the ex-president, but the portrait doesn’t omit a repertoire of small-town gestures, some cracker-barrel quality that was perhaps too widely d in those years and the contrast with his oratorical clarity and his mundane affability. This documentary knocks Alfonsín gently off the pedestal in order to make his figure curiously contemporary. DO

Juan Baldana & Christian Rémoli. Baldana (1970, Buenos Aires) dirigió los largos de ficción Los Ángeles (2009) y Los del suelo (2015), y el documental Soy Huao (2009, Bafici ‘10), entre otros. Rémoli (1973, Junín, Argentina) dirigió los documentales 1986. La Historia detrás de la Copa (Bafici ‘16) y Jugando con el alma (Bafici ‘18), entre otros. Baldana (1970, Buenos Aires) directed the features Los Ángeles (2009) and Los del suelo (2015), and the documentary Soy Huao (2010, Bafici ‘09), among others. Rémoli (1973, Junín, Argentina) directed the documentaries 1986. La Historia detrás de la Copa (2016) and Jugando con el alma (Bafici ‘18), among others.

Argentina, 2019 216’ / D / COLOR Español - Spanish

264

D: Juan Baldana, Christian Rémoli / G: Gustavo Dejtiar / F: Javier Grufi E: Roly Rauwolf, Christian Rémoli / DA: Leandro Balaguer / S: Iván Baldana M: Eugenia Blanco, Pablo Nomdedeu / P: Martín Waisman PE: Christian Rémoli / : Koala Contenidos / I: Ricardo Alfonsín, Federico Storani, Carlos Menem, Hugo Moyano, Eduardo Duhalde o / Koala Contenidos. Christian Rémoli T +54 9 11 5511 1453 E [email protected] W koalacontenidos.com.ar

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

Toads

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

Un stripper, un joven trans, el hijo de un narcotraficante y la sobreviviente de un accidente reconstruyen sus recuerdos como pacientes de Fernando Ventura, un científico obsesionado con la manipulación genética, en este documental que juega con los límites del género para contar una historia insólita. Baltazar Tokman continúa con su fascinación por explorar a bordo del documental y sus satélites, con la intención de redescubrir las posibilidades de una narración que busca ser radicalmente distinta (principalmente de la media del cine argentino). Si Buscando a Myu investigaba lo real y lo imaginario, aquí Sapos quiere ser una enciclopedia de posibilidades, personajes, situaciones y géneros, un salto al vacío que sabe exactamente, sin que nosotros tengamos idea, dónde quiere caer. Tokman sigue los casos del doctor Ventura, un científico que usaba ADN de anfibios, de ranas y de sapos, en humanos. Desde esas entrevistas obtiene una galería de personajes que le permiten todos los juegos y seriedades de su cine en pleno salto evolutivo. JMD

A stripper, a young trans man, the son of a drug dealer and the survivor of an accident reconstruct their memories as patients of Fernando Ventura, a scientist obsessed with genetic manipulation, in this documentary that plays with the boundaries of the genre in order to tell an amazing story. Baltazar Tokman continues with his fascination for exploring on board the documentary and its satellites, with the aim of rediscovering the possibilities of a narrative that seeks to be radically different (mainly from standard Argentine fare). If Buscando a Myu investigated the real and the imaginary, Toads wants to be an encyclopedia of possibilities, characters, situations and genres, a leap into the void that knows exactly, without us having any clue, where it wants to land. Tokman follows the footsteps of Dr. Ventura, a scientist who used the DNA of amphibians, frogs and toads on humans. From those interviews, he obtains a gallery of characters that allow him all kinds of playing as well as seriousness of his constantly evolving cinema. JMD

Baltazar Tokman. (1971, Buenos Aires). Estudió Diseño de Imagen y Sonido (UBA). Es montajista, productor y director. Entre sus largometrajes se destacan Tiempo muerto (2010), I Am Mad (2013), Casa Coraggio (Bafici ‘17) y Buscando a Myu (Bafici ‘18), entre otros. (1971, Buenos Aires). He studied Image and Sound Design (UBA). He is an editor, producer and director. His features include Tiempo muerto (2010), I Am Mad (2013), Casa Coraggio (Bafici ‘17) and Buscando a Myu (Bafici ‘18).

Argentina, 2019 / 86’ / D / COLOR Español / Alemán / Italiano - Spanish / German / Italian D: Baltazar Tokman / G: Valeria Groisman / F: Constanza Martín E: Wenceslao Bonelli / DA: Valentina Encina Chamblat S: Guillermo Sempronii / M: Nicolás Arroyo, Matías Zapata P: Andrea Meza / PE: Bárbara Factorovich / : Palermo Films, La Masa, UNTREF / I: Fernando Javier Cia, Vanina Denise Szlatyner, Daniela Cloé Ferrari, Pedro Juliá, Alejandro Monno o / Palermo Films / La Masa. Baltazar Tokman T +54 9 11 5248 8337 E [email protected] W palermofilms.com.ar / lamascontent.com

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265

personas y personajes

Sapos

people and characters

Un filósofo en la arena A Philosopher in the Arena

PREMIERE ARGENTINA / Argentine PREMIERE

Dos cineastas emprenden un viaje junto al filósofo francés Francis Wolff con el fin de comprender su singular pasión por los toros. Un reflexivo y melancólico documental acerca del ocaso de la tauromaquia, la hipocresía social y la inevitabilidad de la muerte, todo con el trasfondo de la fiesta brava. Película de una ética libérrima que toma como excusa un viaje por los países taurómacos para acompañar al profesor Francis Wolff (uno de los mayores filósofos ses au travail) en los días de su jubilación. Wolff ha dedicado su obra, desde su cátedra parisina, a divulgar a Aristóteles, a escribir sobre música clásica y popular y a razonar sobre la paradoja de que de la crueldad en la tauromaquia nazca no solo parte de Occidente (Creta), sino también (según él y muchos otros) el arte más visceralmente emocionante y el más sutil de apreciar en matices de calidad. Hay que ver la alegre melancolía de su vivencia y la novedad de su pensamiento sobre el ser humano y los animales, que explica cómo del resultado de esa fricción puede nacer un arte crepuscular que algunas tardes puede ser sublime. AA

Two filmmakers set out on a trip along with the French philosopher Francis Wolff in order to understand his singular ion for bullfighting. A reflective and melancholic documentary about the twilight of tauromachy, social hypocrisy and the inevitability of death against the backdrop of the “brave feast.” A movie of absolutely free ethics that takes as an excuse a trip through the bullfighting countries to accompany professor Francis Wolff (one of the most outstanding French philosophers at work) in the days of his retirement. Wolff has devoted his work, from his Parisian college department, to divulge Aristotle, write about classical and popular music and reason about the paradox that it is from the cruelty of bullfighting that stems not only a part of the West (Crete) but also (according to him and many others) the most viscerally exciting art -and also the most subtle and nuanced. It is worth seeing the melancholy of his experience and the novelty of his thinking about the relation between mankind and animals, which explains how, as a result of that friction, a crepuscular art that can some afternoons be sublime is born. AA

Aarón Fernández & Jesús Muñoz. Fernández (1972, Chihuahua, México) dirigió los films Partes usadas (2007) y Las horas muertas (2013), entre otros. Muñoz (1969, Ciudad Juárez, México) dirigió los documentales La revolución de Mazorra (1999) y Frida Kahlo - La cinta que envuelve una bomba (2000). Fernández (1972, Chihuahua, México) directed the films Partes usadas (2007) and Las horas muertas (2013), among others. Muñoz (1969, Ciudad Juárez, México) directed the documentaries La revolución de Mazorra (1999) and Frida Kahlo La cinta que envuelve una bomba (2000).

México / España - Mexico / Spain, 2018 105’ / D / COLOR - B&N Español / Francés / Catalán - Spanish / French / Catalan

266

D: Aarón Fernández, Jesús Muñoz, / G: Rafael Casañ, Aarón Fernández, Jesús Muñoz / F: David Molina / E: Octavio Iturbe S: Nicolas Verhaeghe, Miguel Hernández / M: Camilo Froideval / P: Jesús Muñoz Aarón Fernández / PE: Marion D’Ornano, Rafael Casañ, Fernando Delgado : Santa Lucía Cine, Qubit Solvest I: Georges Didi-Huberman, Claude Lanzmann, Mario Vargas Llosa, Catherine Millet, Denis Podalydès o / Santa Lucía Cine. Aarón Fernández T +525 556 897 095 E [email protected] W unfilosofoenlaarena.com

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

[21] BAFICI

SELECCIÓN DE CORTOMETRAJES INTERNACIONALES international short filmS selection

International Short FilmS Selection

Cavalcade

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

Una rueda hidráulica emplazada en un río, con una de sus caras dividida en diferentes formas y colores. En reposo o en movimiento, es iluminada por una luz estroboscópica. Lurf vuelve a preguntarse en qué creen nuestros ojos y a explorar el enigmático territorio entre la realidad y lo percibido. A hydraulic wheel on a river, with one of its faces divided into different shapes and colors. Idle or in motion, it is lit by a stroboscopic light. Once more, Lurf asks himself what our eyes believe in, and explores the enigmatic territory between reality and what’s perceived.

Austria, 2019 5’ / D / COLOR D: Johann Lurf / F: Martin Putz S: Nora Czamler / : Wien Kultur MA 7, Diagonale o / sixpackfilm. Dietmar Schwärzler T +43 1526099015 E [email protected] W sixpackfilm.com

Johann Lurf. (1982, Viena, Austria). Estudió Arte en Viena y Londres. Además de realizar diversas instalaciones, dirigió el largo ★ (2017) y numerosos cortometrajes, todos ellos proyectados en el Bafici ‘18, que le dedicó una retrospectiva. (1982, Vienna, Austria). He studied art in Vienna and London. Apart from doing many installations, he directed the feature ★ (2017) and many shorts, all of them shown at Bafici ‘18, where a retrospective of his work took place.

Clapotis

Ripple / Chapoteo

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

Una tarde de invierno en la piscina. Los adultos nadan y hacen ejercicio mientras un niño pequeño los observa desde la profundidad. Un cortometraje animado, de trazos simples y expresivos. A winter afternoon at the pool. The grownups swim and do exercises, while a young boy observes them from the deep. An animated short of simple, expressive strokes. Mor Israeli. (1986, Israel). Es directora de cine de animación e ilustradora. Graduada con honores por la Academia de Artes y Diseño Bezalel, en Jerusalén. Codirigió los cortos Floats (2013), Cycle (2014) y Ken Dror (2015). Clapotis es su film de graduación. (1986, Israel). She is an animated film director and illustrator. Graduated with honors from the Bezalel Academy of Arts and Design in Jerusalem. She co-directed the shorts Floats (2013), Cycle (2014) and Ken Dror (2015). Clapotis is her thesis film. 268

Francia - , 2017 5’ / D / COLOR D, G, F, DA: Mor Israeli / E: Antoine Rodet S: Roméo Monteiro / P, PE: Annick Teninge : La Poudrière - une école de film d’animation o / Mor Israeli T +33 627963731 E [email protected] W cargocollective.com/morisraeli

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

SELECCIÓN DE CORTOMETRAJES INTERNACIONALES

Girl With a Fork in a World of Soup Ba-Chura Im Mazleg Be-Olam Shel Ma’rak Una chica con un tenedor en un mundo de sopa PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Dafna tiene mucho amor para ofrecer, pero nadie a quien dárselo. El sonido de la guitarra de su nuevo vecino le brindará una oportunidad en esta agridulce comedia musical.

Israel, 2018 20’ / D / COLOR Hebreo - Hebrew

Dafna has lots of love to offer, but no one to give it to. The sound of his new neighbor’s guitar will give her an opportunity, in this bittersweet musical comedy.

D, G: Yotam Knispel / F: Or Dotan / E: Lynn Laor, Yotam Knispel DA: Rotem Alon / S: Nati Taub / M: Ayelet Gabay / P: Eran Wolfson PE: Sapir Rubin / : Yotam Knispel / I: Gili Beit Hallahmi, Hillel Cappon, Noy Klaiman

Yotam Knispel. (1989, Dinamarca). Guionista, director y montajista, creció en Israel y está graduado por la Universidad Beit Berl, donde actualmente es docente. Girl With a Fork in a World of Soup es su cortometraje de graduación. (1989, Denmark). Screenwriter, director and editor, he grew up in Israel and graduated from the Beit Berl University, where he currently teaches. Girl With a Fork in a World of Soup is his thesis short film.

o / Yotam Knispel T +972 528 364 099 E [email protected] FB Girlwithfork

Just ing with Dr. Zussman PREMIERE ARGENTINA / Argentine PREMIERE

Otro episodio del misterioso talk show del Dr. Zussman. ¿Quién será el desafortunado invitado de esta noche? Un ingenioso cortometraje lleno de ironía y humor negro.

Israel, 2017 4’ / D / COLOR Inglés - English

Another episode of Dr. Zussman’s mysterious talk show. Who will be tonight’s unlucky guest? A witty short film full of irony and black humor.

D, G, F, E, DA, S: Yannay Matarasso, Anat Efrati M: Ady Cohen, Linda Dela Cruz, Toots Thielemans P, PE: Bezalel, Achinoam Mendelson / : Bezalel

Yannay Matarasso & Anat Efrati. Matarasso (1987, Israel) es director de fotografía y animador. Efrati es ilustradora y animadora. Ambos se graduaron en la Academia de Artes y Diseño Bezalel. Just ing With Dr. Zussman es su primer cortometraje en conjunto. Matarasso (1987, Israel) is a photography director and animator. Efrati is an illustrator and animator. Both graduated from the Bezalel Academy of Arts and Design. Just ing With Dr. Zussman is their first short film together.

o / Yannay and Anat. Yannay Matarasso T +97 258 441 6700 E [email protected]

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

269

International Short FilmS Selection

Lunar-Orbit Rendezvous Paseo por la órbita lunar

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Una mujer-tampón se une a un hombre-astronauta en un viaje en auto a la luna. Daniel tiene la misión de esparcir las cenizas de su madre y Claude espera que su menstruación regrese milagrosamente. Un cuento moderno que captura el sueño febril de un primer viaje a la luna. A woman-tampon s a man-astronaut on a road trip to the moon. Daniel is on a mission to scatter his mother’s ashes and Claude is hoping for her period to make a miraculous return. A modern tale that captures the fever dream of a first voyage to the moon. Mélanie Charbonneau. (Ciudad de Quebec, Canadá). Es directora de cine, publicidad y series web. Dirigió múltiples cortometrajes, entre los cuales se destaca Single (2017). Actualmente prepara Fabulous, su ópera prima. (Quebec City, Canada). She has directed TV commercials, web series and several short films, among them the remarkable Single (2017). She is currently working on Fabulous, her first feature.

Canadá - Canada, 2018 14’ / D / COLOR Francés - French D: Mélanie Charbonneau / G: Frédéric Lemay F: Ariel Méthot / E: Simon Sauvé / DA: Suzel D. Smith S: Samuel Gagnon-Thibodeau / M: Antoine Rochette, Les productions Lost Boys / P, PE: Virginie Nolin : Hutte Films / I: Frédéric Lemay, Noémie O’Farrell o / Travelling Distribution. Alexandre Dostie T +151 4467 8160 E [email protected] W travellingdistribution.com

POPFOLK PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

El recuerdo fragmentado y en primera persona de un origen difuso. Una fiesta repleta de alcohol, drogas y extraños rituales. Luego, una excursión con un chamán. Todo en un lujoso hotel construido en el corazón de la antigua Tracia, cultura mitológica que infunde al lugar un misterio trascendental. The fragmented, first-person memory of a vague origin. A party filled with alcohol, drugs and strange rituals. Later, an excursion with a shaman. All of this takes place in a fancy hotel built in the heart of the old Thrace, mythological culture that fills the place with transcendental mystery. Jivko Darakchiev & Perrine Gamot. Darakchiev (1986, Bulgaria) es artista visual. Estudió Dirección y Fotografía en la Escuela de las Artes Tisch, de Nueva York. Gamot (1984, Grenoble, Francia) estudió en la Escuela de Bellas Artes de Grenoble y Fotografía en la FAMU de Praga. Juntos dirigieron el cortometraje People Pebble (2017). Darakchiev (1986, Bulgaria) is a visual artist. He studied Filmmaking and Photography at the Tisch School of the Arts in New York. Gamot (1984, Grenoble, ) studied at Grenoble’s Fine Arts School and Photography at the FAMU, in Prague. They co-directed the short People Pebble (2017). 270

Francia - , 2018 34’ / D / COLOR Búlgaro / Inglés - Bulgarian / English D, G, F: Jivko Darakchiev, Perrine Gamot / E: Fred Piet S: Arno Ledoux / P, PE: Emmanuel Chaumet PE: Emmanuel Chaumet / : Ecce Films I: John Neese-Todd o / Ecce Films. Louise Rinaldi T +33 142 583 714 E [email protected] W eccefilms.fr

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

SELECCIÓN DE CORTOMETRAJES INTERNACIONALES

Shabbos Kallah PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Elka no es una joven muy oportuna. Sobre todo cuando se trata del Shabbos Kallah (fiesta judía en torno a la novia que está a punto de casarse) de su mejor amiga, el cual arruinará con innecesarios consejos sexuales. Elka is not a very opportune young woman. Especially when it comes to her best friend’s “Shabbos Kallah” (a Jewish celebration of the soon-to-be-married bride,) which she will ruin with unnecessary sexual advice. Aleeza Chanowitz. (1990, Nueva York, Estados Unidos). Se diplomó en Estudios Judaicos en el Brooklyn College. Desde 2011 reside en Israel, donde comenzó sus estudios de Cine. Dirigió el corto Mushkie (2016). Shabbos Kallah es su trabajo de tesis. (1990, New York, USA). She graduated in Jewish Studies from Brooklyn College. Since 2011 she has lived in Israel, where she began her film studies. She has directed the short film Mushkie (2016). Shabbos Kallah is her thesis.

Israel, 2017 15’ / D / COLOR Hebreo / Inglés - Hebrew / English D, G: Aleeza Chanowitz / F: Danel Elpeleg E, DA: Uriya Hertz / S: Rei Elbaz / M: Rotem Moav P, PE: Gal Nae / : The Jerusalem Sam Spiegel Film School I: Aleeza Chanowitz, Dana Zion o / The Jerusalem Sam Spiegel Film School. Avigail Gazit T +97 2732007314 E [email protected] W jsfs.co.il

Suc de sindria

Watermelon Juice / Jugo de sandía PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

Bárbara y Pol se van unos días de vacaciones. Rodeados de la naturaleza y sus amigos, encuentran un espacio tranquilo e íntimo. Allí, con el apoyo de Pol y entre lágrimas y risas, Bárbara sanará viejas heridas y redefinirá su sexualidad. Bárbara and Pol go on vacation for a few days. Surrounded with nature and friends, they find a quiet, intimate space. There, with the of Pol and between tears and laughter, Bárbara will heal old wounds and redefine her sexuality. Irene Moray. (1992, Barcelona, España). Es fotógrafa y cineasta. Vivió varios años en Berlín, donde dirigió Bad Lesbian (2017), su primer cortometraje de ficción. Actualmente trabaja como fotógrafa para distintas agencias, productoras y editoriales. (1992, Barcelona, Spain). She is a photographer and filmmaker. She lived many years in Berlin, where she directed Bad Lesbian (2017), her first fiction documentary. She currently works as photographer for different agencies, production companies and publishing houses.

España - Spain, 2019 22’ / D / COLOR Catalán - Catalan D, G, F: Irene Moray / E: Ana Pfaff / DA: Marina Pérez S: Xavi Saucedo / M: Nico Roig / P: Miriam Porté PE: Gerard Marginedas / : Distinto Films / I: Elena Martín, Max Grosse Majench o / Marvin & Wayne. Josep Prim T +34 934 863 313 E [email protected] W marvinwayne.com

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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International Short FilmS Selection

Testa PREMIERE internacional / international PREMIERE

En otro encuentro de Klopf con la arquitectura y sus íconos, ahora es el turno de la Biblioteca Nacional de Buenos Aires, proyectada por Clorindo Testa. Alternando color con blanco y negro y con una cámara que parece flotar, el austríaco funde cemento rugoso, poesía y abstracción. Another one of Klopf’s encounters with architecture and its icons, this time Buenos Aires’ National Library, projected by Clorindo Testa. Alternating color with black and white and with a camera that seems to float, the Austrian director fuses coarse cement, poetry and abstraction. Karl-Heinz Klopf. (1956, Linz, Austria). Estudió Diseño Artístico e Industrial en la Universidad de Linz. Dirigió varios cortos, como Studio (2000) y Then (2010), y los largometrajes Tower House (2014) y A Tropical House (2015). En 2016 el Bafici le dedicó un foco. (1956, Linz, Austria). He studied Artistic and Industrial Design at the University of Linz. He directed many shorts including Studio (2000) and Then (2010), as well as the features Tower House (2014) and A Tropical House (2015). In 2016, Bafici did a focus on his work.

Austria / Argentina, 2018 18’ / D / COLOR - B&N Español – Spanish D: Karl-Heinz Klopf / F: Roman Kasseroller / E: Tatia Skhirtladze S: Nahuel Palenque / P: KLOPFKURZ VIENNA , Lukas Valenta Rinner PE: Virginia Scaro / : KLOPFKURZ VIENNA o / sixpackfilm. Dietmar Schwärzler T +43 1526099015 E [email protected] W sixpackfilm.com

The Love Letter

Michtav Ahava Lame’m Sheli La carta de amor PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Cuando la comandante Noa encuentra una carta de amor especial en su casillero, se esfuerza por conciliar su mundo disciplinario y seguro con sus ansias de sentirse —al menos por un breve momento— amada. When commander Noa finds a special love letter in her locker, she makes an effort to reconcile her disciplinary, secure world with her eagerness to feel —at least for one brief moment— loved. Atara Fris. (Israel). Directora y productora graduada en Cine y Televisión por la Universidad de Tel Aviv. Dirigió el corto My Beautiful Sister (2014) y un segmento del film colaborativo Heroine (2016). The Love Letter es su segundo cortometraje. (Israel). Director and producer graduated in Film and Television from the University of Tel Aviv. She directed the short My Beautiful Sister (2014) and a segment of the collaborative film Heroine (2016). The Love Letter is her second short.

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Israel, 2018 20’ / D / COLOR Hebreo - Hebrew D, G: Atara Fris / F: Matan Balalty / E: Niv Fux DA, PE: Shir Cohen, Erez Arbel / S, M: Gadi Raz : audeamus Production / I: Gili BeitHalachmi, Ravit Dor, Shir Abramov o / Go2films. Hillel Rate T +97 227560216 E [email protected] W go2films.com - go2films.com/films/the-love-letter

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

Manual for an Untidy Correspondance PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

A partir de un manual muy peculiar, del que se detallan las reglas con precisión en el segmento inicial, cuatro jóvenes asumen este intercambio de breves películas, que incluye un melodrama clásico en Venecia, un diario íntimo por las provincias del Perú, una carta a un amigo y retazos sobrantes de 16 mm. Manual para una correspondencia desprolija es un instructivo surrealista para la creación de pequeñas piezas audiovisuales. Bajo una serie de criterios basados en el azar y el delirio, se establecen normas y limitaciones que sirven como disparadores narrativos para historias cinematográficas. Los participantes deben interpretar y entregarse a las reglas del manual, filmado en 16 mm y tan certero como absurdo. Las correspondencias han sido interpretadas por Franco Finocchiaro (1989, Lima), Mora Sánchez Viamonte (1982, La Plata), Mauricio Freyre (1976, Lima) y Diego Cendra Woodman, el autor. Pequeñas en duración, pero no en ideas de cine, en ellas reluce la apuesta por el riesgo y la alegría de filmar.

Through a very peculiar manual, whose rules are detailed with precision in the first segment, four young men and women accept this exchange of brief film, which includes a classical melodrama in Venice, a journal through Peru’s provinces, a letter to a friend and 16mm excess footage. Manual for an Untidy Correspondance is a surrealistic ’s manual for creating small audiovisual pieces. Under a series of criteria based on chance and delirium, some norms and limitations are established, which serve as narrative triggers for film stories. The participants must interpret and surrender to the rules of the manual, shot on 16mm and as accurate as it is absurd. The correspondences have been interpreted by Franco Finocchiaro (1989, Lima), Mora Sánchez Viamonte (1982, La Plata), Mauricio Freyre (1976, Lima) and Diego Cendra Woodman, the author. Small in running time but not in cinematic ideas, what stands out about them are their risk as well as the joy in filming.

Diego Cendra Woodman. (1990, Lima, Perú). Músico y cineasta, se formó en la Universidad de Lima y en la Escuela Lens, de España. Dirigió el cortometraje El Bidón (Bafici ‘17), premiado por el Ministerio de Cultura del Perú. Es productor y director de RIEN, en Madrid. (1990, Lima, Peru). Musician and filmmaker, he trained at the University of Lima and Lens School in Spain. He directed the short El Bidón (Bafici ‘17), awarded by Perú’s Ministry of Culture. He is producer and director at RIEN, in Madrid.

Perú / Argentina / España - Peru / Argentina / Spain, 2019 21’ / D / COLOR - B&N / Español / Italiano - Spanish / Italian D, G, P: Diego Cendra Woodman / F: Mauricio Freyre, Santiago Barrionuevo, Diego Cendra Woodman, Franco Finocchiaro E: Diego Cendra Woodman, Mauricio Freyre, Franco Finocchiaro DA: Dora Palomino Navarro, Mora Sánchez Viamonte S: Alberto Cendra Woodman / M:TFS, Juan Gris, Alberto Cendra Woodman PE: Diego Cendra Woodman, Armand Rovira, Mora Sánchez Viamonte, Javier Sisti Ripoll/ : Peliculas Fantasma, Estudio Famas, RIEN , Discos Laptra / I: Diego Cendra Woodman, Mora Sánchez Viamonte o / Películas Fantasma. Diego Cendra Woodman T +34623180113 E [email protected] W rienfilms.com

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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SELECCIÓN DE CORTOMETRAJES INTERNACIONALES

Manual para una correspondencia desprolija

the cinema of acid

El cine de ACID The Cinema of ACID

Durante los últimos 25 años, los cineastas de ACID (Association du Cinema Independant pour sa Diffusion) han apoyado la difusión del cine en su diversidad, abordando los problemas que afectan la circulación del cine independiente y la formación de audiencias. Desde Francia han forjado vínculos duraderos con sus pares de todo el mundo; en el caso argentino, con la Asociación de Directores PCI. ACID tiene a su cargo, además, una exitosa sección en el Festival de Cannes, colmada de distribuidores y programadores en busca del cine por fuera del mainstream.

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For the past 25 years, the filmmakers of ACID (Association du Cinema Independent pour sa Diffusion) have ed the dissemination of film in its diversity, tackling the problems that affect the circulation of independent film and the forming of audiences. From , they have built bonds with their peers around the globe. In Argentina’s case, that means the PCI Directors’ Association. ACID is also in charge of a very successful section at the Cannes Film Festival, filled with distributors and programmers in search of cinema outside the mainstream.

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el cine de acid

Kiss & Cry PREMIERE ARGENTINA / Argentine PREMIERE

Sarah, una joven de 15 años, retoma sus clases de patinaje, pero la violencia de la alta competición, el rigor de su entrenador y la presión de su madre pronto entran en conflicto con su cuerpo y deseo adolescentes. Un coming of age tan divertido como cruel que anida entre la ficción y el documental. En un mundo en el que los adultos dictan sus ambiciones a los niños, el deseo de su éxito suele servir para eliminar los fracasos propios. En ese contexto y con el deporte como telón de fondo, Sarah se busca a sí misma. Presa de un cuerpo que ya no es del todo suyo, agraciado y aéreo para algunos, sexual para otros, lucha por recuperarlo y experimentar con él sensaciones aún desconocidas. Entre la poesía consciente y el naturalismo documental, Kiss & Cry es una hidra con dos cabezas, orquestada con precisión y capaz de guiarnos con ternura a través de los meandros de una adolescencia atormentada. Al hacerlo, el film avanza sin un programa y nos invita a ir un poco con él, pasando de la pista a las fiestas de adolescentes, y de la risa a las lágrimas sin artificio. Zoran Boukherma y Ludovic Boukherma

Sarah, a 15-year-old girl, returns to her skating classes, but the violence of high competition, her trainer’s harshness and her mother’s pressure soon collide with her teenage body and desire. A fun and cruel coming of age that oscillates between fiction and documentary.

Lila Pinell & Chloé Mahieu. Pinell (1980, París, Francia) y Mahieu (1980, París, Francia) dirigieron en conjunto los cortometrajes Nos fançailles (2011), Boucle piqué (2013), Des troubles dans les genres (2014) y Business Club (2015). Pinell (1980, Paris, ) and Mahieu (1980, Paris, ) have directed together the short films Nos fançailles (2011), Boucle piqué (2013), Des troubles dans les genres (2014) and Business Club (2015).

Francia - , 2017 80’ / D / COLOR Francés / Ruso - French / Russian

In a world where adults dictate their ambitions to kids, the desire for their success is normally used to try and eliminate the own failures. In that context and with sport as a backdrop, Sarah searches for her own self. Trapped in a body that is not entirely her own anymore -graceful and aerial for some, sexual for others—, she fights to get it back and experiment as yet unknown feelings. Between conscious poetry and documentary naturalism, Kiss & Cry is a double-headed Hydra, orchestrated with precision and able to guide us tenderly through the meanders of a tormented adolescence. In doing so, the film progresses without a program and it invites us to it, taking us without artifice from the rink to teenage parties and from laughter to tears. ZB & LB

D, G, DA: Lila Pinell, Chloé Mahieu / F: Sylvain Verdet, Xavier Liberman E: Emma Augier / S: Nicolas Waschkowsky, Emma Reverchon M: Aurore Meyer-Mahieu / P: Emmanuel Chaumet / : Ecce flms I: Sarah Bramms, Xavier Dias, Dinara Droukarova, Carla-Marie Santerre o / ACID. Amaury Augé T +33 1 44 89 99 74 E [email protected] W lacid.org

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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the cinema of acid

Sans adieu

No Farewells / Sin despedidas PREMIERE ARGENTINA / Argentine PREMIERE

En la región de Le Forez, vive Claudette, una mujer de 75 años que trabaja su tierra para sobrevivir a los atropellos de la sociedad de consumo. El documental póstumo de Christophe Agou, fotógrafo francés radicado en Nueva York, encuentra en el humor negro una vía de escape ante lo irremediable. Sans adieu es la pintura de una humanidad de pie; de mujeres, hombres, animales, lugares que han resistido la prueba del tiempo; que aún resistirán, con gracia, con humor, con rabia, hasta que la muerte los saque de esta vida por la que luchan cada día. El director Christophe Agou se fue a vivir a Nueva York, pero nació en esta tierra campesina, y regresa allí durante 13 años para capturar esas caras y esos gestos, los de una era que se aleja lentamente. Y lo hace con tanta proximidad que lo que emerge es milagroso, y lo es porque está al servicio de sus protagonistas y se muestra con una ternura acorde a la de esos hombres y mujeres que, de repente, se convierten en la única humanidad, la única que queda. Todavía estamos asombrados cuando la última imagen desaparece. Jean-Louis Gonnet y Kathy Sebbah

Claudette, a seventy-five-year old woman who lives in the region of Le Forez, works the land in order to survive the abuse of consumer society. The posthumous documentary of Christophe Agou, a French photographer who lived in New York, finds in black humor a way to escape the irremediable. No Farewells is the portrait of an unvanquished mankind; of men, women, animals and places that have stood the test of time; that will resist with grace, humor and anger till death deprives them of the life for which they fight every day. Director Christophe Agou went to live in New York, but he had been born in this land, and there he returned over a period of thirteen years in order to capture those faces and gestures of an era that is slowly receding. And he did it with such proximity that what emerges is miraculous; and it is so because it is there to serve its protagonists and is shown with a tenderness that matches that of these men and women who suddenly become human - of the only humanity that’s left. We are still astonished when the last image fades. J-LG & KS

Christophe Agou. (1969, Montbrison, Francia). Fotógrafo que vivió en Nueva York, dirigió los cortometrajes Claudette (2010) y Face au silence (2011). Murió en 2015, apenas después de terminar de editar Sans adieu. (1969, Montbrison, Francia). Photographer who lived in New York. He directed the short films Claudette (2010) and Face au silence (2011). He died in 2015, just after finishing the editing of No Farewells.

Francia - , 2017 99’ / D / COLOR Francés - French

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D, G, F, DA, S: Christophe Agou / E: Virginie Danglades M: Stuart A. Staples / P: Pierre Vinour / : Les Enragés o / ACID. Amaury Augé T +33 1 44 89 99 74 E [email protected] W lacid.org

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[21] BAFICI

focos focus

foco / focus

ruth y rocha

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una llama ardiente

A burning flame

“Rocha es el cineasta del espacio y el decorado, pero también de los cuerpos que se mueven y vibran; de los movimientos, las trayectorias, las atracciones y las repulsiones de los personajes en el gran teatro natural y artificial de la escena del mundo.” (Roberto Turigliatto, 2013)

“Rocha is the filmmaker of space and settings, but also of the bodies that move and vibrate; of the movements, the trajectories, the attractions and repulsions of the characters in the great natural and artificial theater of the scene of the world.” (Roberto Turigliatto, 2013)

En los años 90 llegaba a la Argentina el cine portugués a cuentagotas y en desorden cronológico. Nos parecía (con su profusión verbal y su dispositivo teatral) la más rara de todas las cinematografías, como si viniera de Oriente. Aparecieron primero las de Oliveira, luego las de Costa, después las de Monteiro y, en oleada final, las de António Reis y Paulo Rocha (1935, Portugal – 2012, Portugal), todas con rostros rocosos alucinantes como Luís Miguel Cintra o Diogo Dória, que definían otro star system. Isabel Ruth (1940, Tomar, Portugal) aparecía también en la mayoría, aunque solo fuera un segundo, lo suficiente como para quitarnos el sueño. La conocimos en su madurez, en varias películas de Oliveira, y solo al final, tirando de la madeja, llegamos a su radiante juventud en Os verdes anos y Mudar de vida, de Rocha, obras maestras del cine a secas. El director escribió sobre ella en 1991: “Isabel Ruth interpretó en Mudar de vida a una trabajadora rebelde que quiere abandonar todo y huir a Francia. Y está aún más extraordinaria que en la primera película, Os verdes anos. Parece una llama ardiente. Tuve la previsión de vestirla como la gente de Lisboa cree que se viste la gente de provincias”. En 1999 el BAFICI proyectó O rio do Ouro donde Ruth conseguía aterrarnos con la paradoja de contar con el rostro de perfil más bello posible de cualquier actriz del cine. En 2018 Portugal la invistió como “Comendadora da Ordem do Infante D. Henrique”, y en 2019 por fin visita nuestro festival, después de años de acariciar la posibilidad, para presentar una retrospectiva completa de su trabajo con Paulo Rocha que será la primera en el continente americano y la tercera en el mundo. Álvaro Arroba

In the 1990s, Portuguese cinema came to Argentina in dribs and drabs and in chronological disorder. It seemed to us that, with its verbal profusion and its theatrical device, it was the strangest of all film traditions, as if it came from the East. First came the movies by Oliveira, then those by Costa, and, in a final wave, those by António Reis and Paulo Rocha (1935, Portugal – 2012, Portugal,) all of them featuring the amazing rocky faces of Luís Miguel Cintra and Diogo Dória, that defined another star system. Isabel Ruth (1940, Portugal) appeared also in most of them, sometimes just for a second, which was enough to make us lose sleep. We met her in her maturity, in several de Olivera’s films, and only at the end, pulling the thread, we got to her radiant youth in Os verdes anos and Mudar de vida, by Rocha, true cinematic masterpieces. The director wrote about her in 1991: “Isabel Ruth played in Mudar de vida a rebellious worker who wants to leave it all and flee to . And she is even more extraordinary than in the first film, Os verdes anos. She is like a burning flame. I was careful to dress her the way people in Lisbon think people from the provinces dress.” In 1999, Bafici screened O rio do Ouro, where Ruth managed to terrify us with the paradox of having the most beautiful face of any film actress. In 2018, Portugal granted her the title of “Comendadora da Ordem do Infante D. Henrique,” and in 2019 she finally visits our festival, after years of cherishing the chance, in order to present a full retrospective of her work with Paulo Rocha, that will be the first in the Americas and the third in the world. AA

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Ruth y rocha

Os verdes anos

The Green Years / Los años verdes El joven Júlio parte de su aldea natal para probar suerte en Lisboa. Allí, en un ambiente que le es extraño y hostil, conoce a Ilda, una joven de su edad con quien comienza un perturbador noviazgo. El debut de Rocha y primer trabajo junto a Ruth fue una de las bases del cine moderno portugués. Mis películas de los años 60 tienen más que ver con el ambiente general de la ciudad (el fin del salazarismo, la cultura de las avenidas nuevas), que con el otro cine que se hacía. Yo iraba mucho a Fernando Lopes, pero mis referentes artísticos eran otros. Os verdes anos contiene muchos homenajes subliminales al cine japonés. (…) La película es la historia de iniciación de dos jóvenes de provincias al problema de la ciudad y del amor. Es un proyecto cercano a mi experiencia personal, de hecho, me obligaron a venir a vivir a Lisboa. (…) Conté con tres debuts sorprendentes: los diálogos en portugués de Nuno de Bragança, las improvisaciones con la guitarra de Carlos Paredes, y la invención constante en la interpretación de Isabel Ruth. Paulo Rocha

Young Júlio leaves his native village to try his luck in Lisbon. There, in an environment that proves strange and hostile to him, he meets Ilda, a young woman his age with whom she starts a disturbing relationship. Rocha’s debut, and his first work alongside Ruth, was one of the foundations of modern Portuguese cinema. My films from the ‘60s have more to do with the city’s general environment (the end of Salazarism, the culture of the New Avenues) than with other cinema that was being made at the time. I ired Fernando Lopes a lot, but my artistic models were others. The Green Years contains many subliminal homages to Japanese cinema. (...) The film tells the initiation of two young people from the provinces to the problem of love and the city. It is a project that’s close to my personal experience. In fact, I was forced to come and live in Lisbon. (...) I had with me three remarkable debuts: the Portuguese dialogue by Nuno de Bragança, the guitar improvisations by Carlos Paredes and the constant invention in Isabel Ruth’s performance. PR

Portugal, 1963 91’ / D / B&N Portugués - Portuguese D: Paulo Rocha / G: Paulo Rocha, Nuno Bragança / F: Luc Mirot E: Margareta Mangs / DA: Alda Cruz, Rafael Calado S: Heliodoro Pires / M: Carlos Paredes / P: António da Cunha telles I: Rui Gomes, Isabel Ruth, Alberto Ghira, Cándida Lacerda, Carlos José Teixeira o / Cinemateca Portuguesa - Museu do Cinema, IP T +351 219 689 400 W cinemateca.pt

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Ruth and rocha

Mudar de vida

Change One’s Life / Cambiar de vida Al volver a su pueblo luego de pelear en la guerra de Angola, Avelino descubre que su novia se ha casado con su hermano. Un nuevo amor lo llevará, entonces, a tomar arriesgadas decisiones. En su segundo trabajo, Rocha vuelve a cruzar historias personales con una desencantada mirada sobre su país. Se trata de mi primer intento de hacer una “película del norte”. Fue rodada en el Furadouro, la tierra de mis padres y abuelos. Su imagen es grave y monumental, cercana a las construcciones de madera de los templos japoneses, y de cierto cine ruso mudo. Pero también es fruto de la experiencia directa: desde niño he vivido en la contemplación de la fuerza de las barcas y de los marineros. (…) Oliveira rodó en esa área A caça, que iro mucho. La ayuda de António Reis en los diálogos fue decisiva para conseguir esa atmósfera hierática. Cardoso Pires me habló de Reis, un poeta de Oporto muy interesado en la arquitectura y en la literatura popular, que había hecho un trabajo de documentación lingüística sobre los pescadores de la zona de Gaia. PR

Upon returning to his town after fighting in the Angolan War, Avelino discovers his girlfriend has married his brother. A new love will lead him to make risky decisions. In his second work, Rocha once more crosses personal stories with a disenchanted view of his country. It was my first attempt to make a “northern film.” It was shot in Furadouro, the land of my parents and grandparents. Its image is grave and monumental, close to the construction of the Japanese temples and of certain Russian silent films. But it is also the product of a direct experience: since I was a kid, I’ve been beholding the strength of the boats and the sailors. (…) Oliveira shot in that area A caça, which I ire a lot. António Reis’ help with the dialogues was decisive to achieve that hieratic atmosphere. Cardoso Pires spoke to me about Reis, a poet from Oporto who was very interested in architecture and popular literature and who had conducted linguistic research on the fishermen of the area of Gaia. PR

Portugal, 1966 90’ / D / B&N Portugués - Portuguese D: Paulo Rocha / G: Paulo Rocha, António Reis / F: Elso Roque E: Margareta Mangs, Paulo Rocha, Noémia Delgado / DA: Zéni D´ovar S: Antonio Tropa / M: Carlos Paredes / P: Fernando Matos Silva, Manuel Bento, Helena Vasconcelos / : Cunha Telles Produções I: Geraldo del Rey, Isabel Ruth, Maria Barroso, João Guedes o / Cinemateca Portuguesa - Museu do Cinema, IP T +351 219 689 401 W cinemateca.pt

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Ruth y rocha

Pousada das chagas

The Inn of the Sores / Posada de las llagas “Un drama sacromodernista, un collage de voces, textos, objetos, espacios, pulsaciones. Cuerpos que arden, que sufren, que irradian energía”. Así definió el propio director a este corto, nacido de un encargo de la Fundación Gulbenkian en ocasión de la apertura del Museo de Arte Sacro en Óbidos. Fue un encargo caído del cielo. La Fundación Gulbenkian había creado un museo de arte sacro en Óbidos y querían un documental sobre este mismo. La espera para rodar A ilha dos amores me estaba desesperando, era un parto interminable y el encargo era urgente. De la preparación de aquella película tenía los bolsillos llenos de citas de Rimbaud, Leyenda dorada, Camões, Lao Tse, Lorca. Me fui a Óbidos a rodar con unos veinteañeros: Luis Miguel Cintra y Jorge Silva Melo, gente de un talento casi insolente. También empezaba Acácio de Almeida que nunca ha estado más valiente. (…) Para quien no lo sepa, Pousada es anterior a Syberberg, a Schroeter, a Bene. El trabajo del collage dentro de un plano secuencia comenzó aquí, aunque adquirió madurez plena en A ilha dos amores. PR (1988)

“A sacred modernist drama, a collage of voices, texts, objects, spaces, pulsations. Bodies that burn, that suffer, that irradiate energy.” This is how the director himself defined this short, assigned by the Gulbenkian Foundations for the opening of the Museum of Sacred Art in Obidos. It was an assignment from the heavens. The Gulbenkian Foundation had created a museum of sacred art in Obidos and wanted a documentary about it. The wait to make A ilha dos amores was making me desperate, it was an endless chore, and the assignment was urgent. From preparing that film, I had my pockets full of quotes from Rimbaud, the Golden Legend Camões, Lao Tse, Lorca. I went to Obidos to shoot with twenty-somethings: Luis Miguel Cintra and Jorge Silva Melo, people of an almost insolent talent. Acácio de Almeida was also starting, and he has never been braver. (...) For those who don’t know, The Inn… came before Syberberg, Schroeter, Bene. The collage work inside a sequence shot started here, although it achieved full maturity in A ilha dos amores. PR (1988)

Portugal, 1972 18’ / 35 mm / COLOR Portugués - Portuguese D: Paulo Rocha / F: Acácio de Almeida, Carlos Manuel Silva, Júlio Sequeira / E: Paulo Rocha, Noémia Delgado / M: Jorge Peixinho : Centro Português de Cinema / I: Clara Joana, Luís Miguel Cintra o / Cinemateca Portuguesa - Museu do Cinema, IP T +351 219 689 402 W cinemateca.pt

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Ruth and rocha

A Ilha de Moraes

Moraes’ Island / La isla de Moraes Retrato fascinado de Wenceslao de Moraes, escritor clave del orientalismo portugués. Alejándose de su estilo despojado previo para volcarse a formas más clásicas, Rocha filmó durante 14 años entre Japón y Portugal, basándose en las memorias del propio Moraes durante sus cuatro décadas en la isla. Se concibió un poco contra el carácter del “gran espectáculo”, operístico, fabricado y, sobre todo —como se decía en el Renacimiento italiano— de “manera grande”, de gran estilo, de la película anterior A ilha dos amores. Quería rodar algo más frágil, más simple y en lo cual me pudiera meter rápidamente en harina sin necesidad de refugiarme en la barrera del gran estilo. Quise hacer algo que dependiera más de las personas con las que me iba encontrando, sin protegerme con la forma, que hace tanto ruido que los pobres actores y la literalidad del texto pueden resultar oprimidos. Y es raro, porque al final el 30 o 40% de A ilha de Moraes tiene una puesta en escena tan ruidosa como la de A ilha dos amores. PR (entrevistado por Roberto Turigliatto, 1995)

A fascinated portrait of Wenceslao de Moraes, one of the key writers of Portuguese Orientalism. Moving away from his previous spare style to embrace more classical forms, Rocha shot this film over a period of fourteen years, between Japan and Portugal, based on the memories of Moraes about his four decades on the island. It was conceived a bit against the “big spectacle” character of my previous film -that operatic, manufactured and, above all, as they used to say in the Italian Renaissance, “grand” style of A ilha dos amores. I wanted to shoot something more fragile, simpler, something I could get into quickly, without having to hide behind a grand style. I wanted to do something that depended more on the people I ran into, without protecting myself with forms, that are so noisy that the poor actors and the literality of the text can feel oppressed. And it is strange, because, in the end, thirty or forty percent of A ilha de Moraes has a mise en scène that is as noisy as that of A ilha dos amores. PR (interviewed by Roberto Turigliatto in 1995)

Portugal / Japón - Portugal / Japan, 1984 101’ / D / COLOR Portugués / Japonés - Portuguese / Japanese D: Paulo Rocha / F: António Escudeiro, Yoshihiro Kono, Ryoichi Sakai E: Masaji Kurokawa, Takao Saotome / S: Mamoru Komori, Tsutomu Honda, Akira Kurosu / M: Paulo Brandão / P: Etsuko Takano, Manuel Guanilho, Katsuhiko Takemura, José Maria Gomes : Suma Filmes / I: Ekiji Matsumura, Jakucho Setouchi, Armando Martins Janeira, Adelaide Moraes Costa o / Cinemateca Portuguesa - Museu do Cinema, IP T +351 219 689 409 W cinemateca.pt

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Ruth y rocha

O desejado ou As Montanhas da Lua Mountains of the Moon / El deseado PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

João, mezcla elegante entre un donjuán portugués y el Hikaru Genji de Japón en el cual se basa, encabeza una coalición en el poder. Cuando una crisis se desate, su poder de seducción será su principal arma política. Rocha funde aquí con maestría las intrigas palaciegas y los ardides del amor. “Montañas de la luna” es el nombre que los geógrafos romanos le dieron a la localidad de Sintra. Es mi proyecto más antiguo: adaptar Novela de Genji, el clásico japonés más grande, escrito hace mil años. Es la historia, muy enigmática, de un príncipe que seduce irresistiblemente a todos (mujeres y enemigos) sin hacer ningún esfuerzo. Cuando la gente se baña en el río del placer, muere porque ha descubierto el otro lado de la realidad; la realidad absoluta. (…) Aquí mucho proviene de mis películas precedentes. El personaje de Antónia es el de Isabel Ruth en Os verdes anos y Mudar de vida. Más nueva, en cambio, es la exploración sistemática de cierta polifonía. De un encuadre al otro hay un continuo cruce de temas y de grupos opuestos que se diseñan en el espacio y el tiempo como una figura geométrica. PR (1987)

João, an elegant mixture between a Portuguese Don Juan and Japan’s Hikaru Genji, on whom it is based, leads a coalition in power. When a crisis starts, his power of seduction will be his main political weapon. Here, Rocha masterfully combines palace intrigues with love schemes. “Mountains of the Moon” is the name Roman geographers gave to the locality of Sintra. It is my oldest project: adapting The Tale of Genji, the greatest Japanese classic, written one thousand years ago. It is the enigmatic story of a prince who irresistibly seduces everyone (women and enemies) with no effort at all. When people bathe in the river of pleasure, they die because they have discovered the other side of reality; absolute reality. (...) A lot here comes from my previous films. The character of Antonia is Isabel Ruth’s in The Green Years and Change One’s Life. Newer, conversely, is the systematic exploration of a certain polyphony. From one framing to the next, there is a continuous crossing of subjects and opposed groups that are designed in time and space like a geometric figure. PR (1987)

Portugal / Francia - Portugal / , 1987 123’ / 35 mm / COLOR Portugués / Francés / Italiano - Portuguese / French / Italian D: Paulo Rocha / G: Paulo Rocha, Jorge Silva Melo, Manuel de Lucena, Antoine Lacomblez / F: Kozo Okazaki / E: Christiane Lack / DA: Jasmin S: Joaquim Pinto / M: Philippe Hersant / P: Paulo Rocha, Patrick Sandrin : Arion Productions, Suma Filmes, LA Sept / I: Luís Miguel Cintra, Isabel Ruth, Jacques Bonnaffe, Caroline Chaniolleau, Manuela de Freitas o / Cinemateca Portuguesa - Museu do Cinema, IP T +351 219 689 403 W cinemateca.pt

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Ruth and rocha

Mascara de Aço contra Abismo Azul

Steel Mask Against Blue Abyss / Máscara de Acero contra Abismo Azul Rocha retorna al universo de la pintura en este sorprendente collage sobre el modernismo portugués, haciendo foco en la personalidad de Amadeo de Souza-Cardoso y en los años de Orfeo y el Manifiesto futurista. Un mundo de colores fuertes y vibrantes, a medio camino entre el documental y la ficción. Es un collage de cartas y de cuadros, de fotos y de recortes de prensa, yuxtapuestos con una lógica del teatro de variedades. Sin psicología ni análisis histórico, sin hilo conductor. Vital e irreverente como los dadaístas. Al final de mi trabajo me encontré con un Amadeo de Souza-Cardoso (NdR: pintor luso precursor del modernismo que retrata la película) inesperado, un hombre del espectáculo más que un pintor puro. Un Amadeo que (si no hubiera muerto antes) habría diseñado el vestuario y los escenarios de los ballets rusos, para ilustrar partituras de Stravinsky y Satie, y que habría anunciado la escenografía de Schönberg, de Caligari, de Nosferatu y de Tambores en la noche, de Brecht. O lo que es lo mismo: más Viena, Berlín y Moscú, y menos París. PR (1988)

Rocha returns to the world of painting in this amazing collage about Portuguese modernism, focusing on the personality of Amadeo de Souza-Cardoso and the years of Orfeo and the Futurist Manifesto. A world of strong, vibrant colors, halfway between documentary and fiction. It is a collage of letters and paintings, of photos and news clippings, juxtaposed using a vaudeville logic. Without psychology or historical analysis, without a storyline. Vital and irreverent like the Dadaists. At the end of my work I ran into an unexpected Amadeo de Souza-Cardoso (Editor’s Note: Portuguese painter the film portrays; a precursor of modernism), more of a man of spectacle than a pure painter. An Amadeo that, hadn’t he died before, would have designed the costume and the sets of Russian ballets to illustrate compositions by Stravinsky and Satie, and that would have predicted the scenography of Schönberg, of Caligari, of Nosferatu and of Drums in the Night by Brecht. Or what is the same: more Vienna, Berlin, and Moscow and less Paris. PR (1988)

Portugal, 1989 64’ / D / COLOR Portugués - Portuguese D, G: Paulo Rocha / F: Daniel Del Negro / M: Paulo Brandão : Suma Filmes / I: Fernando Heitor, Inês de Medeiros, Vítor Norte, Miguel Guilherme, José Viana o / Cinemateca Portuguesa - Museu do Cinema, IP T +351 219 689 404 W cinemateca.pt

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Ruth y rocha

O rio do ouro

River of Gold / El río de oro Esta “historia de un enorme y horrible crimen”, como anuncia la placa inicial, se centra en Carolina, una anciana dama, en su casamiento con el viejo António y en sus celos por el interés de este hacia la joven Joana. Con el río como decorado se funden misterios pasados y futuros en un entramado trágico. Inspirado en coplas de amoríos y en truculentas novelas baratas, O rio do ouro es un proyecto atesorado por Rocha desde Os verdes anos, aclamado por la crítica desde su estreno mundial en Cannes y para algunos su obra maestra. Una película cargada de una fuerza telúrica en la que pasión y violencia se miden las fuerzas, dominada por ese “costado maldito”, con el paisaje del río Duero de fondo. Y al fondo del río todo lo arrastra Isabel Ruth, Carolina (dulce nombre para semejante ménade). “De algún modo transfigura Mudar de vida, como transfigura a la propia Isabel Ruth” (João Bénard da Costa). Fue la película del retorno a la ficción de Paulo Rocha tras una década en la que le resultó imposible realizar proyectos como O naufrágio de Sepúlveda (sobre la trágica historia marítima portuguesa). Cinemateca Portuguesa

This “story of enormous and horrible crime,” as the disclaimer announces at the beginning, centers on Carolina, an old lady, on her marriage with old António and her jealousy due to his interest towards young Joana. With the river as scenery, mysteries past and future merge in a tragic plot. Inspired by stanzas about love and in cheap, gruesome novels, River of Gold is a project treasured by Rocha since The Green Years, acclaimed by critics since its world premiere at Cannes and, to some, his masterpiece. A film charged with a telluric strength in which ion and violence compete with each other, dominated by that “cursed side,” with the Duero river’s landscape in the background, with Isabel Ruth, Carolina (such a sweet name for such a maenad), dragging everything to the bottom of that river. “In some way, it transfigures Change One’s Life, as it transfigures Isabel Ruth herself (João Bénard da Costa). It was Paulo Rocha’s return to fiction after a decade in which it became impossible for him to make projects like O Naufrágio de Sepúlveda (about the tragic Portuguese maritime story). Portuguese Cinematheque

Portugal / Brasil - Portugal / Brazil, 1999 102’ / D / COLOR Portugués - Portuguese D: Paulo Rocha / G: Paulo Rocha, Claudia Tomaz / F: Elso Roque E: José Edgar Feldman, Paulo Rocha, Claudia Tomaz / S: Nuno Carvalho M: José Mário Branco / P: Paulo Rocha, Bruno Stroppiana : Suma Filmes, Skylight / I: Isabel Ruth, Lima Duarte, Joana Bárcia, João Cardoso, José Mário Branco o / Cinemateca Portuguesa - Museu do Cinema, IP T +351 219 689 405 W cinemateca.pt

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A raiz do coraçao

The Heart’s Root / La raíz del corazón Dedicada por el propio Rocha a Jean Renoir y Federico Fellini, A raiz do coraçao es también un homenaje a Lisboa. La ciudad es la protagonista principal en esta fábula futurista en la que, una noche durante las fiestas de San Antonio, un grupo de travestis recorren sus calles de manera desafiante. Lisboa por Paulo Rocha, después de más de treinta años de Os verdes anos. Un candidato a un ayuntamiento de la extrema derecha que se viste con las ropas de San Antonio (patrón de la ciudad) mantiene una encarnizada lucha con un grupo de travestis de la oposición política. Filmada en colores lascivos, A raiz do coraçao es también obstinadamente sombría. “Es la película sobre la belleza suprema, y la película que se atreve a filmar la belleza por la belleza hasta extasiarse en ella. (…) En A raiz do coraçao, el desfile se eleva al máximo, como los travelling de la propia película, atravesando todos los espacios y tiempos, toda la vida de las formas. Y es una belleza desmedida, una estética del exceso, y la única que podría anclar personajes e historias tan excesivas y desmedidas”. João Bénard da Costa (Cinemateca Portuguesa)

Dedicated by Rocha himself to Jean Renoir and Federico Fellini, The Heart’s Root is also a tribute to Lisbon. The city is the main character of this futuristic fable in which, one night during the San Antonio festivities, a group of transvestites walk its streets defyingly. Lisbon by Paulo Rocha, more than thirty years after The Green Years. A far-right local government candidate dressing the clothes of San Antonio (the city’s patron) struggles fiercely against a group of transvestites from the political opposition. Shot in lascivious colors, The Heart’s Root is also obstinately somber. “It is the film about supreme beauty, and the film that dares to capture beauty for beauty’s sake, until it becomes entranced by it. (...) In The Heart’s Root, the parade goes all-out, as in the film’s tracking shots, which go through all spaces and times, all the life of forms. And it’s a disproportionate beauty, an aesthetic of excess, and the only way to approach such excessive, disproportionate characters and stories.” JBdA (Portuguese Cinematheque)

Portugal / Francia - Portugal / , 2000 116’ / 35 mm / COLOR Portugués - Portuguese D: Paulo Rocha / G: Raquel Freire, Regina Guimarães, Paulo Rocha, Jeanne Waltz / F: Elso Roque / E: José Edgar Feldman / S: Nuno Carvalho M: José Mário Branco / P: Paulo Rocha, Gérard Vaugeois : Suma Filmes, Les Films de l´Atalante / I: Luís Miguel Cintra, Joana Bárcia, Isabel Ruth, Melvil Poupaud, Miguel Guilherme o / Cinemateca Portuguesa - Museu do Cinema, IP T +351 219 689 406 W cinemateca.pt

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Ruth y rocha

Vanitas

Vanity / Vanidad En el apogeo de su carrera, una diseñadora de modas se enamora de la joven Mila, quien es deseada por tres hombres al mismo tiempo. Con influencias pictóricas, el anteúltimo film de Rocha es una alegoría sobre “la lucha de las vanidades de este mundo contra el tiempo y contra el triunfo de la muerte”. Su título completo es Vanitas ou u otro mundo. Lúgubre, insana, demente, desmesurada, con olor a incienso y a esencias, crepuscular, fantasmagórica, desgarrada, esta película desequilibrada, rota, desnuda, dolorida y cantable, inmensa melodía del paisaje decadente de los días, será la película maldita del más maldito de los cineastas modernos, Paulo Rocha. Se le puede aplicar lo que Marguerite Duras decía de Montgomery Clift: “Solo espero que cada vez haya más hombres que tiemblen como él”.

In the height of her career, a fashion designer falls in love with young Mila, who’s desired by three men at the same time. With pictorial influences, Rocha’s penultimate film is an allegory on “the struggle of the vanities of this world against time and against the triumph of death.” Its complete title is Vanitas ou u otro mundo (Vanity or Another World). Lugubrious, insane, demented, excessive, broken, naked, painful and singable, immense melody of the decadent ing of days, it will be the most cursed film from the most cursed of modern filmmakers, Paulo Rocha. One could quote what Marguerite Duras said about Montgomery Clift and use it to describe him: “I just hope there are more and more men who tremble like him.” PC

Portugal - Portugal, 2004 100’ / 35 mm / COLOR Portugués - Portuguese D, P: Paulo Rocha / G: Regina Guimarães / F: Paulo Abreu E: José Edgar Feldman / DA: Manuela Bronze / S: Rodrigo Areias PE: João Pedro Bénard / : Suma Filmes / I: Isabel Ruth, Joana Bárcia, Filipe Cochofel, Pedro Miguel Silva, João Pedro Bénard o / Cinemateca Portuguesa - Museu do Cinema, IP T +351 219 689 407 W cinemateca.pt

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Ruth and rocha

Se eu fosse ladrão, roubava

If I Were a Thief... I’d Steal / Si yo fuese ladrón, robaría En los años 20, un pequeño agricultor ve morir a su padre durante una plaga. Decidido a marcharse de su aldea rumbo a Brasil, deja a las hermanas a cargo de la casa. En su último film, Rocha cruza memoria familiar y obra cinematográfica para revisar sus orígenes y las referencias que marcaron su vida. Paulo Rocha había imaginado una especie de “última película”, basada en los recuerdos de la vida de su padre, ambientada a principios de siglo en Oporto y en Furadouro: el mundo campesino ancestral, los cuerpos y el paisaje, el ciclo del nacimiento y la muerte, la tensión escatológica hacia el otro mundo. Había reunido a sus actores (desde Isabel Ruth hasta Luís Miguel Cintra), junto al fotógrafo Acácio de Almeida. Terminada poco antes de la muerte de su autor, es un verdadero milagro, un gran logro artístico, mucho más que una recapitulación de todo su cine: más bien una nueva metamorfosis cósmica de su mitología poética. Jorge Silva Melo lo llamó “un inmenso adiós”, “una película extremadamente conmovedora y dolorosa, hecha en la frontera de la muerte, filmada de manera magistral”. Roberto Turigliatto (2012)

In the 1920s, a small farmer sees his father die during a plague. Decided to leave his town and go to Brazil, he leaves his sisters in charge of the house. In his last film, Rocha mixes family memory and cinematographic work to examine his origins and the references that marked his life. Paulo Rocha had imagined sort of a “last film” based on his father’s memories, set in Porto and Furadouro at the beginning of the twentieth century: the old country world, the bodies and the landscape, the cycle of birth and death, the scatological tension towards the other world. He had gathered his actors (from Isabel Ruth to Luís Miguel Cintra) along with the director of photography Acácio de Almeida. Finished short before its author’s death, this film is a true miracle, a major artistic achievement, much more than a summary of his previous work; it is more like a cosmic metamorphosis of his poetic mythology. Jorge Silva Melo called it “a huge farewell,” “an extremely moving and painful movie, made on the brink of death, masterly shot.” RT (2012)

Portugal, 2013 88’ / D / COLOR - B&N Portugués - Portuguese D, P: Paulo Rocha / G: Regina Guimarães, Paulo Rocha, João Viana F: Acácio de Almeida / E: Edgar Fedlman / S: Olivier Blanc : Gafanha Filmes, RTP / I: Isabel Ruth, Luís Miguel Cintra, Chandra Malatitsch, Joana Bárcia, Carla Chambel o / Cinemateca Portuguesa - Museu do Cinema, IP T +351 219 689 408 W cinemateca.pt

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foco / focus

FRIEDL VOM GRÖLLER La autoafirmación como estética

Self-affirmation as esthetics

El campo de acción de Friedl vom Gröller (Austríaca nacida en 1946 en Londres, Inglaterra) es el cuerpo. Su obra, tanto en la fotografía como en el cine, reflexiona y experimenta con él como punto de partida y de llegada, portador de misterios, artífice de experiencias vitales y estéticas, con un trabajo sostenido en torno al retrato y al rostro como superficie por explorar con resonancias infinitas. El rostro a través del tiempo: en su variante fotográfica con la cronofotografía (series extensas con registros intermitentes, como si la distancia entre el cuadro cinematográfico se extendiera y, en el negro del intervalo, se colara el tiempo); en la cinematográfica con los ensayos a través de los años o la mirada en un rostro durante el tiempo que permite una bobina. Contemplación detenida, intervención, acción sobre el plano, captura del gesto, disrupción y sorpresa. Estas piezas parten de la curiosidad y la reverencia ante el vasto enigma que plantea el rostro, tanto propio como ajeno, familiar o extranjero. Los tres programas también incluyen otros recorridos trazados por su trabajo, ligados al activismo y centrados en la figura de la mujer. Camino lateral al canon de los discursos feministas reivindicatorios, Vom Gröller entendió al erotismo femenino como una celebración del cuerpo, como la posibilidad de extender el campo de las representaciones posibles. Experiencias personales en espacios destinados al trabajo sexual, retratos del gesto masculino atravesado por el deseo, pornografía y voyerismo: su cámara no encuentra zonas vedadas por tradiciones o preconceptos. El autorretrato como gesto político, la autoafirmación como estética, la experiencia como el espacio de confrontación de las ideas. Hace algunos años nos planteamos este foco, que es también un homenaje. Hoy podemos concretarlo con la visita de Vom Gröller acompañando su obra y presentando tanto sus piezas iniciales como sus últimos proyectos. Magdalena Arau

Friedl vom Gröller’s (an Austrian born in Longond England in 1946) field of action is the body. Her work, both in photography and in film, reflects and experiments with it as starting and finishing points, responsible for vital and aesthetic experiences, with a work sustained around the portrait and the face as surface in which to explore with infinite echoes. The face through time: in her photographic variation with chronophotography (large series with intermittent capturing, as if the distance within the cinematic frame extended and time leaked into the blackness of the interval); in the cinematic one with the essays through the years or gazing at a face during the period of time allowed by a reel. Frozen contemplation, intervention, action on the shot, capture of the gesture, disruption and surprise. These pieces start off from the curiosity and the reverence before the vast enigma laid out by the face, both her own and other people’s, familiar or alien. The three programs also include other journeys traced by her work, linked to activism and centered in the figure of women. A lateral path to the canon of vindicatory feminist discourse, Vom Gröller understood female eroticism as a celebration of the body, as the possibility of extending the field of possible representations. Personal experiences in spaces destined for sex work, portraits of the male gesture pierced through by desire, pornography and voyeurism –her camera does not find areas banned by traditions or preconceptions. Self-portrait as political gesture, self-affirmation as aesthetics, experience as the space in which to confront ideas. Some years ago, we thought about doing this focus, which is also a tribute. Now we can realize it with Vom Gröller’s visit, accompanying her work and presenting both her early pieces and her latest projects. MA

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FRIEDL VOM GRÖLLER

untitled

Ohne Titel / Sin título

Se muestra una habitación en un hotel por horas, junto con una pareja y las miradas de ciento setenta hombres registradas en estilo documental. Friedl vom Gröller

Austria, 1981-2000 5’ / 16 mm / B&N

A room in a hotel which rents its rooms by the hour is shown, along with a couple and 170 men’s gazes which were shot in documentary style. FvG

D, F: Friedl vom Gröller

Peter Kubelka and Jonas Mekas

Peter Kubelka und Jonas Mekas Peter Kubelka y Jonas Mekas Austria, 1994 2’ / 16 mm / Color

En los años 90, Friedl vom Gröller introdujo un elemento nuevo: su participación en las películas mediante su interacción con el sujeto. La cámara registra de forma frontal y un o demuestra la relación de la artista con el sujeto retratado. Hemma Schmutz In the 1990s, Friedl vom Gröller introduced a new element: her participation in the film by interacting with the subject. The camera films a frontal view and a touch demonstrates the artist’s relationship with the subject being portrayed. HS

D, F: Friedl vom Gröller / I: Jonas Mekas, Peter Kubelka

Spitting

Spucken / Escupiendo Austria, 2000 2’ / 16 mm / B&N D, F: Friedl vom Gröller

El joven que escupe carozos de cereza con un cómplice fuera de campo e intenta golpear el lente de la cámara con uno. Varios estados de ánimo se vuelven aparentes en el camino hacia un objetivo: esfuerzo, fracaso y, finalmente, éxito. Una película feliz y liviana. Friedl vom Gröller The young man spitting cherry pits, with an off-screen accomplice, attempts to hit the camera’s lens with one of them. Various moods become apparent on the way to a certain goal: effort, failure, then finally success. A happy, lighthearted film. FvG

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FRIEDL VOM GRÖLLER

Lisa 2001 3’ / 16 mm / B&N

Interpretando un rol o saliendo de él. Lisa, quien se parece a la hermana de Friedl vom Gröller, practica miradas a la cámara. Ajusta sus gestos de acuerdo a un vocabulario de expresiones que tiene más que ver con el dolor que con la alegría. Dietmar Schwärzler

D: Friedl vom Gröller

Playing a part or stepping outside it. Lisa, who looks like Friedl vom Gröller’s sister, practises looking into the camera. She adjusts her gestures according to a vocabulary of expressions that has more to do with pain than joy. DS

Max Turnheim

Una reflexión alegórica sobre la existencia psicosocial en el mundo. Un retrato prolongado de Max Turnheim a través de la comprensión de una fase completa de la vida. El punto de partida para todo esto es un rostro visto a través del tiempo. Alejandro Bachmann

Austria / Francia - Austria / , 2002-2014 44’ / 16 mm / B&N D: Friedl vom Gröller

An allegorical reflection upon psychosocial existence in the world. A longterm portrait of Max Turnheim through the compression of an entire phase of life. The point of departure for all this content is a face seen over the course of time. AB

Le BaromÈtre

Para Le Baromètre, Laurent y Herachian, Friedl vom Gröller invitó a tres desconocidos a su pequeño departamento en París. Sorprendió a estos tres hombres con un striptease y registró sus reacciones. Dietmar Schwärzler

Austria, 2004 3’ / 16 mm / B&N D: Friedl vom Gröller

Laurent

For Le Baromètre, Laurent and Herachian, Friedl vom Gröller invited three strangers to her little apartment in Paris. She surprised these three men with a striptease and recorded their reactions. DS

Austria / Francia - Austria / , 2005 3’ / 16 mm / B&N D: Friedl vom Gröller

Herachian Austria / Francia - Austria / , 2007 3’ / 16 mm / B&N D: Friedl vom Gröller

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FRIEDL VOM GRÖLLER

Psychoanalyses without Ethics Psychoanalyse ohne Ethik Psicoanálisis sin ética

El tema de este cortometraje es la relación entre psicoanalista y cliente. Vom Gröller interpreta a la analista, un rol que ella conoce de la vida real. El escenario es el estudio que utiliza para la Escuela de Cine Independencia, que ella simplemente convierte en consultorio psicoanalítico. Dietmar Schwärzler

D: Friedl vom Gröller

The topic of this short film is the relationship between psychoanalyst and client. Vom Gröller plays the role of the analyst, a role she knows from real life. The setting is the studio she uses for the School of Independent Film, which she simply remodels into a practice for psychoanalysis. DS

Vue Tactile (Four Women)

Una película como una piña en el estómago. El fotógrafo ciego Evgen Bavčar examina los cuerpos de cuatro mujeres. Las expresiones y gestos de las mujeres dicen muchísimo. Dietmar Schwärzler

Austria / Francia - Austria / , 2006 3’ / 16 mm / B&N

A film like a punch in the gut. The blind photographer Evgen Bav čar examines the bodies of four women. The expressions and gestures of the women speak volumes. DS

Austria, 2005 3’ / 16 mm / B&N

D: Friedl vom Gröller

Hen Night

La puesta es simple: una foto grupal de seis señoras mayores ordenadas en dos filas; todas miran a la cámara (...) Despedida de solteras muestra las reacciones de las amigas, que se expresan claramente en sus caras. Y las caras, como todos sabemos, pueden contar historias. Dietmar Schwärzler

Austria, 2009 3’ / 16 mm / B&N

The setting is simple: a group picture with six elderly women arranged in two rows, everyone looks into the camera (…) Hen Night shows friends’ reactions, which are expressed pointedly in their faces. Faces, as it is well known, are able to tell stories. DS

Polterabend Despedida de solteras

D, F: Friedl vom Gröller

Paris June 2009 Austria, 2009 3’ / 16 mm / B&N D: Friedl vom Gröller

En este cortometraje de Vom Gröller, que no hace nada para ocultar la excitación, el erotismo románticamente cargado se convierte en una forma gentil pero transparente de pornografía. Dietmar Schwärzler In Vom Gröller’s short film, which does nothing to conceal the excitement, the romantically charged eroticism becomes a gentle but undisguised form of pornography. DS

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FRIEDL VOM GRÖLLER

age Briare Austria, 2009 3’ / 16 mm / B&N

Una mujer, un hombre, una sonrisa. Se sientan al sol, y lo que los une es la verdadera sorpresa de la película: un gesto prosaico que tal vez sea tabú para otros. Queda a cargo del film revelar cuál es ese gesto. Maya McKechneay

D, F: Friedl vom Gröller

A woman, a man, a smile. They sit in the sun, and what links them is the film’s real surprise: a matter-of-fact gesture which is probably taboo for others. It’s up to the film itself to reveal what this gesture is. MMcK

Boston Steamer

Basándose en la inusual idea de que el ano de Dios se ve en las noches de luna llena, y decidida a hacer visible un tabú, Friedl vom Gröller no le ahorra al público el proceso natural de la evacuación. Dietmar Schwärzler

Austria, 2009 3’ / 16 mm / B&N D: Friedl vom Gröller

Photo session

Der Phototermin / Sesión de fotos Austria, 2010 3’ / 16 mm / B&N D: Friedl vom Gröller

Heidi Kim at W Hong Kong Hotel Austria, 2010 2’ / 16 mm / B&N D, F: Friedl vom Gröller

Based on the unusual idea that God’s asshole is visible during a full moon, and determined to make a taboo visible, Friedl vom Gröller doesn’t spare the audience the natural process of evacuation. DS

Photo session es una película sobre un par. Un par humano: hombre y mujer, ya no jóvenes, pero cuando se ríen juntos, son exuberantes como niños. Y un par análogo: una cámara réflex y una cámara de cine de 16 mm se graban la una a la otra. Maya McKechneay Photo session is a film about a pair. A human pair: man and woman, no longer young but when they laugh together they’re as exuberant as children. And an analogous pair: a reflex camera and a 16 mm film camera recording one another. MMcK

Lámparas con siluetas negras y doradas que parecen una diadema de mariposas, y la cortina se desliza hacia adelante, oscuro en la oscuridad, un escenario exótico o el set de una película de Sternberg. La habitación se ilumina y ELLA, a quien vemos por primera vez de espaldas (como en un cuadro antiguo) está sentada mirando hacia otro lado, inmóvil (...). Harry Tomicek Silhouette black & gold lamps looking like a butterfly diadem and the curtain wall glides forth, dark in darkness, an exotic stage or set of a Sternberg film, and the room lightens, and SHE, whom we first only see from the back (like in an old painting) sits looking away, motionless (…). HT

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FRIEDL VOM GRÖLLER

La Cigarette

Cinco personas frente a la cámara. (...) Cuatro del grupo, tres mujeres y un hombre, observan a una joven vista en una cámara, quien está sentada en una mesa puesta frente a ellos, posando como si fuera una modelo en el estudio. Kathrin Rhomberg

Austria, 2011 3’ / 16 mm / B&N D: Friedl vom Gröller / I: Jacques Rozier, Emma, Jacquie Raynal, Monika Vykoukal, Marguerite Lantz

Five people before the camera. (...) Four of the group, three women and a man, observe a young woman observed on camera, who sits on a table positioned in front of them, posing as if she were a studio model. KR

Gaelle Obiegly

Una película sobre la incapacidad de ver y una inversión de la mirada. (...) Gaelle Obiegly aborda varios paradigmas cinematográficos: iluminación, equipamiento y mirada, pero, sin embargo, permanece conscientemente misteriosa. Gerald Weber

Austria, 2011 3’ / 16 mm / B&N D: Friedl vom Gröller

A film about not being able to see, and a reversal of the gaze. (...) Gaelle Obiegly approaches various cinematic paradigms: lighting, equipment, and gaze, yet nonetheless remains consciously mysterious. GW

Ulrich Gregor and Heidi Kim at the W Hong Kong Hotel

La historia de un triángulo. Dos personas en un cuarto de hotel. (...) Una historia de amor. O, mejor dicho, la idea de una historia de amor. (...) Una historia cinematográfica. Todo allí, adentro, sin exterior. (...) Un tributo al cine en su totalidad. Nanna Heidenreich & Ulrich Ziemons

Austria, 2011 3’ / 16 mm / B&N

A triangle story. Two people in a hotel room. (...) A love story. Or, rather, the idea of it. (...) A film story. All there, within, with no outside. (...) A tribute to cinema, as a whole. NH & UZ

D: Friedl vom Gröller

Bliss

Retrato de la madre anciana de la artista. Una viñeta de despedida, un último boceto desde el geriátrico, silencioso, distante, torpe, de un gris metálico, cándido, franco, torpemente directo. Harry Tomicek

Austria, 2011 3’ / 16 mm / B&N

Portrait of the artist’s mother as an old woman. A farewell vignette, a final sketch from her nursing home, silent, aloof, clumsy, metallic gray, candidly-bluntly-awkwardly direct. HT

Gutes Ende - Felicidad

D: Friedl vom Gröller

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FRIEDL VOM GRÖLLER

Me too, too, me too

Pasamos el kiosco de revista, la peluquería y la tintorería. Se abre la puerta de una habitación. Una mujer muy anciana está acostada en la cama. Su cuerpo se ve débil y demacrado. Pero su mirada es firme, y resiste aquella de la cámara. Isabella Reicher

Austria, 2012 2’ / 16 mm / B&N

Past the newsstand, the hairdressers, by the dry cleaners. A door opens into a room. A very old woman lies there in her bed. Her body is lusterless and haggard. But her gaze is firm, withstanding that of the camera. IR

Ich auch, auch, Ich auch Yo también, también, yo también

D: Friedl vom Gröller

Gaelle Obiegly – le prochain

Gaelle Obiegly - Der Nächste Gaelle Obiegly - El próximo Austria / Francia - Austria / , 2012 2’ / 16 mm / B&N

La continuación de un retrato de Gaelle Obiegly (...). Un paje, un proyector de cine, la persona del título y otras tres mujeres también son parte de la escena. Dietmar Schwärzler The continuation of a portrait of Gaelle Obiegly (...). A pageboy, a film projector, the person named in the title, and three other women are also part of the scene. DS

D: Friedl vom Gröller

My Psychoanalytic Notes

Meine psychoanalytischen Notizen Mis notas psicoanalíticas

Primeros planos de caras de personas —psicoanalistas— leyendo los protocolos de Gröller. El fuego arrasa inexorablemente el papel. Las notas acerca de cientos de horas de “curación por el habla” se extinguen de forma silenciosa, casi despreocupada, en medio de un paisaje cubierto de nieve. Alexandra Seibel

D: Friedl vom Gröller

Close-ups of people’s faces —psychoanalysts— reading Gröller’s protocols. Fire ravages relentlessly through paper. The notes from hundreds of hours of “talking cure” extinguish silently, almost blithely in the middle of a snow-covered landscape. AS

THE PARIS POETRY CIRCLE

Dedicada al Círculo de Poesía de París, esta película registra la añoranza y el interés descontrolado de la cineasta por el rostro humano. Se recitan poemas que cargan de significado los retratos. Friedl vom Gröller

Austria, 2013 / 8’ / 16 mm / B&N Alemán / Inglés - German / English

Made in honor of the Paris Poetry Circle, this film s the filmmaker’s longing and her unrestrained interest in the human face. Poems that charge the portraits with meaning are recited. FvG

Austria, 2012 3’ / 16 mm / B&N

D: Friedl vom Gröller / E: Albert Sackl I: Hannelotte Schäfer, Stephen Wegschal, Susanna Kubelka, Harbaris Nagpal, Allen Smid

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FRIEDL VOM GRÖLLER

Im Wiener Prater

La cineasta ubica a una mujer. Luego, un primer plano de ella orinando activa una delicia casi infantil por investigar tabúes. Una referencia al accionismo vienés y la contraparte de una de las primera películas de Friedl vom Gröller, Boston Steamer. Naoko Kaltschmidt

Austria, 2013 2’ / 16 mm

The filmmaker tracks down a woman. Then a close-up of her urinating activates a quasi-childish delight in investigating taboos. A reference to Viennese Actionism and the counterpart to one of Friedl vom Gröller’s early films, Boston Steamer. NK

In the Viennese Prater En el Prater vienés

D: Friedl vom Gröller

NEC SPE, NEC METU Austria - Austria, 2013 3’ / 16 mm / B&N

Siempre vemos a la madre sentada, y solo vemos su cabeza o la parte superior de su cuerpo. Ella come, habla, mira a través y más allá de otros, mastica, perdida y olvidada, se duerme, hundiéndose en ella misma. Sylvia Szely

D: Friedl vom Gröller

We always see the mother seated, and we only ever see her head or her upper body. She eats, she speaks, she looks through and beyond others, she chews, lost and forgotten, she falls asleep, sinking down into herself. SS

66, rue Stephenson

Como un esténcil oscuro en la pantalla, una mujer joven baila frente a una ventana abierta. Si bien la película es muda, el ritmo de la música al que ella baila puede ser imaginado a través de sus movimientos, a menudo extáticos. (...) Una película acerca de lo interior y de lo exterior. Friedl vom Gröller

Austria, 2013 3’ / 16 mm / B&N D: Friedl vom Gröller

Like a dark screen stencil, a young woman dances in front of an open window. Although the film is silent, the rhythm of the music to which she dances can be imagined through her movements, often ecstatic. (...) A film about inside and outside. FvG

Eva Austria, 2013 3’ / 16 mm / B&N D: Friedl vom Gröller

Cuatro jóvenes mujeres se presentan de forma seductora, segura y con ciertos rastros de vergüenza. Los contrapicados de la cámara crean —a pesar del feminismo— una imagen provocadora de la atracción eterna de EVA. Friedl vom Gröller Four young women present themselves seductively, self confidently and with some signs of shame. The camera’s low angle creates —in spite of feminism— a provocative image of EVA’s everlasting attraction. FvG

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FRIEDL VOM GRÖLLER

My Precious Skin Ma peau précieuse Mi preciada piel Austria, 2013 3’ / 16 mm / B&N D: Friedl vom Gröller

Time for Outrage! Empört Euch! ¡Hora de indignarse! Austria, 2014 3’ / 16 mm / B&N D: Friedl vom Gröller

27.12.2013 St. Louis Senegal Austria, 2014 3’ / 16 mm / B&N D: Friedl vom Gröller

Cherries Kirschenzeit Cerezas

Austria, 2013 3’ / 16 mm / B&N D: Friedl vom Gröller

Normalmente, las imágenes y los mundos en los que aparecen los productos antiedad son hiperperfectos. (...) En contraste, las primeras imágenes granuladas de My Precious Skin, de Friedl vom Gröller, nos permiten anticipar que hemos llegado a un lugar completamente diferente. Christa Benzer Normally they are hyper-perfect — the images and worlds in which anti-aging products appear. (…) In contrast, the first grainy images of My Precious Skin by Friedl vom Gröller allow us to anticipate that we have landed in an entirely different place. CB

Time for Outrage (‘Hora de indignarse’) es el título del panfleto de Stephane Hessel acerca de la explotación. Una boa elegante, iridiscente y hambrienta representa la ley natural del capitalismo, que nos influencia a nosotros y nuestro entorno de forma continua. Se escuchará detenidamente cualquier otro punto de vista. Friedl vom Gröller Time for Outrage is the title of Stephane Hessel’s pamphlet on exploitation. An elegant, iridescent and hungry boa represents the natural law of capitalism which continuously influences us and our surroundings. Any other point of view will be listened to thankfully. FvG En la película, se superponen dos movimientos que se recargan el uno al otro a través de la doble exposición: un paneo en cámara lenta a través de un enorme cuadrado que parece un campo de fútbol improvisado (...); y retratos, captados de persona a persona, de un anciano y de varios hombres jóvenes que miran a cámara. Madeleine Bernstorff In the film, two movements that recharge one another are superimposed through double exposure: a pan in slow motion across a huge square, which looks like an improvised soccer field (…); and portraits panned from person to person of one old man and several young men gazing into the camera. MB

Cherries es una pieza de salón en blanco y negro que pertenece a la serie de Friedl vom Gröller sobre el envejecimiento. El señor y la señora son una pareja alegre y ya no tan joven. (...) Él la abraza; alguien come una cereza. La cámara hace una panorámica sobre la mesa. Un pequeño prólogo, como en una película pornográfica. Madeleine Bernstorff Cherries is a salon piece in black and white from Friedl vom Gröller’s series about aging. Monsieur and Madame are a cheerful, no longer quite youthful couple (…) He puts his arm around her, a cherry is eaten. The camera pans to the table. A short prologue like in a porn film. MB

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FRIEDL VOM GRÖLLER

May 2012

Esta película es característica en el proyecto de Friedl vom Gröller de descomponer la separación entre la vida diaria y el acto de hacer arte, y es un ejemplo especialmente cautivador de sus obras recientes, que meditan acerca del proceso de envejecer. Mark Webber

Austria, 2014 3’ / 16 mm / B&N

The film is characteristic of Friedl vom Gröller’s project to break down the separation between daily life and the making of art, being a particularly compelling example of her recent works, that meditate on the process of ageing. MW

Mai 2012 Mayo 2012

D: Friedl vom Gröller

In Rome

Aunque esta película no sigue, de ninguna manera, el género de “retrato de una ciudad”, de todos modos constituye un documento sobre la estadía de la directora en Roma. Rike Frank

Austria / Italia - Austria / Italy, 2015 3’ / 16 mm / B&N

Although this film does not follow the genre of the city portrait in any way whatsoever, it nonetheless presents a documentation of the filmmaker’s sojourn in Rome. RF

D: Friedl vom Gröller

Maschile – Roma Austria / Italia - Austria / Italy, 2015 3’ / 16 mm / B&N

Unos hombres, con sus caras en primer plano, mirando fijo a la cámara uno tras otro son el motivo que inicia esta película de casi tres minutos, y que solo al final, luego de los créditos, revela una imagen de la ciudad de Roma. Rike Frank

D: Friedl vom Gröller

Men, their faces in close-up, gazing face first into the camera one after the other is the opening motif of this barely three-minute film, which only right at the end, and after the credits reveals a view of the city of Rome. RF

Industrial Zone

Una secuencia corta de imágenes documentales. Luego, dos hombres están parados frente a un edificio industrial antiguo y pintado de blanco. Cuando la cineasta se encuentra con una figura humana que baila, ella también entra en movimiento. Isabella Reicher

Austria, 2015 3’ / 16 mm / B&N

A short sequence of documentary snapshots. Later, two men are seen standing in front of an old whitewashed industrial building. When the filmmaker meets with a dancing human figure, she is also set in motion. IR

Zone Industrielle Zona industrial

D: Friedl vom Gröller

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FRIEDL VOM GRÖLLER

By Night to Light

La película nos da la bienvenida con la imagen de un “lugar ideal”: un mundo de juguetes construido por un niño. Pero la escena idílica es cuestión de perspectiva (...) opresiva e infantil, llena de símbolos eróticos y momentos surrealistas. Judith Zdesar

Austria / Alemania - Austria / , 2016 3’ / 16 mm / B&N

The film welcomes us with an image of an “ideal place”: a toy world built by a child. But the idyllic scene is a question of perspective (...) oppressive and childlike, full of erotic symbols and surreal moments. JZ

Durch Nacht zum Licht De noche a la luz

D: Friedl vom Gröller

l’avenir? de F.v.G.? Austria / Francia - Austria / , 2018 4’ / 16 mm / B&N

Un paneo de una galería de lavarropas enormes en un lavadero. Dos mujeres hablan en lenguaje de señas y una tercera pone monedas en la máquina. Una película muda de un universo mítico, un reino de mujeres que hacen preguntas y cuestionan todo con paciencia e ironía. Sylvia Szely

D: Friedl vom Gröller

A pan along a gallery of large washing machines in a laundromat. Two women speak sign language and a third feeds coins into the machine. A silent film from a mythical universe, a realm of women who ask questions and patiently and ironically question everything. SS

Winter in Paris

Una naturaleza muerta de un alféizar. El cuerpo masculino de un trabajador se convierte en objeto de placer voyerístico femenino. El andamio sirve como una especie de escenario para la masculinidad de cowboy. Winter in Paris despliega una mirada emancipada y “abierta”. Esther Buss

Austria, 2018 3’ / 16 mm / B&N D: Friedl vom Gröller

A still-life of a window sill. A male body of a worker becomes the object of female voyeuristic pleasure. The scaffolding serves as a kind of stage for cowboy-like masculinity. Winter in Paris realizes an emancipated “open” looking. EB

Paris Episodes

Retratos y vistas fragmentadas de la ciudad, que son de todo menos aburridas. Solos y en pares, la gente aparece frente a la cámara alegremente en situaciones que ellos mismos eligieron. Vrääth Öhner

Austria, 2018 23’ / 16 mm / B&N D: Friedl vom Gröller E: Jackie Raynal, Albert Sackl

Portraits and fragmented views of the city that are anything but boring. Individuals and pairs of people gladly appear before the camera in situations they themselves selected. VÖ

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foco / focus

britannia lado b / britannia b-side

Julien Temple Something Else ¿Por qué “algo más” de Julien Temple (1953, Londres, Inglaterra)? La primera explicación es bastante simple. El foco que le dedicamos en el Bafici 2008 comprendía apenas tres documentales destilados de una obra inaugurada con el mítico Sex Pistols Number 1 (1977) y continuada en videoclips, ficciones, cortos, especiales para TV y un etcétera vasto y heterógeneo que ya era imponente hace más de una década. Y, desde aquella visita a Buenos Aires, Temple dirigió por lo menos otras 15 películas. Algo más, entonces, debe leerse como una invitación a explorar ese “mucho más” generoso y multiforme que es el cine del director inglés; a entender de dónde venían y, sobre todo, adónde conducían The Filth and the Fury, Glastonbury y Joe Strummer: The Future Is Unwritten —ahora que parte de ese futuro ya está escrito—.

Why is it “something else” by Julien Temple (1953, London, England)? The first explanation is quite simple. The focus on his work at Bafici 2008 comprised just three documentaries from en entire body of work —inaugurated with the mythical Sex Pistols Number 1 (1977) and continued in music videos, fictions, shorts, TV specials and a vast, heterogeneous et cetera— that was already impressive more than a decade ago. And since that visit to Buenos Aires, Temple directed at least 15 more films. Something else, then, could be read as an invitation to explore that generous, multiform “much more” that is the cinema of the English director; to understand where The Filth and the Fury, Glastonbury and Joe Strummer: The Future Is Unwritten came from and, above all, where they would lead now that part of that future is already written.

Pero acá arriba dice “something else”, no “algo más”, y eso requiere una segunda explicación. “Something Else” es una de las canciones que versiona Sid Vicious en el fundamental primer largometraje de Temple, La gran estafa del rock’n’roll (1980), y Something Else es el título del célebre disco de The Kinks, que incluye, entre otras hazañas, “Waterloo Sunset”. Temple primero dedicó dos películas a los Sex Pistols y después otras dos, que pueden verse en esta retrospectiva, a los hermanos Davies. Esa y muchas otras conexiones azarosas, oblicuas, provocadoras nacen de un método que el director ejerce con virtuosismo: partir de un personaje, un tiempo o un lugar precisos para disparar su mirada omnívora en todas las direcciones a la vez. De ahí, también, el sentido último de “something else”, ese que aplican los angloparlantes para aquello que no se puede poner en palabras, para lo extraordinario y deslumbrante: sí, como el cine de Julien Temple. Agustín Masaedo

Above it says “something else” and not “something more,” and that requires a second explanation. “Something Else” is one of the songs Sid Vicious does a rendition of in Temple’s fundamental first feature, The Great Rock ‘n’ Roll Swindle (1980), and Something Else is the title of the famous record by The Kinks that features, among other exploits, “Waterloo Sunset.” First, Temple did two films about the Sex Pistols, and then he did another two, which can be seen in this retrospective, about the Davies brothers. That and many other random, oblique, provocative connections are born from a method the director applies with virtuosity: starting from a precise character, place or time and aiming his omnivorous eye in all directions at once. And hence also the ultimate meaning of “something else,” the expression English speakers use for something that cannot be put into words; for the extraordinary and the spellbinding –yes, like Julien Temple’s films. AM

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301

britannia b-side: julien temple

Absolute Beginners PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

The love story between Colin, a young photographer, and the beautiful model Crepe Suzette is a fun parable about the rise of young culture in the ‘50s and its conflicts. It is also the excuse for temple to tackle genres (romance, comedy, musical) and Bowie at his most chic and refined. Absolute Beginners started out with many kicks in its ribs. In that 1986, few knew how to listen to what Julien Temple wanted to tell disguising the exposed nerves of London, those of the ‘50s as well as the current ones (today, more than ever), as a glamorous, maniacal musical, sumptuous but, even so, with its feet full of beer from the Soho. They told him off. And Absolute Beginners, being the intentional bizarre side of punk (what is more opposed to the great rock ‘n’ roll swindle than musical films?) it is, knew how to multiprocess its ordeal to now become a maniac piece of film, adored by Scorsese (who pays tribute to it in Goodfellas), in which David Bowie dazzles, and which Michael Jackson idolized. But Absolute Beginners is not a museum: it’s a wound precious as few others, one that never stops moving. JMD

Images courtesy of Park Circus-Goldcrest

La historia de amor entre Colin, un joven fotógrafo, y la bella modelo Crepe Suzette es una divertida parábola sobre el ascenso de la cultura joven en los 50 y sus conflictos. También es la excusa para que Temple eche mano a los géneros (romance, comedia, musical) y a un Bowie en su versión más chic y refinada. Absolute Beginners comenzó con varias patadas en sus costillas. En aquel 1986 pocos supieron escuchar lo que Julien Temple quería contar disfrazando los nervios expuestos de Londres, los de los años 50 y los actuales (más que nunca hoy), de musical glamoroso y maníaco, fastuoso pero, aun así, con los pies llenos de cerveza del Soho. Le gritaron de todo. Y Absolute Beginners, siendo un intencional lado bizarro del punk (¿qué hay más opuesto a la gran estafa del rock n’ roll que el musical?), supo multiprocesar su vía crucis para ser hoy una maníaca pieza de cine, una adorada por Scorsese (que la saluda en Buenos muchachos), en la que David Bowie encandila, y a la que Michael Jackson idolatraba. Pero Absolute Beginners no es un museo: es una herida preciosa, como pocas, que no deja nunca de moverse. JMD

Reino Unido - United Kingdom, 1986 108’ / D / COLOR / Inglés - English D: Julien Temple / G: Richard Burridge, Christopher Wicking F: Oliver Stapleton / E: Richard Bedford, Michael Bradsell, Gerry Hambling, Russell Lloyd / DA: Stuart Rose, Ken Wheatley / S: David Grimsdale, Derek Holding, Eddy Joseph, Howard Lanning / P: Chris Brown, Stehen Woolley / PE: Al Clark, Robert Devereux, Nik Powell : Goldcrest Films International / I: Patsy Kensit, James Fox, David Bowie o / Park Circus Films. Cyndi Ex T +44 (0)141 332 2175 E [email protected] W parkcircus.com 302

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¿Requiem para Detroit?

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Retrato de Detroit, de su apogeo al compás de los automóviles que sus grandes fábricas producían allí, de su caída estrepitosa con la llegada del nuevo siglo y de su incipiente e impensada refundación a través de medios nuevos y más ecológicos, tal como sus orgullosos habitantes se encargan de contar. Adelantándose al francés Florent Tillon (cuya Détroit, ville sauvage se vio en el Bafici ‘11), Temple cruzó el Atlántico para inaugurar su ciclo informal de retratos urbanos, muy apropiadamente, en la mítica rock city, de Kiss. Detroit había despertado de su sueño americano, el de las “Tres Grandes” de la industria automotriz bailando al ritmo de Motown, entre los hierros retorcidos de un choque frontal contra el siglo XXI. Aún fascinado por las posibilidades cinematográficas de la catástrofe, el director —londinense al fin— sabía que una ciudad como Detroit no iba a morir sin ensayar la resistencia o la reinvención. De ahí la pregunta del título: Temple intuye que “entre las ruinas de ‘Motor City’, puede estar el mapa pionero del futuro postindustrial que nos espera a todos”. AM

A portrait of Detroit, from its apogee in the era of the cars its big factories produced to its resounding downfall at the beginning of this century and to its incipient and unexpected resurgence through new, more ecological means, as the proud inhabitants of the city like to say. Even before the French director Florent Tillon (whose Détroit, ville sauvage was screened at Bafici ‘11), Temple crossed the Atlantic to start his informal cycle of city portraits, which he suitably began with the mythical rock city of Kiss. Detroit had awakened from its American Dream, that of the “Big Three” of the automotive industry dancing to the beat of Motown, among the warped iron of a head-on collision with the twenty-first century. Although fascinated by the cinematic possibilities of the catastrophe, the director —as a Londoner— knew that Detroit wouldn’t die without trying to resist or reinvent itself. Hence the question of the title: Temple senses that “amid the ruins of the Motor City it is possible to find a first pioneer’s map to the post-industrial future that awaits us all.” AM

Reino Unido - United Kingdom, 2009 90’ / D / COLOR - B&N Inglés - English D, G: Julien Temple / F: Steve Organ / E: Caroline Richards DA: Oliver Freeman / S: Eric Golden, Sean Poe / P: George Hencken PE: Roger Graef, Cassian Harrison / : Films of Record I: Lowel Boileau, Paul Thal, Mike Neeson, David Gartman o / Nitrate Film Ltd. Amanda Temple T + 44 1278 671 400 E [email protected] W nitrate-film.com

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

303

britannia lado b: julien temple

Requiem for Detroit?

britannia b-side: julien temple

Ray Davies: Imaginary Man Ray Davies: Hombre imaginario

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Para recrear viejos tiempos, Temple sigue a Ray Davies, el líder de los míticos The Kinks, mientras pasea por el norte de Londres recordando perlas inoxidables como “Waterloo Sunset” y “Autumn Almanac”, o lo sienta al piano en el centro comunitario donde, en 1963, la banda comenzó su historia. Cualquier fan de The Kinks (todos lo somos, solo que algunos se dan el lujo de ignorarlo) se debe Imaginary Man en una sala de cine. No tanto por ser Ray Davies 101, sino por ser un cándido acercamiento, todo oídos, toda paciencia, a esa galaxia resplandeciente que es Ray. Andan, pasean, Ray y Julien por Londres, cantan en una cocina comunal donde una vez, allá por 1963, The Kinks tocó sin saber todo lo que sería. Davies habla de su familia (de Dave, obviamente, pero también de todas sus hermanas), de cuando empieza a escribir, cuando empieza a sonar, de todo lo que quiso hacer del rock, de lo que el rock hizo con él, sobre la fama y la infamia; y entre instantes asoma, como una puesta de sol, esa maravilla contagiosa y melancólica que son The Kinks. JMD

In order to recreate the old times, Temple follows Ray Davies, the leader of the legendary band The Kinks, while he walks around North London and re timeless gems like “Waterloo Sunset” and “Autumn Almanac,” or makes him sit at the piano in the community center where, in 1963, the band began its career. Any Kinks fan (and we all are, although some people take the liberty to ignore it) must watch Imaginary Man in a movie theater. Not only because it is Ray Davies 101, but also because it is a candid approach, all ears and patience, to that blazing galaxy called Ray. Temple and Davies walk and stroll around London, they sing in a community kitchen where The Kinks played once, in 1963, without yet knowing all that would come. Ray speaks of his family (of Dave, of course, but also of all their sisters), of when he started writing and when he started playing, of all he wanted to do with rock n’ roll, of what rock ‘n’ roll did with him, of fame and infamy; and at times we can see on the horizon, like a sunset, that wonderful and contagious melancholy called The Kinks. JMD

Reino Unido - United Kingdom, 2010 78’ / D / COLOR - B&N Inglés - English D, G, P: Julien Temple / F: Steve Organ / E: Caroline Richards S: Billy Young / PE: David Okuefuna / : BBC Scotland I: Ray Davies, Alan Yentob o / Nitrate Film Ltd. Amanda Temple T + 44 1278 671 400 E [email protected] W nitrate-film.com

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Rodada un año después que Ray Davies: Imaginary Man, aquí es el otro Davies, Dave, quien ofrece su visión sobre los años en The Kinks, mientras muestra su tranquilo presente en la costa del sudoeste inglés. Temple cierra así el círculo sobre una de las bandas fundamentales en la historia del rock. Las playas y colinas de Exmoor, al sudoeste de Inglaterra, pueden parecer un escenario más propio de la melancolía de Sir Ray Davies que de su hermano menor Dave, el guitarrista pendenciero al que Mick Avory una vez noqueó de un palazo en pleno escenario y cuyo apetito por la distorsión puso en marcha, con el riff de “You Really Got Me”, la leyenda de The Kinks. Pero el tiempo pone las cosas en su lugar, o al menos las saca de casilleros inútiles, para entender la complicada dinámica humana y musical de la banda. Incluso a través del paisaje evocativo de los páramos que Davies recorre en soledad, Kinkdom Come completa y contrasta a Imaginary Man de formas tan luminosas, tan emocionantes como ese verso perfecto que Dave escribió en “Strangers”: We are not two, we are one. AM

Shot a year after Ray Davies: Imaginary Man, here it is the other Davies, Dave, who gives his version of the years in The Kinks, as he shows his quiet present on the southwestern coast of England. Thus, Temple closes his cycle about one of the essential bands in the history of rock ‘n’ roll. The beaches and hills of Exmoor, in the southwest of England, might look like a more appropriate setting for the melancholy of Sir Ray Davies than for that of his younger brother Dave, the bellicose guitar player that Mick Avory once knocked with a stick on stage and whose appetite for distortion set in motion, with the riff of “You Really Got Me,” the legend of The Kinks. But time puts things in their right place, or at least it removes labels that are useless to understand the complicated human and musical dynamics of the band. Even through the evocative landscape of the moorlands that Davies traverses alone, Kinkdom Come contrasts with Imaginary Man and completes it in ways that are so luminous and emotional as that perfect verse Dave wrote in “Strangers”: We are not two, we are one. AM

Reino Unido - United Kingdom, 2011 75’ / D / COLOR - B&N Inglés - English D, G: Julien Temple / F: Steve Organ / E: Caroline Richards S: Billy Young / P: Stephen Malit, Amanda Temple / : BBC One, Nitrate Films / I: Dave Davies, Ray Davies, Alan Yentob, Paloma Faith, Mick Avory o / Nitrate Film Ltd. Amanda Temple T + 44 1278 671 400 E [email protected] W nitrate-film.com

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britannia lado b: julien temple

Dave Davies: Kinkdom Come

britannia b-side: julien temple

London: The Modern Babylon Londres, la Babilonia moderna

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Un siglo de archivos con la vida frenética y la música de Londres, en un viaje épico que va directo al corazón de la capital multicultural del mundo. Temple une dos de sus amores, la ciudad que lo vio nacer y el rock que en ella surgió. Un conmovedor collage de un sitio tan anárquico como vital. Estrenado durante los Juegos Olímpicos del 2012, el homenaje de Temple a su ciudad natal lleva el método del director más alto, más fuerte y más lejos que nunca. Más de cien años de historia giran a toda velocidad en un torbellino de imágenes y sonidos —películas, noticieros, canciones, poemas y entrevistas extraídos de ¡seis mil horas! de material de archivo— que no se desplaza en el espacio, sino en el tiempo. De capital de un imperio a metrópolis multicultural, de la reina Victoria a Lady Di, de los bombardeos de Hitler a los atentados del IRA, de Chantaje a Performance, de los Stones a los Pistols y de Churchill a Tony Blair, London: The Modern Babylon arma, desarma y vuelve a armar el retrato de una ciudad en estado de constante —y muchas veces violenta— reinvención. AM

A century’s worth of archive footage with London’s frantic life and its music, in an epic journey that goes straight to the heart of the multicultural capital of the world. Temple combines his two loves, that of the city he was born in and the rock music that was born in it. A moving collage of a place as anarchic as it is vital. Released during the 2012 Olympic Games, Temple’s tribute to his hometown carries the director’s method faster, higher and stronger than ever before. More than one hundred years of history circle at full speed in a whirlwind of images and sounds —films, news programs, songs, poems and interviews taken from SIX THOUSAND HOURS’ worth of archive footage— that doesn’t move through space but through time. From the capital of an empire to a multicultural metropolis, from Queen Victoria to Lady Di, from Hitler’s bombings to the IRA attacks, from Blackmail to Performance, from the Stones to the Pistols, and from Churchill to Tony Blair, London: The Modern Babylon builds, brings down and rebuilds the portrait of a city in a state of constant —and, many times, violent— reinvention. AM

Reino Unido - United Kingdom, 2012 125’ / D / COLOR - B&N Inglés - English D, G: Julien Temple / F: Steve Organ / E: Caroline Richards M: JC Carroll / P: Rosa Bosch, Julien Temple, Amanda Temple, Stephen Malit / PE: Jonty Claypole, Christine Langan, Alan Yentob : Nitrate Films / I: Keith Allen, Michael Gambon, Steve Jones o / Nitrate Film Ltd. Amanda Temple T + 44 1278 671 400 E [email protected] W nitrate-film.com

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Río 50 grados: ¡Vamos caRIOca! PREMIERE ARGENTINA / Argentine PREMIERE

Luego de su experiencia al filmar La gran estafa del rock’n’roll, Temple vuelve a Río con este retrato urbano en el que los propios cariocas, en especial sus músicos, tienen un lugar principal. Rio 50 Degrees... es la historia de una ciudad que descubrió su libertad y del rol que la música jugó en ese proceso. A fines de los 70, Malcolm McLaren dejó a Temple en Río de Janeiro como “garantía humana” de unos instrumentos que los Sex Pistols habían tirado al fondo de la Bahía de Guanabara. “Pasé seis semanas ahí sin dinero para comer, así que pude conocer la ciudad desde lo más profundo. Eso fue durante la dictadura: la gente era muy amigable, pero en esos tiempos Río era un lugar peligroso”. 35 años después, mientras se prepara para recibir el Mundial y los Juegos Olímpicos, la ciudad trata de barrer la violencia bajo la alfombra de la “pacificación” de las favelas y mostrar su versión más pasteurizada a los turistas. Rio 50 Degrees es el viaje —divertidísimo y musical, contestatario y festivo: carnavalesco— de Temple hacia el reencuentro con lo más profundo del espíritu carioca. AM

After his experience shooting The Great Rock ‘n’ Roll Swindle, Temple returns to Rio with this urban portrait in which the Cariocas themselves, especially the musicians, play a prominent role. Rio 50 Degrees is the story of a city that discovered its freedom and the role music played in that process. In the late 1970s, Malcolm McLaren left Temple in Rio as “human warranty” of some instruments the Sex Pistols had thrown to the bottom of the Guanabara Bay. “I was there for six weeks with no money to eat, so I got to know the city from the gutter up. This was during the dictatorship: The people were very friendly, but it was a dangerous place at the time.” 35 years later, while preparing to receive the World Cup and the Olympic Games, the city tries to sweep the violence under the rug of the “pacification” of the “favelas” and show its cleanest version for the tourists. Rio 50 Degrees is Temple’s trip —fun and musical, anti-establishment and festive: carnivalesque— towards the reencounter with the deepest part of the Carioca spirit. AM

Reino Unido - United Kingdom, 2014 93’ / D / COLOR Portugués / Inglés - Portuguese / English D, G: Julien Temple / F: Steve Organ / E: Caroline Richards S: Ben Young / M: Crispin Taylor / P: Mike Downey, Sam Taylor PE: Alan Yentob, Christiane Hinz / : Film & Music Entertainment I: Carmen Miranda, Paulo Lins, Alan Yentob, Eduardo Paes o / Nitrate Film Ltd. Amanda Temple T + 44 1278 671 400 E [email protected] W nitrate-film.com

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britannia lado b: julien temple

Rio 50 Degrees: Carry on CaRIOca!

britannia b-side: julien temple

Keith Richards: The Origin of the Species Keith Richards: El origen de la especie PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Viejas imágenes de archivo y el propio Richards, con su mejor humor, son las guías de este recorrido que ocupa la primera parte de su vida, desde su nacimiento. Cuando creíamos que ya sabíamos todo sobre el más roquero de las Majestades Satánicas, Temple ilumina aspectos fascinantes del ídolo. Julien Temple es el Indiana Jones del rock. Del rock inglés, mate. Aquí escala el monte Keith Richards, la piedra rodante más hedonista y celebrada de la historia registrada en vinilo. Pero no va a los grandes éxitos, no va a los días de los Rolling Stones ni a los Swinging 60’s. No, decide ir al Richards infante, a sus primeros pasos (los literales y aquellos en la música, con escarpines de blues y rockabilly), al mundo post-Blitz y a anécdotas sentidas. Todo en voz de su majestad satánica y de material de archivos del período 1945-1962 (desde noticieros hasta films de la Ealing). La biografía oficial de Richards prerrevolución es una prueba de Temple y su adorable perdición: hacer de cada segundo del rock la mejor aventura posible para documentar. JMD

Old archive footage and Richard himself, in an excellent mood, are the guides in this tour through the first part of his life —from his birth. When we thought we knew it all about the diehard rocker of Their Satanic Majesties, Temple illuminates fascinating aspects of the guitar hero. Julien Temple is the Indiana Jones of rock. Of English rock, mate. Here he climbs Mount Keith Richards, the most hedonistic and acclaimed rolling stone in the history of vinyl. But he doesn’t go to the greatest hits, to the days of the Rolling Stones or the Swinging 60s. No, he decides to go to the child Keith, to his first steps (the literal ones and those in music, wearing blues and rockabilly bootees), to the world of the post-Blitz and the emotional anecdotes. All in the voice of the Satanic Majesty and with archive footage from the period 1945-1962 —that includes from newsreels to Ealing films. The official biography of Keith Richards before the revolution is a sample of the cinema of Temple and his adorable infatuation: to make a great adventure to be documented out of every second of rock music. JMD

Reino Unido - United Kingdom, 2016 80’ / D / COLOR - B&N Inglés - English D, G, P: Julien Temple / F: Steve Organ / E: Jonny Halifax PE: Amanda Temple, Jan Younghusband, Jane Rose / : Nitrate Films I: Keith Richards o / Nitrate Film Ltd. Amanda Temple T + 44 1278 671 400 E [email protected] W nitrate-film.com

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Una breve historia de La Habana, desde su pasado de esclavitud hasta su presente castrista. Respaldado por una vibrante banda sonora de son cubano, salsa, jazz, rumba, mambo y hip hop, y con secuencias de archivo, animaciones, extractos de películas y entrevistas, Temple rinde tributo a la ciudad caribeña. La capital cubana es la última escala en los viajes de Temple, por lo menos hasta la inminente conclusión de Ibiza - The Silent Movie, para la que buscó la ayuda de Fatboy Slim porque dijo: “no pertenezco a la cultura de la electrónica bailable, así que es todo un aprendizaje para mí”. Temple disfruta y sabe volver disfrutables esos aprendizajes musicales que lo sacan de su zona de confort —lo demuestran las más de dos horas de Habaneros, repletas de salsa, rumba y mambo— pero que, sobre todo, nunca terminan siendo solamente musicales. Cuando el rock y el hip hop empiezan a superponerse a los ritmos caribeños en la banda sonora, la crónica de Temple se carga de política y descubre las contradicciones y fisuras de una historia mucho más compleja de lo que siempre nos contaron. AM

A brief history of Havana, from its past of slavery and its Castroist present. Backed by a vibrant Cuban-flavored soundtrack with salsa, jazz, rumba, mambo and hip hop, and with archive footage, animations, fragments from films and interviews, Temple pays tribute to the Caribbean city. The Cuban capital is the last stop of Temple journeys, at least until the imminent conclusion of Ibiza - The Silent Movie, for which he sought the help of Fatboy Slim because “I’m not from the EDM culture, so it’s a learning curve for me.” Temple enjoys and knows how to make those musical learning + that take him off his comfort zone enjoyable —as shown by the 2+ hours of Habaneros, filled with salsa, rumba and mambo— but that, above all, they never end up being just about music. When rock and hip hop begin to superimpose to the Caribbean rhythms in the soundtrack, Temple’s chronicles fill themselves with politics and discover the contradictions and fissures of a history that is much more complex than what we’ve been told. AM

Reino Unido - United Kingdom, 2017 150’ / D / COLOR - B&N Español - Spanish D, G: Julien Temple / F: Steve Organ / E: Caroline Richards S: Ben Young / P: Richard Conway Andrew Curtis, Julien Temple PE: Jeremy Thomas, Alan Yentob / : Essential Nitrate Havana Ltd o / Nitrate Film Ltd. Amanda Temple T + 44 1278 671 400 E [email protected] W nitrate-film.com

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britannia lado b: julien temple

Habaneros

foco / focus

MURIEL BOX

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Antes del feminismo

Before Feminism

Como las mujeres policía de Ángeles caídos (1953), dedicadas antes a tareas de servicios sociales que a investigaciones criminales, la industria cinematográfica británica le encomendó a Muriel Box (1905, Inglaterra - 1991, Inglaterra) proyectos que se diría dirigidos a un público preferentemente femenino y cuyos discursos se podrían definir como protofeministas. Estamos ante una carrera que se desarrolló entre 1945 y 1964, menos de la cuarta parte de su vida; dos intensas décadas en las que Box participó en una treintena de películas en calidad de directora o guionista, esta última faceta en colaboración con su marido, Sydney Box, productor de buena parte de su filmografía. Después del éxito, y el Óscar al Mejor Guion, obtenido por The Seventh Veil (Compton Bennett, 1945), un sólido melodrama psicoanalítico, ya sea por necesidad o imposición, el cine de Muriel Box, sobre todo a partir de su debut en solitario en la dirección (The Happy Family, 1952), se refugia en una suerte de serie B con películas de muy distintos géneros y con un dominante protagonismo femenino que parecen concebidas para un público doméstico. Pero esa modestia y aparente falta de ambición no impide, quizás incluso facilita, la sutil introducción de mensajes feministas (en la ya mencionada Ángeles caídos, o en Lo que son las mujeres, de 1957) y un grado de innovación cuya propia ligereza metanarrativa (El forastero apasionado, de 1957) parece anticipar el cine de la década siguiente. Sin aspavientos, para entonces Muriel Box ya había dejado el cine y acabaría por fundar la primera editorial feminista del Reino Unido, Femina. Jaime Pena

Like the policewomen in Street Corner (1953), more devoted to social services than criminal investigations, the British film industry entrusted Muriel Box (1905, England - 1991, England) with projects one would say were aimed at a preferably female audience, and whose discourse could be defined as proto-feminist. We are in front of a career that took place between 1945 and 1964, less than a quarter of her life, two intense decades in which Box participated in about thirty films as director and/ or screenwriter, this last facet in collaboration with her husband, Sydney Box, producer of most of her filmography. Whether out of need or due to an imposition, after the success, and the Best Screenplay Oscar, obtained for The Seventh Veil (Compton Bennett, 1945), a solid psychoanalytical melodrama, Muriel Box’s cinema, especially after her solo debut as a director (The Happy Family, 1952), found refuge in some sort of B-grade with films of diverse genres and with a predominance of female protagonists that seem conceived for a domestic audience. But that modesty and that apparent lack of ambition don’t prevent —maybe it even facilitates it— the subtle introduction of feminist messages (in the aforementioned Street Corner, or in The Truth About Women, from 1957) and a degree of innovation whose own meta-narrative lightness (1957’s The ionate Stranger) seems to anticipate the cinema from the following decade. Without theatricality, by then, Muriel Box had already quit filmmaking and would end up founding the first feminist publishing house in the UK, Femina. JP

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MURIEL BOX

29, Acacia Avenue Avenida Acacia 29

PREMIERE ARGENTINA / Argentine PREMIERE

Los Robinson, una pareja británica de mediana edad, tienen previsto navegar en un crucero por el Mediterráneo. Cuando sus hijos se niegan a acompañarlos, deciden ir a una playa británica. Pero al volver antes de lo planeado, los encontrarán viviendo sendos romances fuera de lo esperado. En este guion de Muriel Box y de su marido Sydney, pergeñado a partir de una obra de teatro, se impone ya la impresionante destreza de la futura directora a la hora de diseñar situaciones que surgen de improviso y se derraman de una escena a otra con la fuerza y la prodigalidad de un manantial. Chicas pizpiretas, hombres confundidos, valores conservadores trastocados en un mundo que se transforma ante la estupefacción de padres e hijos por igual. Animada por un timing cómico fuera de serie, la película describe con una fluidez inigualable el absurdo impenetrable que guía el modo en que una generación se vincula con la siguiente en los años de la posguerra, mientras toma nota con secreta malicia de las convenciones sobre las cuales se asienta la estructura familiar. DO

The Robinsons, a middle-aged British couple, are going on a Mediterranean cruise. When their children refuse to accompany them, they decide to go to a British beach. But when they return earlier than planned, they find them living unexpected love affairs.

Henry Cass. (1902, Londres, Inglaterra). Guionista y director de cine especializado en el género de terror y la comedia. Entre sus tantos largometrajes, se destacan The Glass Mountain (1949), The Crooked Sky (1957) y Blood of the Vampire (1958). Falleció en 1989. (1902, London, England). Screenwriter and film director specialized in horror and comedy. Among his many features, The Glass Mountain (1949), The Crooked Sky (1957) and Blood of the Vampire (1958) stand out. He ed away in 1989.

Reino Unido - United Kingdom, 1945 85’ / 35 mm / B&N / Inglés - English

In this script by Muriel Box and her husband Sydney, based on a play, the future director’s impressive skill in deg situations that turn up unexpectedly and spill from one scene to another with the strength and the prodigality of a spring can already be seen. Lively girls, confused men, conservative values upset by a world that transforms before the astonishment of fathers and their children alike. Animated by some phenomenal comedic timing, the film describes, with peerless fluency, the impenetrable absurd that guides the way in which a generation bonds with the next one during the post-war years while taking notice, with secret malice, of the conventions on which the family structure stands. DO

D: Henry Cass / G: Muriel Box, Sydney Box / F: Robert Huke, Ernest Palmer / E: Julian Wintle / DA: James Carter S: George Burgess / M: Clifton Parker / P: Sydney Box, Compton Bennett / : Boca Productions, Columbia British Productions / I: Gordon Harker, Betty Balfour, Jimmy Hanley, Carla Lehmann, Hubert Gregg o / British Film Institute. Hannah Prouse T +44 (0) 20 7957 4709 E [email protected] W bfi.org.uk

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MURIEL BOX

Ángeles caídos Street Corner

Una joven de 18 años es sorprendida robando en una tienda; una desertora del ejército se involucra en la bigamia, y una bebé es maltratada por sus padrastros. A partir del seguimiento de mujeres policías, Muriel Box aborda el universo femenino en su primera dirección de un guion propio. El retrato del accionar de mujeres policías en Londres que hace Muriel Box parte del realismo de posguerra, por momentos desde el subgénero police procedural, con el relato de rutinas policiales para enfrentar al crimen. Con la sofisticada primera secuencia, la película focaliza en los márgenes, en la desesperación social tras la Segunda Guerra, balanceando el retrato de mujeres a ambos lados de la ley, entre ellas el personaje de Peggy Cummins, forajida de culto protagonista de Gun Crazy. En la cruda escena del ataque de un perro, Box despliega su rasgo autoral al incluir momentos de ferocidad animal. En su cine hay elefantes, cocodrilos, perros, lechuzas, conejos, vacas; su obra es como un arca de Noé en la búsqueda de un feminismo feroz. DT

An 18-year-old girl is caught stealing from a store; an army deserter gets involved in bigamy, and a baby is mistreated by his step parents. Through following some policewomen, Muriel Box tackles on the female universe in the first film she directed from her own script. The portrait of the work of policewomen in London Muriel Box makes kicks off from post-war realism and at times uses elements of the police procedural, with the stories of police routines in order to fight crime. With its sophisticated first sequence, the film focuses on the margins, on the social despair after WWII, balancing the portrait of women in both sides of the law, including the character played by Peggy Cummins, cult outlaw who starred in Gun Crazy. In the raw scene of a dog attack, Box deploys her auteurial stroke by including moments of animal ferociousness. In her cinema, there are elephants, crocodiles, dogs, owls, rabbits, cows; her work is like Noah’s Ark in search of a fierce feminism. DT

Reino Unido - United Kingdom, 1953 95’ / 35 mm / B&N Inglés - English D: Muriel Box / G: Muriel Box, Sydney Box / F: Reginald H. Wyer E: Jean Barker / DA: Cedric Dawe / S: Maurice Askew, Gerry Turner M: Temple Abady / P: Sydney Box, William MacQuitty : London Independent Producers / I: Anne Crawford, Peggy Cummins, Rosamund John, Terence Morgan, Barbara Murray o / British Film Institute. Hannah Prouse T +44 (0) 20 7957 4709 E [email protected] W bfi.org.uk 312

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MURIEL BOX

el forastero apasionado The ionate Stranger

En esta deconstrucción de la novela sentimental, Muriel Box satiriza la confusión entre ficción y realidad. Un chofer halla un manuscrito de la esposa de su jefe y, convencido de que la historia lo incluye en los deseos reales de la mujer, comienza a recrear las acciones de su personaje. Construida alrededor de la idea de una ficción dentro de otra, con sus esmerados mecanismos de comedia melancólica, en la que la parte llamada real se nos ofrece en blanco y negro, y la parte ficcional, en color, la película es una delicada artesanía que expone con una malevolencia soterrada la lucha entre lo “verdadero” y lo “falso”, la idealización improbable de las vidas grises y el amor romántico como presa preferida de la sátira. Box despliega a sus personajes en ambas dimensiones de realidad y no-realidad con una empatía regia, siempre del lado de sus criaturas, para describir los años cincuenta en Inglaterra con una mezcla de devoción y desencanto que se traslada al espectador actual con el tono agridulce de las melodías que evocan un mundo perdido. DO

In this deconstruction of the romance novel, Muriel Box satirizes the confusion between fiction and reality. A chauffeur finds a manuscript from his boss’ wife and, convinced that the story includes him in the woman’s real desires, starts to recreate his character’s actions. Built around the idea of a fiction inside another fiction, with its painstaking melancholy comedy mechanisms, in which the so-called “real” part is offered to us in black and white while the “fictional” part is in color, the film is a delicate handicraft that exposes, with hidden malevolence, the struggle between the “real” and the “fake,” the unlikely idealization of gray lives and romantic love as satire’s prey of preference. Box unfurls her characters in both dimensions of reality and non-reality with great empathy, always on her creatures’ side, in order to describe 1950s’ England with a mixture of devotion and disenchantment that is transmitted to the current viewer with the bittersweet tone of the melodies that evoke a lost world. DO

Reino Unido - United Kingdom, 1957 97’ / 35 mm / B&N Inglés - English D: Muriel Box / G: Muriel Box, Sydney Box / F: Otto Heller / E: Jean Barker DA: George Provis / S: Chris Greenham, Red Lax / M: Humphrey Searle P: Peter Rogers, Gerald Thomas / PE: Jack Martin : Beaconsfield Productions / I: Ralph Richardson, Margaret Leighton, Patricia Dainton, Carlo Giustini, Ada Reeve o / Tamasa Distribution. Laurence Berbon T +33 (0)1 43 59 01 01 E [email protected] W tamasa-cinema.com [21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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MURIEL BOX

lo que son las mujeres The Truth About Women

Cuando su yerno le confiesa el desconcierto que siente ante el comportamiento de su esposa Diana, el experimentado Sir Humphrey Tavistock comparte con él recuerdos de amores pasados para ayudarlo a comprender. Una antología romántica con pinceladas de humor británico. El último guion original que Muriel Box dirigió, coescrito con su marido, es tanto ejemplo de su versatilidad narrativa como un logro elocuente de su pionero vigor feminista. Ubicado a inicios del siglo XX, el relato aleccionador de la relación con las mujeres del protagonista es la búsqueda de matices en el retrato de la multiplicidad femenina y de la igualdad de género, a veces dentro de la comedia y otras en sus bordes. Cada episodio tiene su lógica, y asume incluso desafíos de puesta en escena como un relato dentro de un ascensor. En su virtuosismo estético, esta película es clave en la obra de Box por el uso del color, donde se destaca la sofisticada paleta del vestuario de Cecil Beaton, especialista en trajes de época y ganador de tres Premios Óscar. DT

When his son-in-law confesses to him the bafflement he feels because of the behavior of his wife Diana, the experienced Sir Humphrey Tavistock shares with him memories of past loves to help him understand. A romantic anthology with touches of British humor. The last original screenplay that Muriel Box directed —and that she co-wrote along with her husband— is an example of her narrative versatility as well as an eloquent achievement of remarkable pioneering feminist vigor. Set at the beginning of the twentieth century, this exemplary story of the relations of the protagonist with women is a quest for hues in the portrait of female multiplicity and gender equality, sometimes in the form of a comedy and at times on the edges of the genre. Each episode has its own logic and takes up setting challenges, as in the case of the story that takes place on an elevator. In its aesthetic mastery, this movie is key within Box’s work for its use of color, which shows the sophisticated palette of the costume design of Cecil Beaton, a specialist in period costumes which won three Oscars throughout his career. DT

Reino Unido - United Kingdom, 1957 107’ / D / COLOR Inglés / Francés - English / French D: Muriel Box / G: Muriel Box, Sydney Box / F: Otto Heller E: Anne V. Coates / DA: George Provis / S: Leslie Hodgson, Bob Jones, George Stephenson / M: Bruce Montgomery / P: Sydney Box PE: Herbert Smith / : Beaconsfield Productions / I: Laurence Harvey, Julie Harris, Diane Cilento, Mai Zetterling, Eva Gabor o / Tamasa Distribution. Laurence Berbon T +33 (0)1 43 59 01 01 E [email protected] W tamasa-cinema.com 314

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MURIEL BOX

la carta fatal Subway in The Sky

Luego de ser falsamente acusado de asesinato y narcotráfico, un soldado estadounidense deserta y busca refugio en los brazos de una cantante de cabaré, quien —convencida de su inocencia— hará lo imposible por ayudarlo. La oportunidad perfecta para redescubrir uno de los films más subvalorados de Box. Thriller ambientado en el escenario inestable de la Guerra Fría, policial agazapado, melodrama con aires de noir, la película presenta la habitual inclinación de la directora por los personajes femeninos fuertes, al tiempo que luce como una muestra cabal de la versatilidad de Box como cineasta. Con unos pocos decorados para contar lo que en el fondo se intuye como una historia de fatalidad amorosa, la película se desliza pronto desde los surcos de una trama de drogas y traiciones políticas no siempre inteligible para centrarse en la pareja protagónica, con la mujer como corazón emocional de la historia. La directora depura con gran maestría la narración hasta convertirla en un festival de pequeños gestos y de escenas cotidianas puntuadas con una precisión apabullante. DO

After being falsely accused of murder and drug trafficking, an American soldier deserts and seeks refuge in the arms of a cabaret singer who —convinced of his innocence— will do whatever it takes to salve him. The perfect opportunity to rediscover one of Box’s most underrated films. Thriller set in the unstable scenery of the Cold War, a subtle cop film, a melodrama with noir touches, the film presents the director’s usual inclination for strong female characters and, at the same time, it serves as thorough proof of Box’s versatility as a filmmaker. With just a few backgrounds to tell what seems like a fatal love story, the film soon slides away from a not-always-comprehensible plot about drugs and political betrayal in order to center on the two main characters, with the woman as the emotional heart of the story. The director polishes the narrative with mastery until she turns it into a festival of small gestures and everyday scenes built with overwhelming precision. DO

Reino Unido - United Kingdom, 1959 87’ / D / B&N Inglés - English D: Muriel Box / G: Jack Andrews / F: Wilkie Cooper / E: Jean Barker DA: George Provis / S: Noreen Ackland / M: Mario Nascimbene P: Sydney Box, Patrick Filmer-Sankey, John Temple-Smith : Orbit Films / I: Van Johnson, Hildegard Knef, Albert Lieven, Cec Linder, Katherine Kath o / Renown Pictures Ltd. Sarah Cronin T +44 1923 290 555 E [email protected] W renownfilms.co.uk [21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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foco / focus

CHRISTINA LINDBERG

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Venganza de mujer

A Woman’s Revenge

Christina Lindberg, (1950, Gotemburgo, Suecia) es un personaje único, de esos que llegan al mundo para trastocar varias cosas a su paso, con intención o sin ella; una figura cuya trayectoria discurre como en una ficción exagerada, capaz de llenar unas cuantas vidas. Modelo de Playboy, actriz de películas de explotación suecas, soft-porn, “películas de venganza”, de género pinky en Japón y una larga serie de etcéteras, es en Thriller: A Cruel Picture (1973), de Bo Arne Vibenius, donde se dio todo para su consagración como reina de las películas incómodas, aquellas destinadas a golpear la retina del espectador y producir ecos perseverantes en el ánimo de los más desprevenidos. El film de marras es una criatura impactante aún hoy, y opera como prueba de fuego para corazones sensibles. Christina pareció luego desvanecerse, desaparecer del negocio. El documental Christina Lindberg: The Original Eyepatch Wearing Butt Kicking Movie Babe (2016), de Ika Johannesson y Jane Magnusson, marca el regreso a la pantalla de su esquiva figura, con devoción y con ánimo de justicia: una reivindicación convencida del personaje y una apuesta sobre ciertas formas cinematográficas subestimadas. La sorpresa es que la mujer de múltiples oficios — ahora establecida desde hace años como reputada periodista— reaparece una vez más en la película Black Circle (2018), de Adrián García Bogliano, en la que el esmerado trabajo sobre un look y un pulso narrativo propios de los años setenta ofrece el marco para un thriller elusivo, capaz de homenajear discretamente a la estrella y al mundo que la vio nacer como tal. David Obarrio

Christina Lindberg (1950, Gothenburg, Sweden) is a unique character, one of those who arrive in this world to upset many things on her way, with or without the intention of doing it; a figure whose career unfolds as though it were an exaggerated fiction, capable of filling quite a few lives. A Playboy model, an actress in many Swedish exploitation movies, soft-porn, “revenge films,” Japanese “Pinky” films and the list continues, it is Bo Arne Vibenius’ Thriller: A Cruel Picture (1973) that turned her into the queen of awkward films, those destined to pound the viewer’s retina and produce persevering echoes in the mood of those who are caught offguard. Said film is a shocking creature even today, and operates as an acid test for sensitive viewers. Christina seemed to fade away, to disappear from the business after that. The documentary Christina Lindberg: The Original Eyepatch Wearing Butt Kicking Movie Babe (2016), directed by Ika Johannesson and Jane Magnusson, marks the return to the screen of her elusive figure, with devotion and a willingness to do justice: a convinced vindication of the character and a wager on certain underestimated cinematic forms. The surprise is that this woman of multiple trades —who has been a renowned journalist for years— reappears once more in Adrián García Bogliano’s film Black Circle (2018), in which the painstaking work on the look and the narrative firmness of the ‘70s offers the framework for an elusive thriller, capable of discreetly paying tribute to the star and the world that saw her birth as such. DO

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Thriller - en grym film / Thriller: Una película cruel PREMIERE argentina / argentine PREMIERE

Frigga perdió la voz tras ser violada de niña. Años más tarde es forzada a la prostitución y le arrancan un ojo con un bisturí. Pese a la tortura, la joven reunirá fuerzas para una venganza brutal. Visceral y ultraviolenta película de culto que inspiró el personaje de Daryl Hannah en Kill Bill. Muchos se horrorizan ante un cine de la crueldad irredimible como el de Gaspar Noé, pero lo cierto es que Thriller: A Cruel Picture —filmada hace más de cuarenta años— hace que Irreversible parezca una de Disney. Este film de culto dirigido por el sueco Bo Arne Vibenius y protagonizado por la bella y osada Christina Lindberg fue la principal inspiración de Tarantino para Kill Bill. Y sí, hay venganza y algo de artes marciales, pero, en cuanto a la violencia, el regocijo en lo explícito de la sueca — exacerbado por los viciosos inserts pornográficos de violaciones, los puntos de vista subjetivos y una cámara lenta voyerista— es de un sadismo tan extremo que deja a Kill Bill rozando el ATP. Y, si Un perro andaluz los impresionó, cuidado, no querrán ver cómo Frigga se gana ese famoso parche en el ojo. MV

Frigga lost her voice after being raped as a child. Years later, she is forced into prostitution and someone pulls out her eye with a scalpel. Despite the torture, the young lady will gather strength for a brutal vengeance. A visceral and ultra-violent cult film that inspired the character of Daryl Hannah in Kill Bill. Many feel horrified at a cinema as irredeemably cruel as Gaspar Noé’s, but the truth is that Thriller: A Cruel Picture — shot over forty years ago— makes Irreversible look like a Disney movie. This cult film directed by the Swede Bo Arne Vibenius and starring the beautiful and daring Christina Lindberg was Tarantino’s main inspiration for Kill Bill. And yes, there is a revenge and some martial arts, but when it comes to violence, this movie rejoices so explicitly and sadistically in it that makes Kill Bill look like a film approved for all audiences. All of which is exacerbated by vicious pornographic inserts portraying rapes, POV shots and a voyeuristic camera. And if Un Chien Andalou shocked you, then you really won’t want to know how Frigga got that famous eye patch. MV

Bo Arne Vibenius. (1943, Estocolmo, Suecia). Director conocido por sus dos clásicos del cine de explotación: Thriller: A Cruel Picture (1973) y Breaking Point (1975). Además fue asistente de dirección de Ingmar Bergman en Persona (1966). (1943, Stockholm, Sweden). Director, famous for his two classic exploitation films: Thriller: A Cruel Picture (1973) and Breaking Point (1975). He also worked as Ingmar Bergman’s assistant director in Persona (1966).

Suecia - Sweden, 1973 104’ / D / COLOR Sueco - Swedish D, G, P: Bo Arne Vibenius / F: Andreas Bellis / E: Brian Wikström S: Dennis Hennicks, Bengt Kåring / M: Ralph Lundsten PE: Anna Oskarsdotter / : BAV Film / I: Christina Lindberg, Heinz Hopf, Despina Tomazani, Solveig Andersson, Per-Axel Arosenius o / BAV Film. Bo A Vibenius E [email protected]

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CHRISTINA LINDBERG

Thriller: A Cruel Picture

CHRISTINA LINDBERG

Christina Lindberg: The Original Eyepatch Wearing Butt Kicking Movie Babe PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

De modelo de Playboy a estrella de películas de explotación, Christina Lindberg es un ícono del cine de culto de los 70. A más de cuarenta años del estreno de su film consagratorio Thriller: A Cruel Picture, y luego de tres décadas de anonimato, la actriz sueca de 68 años regresa a la pantalla. El curriculum vitae de Britt Christina Marinette Lindberg — alias “Kurisuchina Rindobaagu”, según los créditos de Sex & Fury (1973)— incluye el título indiscutido de reina de los sensationsfilms y apariciones en las páginas centrales de cuanta publicación para hombres se imprimiese en los 70, pero también estudios de latín (de ahí la elección de palabras al comienzo de esta frase), el puesto de jefa de redacción en una revista dedicada a la industria aérea escandinava y la realización de un video educativo que enseña a reconocer hongos comestibles, Christinas svampskola (1993). Y hay más, mucho más: descúbranlo en este documental que, asistido por un archivo generoso, recorre en primera persona la vida extraordinaria de Christina Lindberg. O, mejor dicho, sus muchas vidas. AM

From Playboy model to exploitation movie star; Christina Lindberg is an icon of cult cinema of the 1970s. Over forty years after the release of her breakthrough film Thriller: A Cruel Picture, and after three decades of anonymity, the Swedish actress, now sixty-eight, returns to the screen. The curriculum vitae of Britt Christina Marinette Lindberg — aka “Kurisuchina Rindobaagu,” according to the credits of Sex & Fury (1973)— includes the indisputable title of queen of sensationsfilms and appearances on the centerfolds of any publication for men printed in the 1970s, but also studies of Latin (hence the choice of words at the beginning of this sentence,) the post of chief editor of a magazine dedicated to the Scandinavian aviation industry and the making of an educational video that teaches how to recognize edible mushrooms, Christinas svampskola (1993). And there is more, much more: find it out by yourselves in this documentary that, with the aid of a generous archive, tells in the first person the extraordinary life of Christina Lindberg. Or, better put, her many lives. AM

Ika Johannesson & Jane Magnusson. Johannesson (1974, Gotemburgo, Suecia) es periodista, editora y conductora. Dirigió el cortometraje Familjen (2015). Magnusson (1968, Mölnycke, Suecia) es periodista cultural y directora. Realizó los documentales Ebbe – The Movie (2009), Bergman’s Video (2013) y el cortometraje Cupcake (2014). Johannesson (1974, Gothenburg, Sweden) is a journalist, editor and TV host. She has directed the short film Familjen (2015). Magnusson (1968, Mölnycke, Sweden) is an art journalist and director. She has made the documentaries Ebbe – The Movie (2009), Bergman’s Video (2013) and the short film Cupcake (2014).

Suecia - Sweden, 2019 75’ / D / COLOR Sueco - Swedish

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D: Ika Johannesson, Jane Magnusson / G, P: Ika Johannesson F: Nils Östborg Cromnow / E: Orvar Anklew / S: Fredrik Stålne M: Jonas Beckman, Lars Kumlin / PE: Emelie Persson : Sveriges Television / I: Christina Lindberg o / Klubb Super 8 AB. Rickard Gramfors T +46 704 866 008 E [email protected] FB KlubbSuper8

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Svart Cirkel / Círculo negro PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

Dos hermanas se reencuentran luego de un tiempo. Una de ellas revela el secreto detrás de su éxito: escuchar un antiguo disco de hipnosis antes de dormirse, y le aconseja a la otra que la imite. Un film de suspenso psicológico poblado de dobles y extraños exorcismos ejecutados por la mismísima Lindberg. El cine de género proveniente del norte de Europa continúa dando pruebas de su destreza narrativa y atractivo visual. Este raro artefacto nuevo apela desde el comienzo a los sentidos, a su porosidad y a la posibilidad de distorsionarlos, y lo hace con el mismo espíritu de una producción de bajo presupuesto de la American International Pictures, sin escatimar en doppelgängers, música clásica, hipnosis varias, ni en perturbadores tutoriales de los 70. Al ritmo de su extraño vinilo y, mientras acompaña el descenso paranoico de sus protagonistas, Black Circle enfrenta aquello que se presenta en la superficie, corre el velo y exhibe, con confianza en sus medios, la materia prima esencial del cine de terror y su señal de identidad: la dimensión horrorosa de lo real. JC y SR

Two sisters meet again after some time. One of them reveals the secret behind her success: listening to an old hypnosis record before going to sleep, and advises her sister to do the same. Many doubles and strange exorcisms, carried out by Lindberg herself, populate this psychological thriller. Genre films hailing from northern Europe continue showing their narrative deftness and visual attractiveness. This strange new artifact appeals from the beginning to the senses, their porosity and the possibility of distorting them, and does it in the same spirit of a low-budget production of American International Pictures: with plenty of doppelgängers, classical music, several sessions of hypnosis and disturbing tutorials from the 1970s. Following the beat of its strange vinyl, and as it accompanies the paranoiac downfall of its protagonists, Black Circle faces what is visible on the surface, lifts the veil and shows, with a steady hand, the raw material of horror cinema and its mark of identity: the horrific dimension of the real. JC and SR

Adrián García Bogliano. (1980, Madrid, España). Fue criado en la ciudad de La Plata, Argentina. Cursó estudios de cine en la UNLP. Entre la docena de películas que dirigió, se destacan Habitaciones para turistas (2004), Grité una noche (2005) y Sudor frío (2011). (1980, Madrid, Spain). He was raised in La Plata, Argentina. He studied Cinema at the UNLP. Among the dozen films he has directed are Rooms for Tourists (2004), Night Yell (2005) and Cold Sweat (2011).

Suecia / México / Finlandia / Estados Unidos / Reino Unido / Italia - Sweden / Mexico / Finland / United States / United Kingdom / Italy, 2019 / 101’ / D / COLOR / Sueco - Swedish D, G, E: Adrián García Bogliano / F: Darío Goldgel / DA: Andreas Tollman S: Gianluca Dolfi, LSD Audio / M: Rickard Gramfors P: Andrea Quiroz Hernández, Rickard Gramfors, Bo Gramfors PE: Joshua Sobel, Mario Kenyon, Mikko Aromaa, Poul-Erik Nielsen, Christina Lindberg / : Salto de Fe Films, Klubb Super 8 I: Felice Jankell, Christina Lindberg, Hanna Midfjäll, Erika Midfjäll, Hanna Asp

o / Salto de Fe Films. Andrea Quiroz T +52 1 55 3221 5405 E [email protected] FB svartcirkel [21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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CHRISTINA LINDBERG

Black Circle

[21] BAFICI

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Alien, el octavo pasajero Alien

The crew of the Nostromo takes a detour due to a distress signal coming from an uninhabited moon. Soon, they will also be crying for help, but in space, no one will be able to hear them scream. The 40 th anniversary of the release of this space horror masterpiece by Ridley Scott. Among the incomprehensible tradition of altering foreign titles for their local release, Alien’s case is probably one of the few in which the subtitle (“The Eighth enger”) improves the original title. Like the eighth enger that infiltrates the Nostromo, the film by Scott, O’Bannon, Giger and other creative minds that miraculously coincided for the same project, infiltrated our popular culture and, by means of asphyxiating silences, terrifyingly empty hallways and one of the greatest heroines in the history of genre film, held onto our hearts like the facehugger did on John Hurt’s face. Four decades after its release, “the Texas Chain Saw Massacre of science-fiction” (as Scott himself has said) still doesn’t want to let us go. And neither do we want it to leave. JC

Ridley Scott. (1937, South Shields, Inglaterra). Es productor y director de cine, televisión y publicidad. Entre sus films se destacan Los duelistas (1977), Blade Runner (1982) y Thelma y Louise (1991). En 2003 fue nombrado caballero por la reina Isabel II. (1937, South Shields, England). He is a film, television and advertising producer and director. His films include The Duellists (1977), Blade Runner (1982) and Thelma & Louise (1991). In 2003, he was knighted by Queen Elizabeth II.

Reino Unido / Estados Unidos - United Kingdom / United States, 1979 / 117’ / D / COLOR Inglés - English

© 1979 Twentieth Century Fox Film Corporation. All rights reserved.

La tripulación del Nostromo se desvía de su recorrido por una señal de auxilio proveniente de una luna deshabitada. Pronto, serán ellos mismos quienes clamen por ayuda, pero en el espacio nadie podrá escucharlos gritar. Cuarenta años del estreno de la obra maestra de terror espacial de Ridley Scott. Dentro de la incomprensible tradición de alterar los títulos extranjeros para su estreno local, el caso de Alien probablemente sea uno de los pocos en los que el subtítulo agregado mejora el título original. Tal como el octavo pasajero que se infiltra en el Nostromo, el film de Scott, O’Bannon, Giger, y otras tantas mentes creativas que milagrosamente coincidieron para el mismo proyecto, se infiltró en nuestra cultura popular y, a fuerza de silencios asfixiantes, pasillos aterradoramente vacíos y una de las más grandes heroínas que el cine de género haya dado, se aferró a nuestros corazones como el facehugger al rostro de John Hurt. A cuatro décadas de su estreno, “La Masacre de Texas de la ciencia ficción” —dixit Scott— sigue sin querer dejarnos ir. Nosotros tampoco queremos que lo haga. JC

D: Ridley Scott / G: Dan O’Bannon / F: Derek Vanlint / E: Terry Rawlings, Peter Weatherley / DA: Roger Christian, Leslie Dilley / S: Jim Shields M: Jerry Goldsmith / P: Gordon Carroll, David Giler, Walter Hill PE: Ronald Shusett / : Twentieth Century Fox / I: Sigourney Weaver, Tom Skerritt, Veronica Cartwright, Harry Dean Stanton, John Hurt o / Park Circus Films. Cyndi Ex T +44 (0)141 332 2175 E [email protected] W parkcircus.com

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Cuando Harry conoció a Sally When Harry Met Sally...

The friendship and love between Harry and Sally subsist thirty years after the film’s release. The brilliant script by Nora Ephon and the expert direction by Rob Reiner meet again in that New York during fall in order to relive one of the happiest cinematic encounters in the history of romantic comedies. In the last few years, it has surprised me to see many film people hate When Harry... , given that it’s an almost perfect (modern) film. It is a catalogue of commonplace situations about love and how some of them work and some don’t (that is, it is an X-ray of the real, of the variety between people). And it’s also the environment, the objects, that which the characters do not control working as compliment, commentary and counterpoint of their actions (follow the karaoke machine and you’ll see what I mean). The self-conclusive vignettes are rigidly connected to the rest, and there are no characters saying or doing something contradictory that don’t come off as lovable. Also, almost everything happens among fluffy sweaters and the Manhattan fall. A masterpiece, even if many say it’s not. LD’E

Rob Reiner. (1947, Nueva York, Estados Unidos). Guionista, director y comediante graduado por la Escuela de Cine de la Universidad de Los Ángeles. Dirigió decenas de largometrajes, entre los que destacan Spinal Tap (1984), Cuenta conmigo (1986) y Misery (1990). (1947, New York, USA). A screenwriter, director and comedian graduated by the UCLA Film School. He directed dozens of features, including This Is Spinal Tap (1984), Stand By Me (1986) and Misery (1990).

Estados Unidos - United States, 1989 95’ / 35 mm / COLOR Inglés - English

Courtesy of Park Circus/Universal

La amistad y el amor entre Harry y Sally subsisten a treinta años de su estreno. El brillante guion de Nora Ephron y la dirección experta de Rob Reiner se citan otra vez en aquella Nueva York otoñal para revivir uno de los encuentros cinematográficos más felices en la historia de las comedias románticas. En los últimos años, me ha sorprendido que gente del cine odie Cuando Harry..., siendo que es casi una película (moderna) perfecta. Es un catálogo de lugares comunes sobre el amor y cómo algunos funcionan y otros no (es decir, es una radiografía de lo real, de la variedad entre las personas). Y también es el ambiente, los objetos, aquello que los personajes no dominan funcionando como complemento, comentario y contrapunto de sus acciones (sigan la máquina de karaoke y verán lo que les digo). Las viñetas, autoconclusivas, están unidas de modo férreo al resto, y no hay personaje que no diga o haga algo contradictorio sin que eso lo vuelva enormemente simpático. Además, casi todo ocurre entre pulóveres mullidos y otoño en Manhattan. Una obra maestra, aunque digan que no. LD’E

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D: Rob Reiner / G, PE: Nora Ephron / F: Barry Sonnenfeld E: Robert Leighton / DA: Harold Thrasher / S: Paul Timothy Carden, Larry Carow, Chuck Neely / M: Scott Stambler / P: Rob Reiner, Andrew Scheinman / : Castle Rock Entertainment / I: Billy Crystal, Meg Ryan, Carrie Fisher, Bruno Kirby o / Park Circus Films. Cyndi Ex T +44 (0)141 332 2175 E [email protected] W parkcircus.com

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Diamantes EN la noche Démanty noci / Diamonds of the Night

Dos niños judíos saltan del tren que los lleva al campo de concentración y huyen hacia el bosque, donde su supervivencia se verá interrumpida por sueños y recuerdos, fragmentos de verdadera poesía visual. A 55 años de su estreno, la potencia de la ópera prima de Jan Němec permanece intacta. De las películas de la Nueva Ola Checa que dejaron huella, Diamantes en la noche es la más secreta, porque no necesita la insinuación provocadora de una rubia ni el gesto surreal de las margaritas; y porque, aunque los trenes estaban demasiado vigilados, es desde allí que se lanzan a correr sus dos protagonistas. Con la premisa de la fuga hacia adelante y la supresión de toda explicación narrativa o psicológica, lo que se pone en marcha es una aventura física de los personajes y del espectador, quien rápidamente descubre que Diamantes… huye de la convención para hacernos partícipes de una experiencia en la que el sonido y la imagen se escalonan, chocan y entrecruzan, como si fueran estructuras musicales o poéticas. La pura belleza del cine en manos de ese gran subversivo por redescubrir: Jan Němec. Sergio Wolf

Two Jewish kids jump from a train that was taking them to a concentration camp and run towards the woods, where their survival will be interrupted by dreams and memories, fragments of true visual poetry. 55 years after its release, the power of Jan Němec’s first film remains intact. From the films of the Czech New Wave that left a mark, Diamonds of the Night is the most secret, because it doesn’t need the provocative innuendo of a blonde or the surreal gesture of the daisies; and because even though the trains were closely watched, it is from one of them that its the two protagonists run from. With the premise of the flight forward and the suppression of any kind of narrative or psychological explanation, what it sets in motion is a physical adventure from the characters and viewer, who soon discovers that Diamonds… avoids conventions in order to make us part of an experience in which sound and image spread out, collide and intertwine as though they were musical or poetical structures. The pure beauty of film in the hands of that great subversive who should be rediscovered: Jan Němec. SW

Jan Němec. (1936, Praga, Checoslovaquia). Referente central de la Nueva Ola Checa, dirigió entre otros Of the Party and the Guests (1966), The Ferrari Dino Girl (2009) y The Wolf from Royal Vineyard Street (2016, Bafici ‘17). Falleció en 2016. (1936, Prague, Czechoslovakia). One of the main figures from the Czech New Wave, he directed, among others, Of the Party and the Guests (1966), The Ferrari Dino Girl (2009) and The Wold from Royal Vineyard Street (2016, Bafici ‘17). He died in 2016.

Checoslovaquia - Czechoslovakia, 1964 68’ / D / B&N Checo - Czech D: Jan Němec / G: Arnošt Lustig, Jan Němec / F: Jaroslav Kučera E: Miroslav Hájek / DA: Ester Krumbachová / S: František Černý, Bohumír Brunclík / : Filmové studio Barrandov / I: Ladislav Janský, Antonín Kumbera, Ilse Bischofová, August Bischof, Ivan Asič o / National Film Archive, Prague. Tomáš Žůrek T +420 778 487 857 E [email protected] W nfa.cz

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Duro de matar Die Hard

John McClane, un recio policía de Nueva York, viaja a Los Ángeles para pasar la Navidad con su familia, pero un grupo de terroristas aparece, y con él una de las mejores películas de acción de la historia. Que suene la Novena Sinfonía, la inigualable jungla de cristal de McTiernan vuelve al cine. Una noche de Navidad como cualquier otra, un género cambió para siempre. Duro de matar supuso una revolución que aún hoy celebran los cinéfilos de todo el mundo, entre otras cosas, porque la saga de McClane se convierte en un patio de juegos donde las más variadas conjeturas deambulan a sus anchas. ¿Es una reinterpretación de Sueño de una noche de verano? ¿Es la Torre de Babel? ¿Es un rito de iniciación? ¿Es aventura pura y dura? Quizás en su estructura clásica, en el carisma de Bruce Willis o en el luminoso momento de John McTiernan, resida el secreto. Un edificio altísimo, un matrimonio a punto de separarse y un grupo de ladrones que dicen ser patriotas. Todos conspiran para nuestra felicidad en la única chance de volver a vivir, en un glorioso 35 mm, esta maravilla. Sebastián De Caro

John McClane, a tough New York cop, travels to Los Angeles to spend Christmas with his family, but a group of terrorists appears, and with it one of the best action films in history. Let the Ninth Symphony play, McTiernan’s incomparable crystal jungle returns to theaters.

John McTiernan. (1951, Albany, Estados Unidos). Se graduó en Bellas Artes por el Conservatorio AFI. En tres décadas de carrera, dirigió entre otros Depredador (1987), La caza al Octubre Rojo (1990) y El último gran héroe (1993). (1951, Albany, USA). He graduated in Fine Arts from the AFI Conservatory. In a career that spans three decades, he directed Predator (1987), The Hunt for Red October (1990) and Last Action Hero (1993), among other films.

Estados Unidos - United States, 1988 132’ / 35 mm / COLOR / Inglés / Alemán / Italiano / Japonés English / German / Italian / Japanese

© 1988 Twentieth Century Fox Film Corporation. All rights reserved.

One Christmas night like any other, a genre changed forever. Die Hard meant a revolution that film buffs celebrate even today, among other things because McClane’s saga becomes a playground in which the most varied conjectures wander. Is it a reinterpretation of A Midsummer Night’s Dream? Is it the Tower of Babel? Is it an initiation rite? Is it an adventure, fair and square? Perhaps the secret lies in its classical structure, in Bruce Willis’ charisma or in John McTiernan’s luminous moment. A very high building, a marriage falling apart and a group of robbers who claim they’re patriots. All of it conspiring for our happiness in the only chance of reliving this marvel in glorious 35mm. SDC

D: John McTiernan / G: Jeb Stuart, Steven E. de Souza / F: Jan de Bont E: John F. Link, Frank J. Urioste / DA: John R. Jensen S: Al Overton, Robert Renga / M: Michael Kamen P: Lawrence Gordon, Joel Silver / PE: Charles Gordon : Twentieth Century Fox / I: Bruce Willis, Alan Rickman, Bonnie Bedelia, William Atherton, Alexander Godunov o / Park Circus Films. Cyndi Ex T +44 (0)141 332 2175 E [email protected] W parkcircus.com

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El gran Lebowski The Big Lebowski

Twenty years after its release, the fundamental comedy by the Coen brothers needed a stylish rescue, unlike that of the Dude in his rundown Gran Torino with Walter and a suitcase full of dirty underwear. The ‘90s comedy, and one of history’s best, has its well-deserved re-release at Bafici. I could list at least a hundred reasons why The Big Lebowski is one of the best comedies of all time. And everyone who’s seen it could, in turn, list their own one hundred reasons. “Shut up, Donny!”, “Nobody fucks with the Jesus!”, “Jackie Treehorn treats objects like women”, “You’re entering a world of pain”, “I don’t roll on Shabbos!”, the nihilists or the experimental band Autobahn. The Coens had just made Fargo, and this film came as a shock: I don’t anyone (myself included) who didn’t think this masterpiece was a minor film when it first came out. But, like any other cult phenomenon, with successive rewatches things started getting better. Much better. Much better than Fargo, to be honest. SC

Joel Coen & Ethan Coen. Joel y Ethan Coen (1954 y 1957, Mineápolis, Estados Unidos) son guionistas, productores y directores. Juntos dirigieron varios largos entre los que se destacan Fargo (1996, Óscar a mejor guion), ¿Dónde estás, hermano? (2000) y Sin lugar para los débiles (2007, Óscar a mejor película, dirección y guion). Joel and Ethan Coen (1954 and 1957, Minneapolis, USA) are screenwriters, producers and director. Together they have directed many films, including Fargo (1996, Best Screenplay Award), O Brother, Where Art Thou? (2000) and No Country for Old Men (2007, Oscar for Best Film, Best Director and Best Screenplay).

Estados Unidos - United States, 1998 118’ / D / COLOR / Inglés / Alemán / Hebreo / Español English / German / Hebrew / Spanish

Courtesy of Park Circus/Universal

A veinte años de su estreno, la comedia fundamental de los Coen necesitaba un rescate con estilo, no como el del Dude en su Gran Torino ruinoso con Walter y una valija llena de ropa interior sucia. La comedia de los 90, y una de las mejores de la historia, tiene en el Bafici su merecido reestreno. Podría enumerar al menos cien razones por las que El gran Lebowski es una de las mejores comedias de todos los tiempos. Y todos los que la vieron pueden, a su vez, enumerar sus propias cien. “Callate la boca, Donny”, “Nadie jode con El Jesús”, “Trata a los objetos como mujeres”, “Estás entrando en un mundo de dolor”, “No salgo en Shabat”, los nihilistas o la banda experimental Autobahn. Los Coen venían de hacer Fargo y esta película fue un baldazo de agua fría: no recuerdo a nadie (y me incluyo) al que esta maravilla no le haya parecido una película menor en el momento de su estreno. Pero, como todo fenómeno de culto, con las sucesivas revisiones la cosa se fue poniendo mejor. Mucho mejor. Mucho mejor que Fargo, a quién le vamos a mentir. Santiago Calori

D, G: Joel Coen, Ethan Coen / F: Roger Deakins / E: Joel Coen, Ethan Coen, Tricia Cooke / DA: John Dexter / S: Skip Lievsay M: Carter Burwell / P: Ethan Coen / PE: Tim Bevan, Eric Fellner : Working Title Films, Polygram Filmed Entertainment / I: Jeff Bridges, John Goodman, Julianne Moore, Steve Buscemi, Philip Seymour Hoffman o / Park Circus Films. Cyndi Ex T +44 (0)141 332 2175 E [email protected] W parkcircus.com

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Karate Kid The Karate Kid

Daniel, who has just arrived in California, must tolerate the bullying from his schoolmates every day. Luckily, he soon meets Miyagi, an old janitor who will teach him to wax on, wax off and become the best karate fighter in the city. One of the most inspiring and memorable films of the ‘80s. I didn’t want to see this movie. I took one look at the title and figured it was either (a) a sequel to Toenails of Vengeance, or (b) an adventure pitting Ricky Schroder against the Megaloth Man. I was completely wrong. The Karate Kid was one of the nice surprises of 1984: an exciting, sweet-tempered, heart-warming story with one of the most interesting friendships in a long time. (...) It was directed by John G. Avildsen, who made Rocky, and it ends with the same sort of climactic fight scene; Daniel faces his enemies in a championship karate tournament. But the heart of this movie isn’t in the fight sequences, it’s in the relationships. (...) The Karate Kid is a sleeper with a title that gives you the wrong idea: It’s one of 1984’s best movies. RE

John G. Avildsen. (1935, Chicago, Estados Unidos). Estudió en la Universidad de Nueva York y trabajó como asistente de dirección y director de fotografía antes de dedicarse a la dirección. Ganó el Óscar a Mejor Director por Rocky (1976). Falleció en Los Ángeles, en 2017. (1935, Chicago, USA). He studied at NYU and worked as assistant director and cinematographer before becoming a director. He won the Best Director Oscar for Rocky (1976). He died in Los Angeles in 2017.

Estados Unidos - United States, 1984 126’ / 35 mm / COLOR Inglés / Japonés - English / Japanese

© 1984 Columbia Pictures Industries, Inc. All Rights reserved

Daniel, recién llegado a California, debe tolerar diariamente el maltrato de sus compañeros de escuela. Afortunadamente, pronto conoce a Miyagi, un veterano conserje que le enseñará a encerar, pulir y ser el mejor karateca del lugar. Una de las películas más inspiradoras y memorables de los 80. No quería ver esta película. Miré el título una vez y me di cuenta de que sería (a) una secuela de Uñas del pie de venganza o (b) una aventura que enfrentaría a Ricky Schroder contra el Hombre Megaloth. Estaba totalmente equivocado. Karate Kid fue una de las lindas sorpresas de 1984: una emocionante, dulce y conmovedora historia con una de las amistades más interesantes en mucho tiempo. (...) Fue dirigida por John G. Avildsen, quien había hecho Rocky, y termina con el mismo tipo de escena de pelea climática: Daniel enfrenta a sus enemigos en un torneo de karate. Pero el corazón de esta película no está en las secuencias de pelea, sino en las relaciones. (...) Karate Kid es una sorpresa con un título que le da a uno la idea equivocada: se trata de una de las mejores películas de 1984. Roger Ebert

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D: John G. Avildsen / G: Robert Mark Kamen / F: James Crabe E: John G. Avildsen, Walt Mulconery, Bud Smith DA: John H. Anderson / S: Dean Hodges / P: Jerry Weintraub PE: R.J. Louis, Bud Smith / : Columbia Pictures / I: Ralph Macchio, Pat Morita, Elisabeth Shue, Martin Kove, Randee Heller o / Park Circus Films. Cyndi Ex T +44 (0)141 332 2175 E [email protected] W parkcircus.com

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Tiro de gracia Coup de Grace

Durante el día, un joven inconformista y sus amigos tratan de ganarse la vida con changas. Por las noches, naufragan en el Bar Moderno. Uno de los pocos documentos fílmicos existentes que retrata los inicios del rock en Argentina y la bohemia porteña de los años sesenta, recuperado por el Museo del Cine. Después de Racconto, un retrato sobre el esnobismo, Ricardo Becher fue por más. Con Sergio Mulet, inspirador, protagonista y coautor, crearon una película transgresora, filmada en la Buenos Aires de 1969. Rondando Florida y Paraguay, el Di Tella, el Bar Moderno y otros boliches, hay artistas plásticos, modelos y publicistas haciendo de sí mismos. Jóvenes viviendo una porteñidad en fuga, en los que introspección y deseos ocultos se mezclan con realidad. Un film sobre el amor, el desamor y esa primera generación de argentinos, hijos de españoles venidos a causa de la Guerra Civil, entre tradiciones heredadas e inquietudes frente a una realidad en movimiento. Una obra rupturista aún hoy, a medio siglo de su estreno y a años luz de otros films anteriores o posteriores. Raúl Manrupe

During the day, a non-conformist young man and his friends try to make a living by doing odd jobs. At night, they sink at the Moderno Bar. One of the few existing film documents that paints the beginnings of rock music in Argentina and the “Porteño” bohemia of the ‘60s, recovered by the Film Museum. After Racconto, a portrait of snobbery, Ricardo Becher went even further. With Sergio Mulet, inspirer, protagonist and co-writer, they created a transgressive film shot in the Buenos Aires of 1969. Wandering around Florida and Paraguay, the Di Tella Institute, the Moderno Bar and other venues, there are visual artists, models and ad executives playing themselves. Young people living a runaway “Porteñity,” for whom introspection and hidden desires mix with reality. A film about love, heartbreak and that first generation of Argentinians, the sons and daughters of Spanish people who came due to the Civil War, among inherited traditions and worries in the face of a reality in motion. Still a groundbreaking work, half a century after its release and light years away from other previous or later films. RM

Ricardo Becher. (1930, Buenos Aires). Director, guionista y periodista. Dirigió seis cortometrajes y cinco largometrajes. En 2006 el Bafici estrenó su última película El gauchito Gil: La sangre inocente y le dedicó un foco. Falleció en 2011. (1930, Buenos Aires). Director, screenwriter and journalist. He directed six shorts and five features. In 2006, Bafici premiered his final film, El gauchito Gil: La sangre inocente, and did a focus on his work. He died in 2011.

Argentina, 1969 / 87’ / DM / B&N / Español - Spanish D: Ricardo Becher / G: Javier Martínez, Sergio Mulet / F: Carlos Parera E: Oscar Souto / DA: Armando Sánchez / S: Aníbal Libenson M: Javier Martínez, Trío Manal / P: Tito Martínez / PE: Guillermo Smith I: Sergio Mulet, Franca Tosato, Javier Martínez, Roberto Plate o / Museo del Cine Pablo C. Ducrós Hicken. Leandro Listorti T 011 4307 1969 E [email protected] W museodelcineba.org

Se proyecta con / It is screened along with

Programa de publicidades de Ricardo Becher Program of commercials by Ricardo Becher 10’ / DM [21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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Trailers de medianoche Midnight Trailers

El Museo del Cine de Buenos Aires presenta una selección de trailers pertenecientes a su acervo fílmico en un amplio recorrido por el cine de explotación y por las joyas de culto argentinas y extranjeras. Proyectados en su formato original de 35 milímetros, estos adelantos ofrecen un vistazo a las particulares maneras en que productoras y distribuidoras apelaban al gusto (y al morbo) del público.

The Buenos Aires Film Museum presents a selection of trailers belonging to their film heritage, in a large journey through Argentine and foreign exploitation films and cult gems. Screened in their original 35mm format, these trailers offer a glance through the peculiar ways in which production companies and distributors appealed to the audiences’ taste (and morbidness).

50’ / 35 mm / Color

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[21] BAFICI

el buenos aires lab del [21] bafici es posible gracias a la colaboración y el apoyo de

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[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

Entre tantas películas que se ven para programar cada edición del BAFICI, hay algunas que aparecen en modo terminado, a las que conocemos en un estado definitivo y que se nos presentan con un talante plenamente asertivo. Hay otras –muchas– a las que vemos casi listas, con algunas probables modificaciones, con aclaraciones acerca de sus imágenes y sus sonidos. Y hay otras películas a las que conocimos antes, que se nos aparecen con historias previas, que se nos cruzaron en diversos caminos, que hemos vislumbrado en algún momento, a las que tal vez hemos visto arrancar y luego las hemos vuelto a ver, en pleno crecimiento, más de una vez.

Among the many films considered when programming each edition of BAFICI, there are some that appear in finished form, that we see in their definite state and that come to us with an assertive voice. There are many others that are almost ready, likely to suffer some changes, with observations regarding their images and sounds. And there are other films that we have come across earlier, that appear before us with previous stories, that we have run into in different circumstances, that we have caught a glimpse of at some point, that we have seen perhaps getting started and then again in their development stage, more than once.

Este año en el BAFICI, entre otras, tendremos Los tiburones (BAL 2017) en Competencia Internacional y La vida en común (BAL 2018) en Competencia Argentina. San Sebastián, Berlín, Cannes, Venecia, Locarno, Rotterdam, Sundance, BAFICI: estos y otros festivales de acá y de allá fueron, son y seguirán siendo puntos de llegada de las películas que fueron proyectos o fueron work in progress en el BAL, ese lugar de encuentro que ocurre cada año, en cada BAFICI, en los primeros días, y que es lo primero que termina en cada edición, con su ceremonia de premios cuando todavía el festival transita su primer fin de semana.

This year BAFICI features The Sharks (BAL 2017) in the International Competition and Living All Together (BAL 2018) in the Argentine Competition, among others. San Sebastian, Berlin, Cannes, Venice, Locarno, Rotterdam, Sundance, BAFICI: these and other festivals from here and there were, are and will continue to be the starting point for films that began as a project or work in progress at BAL, this annual meeting place held in every BAFICI, during its first days, and which ends first with an awards ceremony while the Festival is moving through its first week.

El BAL termina y las películas empiezan, arrancan, y otras veces ya arrancaron y empiezan a terminarse. Este año, otra vez, Agustina Costa Varsi y su equipo han trabajado con la responsabilidad y el entusiasmo habituales –es decir, un montón de cada cosa– para que el listado de películas con el sello del BAL que serán reconocidas aquí, allá y en todas partes siga creciendo, para que el cine latinoamericano siga en las buenas sendas y, sobre todo, para que encuentre nuevas y cada vez mejores.

BAL comes to an end and films begin, start up, and sometimes they have already started and begin to end. This year, once again, Agustina Costa Varsi and her team have worked with their usual responsibility and enthusiasm – a great amount of each – to ensure that the list of films carrying the BAL signature, which will get recognition here, there and everywhere, continues growing, to keep Latin American film on the right track and, especially, to help it find new and better pathways.

Javier Porta Fouz Director Artístico del [21] Bafici Artistic Director of [21] Bafici

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En esta edición, el BAL continúa enfocándose en darles un espacio a los productores y directores emergentes de Latinoamérica que buscan una plataforma desde donde lanzarse al mercado internacional, con una perspectiva integral que combina actividades de formación y networking, y con un esquema de premios que les permite a los proyectos alcanzar las etapas de producción y finalización. Los directores y productores que participan en el BAL reciben un seguimiento individual y personalizado por parte de tutores nacionales e internacionales, y tienen diálogos con profesionales invitados con los que, en un marco de intimidad y confianza, pueden discutir, debatir y compartir experiencias acerca de métodos de financiación, coproducción, ventas y distribución. Gracias a que los invitados son elegidos en base al perfil de los proyectos, las ediciones anteriores han demostrado ser realmente fructíferas, con numerosos acuerdos de ventas y distribución cerrados a partir de los encuentros generados durante el BAL. Cada año recibimos una gran cantidad de aplicaciones y el nivel cualitativo es muy alto, por lo que se requiere de un intenso y complejo proceso de debate para llegar a esta selección de catorce proyectos. Creemos que en ella se destacan voces originales y audaces que seguramente se presentarán en los mejores festivales del mundo, tal como lo han hecho los proyectos que participaron en las ediciones anteriores. Estos resultados, por supuesto, no serían posibles sin la extensa red de colaboradores que nos acompañan. Agradezco a Javier Porta Fouz, al equipo de BAFICI y Festivales de Buenos Aires, y especialmente a Facundo Lema, Camila Grisolia y todo el equipo del BAL, un verdadero dream team. En nombre de todos los que hacen posible el BAL cada año, ¡les doy la bienvenida a esta nueva edición!

In this edition, BAL continues focusing on providing emerging producers and directors from Latin America a platform to launch themselves into the international market, with a comprehensive approach including training and networking activities, and an award scheme that enables projects to reach production and completion stages. The directors and producers participating in BAL receive individual and personal advice from national and international tutors, engage in dialogue with guest professionals with whom, within an environment of privacy and trust, they can talk, debate and share experiences regarding funding, co-production, sales and distribution. Since guests are invited based on the profile of selected projects, our previous editions have proven to be really fruitful, with a number of sales and distribution agreements signed after a series of meetings during BAL. Every year, we receive a great number of submissions and the level of quality is really high, therefore we go through an intense and difficult process of debate to arrive at the selection of fourteen projects. We believe this list includes original and daring voices that will certainly be featured at the world’s major festivals, as has been the case with many of the projects that have participated in previous editions. These results, of course, wouldn’t be possible without the broad network of collaborators accompanying us. I would like to thank Javier Porta Fouz, the BAFICI and Buenos Aires Festivals teams, and especially Facundo Lema, Camila Grisolia and all the staff of BAL, who truly make up a dream team. On behalf of everyone who make BAL possible every year, I give you a warm welcome to this new edition!

Agustina Costa Varsi Directora de Buenos Aires Lab Director of Buenos Aires Lab

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JURADO / JURY Lucero Garzón Mexicana radicada en París, fue directora de ventas internacionales en Pyramide, donde se encargó de exportar más de 100 films; entre ellos, El botón de nácar, Wakolda e Infancia clandestina. En 2017 fundó Luz Verde, empresa de producción y venta de films latinoamericanos. Fue productora asociada de Los débiles (Berlín Forum 2018), La novia del desierto (Un Certain Regard 2017) y Los últimos. Actualmente trabaja con Nevada Cine en la coproducción de Adentro mío estoy bailando, proyecto ganador del BAL 2018. Coordina los encuentros de coproducción BAL-LAB del Festival de Biarritz Amérique Latine.

Born in Mexico and based in Paris, she was international sales director at Pyramide, responsible for exporting over 100 films, including El botón de nácar, Wakolda and Infancia clandestina. In 2017 she founded Luz Verde, a production and sales company for Latin American films. She served as associate producer for Los débiles (Berlin Forum 2018), La novia del desierto (Un Certain Regard 2017) and Los últimos. She is currently working with Nevada Cine in the co-production of Adentro mío estoy bailando, a winning project of BAL 2018. She coordinates the BAL-LAB co-production meetings at Festival Biarritz Amérique Latine.

Bárbara Sarasola-Day Nació en 1976 en Argentina. Estudió Ciencias de la Comunicación en la UBA, y tomó cursos de especialización en cine mientras vivía en Londres y Barcelona. Se graduó en el EAVE Producer’s Workshop en 2015. Entre 2000 y 2011 trabajó en equipos de producción y dirección en largometrajes, y en 2012 fundó Pucará Cine junto a Federico Eibuszyc. Como directora realizó Deshora y Sangre blanca. Produjo Rojo y El movimiento (Benjamín Naishtat), Tigre (Silvina Schnicer y Ulises Porra) y Candelaria (Jhonny Hendrix), entre otras. Es coguionista de El rocío (Emiliano Grieco) y La asfixia (Ana Bustamante).

She was born in 1976 in Argentina. She studied Communication Sciences at UBA, and took specialization courses in film while living in London and Barcelona. She graduated from the EAVE Producer’s Workshop in 2015. Between 2000 and 2011 she worked in feature films production and direction teams, and in 2012 she founded Pucará Cine along with Federico Eibuszyc. She directed Deshora and Sangre blanca and produced Rojo and El movimiento (Benjamín Naishtat), Tigre (Silvina Schnicer and Ulises Porra) and Candelaria (Jhonny Hendrix), among others. She co-wrote El rocío (Emiliano Grieco) and La asfixia (Ana Bustamante).

Antoine Thirion Crítico de cine y programador que reside en París. Se unió al comité de selección del Festival de Locarno en 2019, y también programa el Cinéma du Réel desde 2017. Entre 2001 y 2009 colaboró en Cahiers du Cinéma, y luego fundó la revista Independencia, que también funciona como compañía de producción, distribución y contenidos. Ha curado retrospectivas en el museo Jeu de Paume (James Benning, Lav Diaz) y en FID Marseille (Hong Sang-soo, Roger Corman, Isabelle Huppert). Es un guionista y autor ocasional, y ha colaborado en dos proyectos con Raya Martin: How He Died Is Controversial y UNdocumenta.

Based in Paris, he is a film critic and programmer. He ed the Locarno Festival selection committee in 2019 and has also been programming at Cinéma du Réel since 2017. A writer for Cahiers du Cinéma from 2001 to 2009, he then founded the magazine and production, distribution and publishing company Independencia. He has curated retrospectives at Jeu de Paume (James Benning, Lav Diaz) and at FID Marseille (Hong Sang-soo, Roger Corman, Isabelle Huppert). He is an occasional screenwriter and author, including two projects with Raya Martin, How He Died Is Controversial and UNdocumenta.

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PREMIOS WIP OTORGADOS POR EL JURADO WIP AWARDS GRANTED BY THE JURY

Premio Cubic Post. Cubic Post otorgará un premio de 5 (cinco) jornadas de corrección de color con colorista, 5 (cinco) jornadas de mezcla de sonido con operador y autoría de D. Estos servicios no son canjeables y tienen validez por 2 (dos) años. Los horarios para su realización serán acordados con la empresa de acuerdo con su disponibilidad. Cubic Post Award. Cubic Post will grant a prize consisting of 5 (five) colour correction sessions with a colourist, 5 (five) sound mixing sessions with an operator and the creation of a D. These services are not exchangeable and are valid for 2 (two) years. Dates and times will be arranged with the company according to availability.

Premio Edgar Allan Post. Edgar Allan Post otorgará un premio que consiste en la inserción de títulos iniciales (no incluye diseño, animación cuadro a cuadro o 3D), la realización de rodante final animado tradicional, 10 (diez) jornadas de corrección de color con el colorista Juan Manuel Casolati, 4 (cuatro) reuniones de consultoría de color, 1 (un) copiado a Blu-Ray Video sin menúes, la masterización de 1 (un) D sin KDM, 2K, y 1 (un) export a Quicktime Apple Pro Res 4444 o secuencia de cuadros DPX. Edgar Allan Post Award. Edgar Allan Post will grant a prize consisting of the insertion of the opening title sequence (design, frame-by-frame or 3D animation not included), the making of the traditional rolling end credits, 10 (ten) colour correction sessions with colourist Juan Manuel Casolati, 4 (four) colour counselling sessions, 1 (one) Blu-Ray Video copy without menus, the mastering of 1 (one) D without KDM, 2K and 1 (one) export to Quicktime Apple Pro Res 4444 or DPX frame sequence.

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Premio Kaiju. Kaiju otorgará un premio que consiste en el diseño de afiche para 1 (una) película, con fechas sujetas a disponibilidad del proveedor. Vigencia: 2 (dos) años desde la entrega del premio. Kaiju Award. Kaiju will grant a prize consisting of the poster design for 1 (one) film, dates are subject to availability. Valid for 2 (two) years.

Premio Lahaye Post. Lahaye otorgará un premio que consiste en el finishing de imagen 4k para un largometraje 2D. Incluye los siguientes servicios: conformado online 4K, sala de corrección de color (no incluye honorarios del colorista), masterizado de D, realización de D de un largometraje (10 copias), y realización de D de un trailer (10 copias). Vigencia: 18 (dieciocho) meses desde la entrega del premio. Lahaye Post Award. Lahaye will grant a prize consisting of a 4K finish for a 2D feature film. The following services are included: 4K online conform, colour correction suite (colorist’s fees not included), D mastering, creation of a D for a feature film (10 copies) and a D for a trailer (10 copies). Valid for 18 (eighteen) months after receiving the award.

Premio Estudios Ñandú. Ñandú otorgará un premio que consiste en hasta un máximo de 10 (diez) jornadas de 8 (ocho) horas de posproducción de sonido en sus instalaciones. Comprende tanto las salas como los equipos necesarios para los trabajos que se estipulen de común acuerdo. Estudios Ñandú Award. Ñandú grants a prize consisting of a maximum of 10 (ten) 8-hour sessions of sound post-production at its facilities, including the use of both studios and all necessary equipment for mutually agreed tasks.

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PREMIOS WIP OTORGADOS POR EL JURADO WIP AWARDS GRANTED BY THE JURY

Premio Pomeranec Música & Sonido. Pomeranec otorgará un premio que consiste en 80 (ochenta) horas de estudio de edición de sonido con operador y 16 (dieciséis) horas de estudio de premezcla con operador. Vigencia: 2 (dos) años desde la entrega del premio. Pomeranec Music & Sound Award. Pomeranec will grant a prize consisting of 80 (eighty) studio hours for sound editing with an operator and 16 (sixteen) hours for premixing with an operator. Valid for 2 (two) years after receiving the award.

Premio Studio212. Studio 212 otorgará un premio de creación gráfica valorado en USD 10.000 (diez mil dólares). Incluye la creación del póster principal de una película ganadora de la sección Work in Progress y su declinación en diferentes formatos. La creación del póster se hará en tres ejemplares para que el productor seleccione. También se propondrá la creación del dossier de prensa y diferentes declinaciones digitales que puedan ser necesarias. Estas creaciones serán libres de derechos y podrán ser utilizadas por la industria libremente con la condición de insertar el logo de la empresa en los créditos de dicha creación en su uso. Studio212 Award. Studio 212 will grant a graphic creation prize worth USD 10.000 (ten thousand dollars). It includes the design of the main poster for the winning Work in Progress and its adaptation to different formats. Three versions of the poster will be created for the producer to choose from. The prize also includes the creation of a press kit and different digital pieces as needed. These creations will be copyright free and can be used freely with the condition of inserting the company’s logo in the credits of each piece.

Premio Talkbox. Talkbox otorgará un premio que consiste en la traducción al inglés o español y edición de subtítulos del corte final del largometraje ganador, la lista de diálogos en inglés o español en archivo .doc y la incrustación de subtítulos en copia DM. En caso de que la película ya cuente con subtítulos en ambos idiomas, se podrá optar por la traducción a un tercer idioma como portugués o italiano, o utilizar el premio para una posterior película del director o productor. Vigencia: 2 (dos) años desde la entrega del premio. Talkbox Award. Talkbox will grant a prize consisting of subtitles translation (into English or Spanish) and editing of the film’s final-cut, the list of dialogues in English or Spanish in a .doc file and the insertion of subtitles onto a DM. If the film already has subtitles in both languages, the translation can be done into a third language such as Portuguese or Italian, or the prize can be used for a future film of the winning director/producer. Valid for 2 (two) years after receiving the award.

Premio Tres Sonido. Tres Sonido otorgará un premio de 5 (cinco) jornadas de mezcla en sala con certificación Dolby 7.1 (incluye mezclador). Sujeto a disponibilidad y con vigencia de 1 (un) año. Tres Sonido Award. Tres Sonido will grant a prize consisting of 5 (five) mixing sessions in a Dolby 7.1 certified room (including mixer). Subject to availability. Valid for 1 (one) year.

Premio Zebra Films. Zebra Films otorgará un premio que consiste en conformado, 5 (cinco) jornadas de corrección de color con colorista y generación de D. Zebra Films Award. Zebra Films will grant a prize consisting of conforming, 5 (five) colour correction sessions with colourist and the creation of a D.

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PREMIOS LAP OTORGADOS POR EL JURADO LAP AWARDS GRANTED BY THE JURY

Premio Alucine. Alucine otorgará un premio que consiste en el servicio de equipamiento HD/4K Cámara Red Scarlet por el término de 10 (diez) jornadas de rodaje, sujetas a disponibilidad. Incluye cámara, lentes y rios correspondientes y tiene una vigencia de 2 (dos) años. Alucine Award. Alucine will grant a prize consisting of the use of the Red Scarlet HD/4K camera equipment for 10 (ten) shooting sessions, subject to availability. Including camera, lenses and corresponding accessories. Valid for 2 (two) years.

Premio Rotterdam Lab. El Festival Internacional de Rotterdam invita a un productor a participar del Rotterdam Lab. La invitación cubre el hospedaje, la acreditación y el costo de inscripción. Rotterdam Lab Award. International Film Festival Rotterdam invites a producer to attend the Rotterdam Lab. The invitation covers accommodation, accreditation and participation fee.

Premio Cacodelphia. Cacodelphia otorgará un premio que consiste en 10 jornadas de equipamiento 4K. Incluye cámara, lentes y rios y tiene una vigencia de 2 (dos) años desde la otorgación del premio.

Premio Talkbox. Talkbox otorgará un premio que consiste en la traducción de guion, sinopsis y tratamiento de la película, y el servicio de subtitulado del teaser. Vigencia: 2 (dos) años desde la entrega del premio.

Cacodelphia Award. Cacodelphia will grant a prize consisting of the use of 4K equipment for 10 sessions. Including camera, lenses and accessories. Valid for 2 (two) years after receiving the award.

Talkbox Award. Talkbox will grant a prize consisting of the translation of the film’s screenplay, synopsis and treatment, and teaser subtitling. Valid for 2 (two) years after receiving the award.

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PREMIOS E INVITACIONES A PARTICIPANTES DEL BAL AWARDS AND INVITATIONS TO BAL PARTICIPANTS

Premio ARTEKino International. ARTE otorgará el Premio Internacional ARTEKino de € 6.000 (seis mil euros) a un participante del LAP del BAL. El premio será otorgado por Rémi Burah, vicepresidente ejecutivo senior de ARTE Cinéma, que ha participado en la producción de casi seiscientas películas de destacados realizadores ses e internacionales. También es director general de ARTE/Cofinova, un fondo de inversión para el cine creado por ARTE en 2004, y presidente del ARTE Kino Endowment Fund. ARTEKino International Prize. ARTE will grant the ARTEKino International Prize of € 6.000 (six thousand euros) to a participant of the BAL’s LAP. The ARTE award will be granted by Rémi Burah, SEVP of ARTE Cinéma, who has participated in the production of nearly six hundred films by major French and international filmmakers. He is also Managing Director of ARTE/Cofinova, a cinema investment fund created by ARTE in 2004, and President of ARTE Kino Endowment Fund.

Premio FIDMarseille FIDLab. Un proyecto WIP o LAP será invitado a la próxima edición del FIDLab. Fidmarseille FIDLab Award. A WIP or LAP project will be invited to participate in the next edition of FIDLab.

Premio Producers Workshop. El BAL invita a un productor a asistir al Marché du Film del Festival de Cannes para participar del Producers Workshop. La invitación cubre el pasaje aéreo y la acreditación. Producers Workshop Award. BAL invites a producer to attend the Marché du Film at Cannes Film Festival to participate in the Producers Workshop. The invitation covers the airfare and the accreditation fee.

Premio Vitrine Filmes. Vitrine otorgará a un proyecto WIP no brasileño un premio que consiste en un contrato de distribución de la obra en territorio brasileño en salas de cine, TV y otras ventanas. Los términos del contrato serán acordados entre el ganador y Vitrine Filmes. Fundada en 2010 por Silvia Cruz, Vitrine Filmes es una empresa dedicada principalmente a la distribución de películas brasileñas autorales, que busca la valoración del cine nacional y del cine independiente mundial a partir de sus títulos internacionales. Vitrine Films Award. Vitrine will grant a prize to a non-Brazilian WIP consisting of a distribution deal for the project to show in Brazilian territory, in cinemas, on TV and other platforms. The of the contract will be agreed between the winner and Vitrine Filmes. Founded in 2010 by Silvia Cruz, Vitrine Filmes is a company dedicated mainly to distribution of Brazilian auteur films, which aims at raising the profile of national cinema and world independent cinema through its international titles.

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BAL - Work in Progress (WIP)

Brasil / Brazil - Portugal

A vida são dois dias Life Is Two Days

Título original / Original title : A vida são dois dias Género / Genre : Ficción / Fiction Duración / Running time : 80’ Presupuesto estimado / Estimated budget  : USD 76.039 Fondos recaudados / Funds raised : USD 56.700 Compañía productora / Production company : Praia à Noite

Rómulo se muda a Río de Janeiro después de dejar la ciudad de Fortaleza. Un día, el ensayo de su banda se ve interrumpido cuando un auto choca a su moto estacionada. Rómulo sigue los rastros de aceite que lo llevan hasta el departamento de Viktória, una famosa actriz. Este será el comienzo de una noche extraña, que solo terminará cuando los primeros rayos del sol alcancen el rostro de Rómulo. Miriam, una joven brasilera que está haciendo un máster en Portugal, trata de conseguir algo de dinero vendiendo libros. Su novia le presenta a Orlando, hermano gemelo de Rómulo, un joven insensible que trabaja como intermediario entre ladrones de libros y coleccionistas adinerados. Ese mismo día, Orlando recibe los originales de un libro escrito por su hermano gemelo, con quien, por decisión propia, no tiene relación. La excentricidad del libro termina lanzando a Miriam y Orlando a un juego inesperado donde la realidad, la ficción, el espacio y el tiempo están distorsionados y se confunden.

Rómulo moves to Rio de Janeiro after leaving Fortaleza. One day his band’s rehearsal is interrupted by a car colliding with his parked motorcycle. Rómulo follows a trail of oil leading to Viktória’s apartment, a famous actress. This will be the beginning of a strange night, which will only end when the first rays of sun touch Romulo’s face. Miriam, a Brazilian girl who attends a master’s degree in Portugal, tries to get some money by selling books. Miriam’s girlfriend introduces her to Orlando, Rómulo’s twin brother, a cold-blooded young man who es books from petty thieves to wealthy collectors. On that same day, Orlando receives the originals of a book written by his twin brother, with whom, of his own volition, Orlando has no relation. The eccentricity of the book ends up launching Miriam and Orlando in an unexpected game in which reality, fiction, space and time are distorted and confused.

Motivación del director

Director’s statement

Mi relación con el cine nace de la urgencia de confrontar una ciudad hostil, Fortaleza, de una forma creativa, con el fin de construir un lugar donde fuera posible vivir con mi equipo, integrado por amigos. Esta película surge del deseo de hablar sobre la familia, el arte y sus contradicciones en tiempos de crisis. En un tono de comedia dramática, el film habla sobre el extraño reencuentro entre dos hermanos y el camino por medio del cual pueden volver a quererse.

My relationship with cinema is born from the urgency of confronting a hostile city, Fortaleza, in a creative way, in order to build a possible place to live with my team, made up of friends. This movie arises from the desire to talk about family, art, and their contradictions in times of crisis. In a dramatic comedy tone, the film speaks of the strange reconnection between two brothers and the path by which they can return to love each other.

Director

Leonardo Mouramateus Es director y guionista. Sus películas, que incluyen más de 10 cortometrajes y el largometraje António um dois três, fueron presentadas y premiadas en importantes festivales.

He is a director and screenwriter. His films, which include more than 10 short films and the feature film António um dois três, were shown and awarded at important festivals.

Productora / Producer

Clara Bastos Es responsable de la productora Praia à Noite y de la residencia artística Trincheira. Estudió cine y producción audiovisual en la UFC y abogacía en UNIFOR.

She is responsible for Praia à Noite Cinematographic Productions and Trincheira Artistic Residency. She studied Cinema and Audiovisual Production at UFC and Law at UNIFOR.

o / Leonardo Mouramateus T +55 219 9744 3519 E [email protected] [21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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BAL - Work in Progress (WIP)

Argentina

Angélica y los espíritus Angelica

Título original / Original title : Angélica y los espíritus Género / Genre : Ficción / Fiction Duración / Running time : 87’ Presupuesto estimado / Estimated budget : USD 300.000 Fondos recaudados / Funds raised : USD 240.000 Compañía productora / Production company : Ajímolido Films

Angélica va a cumplir cuarenta años, no trabaja y vive en la casa de su madre. Su mayor ocupación consiste en hostigar a su exnovio y a las mujeres que estuvieron con él. Su madre murió poco tiempo atrás, y la casa, en la que Angélica pasó su infancia, va a ser demolida para construir un edificio. A escondidas de su hermana, Angélica vuelve a la casa, se mete por atrás, rompe un vidrio y entra. Para salir de la casa, se disfraza con el vestido y la peluca de su madre, y se infiltra en el cumpleaños de una rubia que salió con su exnovio. Allí conoce al padre de la rubia, Alfonso, que le lleva más de treinta años, y con él inicia un desfasado romance. De vuelta en la casa, mientras revisa el altillo, Angélica escucha cómo entran los obreros. Refugiada como un fantasma, Angélica convive con la demolición, representando una mentira para su hermana, otra para Alfonso, otra para ella misma.

Angélica is about to turn forty; she doesn’t work and lives in her mother’s house. All she does is bothering her ex-boyfriend and the women he dated. Her mother died not so long ago, and the house where Angélica spent her childhood is about to be demolished to build apartments. Angélica returns to the house behind her sister’s back and breaks in through the back window. Angélica puts on her mother’s dress and wig to leave the house and crashes into the birthday party of a blond girl who dated her ex-boyfriend. There she meets the blond girl’s father, Alfonso, who is more than thirty years older than her, and they begin an odd romance. Back home, while looking around in the attic, Angélica hears when workers get into the house. Taking refuge like a ghost, Angélica stays while demolition is in progress, living a lie for her sister, another for Alfonso, and another one for herself.

Motivación de la directora

Director’s statement

La casa de Olivos, el escenario principal de esta película, es una casa de mi familia. Nunca vivimos en familia ahí porque fue heredada por varias personas. Hace tiempo que está deshabitada y se está por vender para construir un edificio. La nostalgia por esta demolición generó la motivación para contar la historia de Angélica, una mujer que se resiste a los cambios, que siente un lugar de pertenencia, pero que está obligada a moverse. Porque, si uno no se mueve, desaparece.

The house in Olivos, the main setting for this film, is owned by my family. We never lived there as a family because it was inherited by several people. It’s been uninhabited for a long time and is about to be sold for a building project. A nostalgia for the house has inspired me to tell the story of Angélica, a woman who resists change, who feels a place of belonging, but who is forced to move out. Because, if you don’t move, you disappear.

Directora / Director

Delfina Castagnino Dirigió Lo que más quiero (ganadora en Bafici, TIFF, SSIFF y BFI, entre otros). Fue montajista de más de treinta películas; entre ellas, de Lisandro Alonso, Santiago Mitre, Anahí Berneri y Matías Piñeiro. Ganó un premio SAE a Mejor Montaje.

She directed Lo que más quiero, a winning film at Bafici, TIFF, SSIFF and BFI, among others. She has edited more than thirty movies, including works by Lisandro Alonso, Santiago Mitre, Anahí Berneri and Matías Piñeiro. She won a SAE award for Best Editing.

Productor / Producer

Alejandro Israel Fue productor ejecutivo de El invierno, de Emiliano Torres (Competencia Oficial del 64º Festival de Cine de San Sebastián), y Al desierto, de Ulises Rosell (estreno mundial en San Sebastián 2017), entre muchas otras.

He executive produced El invierno, by Emiliano Torres (Official Selection of the 64 th San Sebastian Film Festival), and Al desierto, by Ulises Rosell (world premiere at San Sebastian 2017), among many others.

o / Alejandro Israel T +54 9 11 5185 1568 E [email protected] 342

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

BAL - Work in Progress (WIP)

argentina - bolivia

Chaco Título original / Original title : Chaco Género / Genre : Ficción / Fiction Duración / Running time : 90’ Presupuesto estimado / Estimated budget : USD 300.000 Fondos recaudados / Funds raised : USD 235.000 Compañías productoras / Production companies : Color Monster, Pasto, Murillo Cine

1932, Bolivia en guerra con Paraguay. Un grupo de soldados indígenas bolivianos, aymaras y quechuas es comandado por el General Hans Kundt, militar retirado en el ejército de su Alemania natal y convocado por la milicia boliviana. La tropa camina perdida buscando a su enemigo paraguayo en medio de la espesura y sequedad del Chaco. Divididos, delirantes y solitarios, buscan a un enemigo paraguayo que jamás encontrarán. Sedientos y enfermos, van muriendo uno a uno, abatidos por el Chaco y la desolación. En este eterno peregrinaje, se encontrarán con que sus propias miserias son su único enemigo.

1932, Bolivia is at war with Paraguay. A group of Bolivian, Aymara and Quechuan indigenous soldiers is commanded by General Hans Kundt, a retired soldier who served in his native and has been called by the Bolivian army. The troop walks aimlessly in search of the Paraguayan enemy in the middle of the dense and dry Chaco forest. Divided, delirious and lonely, they look for a Paraguayan enemy that they won’t ever find. Thirsty and sick, they start dying one by one, overcome by Chaco and its desolation. In this eternal pilgrimage, they will come to realize that their miseries are their only enemy.

Motivación del director

Director’s statement

El Chaco y la guerra rondan en la memoria de mi familia como en la de todas las familias bolivianas. La gran mayoría de nosotros tenemos un familiar que se reclutó o fue obligado a luchar en esa guerra. Construir nuestra película significa recuperar una parte de la memoria de mi país al exponer mi punto de vista sobre aquella contienda de la que me siento parte. Considero que, a pesar de que en esas tierras calientes y difíciles del Chaco se establecieron algunas de las políticas sociales de la Bolivia moderna, aún no terminamos de aclarar ni aclararnos muchos aspectos y consecuencias de lo que significó ese horror en la familia boliviana.

The Chaco and war haunt the memory of my family as well as of all Bolivian families. Most of us have a relative who enrolled or was forced to fight in that war. Making our film means recovering a part of my country’s memory by exposing my point of view on such armed conflict that I feel part of. I think that, despite some social policies in modern Bolivia were established in those hot and difficult lands of the Chaco, we haven’t yet clarified, for others and ourselves, many aspects of that horror and its impact on the Bolivian family.

Director

Diego Mondaca Nació en Bolivia en 1982. Estudió en la EICTV, en Cuba. Realizó el corto documental La chirola (IDFA, Biarritz) y el largo documental Ciudadela, con el apoyo de World Cinema Fund y Jan Vrijman Fund. Chaco es su primera película de ficción.

He was born in Bolivia in 1982. He studied at EICTV, in Cuba. He made the documentary short La chirola (IDFA, Biarritz) and the documentary feature Ciudadela, with the of the World Cinema Fund and Jan Vrijman Fund. Chaco is his first fiction film.

Productora / Producer

Georgina Baisch Estudió producción cinematográfica en la ENERC. Trabaja en el sector desde 2008, y en 2015 participó del Talents Buenos Aires. En 2014, junto a Cecilia Salim, creó la productora Murillo Cine.

She studied filmmaking at ENERC. She has worked in the industry since 2008, and participated in the 2015 Talents Buenos Aires. In 2014, along with Cecilia Salim, she created the production company Murillo Cine.

o / Georgina Baisch T +54 911 3385 7199 E [email protected] [21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

343

BAL - Work in Progress (WIP)

Perú

Crónicas amazónicas Amazon Chronicles

Título original / Original title : Crónicas amazónicas Género / Genre : Documental experimental / Experimental documentary Duración / Running time: 80’ Presupuesto estimado / Estimated budget : USD 100.000 Fondos recaudados / Funds raised : USD 80.000 Compañía productora / Production company : HDPerú

Cientos de personas llegan a diario a los puertos de Yurimaguas y Nauta para embarcarse en los navíos de carga que conectan los diferentes pueblos a lo largo del río Amazonas. Crónicas amazónicas es una experiencia sensorial inmersiva que muestra la vida en los puertos y comunidades indígenas del río Amazonas. Los barcos son el principal medio de transporte para los indígenas, en viajes que pueden durar semanas. En los puertos, los cargadores acarrean toneladas de cebollas, azúcar, aceite y productos de primera necesidad para llenar las bodegas del siguiente barco que partirá rumbo a los confines de la Amazonía. Los cuerpos de los cargadores nos remiten a los fantasmas del postcolonialismo, que regresan trayendo consigo la memoria de la esclavitud y el genocidio ocasionados por el devastador boom del caucho a fines del siglo XIX.

Every day hundreds of people come to the ports of Yurimaguas and Nauta to go on board cargo ships that connect different villages along the Amazon river. Amazon Chronicles is a sensory experience that shows the life in the ports and indigenous communities along the Amazon river. Boats are the primary means of transportation for indigenous people, whose journeys may last weeks. At the ports, dockworkers stow tons of onions, sugar and necessity goods in the hold of the next ship to set sail towards the Amazonia. The bodies of dockworkers remind us of the ghosts of post-colonialism, who return bringing with them memories of the slavery and genocide caused by the rubber boom in the late 19 th century.

Motivación de los directores

Directors’ statement

El deseo de contar esta historia nació hace más de diez años, cuando navegamos por primera vez a bordo de un barco de carga y cruzamos todo el río Amazonas, desde su naciente en Pucallpa hasta la desembocadura de su cauce en el Océano Atlántico. Allí conocimos personajes carismáticos e historias dignas de ser llevadas al cine, y desde entonces viajamos todos los años a bordo de estos barcos que surcan a diario el Amazonas. Crónicas amazónicas es una investigación del tiempo cinematográfico, donde se privilegia el transcurso real del tiempo y los planos secuencia sin cortes.

The desire to tell this story emerged more than 10 years ago, when we navigated for the first time on board a cargo ship and crossed the entire Amazon river, from its source in Pucallpa to its mouth in the Atlantic Ocean. There we met charismatic people and heard stories worth telling on the big screen. Since then we have traveled every year on these ships plowing the Amazon waters on a daily basis. Amazon Chronicles is an exploration of cinematographic time, focusing on showing the real course of time and long takes without cutting.

Directores y productores / Directors and producers

Diego Sarmiento Pagán & Álvaro Sarmiento Pagán Río verde. El tiempo de las yakurunas (2017), su primer largometraje, se estrenó en el 67° Festival de Cine de Berlín y en el MoMA Doc Fortnight. Sembradoras de vida (2019), su segundo largometraje documental, se estrenó en la 69 a Berlinale.

Río verde. El tiempo de las yakurunas (2017), their debut feature film, was premiered at the 67 th Berlinale and at MoMA Doc Fortnight. Sembradoras de vida (2019), their second documentary feature, was premiered at the 69 th Berlinale.

o / Álvaro Sarmiento Pagán T + 51 99 214 8470 E [email protected] 344

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

BAL - Work in Progress (WIP)

Argentina - Brasil / Brazil

Esquí Título original / Original title : Esquí Género / Genre : Documental / Documentary Duración / Running time : 70’ Presupuesto estimado / Estimated budget : USD 150.000 Fondos recaudados / Funds raised : USD 8.000 Compañía productora / Production company : Un Puma

Esquí se plantea como un documental de análisis visual que busca descubrir el universo oculto de las relaciones laborales que se generan en la ciudad de Bariloche durante el esplendor de su temporada alta. Este documental construirá su narrativa con la otra cara de la ciudad, la de sus entramados laborales invisibilizados, la del detalle de la vida cotidiana del trabajador, la ciudad de las luces pequeñas, humildes, el lado oscuro de la gran montaña. Sobre todo en Latinoamérica, donde estas luchas, en ciudades supuestas como meramente turísticas, se replican ad eternum.

Esquí is presented as a documentary of visual analysis, which seeks to uncover the hidden world of work relations emerging in the peak of the high season in the city of Bariloche. This documentary will build its narrative on the other side of the city, the one with its invisible work structures, the one looking into workers’ everyday life, the city of the small, humble lights, the dark side of the big mountain. Especially in Latin America, where these struggles, in cities conceived as merely tourist destinations, reproduce endlessly.

Motivación del director

Director’s statement

Haré esta película porque sé que hay saberes que son de cierta obviedad pasmosa, pero yo considero que lo obvio, si es injusto y desleal, debe ser retratado del modo más crítico posible. Y la naturaleza de mi ciudad (con sus miserias y sus virtudes) genera imágenes de características únicas capaces de producir reflexiones e inquietudes en cualquier lugar del mundo.

I will make this film because I know that there are ideas that are incredibly obvious, but I consider that the obvious, if unfair and disloyal, must be portrayed in the most critical way. And the nature of my hometown (with its miseries and virtues) offers unique images that can inspire reflection and questioning anywhere in the world.

Director

Manque La Banca Director y realizador audiovisual. Dirigió, entre otros, T.R.A.P. (Berlinale Shorts 2018) y Los muertos dos (largometraje ganador del premio La Plata Filma en FESAALP 2018).

A director and filmmaker, he directed T.R.A.P. (Berlinale Shorts 2018) and Los muertos dos (La Plata Filma Award winning feature at FESAALP 2018), among others.

Productor / Producer

Jerónimo Quevedo Es uno de los socios de la productora Un Puma. Produjo, entre otros, El auge del humano (Eduardo Williams), Adiós entusiasmo (Vladimir Durán) y Shakti (Martín Rejtman).

He is a founding member of production company Un Puma. He produced El auge del humano (Eduardo Williams), Adiós entusiasmo (Vladimir Durán) and Shakti (Martín Rejtman), among others.

o / Jerónimo Quevedo T +54 911 5303 8833 E [email protected] [21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

345

BAL - Work in Progress (WIP)

Chile - Argentina - Perú / Peru

Todas vuelven They All Come Back

Título original / Original title : Todas vuelven Género / Genre : Drama, musical, comedia / Drama, musical, comedy Duración / Running time : 92’ Presupuesto estimado / Estimated budget : USD 516.340 Fondos recaudados / Funds raised : USD 506.000 Compañía productora / Production company : Don Quijote Films

Son los días previos a Navidad. Diez años han pasado desde que Lina (40) viajó a Chile para trabajar como empleada doméstica lejos de su hijo Junior (16), que vive con su abuela en Perú. Manuel (42), un antiguo patrón, le encarga supervisar la construcción, en su nueva casa, de una piscina para su hija Clara (10). En este espacio a medio habitar, Lina pasa el día al cuidado de Clara, mientras por las noches tiene furtivos encuentros sexuales con desconocidos que la confrontan con su profunda soledad.

It’s Christmas time. Ten years have ed since Lina (40) travelled to Chile to work as a housekeeper, leaving behind her son Junior (16) with his grandma in Peru. Manuel (42), a former employer, sends her to his new house to supervise the construction of a swimming pool for his daughter Clara (10). In this half-inhabited space, Lina spends the day looking after Clara, while at night she has furtive sexual encounters with strangers, which leads her to face her deep loneliness.

Motivación de la directora

Director’s statement

Todas vuelven nace de la observación documental en torno a las problemáticas actuales de la migración en Chile. Una investigación en la que me detuve a observar las profundas contradicciones de personas en tránsito, inmersas en la ciudad de Santiago. En esta búsqueda, me encontré con inmigrantes latinoamericanos que, más que vivir sumidos en la miseria o la desesperación, parecían avanzar sin mirar atrás, cargando consigo fuertes carencias emocionales. Personas que, sumergidas en un precario presente, iban reformulando constantemente su relación con un pasado que dejaron lejos y con las expectativas de un futuro que no necesariamente se ve auspicioso.

They All Come Back emerged from the documentary study of current migration issues in Chile. An investigation in which I carefully observed the contradictions of people in transit, immersed in the city of Santiago. In this search, I found Latin American immigrants who, rather than living in misery or despair, seemed to walk forward never looking back, though suffering emotional deprivation. People who, trapped in a precarious present, were constantly reformulating their relationship with a past they left behind and with the expectations of a not precisely bright future.

Directora / Director

María Paz González Nació en Temuco, Chile, en 1981. Estudió periodismo en la Universidad de Chile, y se especializó en escritura audiovisual y realización cinematográfica. Desde 2004 trabaja en diferentes áreas de la producción audiovisual. En 2011 realizó su primer documental, Hija.

She was born in Temuco, Chile, in 1981. She studied journalism at the Universidad de Chile, and specialized in screenwriting and filmmaking. Since 2004 she has worked in different roles of film production. In 2011, she made her first documentary, Hija.

Productores / Producers

Giancarlo Nasi & Maite Alberdi Con Don Quijote Films produjeron Marilyn (Martín Rodríguez, 2018), Los versos del olvido (Alireza Khatami, 2017), Jesús (Fernando Guzzoni, 2016) y La tierra y la sombra (César Acevedo, 2015), entre otras.

With Don Quijote Films they produced Marilyn (Martín Rodríguez, 2018), Los versos del olvido (Alireza Khatami, 2017), Jesús (Fernando Guzzoni, 2016) and La tierra y la sombra (César Acevedo, 2015), among others.

o / Giancarlo Nasi T +56 9 9864 8004 E [email protected] 346

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

BAL - Work in Progress (WIP)

Argentina - Colombia

Un cuadro japonés A Japanese Painting

Título original / Original title : Un cuadro japonés Género / Genre : Ficción / Fiction Duración / Running time: 90’ Presupuesto estimado / Estimated budget : USD 250.000 Fondos recaudados / Funds raised : USD 50.000 Compañías productoras / Production companies : Servo Cine, Un Puma

Mateo es extranjero: deja todo por un amor que conoce en un seminario de antropología en Canadá. A las pocas semanas de instalarse en su nueva ciudad, Buenos Aires, la mujer de la que se enamoró lo deja de manera abrupta. Decide volver a Colombia, pero cuando el taxi que lo llevará al aeropuerto lo viene a buscar es incapaz de irse. Se queda en la ciudad sin saber qué hacer. Por inercia, termina en una relación con una amiga de su ex, Ana. Cuando se cumplen tres años de estar en Buenos Aires, viaja con Ana a la casa de campo de Dana, una amiga en común, en Entre Ríos, donde también van a estar el hermano menor de Dana y su novio, Valentín. Un cuadro japonés muestra las relaciones entre ellos, que surgen simultánea o sucesivamente; es, en un inicio, una contemplación de esa convivencia y todo lo que de ella se va desprendiendo.

Mateo is a foreigner: he leaves everything for someone he meets in an anthropology seminar in Canada. A few weeks after settling down in a new city, Buenos Aires, the woman he fell in love with leaves him suddenly. He decides to return to Colombia, but when the taxi that is taking him to the airport arrives he can’t leave. He stays in the city without knowing what to do and ends up in a relationship with Ana, a friend of his ex. After three years in Buenos Aires, he travels with Ana to the country house of a common friend, Dana, in Entre Ríos, where Dana’s younger brother and boyfriend, Valentín, are also staying. A Japanese Painting shows the relationships between them, emerging simultaneously or in succession; it is, at first, a contemplation of their living together and everything that happens as a result.

Motivación del director

Motivación del director

Un cuadro japonés no abandona nunca la ambigüedad de un posible realismo y va tomando la forma de los sueños o de la memoria. Lo verosímil se trenza con lo onírico, y todo es narrado en una misma continuidad y tono. Inspirados en cierta tradición onírica, el deseo es que la película tenga una forma superpuesta y difusa, que sea un intento por utilizar al sueño no solo como un simple proveedor de imágenes sino como todo un modelo compositivo.

A Japanese Painting never abandons the ambiguity of a possible realism and takes the shape of dreams or the memory. Real-world images are combined with oneiric elements, and everything is narrated in the same line and tone. Inspired by some oneiric tradition, the idea is for the film to take on a blurred and overlapped form, to use dreams not only as a source of images but as a compositional model.

Director

Vladimir Durán Su cortometraje Soy tan feliz fue nominado a la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Adiós entusiasmo, su primer largometraje, se estrenó en la Berlinale y fue premiado en el Bafici 2017.

His short film Soy tan feliz was nominated for the Palm d’Or at Cannes. Adiós entusiasmo, his debut feature, was premiered at Berlinale and awarded at Bafici 2017.

Productora / Producer

Joyce Ventura En 1971 cofundó la empresa productora UNO en Bogotá. Entre los más de 15 largometrajes que produjo se encuentran Gamín y Tropical Snow, de Ciro Durán. Dirigió el cortometraje No hay mal que dure cien años (Gran Premio en el Festival de Cine de Moscú 1983).

In 1971 she co-founded the production company UNO in Bogota. She has produced more than 15 features, including Gamín and Tropical Snow, by Ciro Durán. She directed the short No hay mal que dure cien años (Grand Prize at Moscow Film Festival 1983).

o / María Victoria Marotta T +54 9 11 5958 2918 E [email protected] [21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

347

BAL - Laboratorio de Producción (LAP)

Chile

Ars culinaria Título original / Original title : Ars culinaria Género / Genre : Ficción / Fiction Duración / Running time : 80’ Presupuesto estimado / Estimated budget : USD 700.000 Fondos recaudados / Funds raised : USD 25.000 Compañía productora / Production company : Capicúa Films

La película transcurre en el oscuro Chile de los años 80. Un exchef de cocina, cesante y arruinado tras el comienzo de la dictadura, recibe de forma azarosa una propuesta de empleo: dar charlas culinarias. Sin darse cuenta, se convierte en una figura aclamada por el pueblo –por lo tanto, peligrosa para el régimen– que es necesario eliminar.

The film is set in the dark Chile of the 1980s. A former chef, jobless and ruined at the beginning of the dictatorship, gets offered a job: giving culinary talks. Without even noticing, he becomes a widely acclaimed figure – therefore, dangerous for the regime – who needs to be eliminated.

Motivación del director

Director’s statement

Siempre me fascinaron los temas simples que abordan cuestiones trascendentes. Hablar del arte de la cocina, partir de lo más básico, extrapolarlo en un contexto de restricciones, sin libertad, y hacer del resultado un cuestionamiento sobre nuestra identidad, sobre nuestros anhelos y sobre lo absurdo de las represiones políticas permanentes. El film da cuenta de los poderes subterráneos irrevocables que pueden existir en toda sociedad, pero también del valor de la palabra, de la comunión de ideas y de sueños, aunque estas escapen de pesos o colores políticos. Un retrato de una figura emblemática y subversiva capaz de despertar sueños en eras oscuras

I’ve always been fascinated by simple topics tackling important issues. Talking about the art of cooking, from the basics, extrapolating it to a context of restrictions, lack of freedom, and use the outcome to question our own identity, our desires and the absurdity of permanent political repression. The film reflects the irrevocable underlying powers likely to exist in every society, but also the value of words, the communion of ideas and dreams, even when these draw away from political weights or colors. A portrait of an iconic and subversive figure, capable of inspiring dreams in dark times.

Director

Álvaro Muñoz Se graduó como cineasta en el Instituto Arcos. Su último cortometraje, Hombre eléctrico (2016), fue seleccionado en más de 50 festivales internacionales (Kaohsiung, Uppsala New York, Oderkurz, SANFIC).

He graduated as a filmmaker from the Arcos Institute. His latest short film, Hombre eléctrico (2016), was selected in more than 50 international festivals (Kaohsiung, Uppsala New York, Oderkurz, SANFIC).

Productora / Producer

Elisa Sepúlveda Es licenciada en Historia del Arte y Economía por La Sorbona, y se desempeña como productora trabajando entre Chile y Francia. Fue seleccionada en el Talents Buenos Aires y en el Atelier Ludwigsburg de París.

She has a bachelor’s degree in Art History and Economics from Sorbonne University, and works as a producer alternating between Chile and . She was selected to participate in Talents Buenos Aires and Atelier Ludwigsburg in Paris.

o / Elisa Sepúlveda T +56 9 9500 3935 E [email protected] [21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

349

BAL - Laboratorio de Producción (LAP)

Argentina

el olvido Oblivion

Título original / Original title : El olvido Género / Genre : Ficción / Fiction Duración / Running time : 90’ Presupuesto estimado / Estimated budget : USD 550.000 Compañía productora / Production company : Pensar con las Manos

Marlene encuentra en su pieza el cuerpo sin vida de una mujer que no conoce. Abandona el cuerpo sin saber qué hacer. No tiene conocidos en la ciudad: es una migrante boliviana indocumentada. Antes, atiende una llamada al celular de la chica muerta. Alguien llamado Langus dice conocer a la dueña del teléfono. Arreglan un encuentro. Langus es un ser extraño que tiene una teoría sobre la muerte de las mujeres: “Están vaciando los cuerpos”, dice. “Les sacan la emoción, les borran la memoria y las usan para lo que necesitan”. La teoría va más allá: “Lo que les sacan de los cuerpos a las mujeres no se muere, se está acumulando en los pájaros. Y un día va a salir”. Marlene no cree una sola palabra y busca a la familia de la chica muerta. De a poco empieza a perder fragmentos de lo vivido; su mundo se enrarece.

Marlene finds the dead body of an unknown woman in her bedroom. She abandons the body not knowing what to do. She knows no one in the city: she is an illegal immigrant from Bolivia. Earlier, she answers a call on the dead girl’s phone. Someone called Langus says he knows the owner of the phone. They meet up. Langus is a strange guy with a theory about women’s death: “They are emptying their bodies,” he says. “They strip them of emotions, erase their memory and use them for their needs.” The theory goes even further: “What they take from womens’ bodies doesn’t die; it is accumulating in birds. And one day it will come out.” Marlene doesn’t believe a word and looks for the family of the dead girl. Little by little, she begins to lose fragments of her life; her world becomes a strange place.

Motivación de la directora

Director’s statement

Como mujer, estoy atravesada por este momento histórico que nos toca. Me pregunto cómo viven este mismo tiempo mis vecinas del Once que habitan el desamparo en su triple condición de mujeres, migrantes y pobres. A modo de respuesta me propongo esto: hacer un policial sin policías protagonizado por una mujer débil que intenta llevar adelante una investigación seria como las que hacen los hombres serios en las películas serias.

As a woman, I feel transformed by this historical moment we are undergoing. I ask myself how my neighbors in Once are living these days, in helplessness, in their triple condition as female, immigrant and poor individuals. As a response, I attempt at making a police story without cops starring a weak woman who is trying to conduct a serious investigation, like the ones carried out by serious men in serious films.

Directora / Director

Luciana Piantanida Nació en Buenos Aires en 1977. Escribió y dirigió Los ausentes, su ópera prima, estrenada en Buenos Aires en 2016. Produjo La larga noche de Francisco Sanctis, de Andrea Testa y Francisco Márquez. Desde 2015 es parte de la productora Pensar con las Manos.

She was born in Buenos Aires in 1977. She wrote and directed Los ausentes, her debut film, premiered in Buenos Aires in 2016. She produced La larga noche de Francisco Sanctis, by Andrea Testa and Francisco Márquez. She has been part of the production company Pensar con las Manos since 2015.

Productor / Producer

Francisco Márquez Nació en Buenos Aires en 1981. Junto a Andrea Testa, dirigió La larga noche de Francisco Sanctis. Con Testa y Piantanida conforman la productora Pensar con las Manos, desde donde desarrollan y producen sus películas.

He was born in Buenos Aires in 1981. With Andrea Testa, he co-directed La larga noche de Francisco Sanctis. He has a production company with Testa and Piantanida, Pensar con las Manos, where they develop and produce their films.

o / Francisco Márquez E [email protected] 350

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

BAL - Laboratorio de Producción (LAP)

Argentina

Jesús López Título original / Original title : Jesús López Género / Genre : Drama Duración / Running time : 90’ Presupuesto estimado / Estimated budget : USD 411.199 Fondos recaudados / Funds raised : USD 82.869 Compañía productora / Production company : Murillo Cine

Jesús López tiene 23 años y muere en un accidente de moto. La pequeña aldea donde vive se conmociona con su muerte: ¿qué van a hacer sus familiares con ese sitio que deja vacío? Abel es su primo, tiene 18 años. Los padres de Jesús invitan a su sobrino Abel a que se quede unos días en su casa. Abel se hace amigo de los amigos de Jesús. Al mismo tiempo, Abel conoce a Azul, la exnovia de su primo muerto, con la cual comienzan un vínculo amoroso. En un principio todos aceptan la idea del doble pero, aunque Abel hace su mejor esfuerzo, comienza a incomodar a su entorno. Sin embargo, Abel no está dispuesto a entregar su personalidad robada y su parecido con Jesús es cada vez más sórdido, a tal punto que su cuerpo comienza a mutar, como poseído por el espíritu de su primo muerto.

23-year-old Jesús López dies in a motorbike accident. The small village where he lives is affected deeply by his death: what is his family doing with the empty space he left behind? Abel is his 18-year-old cousin. Jesús’ parents invite their nephew Abel to stay over for a few days. Abel befriends Jesús’ friends. At the same time, he meets Azul, his dead cousin’s ex-girlfriend, and they begin a romantic relationship. At first, everyone is fine with the idea of a double, but, even when Abel gives his best, a feeling of uncomfortableness arises in everyone around. However, Abel is not willing to give in his stolen personality, and his resemblance to Jesús becomes more and more sordid, to the point that his body starts mutating as if possessed by the spirit of his dead cousin.

Motivación del director

Director’s statement

De diversos episodios de mi vida personal nace Jesús López, proyecto con el que busco explorar la identidad adolescente. La adolescencia es el momento evolutivo de la búsqueda y representa un periodo de transición marcado por nuevos desplazamientos. No sabemos quiénes somos, y a veces tampoco qué o cómo nos gustaría ser. Buscamos modelos tanto en personas cercanas como en aquellas inalcanzables. La muerte, o una idea romántica de ella, nos ronda incansablemente en la adolescencia. ¿Qué pasa cuando la tragedia nos ofrece la posibilidad de ser otro? No uno que se inventa a sí mismo, sino ese que ya no está.

Jesús López, a project where I want to explore the adolescent identity, is born from different episodes of my personal life. Adolescence is the searching stage and represents a period of transition marked by new displacements. We don’t know who we are, and sometimes not even what or how we would like to be. We search for models in people, whether close or unreachable. In our teenage years, we are constantly surrounded by death, or the romantic idea of it. What happens when tragedy offers us the possibility of becoming someone else? Not someone invented by oneself, but that one who is no longer with us.

Director

Maximiliano Schonfeld Estudió cine en la ENERC. Dirigió las películas Germania (Bafici 2012), La helada negra (Panorama Berlinale 2015) y el documental La siesta del tigre (Doc Lisboa 2016).

He studied film at ENERC. He directed the films Germania (Bafici 2012), La helada negra (Panorama Berlinale 2015) and the documentary La siesta del tigre (Doc Lisboa 2016).

Productora / Producer

Cecilia Salim Es socia de Murillo Cine, productora de cine de autor que realizó El futuro perfecto, de Nele Wohlatz (Mejor Ópera Prima en el Festival de Locarno), y El motoarrebatador, de Agustín Toscano (Festival de Cannes).

She is a co-founder of production company Murillo Cine, which produced El futuro perfecto, by Nele Wohlatz (Best First Feature Film at Locarno ), and El motoarrebatador, by Agustín Toscano (Cannes Festival).

o / Cecilia Salim E [email protected] [21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

351

BAL - Laboratorio de Producción (LAP)

Argentina

Los caminantes de la calle Street Wanderers

Título original / Original title : Los caminantes de la calle Género / Genre : Ficción / Fiction Duración / Running time: 90’ Presupuesto estimado / Estimated budget : USD 656.000 Fondos recaudados / Funds raised : USD 284.000 Compañías productoras / Production companies : Protón Cine, Zebra Cine

Una fiscal investiga a la mafia china más grande de Argentina, implicada en extorsiones a comerciantes chinos, homicidios, narcotráfico y trata de personas. Por medio de escuchas policiales obtiene grabaciones, pero están en dialecto fujianés. La embajada envía a un policía chino para que ayude con las traducciones.

A district attorney investigates the largest Chinese mafia in Argentina, involved in extortion of Chinese shopkeepers, homicides, drug and human trafficking. The police has tapped their phones, but the recordings obtained are in Fujianese dialect. The embassy sends a Chinese cop to help with translation.

Motivación del director

Director’s statement

Casualidad y destino: creo que el cine tiene que ver con esto. El azar me cruza con múltiples historias, pero el motivo se repite. Siempre la misma escena: tres hombres irrumpen en el negocio familiar, al parecer son de la mafia, asesinan a mi padre en mi presencia. Yo, un niño de cinco años, me quedo a su lado mientras ellos escapan por la ventana. Nunca se sabrá lo que pasó. Junio de 2016: leo en los diarios la noticia de cómo cae una de las mafias chinas más grandes de Argentina a través de escuchas telefónicas. Por azar accedo al expediente de la causa. Así empieza la película. Es difícil materializar lo inasible de los sentimientos contradictorios, llenos de miedo y angustia pero que dan lugar a la adrenalina. Me descubro exaltado por un nuevo pensamiento, justicia poética. Para mi viejo, gracias al cinematógrafo.

Chance and destiny: I believe cinema has to do with this. I’ve happened to run into multiple stories where the motive repeats. Always the same scene: three men burst into a family-owned store, seemingly they are mobsters, they kill my father in front of me. A five-year-old child, I stand by his side as they escape through the window. We will never know what truly happened. June 2016: I read on the newspaper about the fall of one of the biggest Chinese mafia organizations in Argentina as a result of tapped phones. I get access to the investigation file by chance. And so the movie begins. It is hard to materialize elusive contradictory feelings, filled with fear and distress but giving way to adrenaline. I find myself thrilled by a new idea, poetical justice. For my father, thanks to the cinematographer.

Director

Juan Martín Hsu Nació en Buenos Aires y estudió Diseño de Imagen y Sonido en la UBA. En 2015 dirigió su ópera prima, La Salada. También dirigió los cortometrajes Diamante mandarín (2015) y Ropa sucia (2006).

He was born in Buenos Aires and studied Image and Sound Design at UBA. In 2015 he directed his debut film, La Salada. He also directed the short films Diamante mandarín (2015) and Ropa sucia (2006).

Productora / Producer

Mariana Luconi Nació en Mendoza, y egresó de la ENERC. Entre su filmografía como productora se encuentran Pichuco (2014), Centauro (2016), Toda mi alegría (2017) y Alicia (2018).

She was born in Mendoza and graduated from ENERC. Her filmography as a producer includes Pichuco (2014), Centauro (2016), Toda mi alegría (2017) and Alicia (2018).

o / Mariana Luconi T +54 911 3681 8737 E [email protected] 352

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

Un personaje volador A Flying Character

Título original / Original title : Un personaje volador Género / Genre : Ficción / Fiction Duración / Running time: 90’ Presupuesto estimado / Estimated budget : USD 279.191 Fondos recaudados / Funds raised : USD 44.000 Compañías productoras / Production companies : Una Presencia, Rewind My Future

Cartones de Rafael-Hoy, Mónica Rossi.

En medio del duelo por la muerte de su madre, un escritor se instala en el Ritz, un mítico hotel del centro de Buenos Aires. Intenta retomar su cotidiano y el trabajo en su próxima novela, pero la crisis emocional en la que se encuentra tiñe todas sus actividades. Erra por la ciudad sin rumbo cargando un rollo de pinturas que dejó su madre y que no logra abrir. Una larga noche en la habitación del hotel por fin consigue desplegar las obras. Son cuadros muy potentes, de otra época, muy vivos. De ahí en adelante ya no será solo él mismo: su escritura y las pinturas de su madre se cruzan en un imaginario que materializa encarnando nuevas identidades que conviven con la suya, en paralelo. Será Pablo, un hombre que baila desaforado en bares perdidos. También será Úrsula, una mujer melancólica que se inclina por la errancia y la contemplación de palomas.


While mourning his mother’s death, a writer moves to the Ritz, a mythical hotel in downtown Buenos Aires. He tries to pick up his everyday life and the work for his next novel, but the emotional crisis he faces is affecting all his activities. He wanders the city aimlessly with a roll of paintings left by his mother, which he can’t open. During one long night in the hotel room, he is finally able to unroll the works. These are very powerful and lively paintings, from another time. From then on he will no longer be just him: his writings and his mother’s paintings come together in an imaginary that he materializes by embodying new identities that coexist in parallel with his own. He will be Pablo, a man who dances wildly in dive bars. And also Úrsula, a melancholic woman with a penchant for wandering and contemplating doves.

Motivación de la directora

Director’s statement

¿Cuántas identidades caben en una vida? ¿Cuántas conocemos? ¿Cuántas desconocemos? En el origen y la exploración de cada una está la pasión que las cruza y las distingue. Un personaje volador es la puesta en movimiento de esta constelación, inspirada en la figura de un escritor (Iosi Havilio) cuya realidad se pone en crisis a partir de la pérdida de su madre, la pintora argentina Mónica Rossi.

How many identities fit into one life? How many do we know about? How many are we unaware of? At the origin of each one, and through its exploration, is the ion that connects and defines them. A Flying Character sets this constellation in motion, which is inspired by the figure of a writer (Iosi Havilio) who undergoes a crisis after losing his mother, Argentine painter Mónica Rossi.

Directora / Director

Martina Juncadella Nació en Buenos Aires en 1992. Es poeta, actriz, editora y directora. Dirigió los cortometrajes Fiora (2017, junto a Martín Vilela) y No me imagino siendo vieja (2018). Junto a Julieta Juncadella forman la productora audiovisual Una Presencia.

She was born in Buenos Aires in 1992. She is a poet, actress, editor and director. She directed the short films Fiora (2017, along with Martín Vilela) and No me imagino siendo vieja (2018). She co-founded Una Presencia with Julieta Juncadella.

Productores / Producers

Julieta Juncadella & Leonardo Brzezicki Julieta produjo y distribuyó los cortometrajes Fiora (M. Juncadella y M. Vilela, 2017) y No me imagino siendo vieja (M. Juncadella), estrenado en el Bafici 2018. Leonardo es director, guionista y productor. Dirigió y produjo Noche y The Mad Half Hour, entre otras.

Julieta produced and distributed the short films Fiora (M. Juncadella and M. Vilela, 2017) and No me imagino siendo vieja (M. Juncadella), premiered at Bafici 2018. Leonardo is a director, screenwriter and producer. He directed and produced Noche and The Mad Half Hour, among others.

o / Julieta Juncadella T +54 11 5322 6873 E [email protected] [21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

353

BAL - Laboratorio de Producción (LAP)

Argentina

BAL - Laboratorio de Producción (LAP)

Colombia

Sandra Título original / Original title : Sandra Género / Genre : Ficción / Fiction Duración / Running time : 85’ Presupuesto estimado / Estimated budget : USD 363.363 Fondos recaudados / Funds raised : USD 5.000 Compañía productora / Production company : Monociclo Audiovisual

Sandra es una madre soltera que trabaja como guardia de seguridad. Vive con su hijo adolescente Julián. Un día es transferida a otro punto de vigilancia de la ciudad y toma una ruta diferente. Así es como conoce a Javier, un conductor de bus. Durante el recorrido, una atracción entre ellos empieza a manifestarse. Cada día ella intenta tomar el bus de Javier y poco a poco experimenta un fuerte deseo por él. Aunque Javier es un hombre casado, pasan una noche juntos. Sandra entiende que no busca construir una familia con él, y en cambio redescubre el placer y da un valor diferente a su intimidad.

Sandra is a single mother who works as a security guard. She lives with her teenage son Julián. One day, after being transferred to another surveillance location in the city, she takes a different route. This is how she meets bus driver Javier. Along the way, a mutual attraction develops between them. Every day she tries to get on Javier’s bus and starts feeling a strong desire for him. Although Javier is a married man, they spend a night together. Sandra knows that she doesn’t want a family with him; instead, she rediscovers pleasure and values her intimacy differently.

Motivación de la directora

Director’s statement

Me interesa explorar el deseo femenino como un tema que ha sido silenciado e invisibilizado en nuestras sociedades. A las mujeres nos enseñan a complacer, pero cuando reclamamos nuestro derecho a ser complacidas se nos cuestiona; incluso lo hacemos entre nosotras mismas, y muchas veces el cuerpo femenino termina siendo un cuerpo que agrada, nada más. Sandra es una mujer que enfrenta una serie de machismos cotidianos, y emprende la búsqueda de su identidad desde la sexualidad. La premisa del personaje-persona es fundamental pues el objetivo es elaborar una ficción con elementos documentales.

I am interested in exploring female desire as a topic that has been silenced and hidden in our societies. Women are taught how to please, but when we claim our right to be pleased we become questioned; we even do it among ourselves, and many times the female body ends up being a pleasing body, and nothing else. Sandra is a woman who confronts machismo every day, and starts searching for her identity through her sexuality. The premise of the character-persona is fundamental since the aim is to create a fiction with documentary elements.

Directora / Director

Yennifer Uribe Alzate Realizó los cortometrajes de ficción Como la primera vez (2016) y Virgen (en etapa de desarrollo). Su largometraje Sandra se encuentra en etapa de desarrollo.

She made the fiction shorts Como la primera vez (2016) and Virgen (in development stage). Her feature film Sandra is in development stage.

Productores / Producers

José Manuel Duque & Alexander Arbelaez Realizaron los cortos Elan (2014), Memorias (2016), Tierra mojada (2017) y 84 (2019), y el largometraje Los nadie (2016).

They made the shorts Elan (2014), Memorias (2016), Tierra mojada (2017) and 84 (2019), and the feature Los nadie (2016).

o / Monociclo Audiovisual T +57 301 471 7888 E [email protected] 354

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

BAL - Laboratorio de Producción (LAP)

Brasil / Brazil

2019 Título original / Original title : 2019 Género / Genre : Ficción / Fiction Duración / Running time : 100’ Presupuesto estimado / Estimated budget : USD 720.000 Compañía productora / Production company : Vasto Mundo

En el año 2019, una guerra entre policías y narcotraficantes azota la ciudad de Contagem, Brasil, donde vive João Evangelista. La película 2019 revela cuatro posibles destinos para João a partir de quedarse o escapar. En “Warrior of the Sea”, escapa a Río de Janeiro. Allí frecuenta el Bar Esperança, un antro donde se junta la peor escoria del lugar. La segunda historia, “Polignano Amare”, lo encuentra a João escapando a San Pablo. En las últimas historias, “Sentinel” y “Poet’s Blood”, vemos dos representaciones de João Evangelista: una masculina, João, y otra femenina, Joana. 2019 presenta una alegoría del Brasil actual, un país marcado por la continua violencia hacia los marginados en un contexto de letargo y desesperanza.

In the year 2019 a war between police and drug traffickers dominates Contagem, Brazil, where João Evangelista lives. The film 2019 reveals four possible destinies for João from the point that he chooses to stay or to run. In “Warrior of the Sea”, he runs to Rio de Janeiro. He hangs out at “Bar Esperança”, a haven for the worst local scum. The second story, “Polignano Amare”, sees João running away to São Paulo. In the last stories, “Sentinel” and “Poet’s Blood”, we see two representations of João Evangelista: a masculine one, João, and a feminine one, Joana. 2019 presents an allegory of contemporary Brazil, a country marked by continued violence to the marginalized in an atmosphere of lethargy and hopelessness.

Motivación del director

Director’s statement

2019 es la última entrega de una trilogía dedicada a retratar la grandeza y el poder de la gente común. Al igual que mis películas anteriores, 2019 se aparta del camino del cine brasilero contemporáneo. Durante la última década, nuestro cine ha retratado a los pobres como seres brutalizados, cuyas vidas están dominadas por la violencia. Por mi parte, veo las cosas de otra manera. Claramente existe la violencia, pero todavía hay resistencia, creatividad y fuerza para definir un destino personal.

2019 is the last part in a trilogy dedicated to portraying the greatness and power of ordinary people. Just as in my previous films, 2019 takes a different course to that of contemporary Brazilian cinema. Over the last decade, our cinema has portrayed the poor as brutalized beings, whose lives have been dominated by violence. I see things differently. The violence clearly exists, but there is still resistance, creativity, and the strength to determine personal destiny.

Director

Affonso Uchôa Radicado en Contagem, dirigió A vizinhança do tigre (2014) y codirigió Arábia (2017), que se estrenó en la competencia Tiger del Festival de Rotterdam y fue premiada en festivales como el Bafici y Brasilia.

Based in Contagem, he directed A vizinhança do tigre (2014) and co-directed Arábia (2017), which was premiered at the IFF Rotterdam Tiger Competition and awarded in festivals like Bafici and Brasília.

Productora / Producer

Julia Alves Desde 2014, trabaja con directores de Brasil y Latinoamérica en la producción de películas como Era uma vez Brasília, de Adirley Queirós (Locarno 2017). Los territorios, de Iván Granovsky (Bafici 2017), e Invisible, de Pablo Giorgelli (Venecia 2017).

Since 2014, she has been working with directors from Brazil and Latin America, producing films such as Adirley Queirós’ Era uma vez Brasília (Locarno 2017), Iván Granovsky’s Los territorios (Bafici 2017), and Pablo Giorgelli’s Invisible (Venice 2017).

o / Julia Alves T + 55 11 966674149 E [email protected] [21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

355

talents

TARDE PARA MORIR JOVEN Continuando su tradición, la 14a edición del Talents Buenos Aires toma prestado el título de una película como puntapié para abrir el juego. Este año le corresponde a Tarde para morir joven, recientemente estrenada, escrita y dirigida por la realizadora chilena Dominga Sotomayor, a quien orgullosamente, con parte de su equipo técnico, pudimos presentar como participante del Talents años atrás. Cada edición del Talents BA pretende profundizar la reflexión en torno al trabajo audiovisual que se realiza en la región, y es determinante el lugar de las nuevas generaciones de cineastas que se proyectan en pantallas de todo el mundo. Deshacerse de las viejas estructuras para darles posibilidades a las nuevas formas de producción y distribución es una de las claves por analizar. Las nuevas cinematografías parecen ser impulsadas por innovadores ideales y formas de narrar, ya sea en aquellos casos en los que el relato es una mera excusa para intervenir en el mundo, tanto desde lo experimental o radical como en las formas más clásicas, pero sin por eso renunciar a dejar en la superficie aquello que hay que discutir y combatir del statu quo (las disputas de género, clase y territorialidad, sin ir más lejos).

El director alemán Rainer Werner Fassbinder pronunció alguna vez una frase brillante ante la curiosidad que despertaba su imparable pulsión por filmar una película detrás de otra: “Ya descansaré cuando muera”. Es en este sentido que la nueva edición del Talents BA quiere proponer su programa, desde esa energía vital y juvenil para hacer (que jóvenes y no tan jóvenes llevan dentro) y así intentar comprender el mundo que nos rodea. En definitiva, si bien varían las formas, los temas y los estilos, el cine siempre es político y de eso se trata esta edición, de poder debatir y (de)construir faros para fortalecer las miradas críticas e incentivar que nunca sea tarde para seguir pensando. Por último, nos enorgullece este año anunciar que se amplía la convocatoria a las directoras y directores de arte, que podrán compartir la experiencia en el Talents BA con todo el resto de las especialidades del quehacer audiovisual.

Agustina Arbetman & Manuel Ferrari Coordinadores de programación Talents Buenos Aires 356

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

talents

TOO LATE TO DIE YOUNG Continuing its tradition, the 14 th edition of Talents Buenos Aires borrows the title of a film as its kickoff point. This year, it’s the turn of Too Late to Die Young, recently released, written and directed by Chilean filmmaker Dominga Sotomayor, which we were able to proudly present, with part of its crew, as Talents participants years ago. Each edition of Talents BA attempts to deepen thoughts about the audiovisual work made in the region, paying special attention to the new generations of filmmakers seen at screens around the globe. Getting rid of old structures in order to pave the way for the new production and distribution forms is one of the key things to analyze. New cinematographies can be propelled by ideal innovators and narrative ways, in cases where the story is just an excuse for intervening in the world through the experimental and the radical as well as more classical forms, but without renouncing the will leave in the surface that which has to be argued and fought about the status quo (gender, class and territoriality disputes, without going any further). A partir de una convocatoria con más de 1200 postulantes, los 55 seleccionados, provenientes de 10 países, participarán de las diferentes actividades, talleres y capacitaciones del 14° Talents Buenos Aires, que se llevará a cabo del 2 al 6 de abril de 2019.

German director Rainer Werner Fassbinder once said something brilliant before the curiosity awakened by his unstoppable drive to shoot one film after the other: “I’ll rest when I’m dead.” This is how the new edition of Talents BA wants to present its program, from that vital, youthful energy to make (that the young and the not-so-young carry inside) and, this way, try to understand the world around us. In short, even though forms, themes and styles are varied, film is always political, and this is what this edition is about –being able to debate and (de)construct beacons, seeking to strengthen critical pointsof-view and assuring that it’s never too late to keep thinking. Lastly, this year we are proud to announce that the call is also open for art directors, who will be able to share the experience at Talents BA with the rest of the audiovisual specializations. AA & MF Programming Coordinators Talents Buenos Aires Through a call with over 1,200 applicants, the 55 selected, who come from 10 different countries, will take part in the different activities, workshops and trainings of the 14 th Talents Buenos Aires, which will be held on April 2 through 6, 2019.

Francisco Álvarez / Pablo Aparo / Martha Brito / Sara Judith Bautista Espinel / Lucía Fernanda Blánquez / Irene Cajías / Candelaria Carreño / Diana Castro Sánchez / Ana Comes / Renzo Cozza / María Isabel Cuadros Pedroza / Franco D’Alessandro / Darío D’Antiochia / Vanessa da Matta Heeger / Gonzalo Gastón Díaz Oyola / Robinson Enzo Díaz Sifuentes / Facundo Escudero Salinas / Nicolás Failla Spitta / Claudia Vanesa Figueroa Muro / Arimsay Fuentes Araya / Delfina Gavalda / Gloria Isabel Gómez Ceballos / Samuel David González Vera / Olivia Hernández / Yanina Jensen / Marina Layana / Luciano Lombardi / Christian Mejía / Ismael Amaro / Mariano Minestrelli / Sol Miraglia / Alice Name Bomtempo Martins / Carolina Niño de Guzmán / Daniel Pech Bezerra / Sergio Pellin / Manuel Embalse / Juan José Pereira / Agustina Pérez Rial / Pablo Alberto Ragoni / Eduardo Resing / Víctor Ribeiro Guimarães / Totino Ríos / Gastón Sahajdacny / Gisela Mariana Sánchez / Oscar Felipe Sánchez Saldaña / Federico Schmukler / Sylara Silvério / Pedro Speroni / Yennifer Uribe / Sebastián Valencia Muñoz / Alexandra Vázquez Pena / Melisa Zapata Montoya / Carolina Zárate García / Gabriela Zimmerman [21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

357

index by film

Índice por película / index by film #

C

27.12.2013 St. Louis Senegal 29, Acacia Avenue 66, rue Stephenson 1999 2019

Cairo Affaire 164 Camorra 217 Cantares de una revolución 78 Captain Morten and the Spider Queen 131 Carmen y Lola 245 Cartero 90 Casos complejos 96 Cavalcade 268 Ceniza verde 65 Chaco 343 Cherries 297 Christina Lindberg: The Original Eyepatch Wearing Butt Kicking Movie Babe 318 Clapotis 268 Claudia 15 Constanza 165 Cortázar & Antín: Cartas iluminadas 252 Crónicas amazónicas 344 Cronofobia 45 Cuando Harry conoció a Sally 322

297 311 296 104 355

A A ilha de Moraes A Punk Daydream A raiz do coraçao A sombra do pai A vida são dois dias A volta ao mundo quando tinhas 30 anos Absolute Beginners Afuera Alien, el octavo pasajero AllIs True Alpha, The Right to Kill Alquimistas Ana de día Analóxica Ángeles caídos Angélica y los espíritus Aniara Antes que llegue el ferry Anteu Apuntes para una película de atracos Aquarela Ars culinaria Astérix: Le Secret de la potion magique Azul

282 223 286 235 341 216 302 176 321 140 141 176 169 76 312 342 43 94 87 77 142 349 129 177

B Badur Hogar 49 Baldío 123 Bamboo Dogs 236 Barbara Rubin & the Exploding NY Underground 260 Bêtes blondes 202 Bikes 130 Black Bus Stop 81 Black Circle 319 Bliss 294 Blue Boy 112 Boom! A Film About The Sonics 224 Bora Bora 177 Boston Steamer 293 Breaking News 244 Breeze 170 Breve historia del planeta verde 50 Bruma 164 By Night to Light 299 358

D Danny Dave Davies: Kinkdom Come Demons Dennis and Lois Deux, trois fois Branco, un producteur de légendes Diamantes en la noche Diamantino Dilili à Paris Divino amor Duro de matar

211 102 345 178 296

F Familia Fin de siglo Fire Music Fly Rocket Fly Fordlandia Malaise Freaks and Geeks: The Documentary

254

253 323 246 132 143 324

144 210 192 193 112 226 67 194 192 313 325 263 350 113 178 113 114

Jesús López Juansebastián Just ing with Dr. Zussman

351 124 269

Kabul, City in the Wind Karate Kid Keep Singing: A Tribute to Jonas Mekas Keith Richards: The Origin of the Species Kiss & Cry Koko-di Koko-da

108 326 261 308 275 44

G Gaelle Obiegly Gaelle Obiegly – le prochain Genèse Girl with a Fork in a World of Soup Gloria Bell God of the Piano Gran Orquesta Grandes son los desiertos Guiso de Saturno

294 295 145 269 146 40 91 114 115

H 305 237 225

J

K 51 52 227 247 86

73

E Earth Eighth Grade El agua El agua de los sueños El brazo del Whatsapp El canto del tiempo El diablo blanco El escultor de los kilómetros El espesor de lo visible El forastero apasionado El gran Lebowski El navegante solitario El olvido El récord El sonido de la campana En la plaza oscura Ensayo para salir

Entrialgo Espero tua (re)volta Esquí Estilo libre Eva

Habaneros 309 Hamada 109 Hay coca 193 Hay gente que ni llega 179 Heidi Kim at W Hong Kong Hotel 293 Hen Night 292 Her Smell 147 Herachian 291 Héroes 165 Héroxs del 88 228 Hijos de Nadie: Una película sobre Los Adolfos Rap 229 His Master’s Voice 238 Historia de una casa 166 Hoffmaniada 133 Hombres de piel dura 53

I I diari di Angela Noiduecineasti Il dono Il primo re Im Wiener Prater In Rome Industrial Zone Instructions on How to Make a Film Ínsula ITUZAINGO V3RIT4

148 106 239 296 298 298 75 54 55

L La asfixia 95 La calma del agua 179 La carta fatal 315 La Cigarette 294 La ciudad de Jobino 180 La compañía 180 La creciente 56 La deriva 181 La distancia 171 La excusa del sueño americano 57 La experiencia judía, de Basavilbaso a Nueva Ámsterdam 219 La fundición del tiempo 97 La Guardia Virtual 181 La herida y el cuchillo (Notas para un film sobre Emilio García Wehbi) 195 La lección de anatomía 196 La medallita 193 La siesta 115 La tormenta 183 La vida en común 59 La visita 60 Lands of the Sea 68 Lapso de una noche paralela 182 Las alturas 182 Las facultades 58 Las partículas 183 Laurent 291 l’avenir? de F.v.G.? 299 Le Baromètre 291 Les Perseides 172 Letters to Paul Morrissey 79 Leyenda dorada 80 L’Homme fidèle 39 L’Île au trésor 218 Lisa 291 Lloren la locura perdida de estos campos 184

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

Lo imperdonable Lo que perdí en el fuego Lo que son las mujeres London: The Modern Babylon López Torres, pintor en la llanura Loro Los adoptantes Los árboles Los caminantes de la calles Los días de la ballena Los payasos Los rugidos que alejan la tormenta Los tiburones Lost Holiday Louis and Luca Mission to the Moon Lunar-Orbit Rendezvous

166 116 314 306 197 149 125 184 352 93 203 116 46 173 134 270

297 295

Romance de la ternura tardía Ruben Brandt, Collector

186

S

N NEC SPE, NEC METU Noche de novias Noemí Gold Nuestro tiempo Nueva casa

296 193 33 153 187

O O desejado ou As Montanhas da Lua O rio do ouro Ojo de mar Ojos Negros Okko’s Inn Os verdes anos

82 74

273 61 284 298 291 298 150 295 151 185 152 185 255 83 62

135 136 117 32 230 92 34 280 186 31

Paris Episodes Paris June 2009 age Briare Peret, yo soy la rumba Peter Kubelka and Jonas Mekas Photosession Pistolero POPFOLK Pousada das chagas Psychoanalyses without Ethics Putin’s Witnesses

283 285 66 36 137 279

299 292 293 231 290 293 126 270 281 292 107

Q Quedarse en casa ¿Quién mató a mi hermano?

187 100

R Raúl (La democracia desde adentro) Ray& Liz Ray Davies: Imaginary Man Répertoire des villes disparues Requiem for Detroit? Resonancias Retrato incompleto de la canción infinita Retrospekt Rio 50 Degrees: Carry on CaRIOca!

117 174

Trompita y la migración de liebres

188

U

P

M Ma nudité ne sert à rien Mangoshake Manual para una correspondencia desprolija Margen de error Mascara de Aço contra Abismo Azul Maschile – Roma Max Turnheim May 2012 Maya Me too, too, me too Meeting Gorbachev Mejor solo Mektoub, My Love: Canto uno Memoria del espacio Memory - The Origins of Alien Mens Método Livingston Minuscule 2: Les Mandibules du bout du monde Mirai Mis noches con Julia Monos Mr. Jimmy Mr. Leather MS Slavic 7 Mudar de vida Mumblecore en el Conurbano Music and Apocalypse

My Precious Skin My Psychoanalytic Notes Nadie quiere ser ese último

264 42 304 154 303 188 232 84 307

Sandra Sans adieu Santiago, Italia Sapos Schwaneck Screwball Se eu fosse ladrão, roubava Seder-Masochism Selfie Shabbos Kallah Shakti Shendy Wu: Un diario Shootingthe Mafia Si el sueño fuera quererte dormiría eternamente Siempre sí Siren’s Call Smuggling Hendrix So Long, My Son Soleils noirs SpiceIt Up Spitting Stan & Ollie Suc de sindria Summer Swing Kids

354 276 17 265 118 249 288 240 105 271 69 118 155 212 156 204 205 157 103 35 290 256 271 158 241

T Temporada 220 Testa 272 The Children of the Dead 70 The Great Buster: A Celebration 159 The Heat: A Kitchen (R)evolution 248 The House That Jack Built 160 The Insufferable Groo 257 The Love Letter 272 The Mountain 161 THE PARIS POETRY CIRCLE 295 The Real Thing Real Life in Fake Cities 221 The Scoundrels 242 The Unicorn 37 They Shall Not Grow Old 162 Thriller: A Cruel Picture 317 Time for Outrage! 297 Tiro de gracia 327 Todas vuelven 346 Todo lo cercano se aleja 119 Tres atados 119

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

Ulrich Gregor and Heidi Kim at the W Hong Kong Hotel 294 Un cuadro japonés 347 Un deseo 120 Un filósofo en la arena 266 Un personaje volador 353 Una chica invisible 206 Una noche solos 192 Untitled 290

V Vanitas Vatreni Vestinshou Vigilia en agosto Viva Matanzas Volcano Vox Lux VueTactile (FourWomen)

287 250 189 101 85 207 38 292

W Walking on Water Water and Clearing We Are Little Zombies What She Said: The Art of Pauline Kael Where Are You, João Gilberto? Where Do We Go Winter Flies Winter in Paris

198 71 41 258 233 72 213 299

Y Yo maté a Antoine Doinel 120

Z Zohar - The Return Zurita, verás no ver

259 199

359

índice por película

Índice por película / index by film

index by director

Índice por director / index by film A Abramovich, Manuel Abrantes, Gabriel Adba, Agustín Agou, Christophe Aguinsky, Daniela Ema Albertsen, Jordan Aletta, Martín Alonso Kahlo, Rodrigo Álvarez Neme, Juan Alverson, Rick Amaral Almeida, Gabriela Amaral, Sacha Amini, Aboozar Anderson, Luisina Andrizzi, Mauro Annuiti, Bruno Apezteguía, Pablo Arévalo, Pablo Arias, Mercedes Arroyave Restrepo, Catalina Astier, Alexandre Avildsen, John G. Azar, Peri

112 246 183 276 181 224 193 117 97 161 235 114 108 187 164 178 229 196 192 93 129 326 91

B Baird, Jon S. 256 Baldana, Juan 264 Bande, Ramón Lluís 78 Barzi, Santiago 185 Becher, Ricardo 327 Bendomir, Francisco 206 Bennett, Lewis 73 Billingham, Richard 42 Blanco, María Florencia 176 Bogdanovich, Peter 159 Bohdanowicz, Sofia 34 Bojar, Tomáš 244 Bondarchuk, Roman 207 Bouzas, Francisco 119 Box, Muriel 310-315 Brac, Guillaume 218 Branagh, Kenneth 140 Brichetti, Bruno 182 Bucci, Lucas 203 Bugni, Ana 117 Burnham, Bo 210 Bustamante, Ana Isabel 95

360

36 51 52 94 273 104 271 270 180 74 257 183 120 129 325 325 60 212 70 249 38 193 154

D Darakchiev, Jivko Dargenio, Andrea De Caro, Sebastián De La Cruz, Khavn De Mugica, Florencia De Oliveira Cézar, Inés De Sosa, Ion De Sousa Dias, Susana De Van, Marina Dexeus, Alberto Dinçel, Nazli Domínguez Serén, Eloy Dowd, Peter Michael Dupuis, Isabelle Durán, Vladimir

270 192 15 236 57 123 80 86 82 172 75 109 230 37 347

E Echevarría, Arantxa Efe, Anxos Efrati, Anat Elías, Daniel Elie, Julien Escobar, Raúl Everson, Kevin Jerome

245 76 269 113 103 94 81

34 53 102 199 184 311 225 342

Fraile, Ana Franco, Santiago Fratini, Giuliano Fris, Atara Fruhauf, Siegfried A. Fuentes, José Pablo Fuguet, Alberto

100 166 106 272 71, 72 193 156

G Gabarró, Ànnia Gachot, Georges Gallo, Maximiliano Gallus, Maya Galvagno, Nicolás Gamot, Perrine Garay, Benjamín García Bogliano, Adrián García Ibarra, Chema García, Mana García, Manuel J. García, Vladimir Garibaldi, Lucía Garrel, Louis Garver, Rob Geraghty, Tim Geyrhalter, Nikolaus Gianikian, Yervant Gimelberg, Daniel Giménez Zapiola, Julieta Giraud, Hélène González, Florentina González, Franco González, María Paz Grinszpan, Paula

172 233 180 248 126 270 66 319 80 226 130 94 46 39 258 37 144 148 125 118 135 188 56 346 114

H Hansen-Løve, Mia Harold, Claudrena N. Hendrickx, Jimmy Herzog, Werner Hitoshi Díaz, Luis Hodge, Brent Hosoda, Mamoru Hsu, Juan Martín Hui, Daniel Hung, Tzu-Hsuan

150 81 223 151 228 254 136 352 237 242

I Israeli, Mor Issa, José

268 193

J

F

C Campbell, Deragh Campusano, José Celestino Capai, Eliza Carmona Cannobbio, Alejandra Carmona, Luana Cass, Henry Cassidy, Chris Castagnino, Delfina

Castelo, Ivet Castro, Edgardo Castro, Lucio Caunedo, Juan Cendra Woodman, Diego Chadwick, Samara Chanowitz, Aleeza Charbonneau, Mélanie Charriere, Santiago Chiu, Terry Christoperson, Scott Cieza, Luciano Benjamín Claramonte, Agustina Clichy, Louis Coen, Ethan Coen, Joel Colás, Jorge Leandro Contratti, Celeste Copper, Kelly Corben, Billy Corbet, Brady Cornaglia, Gustavo Côté, Denis

Farina, Martín Felici, Benoit Fernández, Aarón Ferrari, Manuel Ferraro, Sofía Ferrente, Agostino Figueras, Agustina Finkelstein, Ignacio Folco, Martín Forero, Omar

112 221 266 179 116 105 177 182 176 96

Jackson, Peter Jancis, Kaspar Jaurrieta, Andrea Johannesson, Ika Juncadella, Martina

162 131 169 318 353

K Kågerman, Pella Kang, Hyoung-chul Kazah, Agustín

43 241 196

Kechiche, Abdellatif Klopf, Karl-Heinz Knispel, Yotam Kohan, Miguel Koretzky, Aya Kōsaka, Kitarō Kossakovsky, Victor Krstic, Milorad

152 272 269 219 216 137 142 174

L La Banca, Manque Lallana, Marta Lalor, Lucía Landes, Alejandro Landi, Narina Larre, Santiago Lelio, Sebastián Lesage, Philippe Levy, Diego Levy, Mariana Lewis, Lev Lewis, Yonah Liebenthal, Melisa Lilja, Hugo Linch, Juan Linz, Max Liska, Pavol Llorente, Diego Longinotto, Kim Losana, Azucena Loza, Santiago Lurf, Johann

345 36 177 32 188 193 146 145 124 186 35 35 165 43 115 31 70 211 155 68 50 268

M Maciel, Lucía Magnusson, Jane Mahieu, Chloé Mansky, Vitaly Mariani, Lucila Marsicano, Damián Martins Sanz, Malena Mascaro, Gabriel Masllorens, Ignacio Matarasso, Yannay Matin, Ramin Matray, Maxime Matthews, Michael Matthews, Thomas Mazzolo, Pablo McTiernan, John Mendoza, Brillante Mercado, Luis María Mondaca, Diego Mora, Sofía Moray, Irene Moretti, Nanni Moscoso, Rodrigo Moscovich, Iván Mouramateus, Leonardo Muñoz, Álvaro Muñoz, Jesús Muñoz, Rocío

114 318 275 107 188 229 189 143 166 269 204 202 173 173 65 324 141 101 343 62 271 17 49 181 341 349 266 193

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

N Nagahisa, Makoto Nante, Mariano Němec, Jan Nicot, Boris Nolasco, Daniel Novais Oliveira, André Noya, Rodrigo Nyholm, Johannes

41 166 323 253 92 220 185 44

O Ocelot, Michel Olmedo Redondo, Manuel Omerzu, Olmo Onis, María

132 197 213 54

P Palazzo, Franco Paley, Nina Pálfi, György Paolinelli, Liliana Paounov, Andrey M. Patierno, sco Pécora, Paulo Perrone, Raúl Petriz, Rodolfo Philippe, Alexandre O. Piantanida, Luciana Pinell, Lila Pino, Solange

171 240 238 61 198 217 164 55 263 255 350 275 179

Piperides, Marios Piperno, Alex Pokropek, Ingrid Prim, Isabelle Prividera, Nicolás Puente de Diego, Rocío

205 184 118 83 120 187

R Rajschmir, Cinthia Ramírez, Edson Rauwolf, Roly Reale, Santiago Reiner, Rob Rejtman, Martín Rémoli, Christian Reygadas, Carlos Rizzi, sco Rocha, Paulo Rogers, Ignacio Rosenberg, Dani Ross Perry, Alex Rots, Esther Rovere, Matteo Rovira, Armand Rubinstein, Dan

252 250 232 116 322 69 264 153 45 278-288 67 259 147 84 239 79 33

S Sachetti, Maximiliano Sallesses, Mauricio Santander, Demián Sarmiento Pagán, Álvaro

229 194 56 344

Sarmiento Pagán, Diego 344 Scavino, Lucas 100 Schmidt, Daniel 246 Schonfeld, Maximiliano 351 Schujman, Nicolás 113 Schwehm, Oliver 247 Scott, Ridley 321 Segalovich, Yaniv 259 Selser, Azul 186 Serebrennikov, Kirill 158 Serra, Emiliano 90 Siminiani, León 77 Sinay, Augusto 178 Singer, André 151 Sivertsen, Rasmus S. 134 Smith, Chuck 260, 261 Sokolov, Stanislav 133 Solaas, Eloísa 58 Sorrentino, Paolo 149 Sposato, Tomás 203 Stucchi, Melania 186 Surgal, Tom 227 Szabo, Thomas 135

T Tablón, Laura Mara 57 Tachella, Federico Luis 115 Tal, Itay 40 Tavares, Pavel 66 Temple, Julien 301-309 Thomas, Calvin 35

265 192

Tokman, Baltazar Turnes, Martín

U 355 354

Uchôa, Affonso Uribe Alzate, Yennifer

índice por director

Índice por director / index by film

V Vain, Malena Valencic, Ingrid Verdult, Dick Vibenius, Bo Arne Vladimiro, João Vom Gröller, Friedl Von Trier, Lars

183 212 85 317 87 289-299 160

W Walther, Alexia Wang, Xiaoshuai

202 157

Y Yanco, Ezequiel Yang, Kun

59 170

Z Zapata, Paloma Zaramella, Juan Pablo Zayat, Kevin Zeballos, Miguel Zeghers, Aaron

231 165 119 195 73

La tormenta La vida en común La visita Lands of the Sea Lapso de una noche paralela Las alturas Las facultades Las partículas Lloren la locura perdida de estos campos Lo imperdonable Lo que perdí en el fuego Los adoptantes Los árboles Los caminantes de la calles Los payasos Los rugidos que alejan la tormenta Margen de error Mejor solo Memoria del espacio Método Livingston Mis noches con Julia

183 59 60 68

Alemania Fly Rocket Fly Music and Apocalypse

247 31

Argentina

¿Quién mató a mi hermano? Afuera Alquimistas Angélica y los espíritus Azul Badur Hogar Baldío Blue Boy Bora Bora Breve historia del planeta verde Bruma Cairo Affaire Cartero Ceniza verde Chaco Claudia Constanza Cortázar & Antín: Cartas iluminadas

100 176 176 342 177 49 123 112 177 50 164 164 90 65 343 15 165 252

El agua El agua de los sueños El brazo del Whatsapp El canto del tiempo El diablo blanco El escultor de los kilómetros El espesor de lo visible El navegante solitario El olvido El récord El sonido de la campana En la plaza oscura Ensayo para salir Esquí Estilo libre Familia Fin de siglo Gran Orquesta Grandes son los desiertos Guiso de Saturno Hay coca Hay gente que ni llega Héroes Héroxs del 88

192 193 112 226 67 194 192 263 350 113 178 113 114 345 178 51 52 91 114 115 193 179 165 228

Hijos de Nadie: Una película sobre Los Adolfos Rap 229 Historia de una casa 166 Hombres de piel dura 53 Ínsula 54 ITUZAINGO V3RIT4 55 Jesús López 351 Juansebastián 124 La calma del agua 179 La ciudad de Jobino 180 La compañía 180 La creciente 56 La deriva 181 La distancia 171 La excusa del sueño americano 57 La experiencia judía, de Basavilbaso a Nueva Ámsterdam 219 La Guardia Virtual 181 La herida y el cuchillo (Notas para un film sobre Emilio García Wehbi) 195 La lección de anatomía 196 La medallita 193 La siesta 115

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182 182 58 183 184 166 116 125 184 352 203 116 61 185 185 62 117 361

índice por país

Índice por país / index by film

index by country

Índice por país / index by film Mumblecore en el Conurbano Nadie quiere ser ese último Noche de novias Noemí Gold Nueva casa Ojo de mar Pistolero Quedarse en casa Raúl (La democracia desde adentro) Resonancias Retrato incompleto de la canción infinita Romance de la ternura tardía Sapos Schwaneck Shakti Shendy Wu: Un diario Si el sueño fuera quererte dormiría eternamente Tiro de gracia Todo lo cercano se aleja Tres atados Trompita y la migración de liebres Un cuadro japonés Un deseo Un personaje volador Una chica invisible Una noche solos Vestinshou Vigilia en agosto Yo maté a Antoine Doinel

186 186 193 33 187 66 126 187 264 188 232 117 265 118 69 118 212 327 119 119 188 347 120 353 206 192 189 101 120

Austria

27.12.2013 St. Louis Senegal 66, rue Stephenson Bliss Boston Steamer By Night to Light Cavalcade Cherries Earth Eva Gaelle Obiegly Gaelle Obiegly – le prochain Heidi Kim at W Hong Kong Hotel Hen Night Herachian Im Wiener Prater In Rome Industrial Zone La Cigarette Laurent 362

297 296 294 293 299 268 297 144 296 294 295 293 292 291 296 298 298 294 291

l’avenir? de F.v.G.? Le Barométre Lisa Maschile – Roma Max Turnheim May 2012 Me too, too, me too My Precious Skin My Psychoanalytic Notes NEC SPE, NEC METU Paris Episodes Paris June 2009 age Briare Peter Kubelka and Jonas Mekas Photo session Psychoanalyses without Ethics Spitting Testa The Children of the Dead THE PARIS POETRY CIRCLE Time for Outrage! Ulrich Gregor and Heidi Kim at the W Hong Kong Hotel Untitled Vue Tactile (Four Women) Water and Clearing Where Do We Go

299 291 291 298 291 298 295 297 295 296 299 292 293

Soleils noirs The Heat: A Kitchen (R)evolution

290 293

Chipre

292 290 272 70

294 290 292 71 72 223 355 235 341 143 102 92 220

Bulgaria

Walking on Water

198

Canadá

Spice It Up 1999 Danny Freaks and Geeks: The Documentary Genèse Instructions on How to Make a Film Lunar-Orbit Rendezvous Mangoshake MS Slavic 7 Répertoire des villes disparues

Chile

Ars culinaria Gloria Bell Siempre sí Todas vuelven Zurita, verás no ver

349 146 156 346 199

China

Breeze So Long, My Son Smuggling Hendrix

170 157 205

Colombia

Los días de la ballena Monos Sandra Swing Kids

93 32 354

35 104 73 254 145 75 270 74 34 154

241 94

Dinamarca

The House That Jack Built 160 España

Ana de día 169 Analóxica 76 Apuntes para una película de atracos 77 Bikes 130 Cantares de una revolución 78 Carmen y Lola 245 Entrialgo 211 Les Perseides 172 Letters to Paul Morrissey 79 Leyenda dorada 80 López Torres, pintor en la llanura 197 Ojos Negros 36 Peret, yo soy la rumba 231 Suc de sindria 271 Estados Unidos

Barbara Rubin & the Exploding NY Underground Black Bus Stop Boom! A Film About The Sonics Cuando Harry conoció a Sally Dennis and Lois Duro de matar Eighth Grade El gran Lebowski

Fire Music Her Smell Karate Kid Keep Singing: A Tribute to Jonas Mekas Lost Holiday Memory - The Origins of Alien Mr. Jimmy Screwball Seder-Masochism The Great Buster: A Celebration The Insufferable Groo The Mountain The Unicorn Vox Lux What She Said: The Art of Pauline Kael

227 147 326 261 173 255 230 249 240 159 257 161 37 38 258

Estonia

Captain Morten and the Spider Queen

131

Filipinas

Cuba

Antes que llegue el ferry

Brasil

2019 A sombra do pai A vida são dois dias Divino amor Espero tua (re)volta Mr. Leather Temporada

248

Corea del Sur

295 297

Bélgica

A Punk Daydream

103

260 81

Alpha, The Right to Kill Bamboo Dogs Francia

Astérix: Le Secret de la potion magique 129 Bêtes blondes 202 Clapotis 268 Deux, trois fois Branco, un producteur de légendes 253 Dilili à Paris 132 Kiss & Cry 275 L’Homme fidèle 39 L’Île au trésor 218 Ma nudité ne sert à rien 82 Maya 150 Mektoub, My Love: Canto uno 152 Mens 83 Minuscule 2: Les Mandibules du bout du monde 135 POPFOLK 270 Sans adieu 276 The Real Thing Real Life in Fake Cities 221 Guatemala

La asfixia 224 322 225 324 210 325

141 236

95

Hungría

His Master’s Voice Ruben Brandt, Collector

238 174

Irlanda Shooting the Mafia

155

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

Israel Girl with a Fork in a World of Soup God of the Piano Just ing with Dr. Zussman Shabbos Kallah The Love Letter Zohar - The Return

Países Bajos 269 40 269 271 272 259

Italia

Camorra I diari di Angela Noi due cineasti Il dono Il primo re Loro Santiago, Italia Selfie

217

136 137 41

Letonia

Putin’s Witnesses

107

México

Nuestro tiempo Un filósofo en la arena Vatreni

108 84 85

Perú

Casos complejos Crónicas amazónicas Manual para una correspondencia desprolija

96 344 273

Portugal

148 106 239 149 17 105

Japón

Mirai Okko’s Inn We Are Little Zombies

Kabul, City in the Wind Retrospekt Viva Matanzas

153 266 250

A ilha de Moraes A raiz do coraçao A volta ao mundo quando tinhas 30 anos Anteu Diamantino Fordlandia Malaise Mascara de Aço contra Abismo Azul Mudar de vida O desejado ou As Montanhas da Lua O rio do ouro Os verdes anos Pousada das chagas Se eu fosse ladrão, roubava Vanitas

Noruega

Reino Unido

Louis and Luca Mission to the Moon

29, Acacia Avenue Absolute Beginners

134

282 286 216 87 246 86 284 280 283 285 279 281 288 287

Alien, el octavo pasajero 321 All Is True 140 Ángeles caídos 312 Aquarela 142 Dave Davies: inkdom Come 305 El forastero apasionado 313 Habaneros 309 Keith Richards: The Origin of the Species 308 La carta fatal 315 Lo que son las mujeres 314 London: The Modern Babylon 306 Meeting Gorbachev 151 Ray & Liz 42 Ray Davies: Imaginary Man 304 Requiem for Detroit? 303 Rio 50 Degrees: Carry on CaRIOca! 307 Stan & Ollie 256 They Shall Not Grow Old 162

Singapur Demons

República Checa

La fundición del tiempo Los tiburones

Breaking News Diamantes en la noche Winter Flies

244 323 213

237

Suecia

Aniara Black Circle Christina Lindberg: The Original Eyepatch Wearing Butt Kicking Movie Babe Hamada Koko-di Koko-da Thriller: A Cruel Picture

43 319

índice por país

Índice por país / index by film

318 109 44 317

Suiza

Cronofobia Where Are You, João Gilberto?

45 233

Taiwán

The Scoundrels

242

Turquía

Siren’s Call

204

Ucrania

Volcano

207

Uruguay

97 46

Rusia

311 302

Hoffmaniada Summer

133 158

MUNDIALES World Premieres

Badur Hogar Baldío Cartero Claudia Danny El canto del tiempo El diablo blanco El escultor de los kilómetros El navegante solitario Familia Gran Orquesta Héroxs del 88 Hijos de Nadie: Una película sobre Los Adolfos Rap Il dono ITUZAINGO V3RIT4 Juansebastián La creciente La excusa del sueño americano

La experiencia judía, de Basavilbaso a Nueva Ámsterdam La fundición del tiempo La herida y el cuchillo (Notas para un film sobre Emilio García Wehbi) La lección de anatomía La vida en común La visita Las facultades Les Perseides López Torres, pintor en la llanura Los adoptantes Los payasos Margen de error Método Livingston Mr. Leather Noemí Gold Ojo de mar Pistolero ¿Quién mató a mi hermano?

Raúl (La democracia desde adentro) Retrato incompleto de la canción infinita Si el sueño fuera quererte dormiría eternamente Siempre sí Una chica invisible Viva Matanzas Cortos / Shorts Afuera Alquimistas Analóxica Azul Bora Bora Bruma Constanza El brazo del Whatsapp El récord El sonido de la campana En la plaza oscura

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

premieres

premieres Ensayo para salir Estilo libre Grandes son los desiertos Guiso de Saturno Hay gente que ni llega Historia de una casa La ciudad de Jobino La compañía La deriva La distancia La Guardia Virtual La siesta La tormenta Lands of the Sea Lapso de una noche paralela Las alturas Las partículas Lo imperdonable Lo que perdí en el fuego Los árboles 363

premieres

premieres Manual para una correspondencia desprolija Mejor solo Memoria del espacio Mumblecore en el Conurbano Nadie quiere ser ese último Nueva casa Quedarse en casa Romance de la ternura tardía Schwaneck Shendy Wu: Un diario Todo lo cercano se aleja Tres atados Trompita y la migración de liebres Un deseo Vestinshou Yo maté a Antoine Doinel INTERNACIONALES International Premieres

Antes que llegue el ferry Bikes Cantares de una revolución Casos complejos Deux, trois fois Branco, un producteur de légendes Fly Rocket Fly Mangoshake Music and Apocalypse Ojos Negros Peret, yo soy la rumba Spice It Up Zohar - The Return Cortos / Shorts Testa Water and Clearing AMERICANAS American Premieres

A volta ao mundo quando tinhas 30 anos Bamboo Dogs Bêtes blondes Black Circle Breaking News Breeze Breve historia del planeta verde Cronofobia Earth Espero tua (re)volta Fordlandia Malaise His Master’s Voice Hombres de piel dura Ínsula

364

Letters to Paul Morrissey Louis and Luca - Mission to the Moon Ma nudité ne sert à rien Mens Santiago, Italia Sapos Selfie So Long, My Son The Children of the Dead The Scoundrels Vigilia en agosto Winter Flies Cortos / Shorts Cairo Affaire Cavalcade Ceniza verde Clapotis Leyenda dorada Los rugidos que alejan la tormenta POPFOLK Shakti Suc de sindria Where Do We Go LATINOAMERICANAS Latin American Premieres

1999 A Punk Daydream Absolute Beginners All Is True Alpha, the Right to Kill Ana de día Aquarela Astérix: Le Secret de la potion magique Barbara Rubin & the Exploding NY Underground Boom! A Film About The Sonics Camorra Christina Lindberg: The Original Eyepatch Wearing Butt Kicking Movie Babe Dave Davies: Kinkdom Come Dennis and Lois Dilili à Paris Eighth Grade Entrialgo Fin de siglo Fire Music Freaks and Geeks: The Documentary Gloria Bell God of the Piano Habaneros

Her Smell I diari di Angela - Noi due cineasti Il primo re Kabul, City in the Wind Keith Richards: The Origin of the Species Koko-di Koko-da L’Homme fidèle London: The Modern Babylon Loro Los días de la ballena Los tiburones Lost Holiday Mektoub, My Love: Canto uno Memory - The Origins of Alien Mr. Jimmy MS Slavic 7 Okko’s Inn Ray Davies: Imaginary Man Requiem for Detroit? Retrospekt Screwball Shooting the Mafia Siren’s Call Smuggling Hendrix Stan & Ollie Summer Swing Kids The Great Buster: A Celebration The Heat: A Kitchen (R)evolution The Insufferable Groo The Mountain The Real Thing - Real Life in Fake Cities The Unicorn Thriller: A Cruel Picture Volcano We Are Little Zombies What She Said: The Art of Pauline Kael Cortos / Shorts

Anteu Black Bus Stop Blue Boy Girl with a Fork in a World of Soup Instructions on How to Make a Film Keep Singing: A Tribute to Jonas Mekas Lunar-Orbit Rendezvous Resonancias Shabbos Kallah The Love Letter

ARGENTINAS Argentinean Premieres

29, Acacia Avenue A sombra do pai Aniara Apuntes para una película de atracos Captain Morten and the Spider Queen Carmen y Lola Cortázar & Antín: Cartas iluminadas Demons Diamantino Divino amor Genèse Hamada Hoffmaniada Kiss & Cry La asfixia L’Île au trésor Maya Meeting Gorbachev Minuscule 2: Les Mandibules du bout du monde Mirai Monos Nuestro tiempo Putin’s Witnesses Ray & Liz Répertoire des villes disparues Rio 50 Degrees: Carry on CaRIOca! Ruben Brandt, Collector Sans adieu Seder-Masochism Soleils noirs Temporada The House That Jack Built They Shall Not Grow Old Un filósofo en la arena Vatreni Vox Lux Walking on Water Where Are You, João Gilberto? Zurita, verás no ver Cortos / Shorts Héroes Just ing with Dr. Zussman La calma del agua Lloren la locura perdida de estos campos Mis noches con Julia

[21] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE